Este es un disco divertido que muestra un alto nivel musical y un fuerte sentido del humor. Impulsado por el fogoso trabajo de guitarra de Richie Zellon y fuertes dosis de percusión, Metal Caribe ofrece ingeniosas composiciones originales e interpretaciones eléctricas de latin-jazz de temas pop, rock y clásicos. Richie Zellon es un guitarrista nacido en Perú que actualmente reside en EE.UU. El libreto del CD proclama que Zellon es «el Frank Zappa del jazz latino», y aunque esta descripción es válida en ocasiones, sólo cuenta una parte de la historia. La música de Zellon puede ser salvaje y alocada, pero también muy lírica. (Eche un vistazo a la preciosa «Tel Aviv Blue»). Todos los temas de Metal Caribe son agradables, pero mis favoritos incluyen la versión cha-cha de «Sunshine of Your Love» de Cream, un complejo tema afrocubano llamado «Blue Whale Street», una versión cubano-jazz de «Smoke on the Water» de Deep Purple, y una improbable pero maravillosa pieza merengue-meets-klezmer llamada «Rabbi Merrenguewiz». El CD también ofrece versiones extravagantes de «The Twilight Zone» y «Peter and the Wolf» de Prokofiev, así como varios números originales que muestran una impresionante variedad de estilos de jazz latino, desde la samba hasta el festejo y el mambo.
El elenco incluye a Dave Samuels al vibráfono, Alex Acuña a la batería, Dave Liebman y Jerry Bergonzi a los saxos, Edward Simon al piano, Orlando Sánchez a la percusión y Oscar Stagnaro al bajo. Las vibraciones oscilan entre el sutil jazz latino y la fusión de guitarras a todo volumen.
Metal Caribe es ese raro CD que consigue mezclar estilos pop y jazz complicado de forma divertida e interesante. Debería gustar a todos los aficionados al jazz latino eléctrico y a la fusión sin prisas._Ed Kopp (allaboutjazz)
Luis Diego Bonilla (12 de octubre de 1965) es un trombonista de jazz estadounidense de ascendencia costarricense. También es productor, compositor y educador. Si a un artista se le puede llamar pulpo, ése es Luis Bonilla. Este trombonista, compositor y arreglista costarricense criado en California ha buscado, adoptado y dominado una increíble variedad de estilos musicales. Su éxito como músico de acompañamiento de grandes como McCoy Tyner, Dizzy Gillespie, Lester Bowie, Tom Harrell, Freddie Hubbard, Astrud Gilberto, Willie Colon y Toshiko Akiyoshi da fe no sólo de la habilidad y variedad del talento de Bonilla, sino también de una mente inquieta y comprometida con la exploración de algunas de las músicas más complejas y exigentes de nuestro tiempo. Sin embargo, la experiencia de Bonilla no tiene nada de enrarecida. Ha trabajado como músico de estudio con Tony Bennett, Marc Anthony, La India y Mary J. Blige, y entiende y explota tanto la vivacidad del pop como el vaivén rítmico y la pegada del jazz latino. Actualmente es miembro de la Vanguard Jazz Orchestra, la Afro-Latin Jazz Orchestra bajo la dirección de Arturo O'Farrill (ambas ganadoras del Grammy 2009) y el último grupo de Dave Douglas (Dave Douglas & Brass Ecstasy), Bonilla es uno de esos raros artistas cuyo trabajo está siempre en expansión, abarcando más y más sin dejar de ser singular y centrado: "Bonilla puede ser un trombonista acostumbrado a manejar esa cosa grande y larga que se desliza, pero cuando se trata de la ejecución de sus ideas, no deja escapar nada" (All About Jazz). ¡La crítica alabó sus dos primeros álbumes en el sello Candid, Pasos Gigantes (1998) e iEscucha! (2000), reconociendo la capacidad de Bonilla para dar voz a sensibilidades musicales radicalmente distintas con una facilidad y una fluidez que contradicen el rigor y la sofisticación de la música. Pasos Gigantes entró en la lista de los diez mejores discos latinos de Jazziz en 1998. Ya en estos dos primeros álbumes, los críticos destacaron el liderazgo de Bonilla y su sofisticado uso de los colores tonales.
Como profesor de la Universidad de Temple y de la Manhattan School of Music, Bonilla tiene un sentido intuitivo para sacar lo mejor de quiene s trabajan con él. Escuche cualquiera de sus discos y percibirá un extraordinario nivel de confianza e inspiración en la forma de tocar de cada miembro de la banda. Como señaló el crítico de All About Jazz, "Bonilla da a sus colegas amplio espacio para respirar, añadiendo impulso al flujo de sus ideas compositivas". Su siguiente álbum, Terminal Clarity, de 2007, fue una celebración, reflexión y extensión estética de sus años de trabajo con Lester Bowie. Aunque conserva las descaradas estructuras armónicas de la obra de su mentor, desde Brass Fantasy hasta su anterior y justamente famoso trabajo con el Art Ensemble de Chicago, Bonilla añade una "exuberancia contagiosa" (revista Jazzwise) que está en el corazón de su visión artística.
Sin desmerecer en absoluto la audacia de Bowie, Bonilla consigue equilibrar "lo cerebral y lo sucio" (Jazz Times), dando "pasos audaces para fusionar géneros latinos, free jazz y una variedad de otras influencias" (Latin Jazz Corner). ¡En su último álbum, I Talking Now! (2009), insiste aún más en estas disyunciones, exigiendo educadamente que sintamos las conexiones entre estilos musicales salvajemente dispares. Una embriagadora mezcla de swing, rock, free jazz, funk, bandas sonoras de películas, ruido vanguardista y baladas, I Talking Now, a pesar de toda su diversidad musical, habla con una sola voz. Es una visión claramente americana, una suave locura que sugiere que todos y cada uno de los sonidos pueden coexistir si seguimos aceptando más y más. Luis Bonilla se mueve en direcciones que amplían nuestras nociones del jazz y nos conducen a nuevos y sorprendentes reinos con "notable creatividad y versatilidad" (Newsday)._ (allaboutjazz)
Este disco te atrapa justo donde menos te lo esperabas. Una joven encantadora, con un vestido de muselina por encima, que puede ajustar su arco al tiempo que canta himnos de África Occidental. Al principio, uno piensa que lo que caracteriza a Ochumare es su virtuosismo. Y luego, en dos segundos abrasadores, esta diva habanera afincada en Suiza muestra sus dientes afilados. De un salto atraviesa recuerdos de Chapín, de Chucho Valdés, del jazz neoyorquino, de la imperiosa audacia de las ceremonias de santería. Nada es bonito en esta música; todo es urgente.
Yilian Cañizares nació no hace mucho, en La Habana. Muy pronto, sobre pieles de tambor, aprendió los ritmos complejos, los espacios oníricos, un África reescrita en la gloriosa insularidad de un país que también importó maestros de Rusia. Yilian es fruto de varias historias. Sabe tocar sonatas de Bach con un violín de precisión matemática. Puede producir un swing de Nueva Orleans. También puede - todo un logro - despertar a las divinidades yoruba. Y en particular a la diosa Oshun, el alma del agua dulce, que mejor corresponde a su naturaleza fluida.
Yilian, niña prodigio, estudió en casa, en una capital que es una encrucijada. Luego partió hacia Caracas: la orquesta, las sinfonías, aprendiendo meticulosamente un instrumento al que le gusta rebelarse. Se labró su propio destino, lejos de su pueblo, y acabó en Suiza para perfeccionar sus arpegios. Curiosamente, fue aquí, en plena Europa protestante, donde fundó un cuarteto que lleva el nombre de una divinidad yoruba: Ochumare. Desde entonces, hacen todo lo posible por reaccionar ante la potencia híbrida del jazz latino, mezclando todo lo que, directa o indirectamente, ha pasado por sus manos.
Un percusionista de Lausana, Cyril Regamey, del que todo el mundo cree que debe ocultar sus orígenes caribeños. Un pianista cubano, Abel Marcel, admirado por Chucho Valdés, que reúne en una cadencia herencias extraídas del impresionismo francés y de los brujos negros. Un bajista venezolano, David Brito, que ha puesto nombre de mujer a su instrumento; ancla el grupo con su sed de síncopas. Y en medio de estos tres tipos, imperturbable, Yilian Cañizares no se contenta con dispensar dulzura y luz. Ella enciende fuegos fatuos, mambos incandescentes, con el dominio absoluto de un repertorio que toma de todos sin devolver nada a nadie.
Canta 'Oshun Edé', un homenaje a su diosa personal, como si hubiera visto el río de ese nombre, sombrío y lleno de oráculos, que atraviesa Nigeria. Nada demostrativo, sólo la conciencia de que esta poesía se ha transmitido durante siglos, a pesar de los océanos que se interpusieron. En "Pirulisme" conjura ángeles acrobáticos, fuelles de lirismo aplastado, que vuelan a toda velocidad. Hilvana perfectos cha-cha-chás de manual, pulsaciones estridentes que parecen salidas de los viejos cabarets de la época en que La Habana aún no había sido conquistada por los turistas que viven de lo exótico (magnífico solo en "Papito"). Incluso cuando murmura estribillos sagrados ('Aso Kara Luwé') en un idioma que antaño se transmitía clandestinamente, Yilian lo relaciona con su propia realidad cosmopolita. La de una mujer que ha visto mundo.
Este álbum es de una riqueza inagotable. Se entra en él como se entra en el eufórico laberinto de las culturas caribeñas. Todo vale, siempre que no tomes nada como base", decía el compositor estadounidense John Cage. Cualquier cosa vale, siempre que lo uses todo, le responde Yilian. El jazz moderno de los años sesenta precursores. Las contredanses francesas del siglo XIX. Los ritmos del son cubano. Las plegarias indestructibles de los hijos de los esclavos. Ochumare es un dios del arco iris, una serpiente mítica que actúa como cordón umbilical del mundo que gira. En medio de la profusión de los senderos que nutren este disco, Yilian Cañizares revela una búsqueda íntima. Cómo encontrar el propio camino a través de la enmarañada red de los orígenes._Arnaud Robert
Pianista, compositor y arreglista, Simón Bolzinger es un apasionado de las músicas tradicionales, muchas de las cuales ha transcripto al piano así también como las ha reescrito para orquesta, con estricto respeto por la tradición, y buscando siempre la autenticidad de las mismas. De formación clásica y jazz se interesa principalmente por las culturas de América del Sur y del Caribe. Director artístico de la Asociación PICANTE en Marsella, organiza cada año, el Encuentro ”Tambor y Tango” sobre las músicas tradicionales, al igual que varios intercambios internacionales que luego conllevarán a la producción de espectáculos y grabaciones. De formación clásica, es por el canto coral que descubre América del Sur, integrándose a los coros universitarios de Caracas, bajo la dirección de Alberto Grau y de María Guinand. Habiendo pasado dos años en Venezuela (1989-1990) se inicia en la salsa y otros polyritmos afro-venezolanos. Obtiene la “Medalla de Oro de la clase de Jazz del Conservatorio de Marsella, bajo la dirección de Guy Longnon (1992).
Al final de sus estudios de Ingeniero en Física y de un doctorado en Acústica (1995), bajo la dirección del compositor Jean-Claude Risset, Bolzinger opta por la carrera de músico profesional y funda el grupo de salsa ZUMBAO que cosechó quince años de giras y de reconocimiento internacional, coronado en la apertura de la Feria de Cali-Colombia, (2006). Fino conocedor de las músicas tradicionales venezolanas, estudia tambien la tradición cubana y conoce a la cantante Martha Galarraga, con quien fundan juntos “Galarumba”(2003). Mas adelante, crea y organiza los reencuentros anuales “Tambor y Canto” en la Cité de la Musique de Marsella (2005) continuando con la presentación de todas las músicas de América del Sur. Le encontraremos también como compositor de voces conjuntas en”Voix de Strass”de Strasbourg, o como arreglador y acompañador para canciones mestizas en espectáculos tales como: “Nougarotrement” con Jean-Phillippe Trotobas,, “Waya’j”con Elsy Fleriag, “Barbara Jazz” con Katy Bolide, “Hispano América”con El Tchoune y Sylvie Paz, “Cabaret Eldorado”con Gil Aniorte, ”Aqua” con Regina Celia, así como también con las cantantes Michele Fernandez y Corinne Vangysel.
He aquí nueve de mis ritmos favoritos, tan apreciados como las canciones, que me gusta tocar al piano o en mi cabeza. Porque llevan en sí la identidad de una región, de un país, de un pueblo o de una música. Los descubrí en los "Encuentros Tambor y Canto" de la Ciudad de la Música de Marsella. Luego empecé a domarlos, colándome con mi teclado entre percusionistas y cantantes. Luego me los llevé a casa, y se los enseñé a mis amigos del jazz... Mis "ritmos queridos" seguramente habrán cambiado desde el principio del viaje, pero qué más da, mientras escuchar a este trío te lleve en un viaje musical a Sudamérica, la tierra de los llaneros, boleristas o candomberos, donde la música es danza, danzón, côco o huayno._Simon Bolzinger(assospicante)
Simon Bolzinger - Ritmos Queridos (2020) Temas: 01. Quitapesares 02. Mambo de Machaguay 03. Montuno en Olinda 04. La Pomeña 05. Como Llora un Estrella 06. Beau Soir & Dindi 07. Danzón para Oxúm 08. Baile de los Morenos 09. El Ciego Musicos: Simon Bolzinger (piano) Willy Quiko (Contrabajo, bajo) Luca Scalambrino (Batería) Invitado:
Que Dafnis Prieto ha emprendido un viaje musical épico queda claro en la música de este disco. Back to the Sunset, es la culminación de un viaje que mira hacia atrás desde el futuro. Esta colorida fantasía sinfónica es la realización de los sueños y aspiraciones de un batería que puede ocupar un asiento detrás de un juego de trampas, pero que en realidad pertenece a cualquier parte de la orquesta. Y mágicamente, el Sr. Prieto se ha convertido en la orquesta que anima y en la miríada de historias que se cuentan o, más apropiadamente, se cantan, los personajes de esta conmovedora y apasionante obra cambian. En algunas de ellas, el personaje principal es una trompeta animada, o un saxofón alto, un trombón, un piano, un bajo y también, si es necesario, un tambor. Hay una dinámica poderosa que impulsa toda esta música. Pero nunca al mismo ritmo.
Tampoco sigue un camino lineal y predecible. Más bien serpentea, salta en arcos parabólicos, viaja en profundos movimientos de ensueño con gracia y poder. "Back to the Sunset", por ejemplo, es la lujosa balada cromáticamente sinuosa del Sr. Prieto, que cuenta con la voz inconfundiblemente singular de Henry Threadgill al saxofón alto. La pieza, asombrosamente lenta, es muy imaginativa y la retorcida y ornamentada melodía del solo evoca al protagonista explorando la inmensidad del tiempo y el espacio. Lo mismo ocurre con la trepidante "Una Vez Más", que anuncia el sonido de big band desde el principio mientras avanza en una enorme partitura orquestal marcada por sensuales invenciones melódicas que se despliegan en las explosiones de deslumbrante color de Brian Lynch. Lo mismo ocurre con "Song for Chico", una canción dedicada a uno de los mentores del Sr. Prieto, Chico O'Farrill. Aquí Steve Coleman proyecta su gigantesca sombra sobre la pieza. En la música de esta pieza, el Sr. Prieto conserva claramente una profunda reverencia por lo que la mayoría de nosotros seguimos considerando la suma y la perfección del maestro O'Farrill. El Sr. Coleman, al igual que los demás solistas invitados y, de hecho, todos los miembros de la big band, demuestran que han captado la visión y el arte del Sr. Prieto con una perfección de matices.
En toda la música de esta grabación, el Sr. Prieto, su compositor y director, hace que domine la musicalidad. Aprovecha las sutiles artes de sus compañeros intérpretes para crear una grabación de referencia. Las numerosas joyas de esta grabación están marcadas por interpretaciones individuales de enorme habilidad, así como por grandes coros de conjunto como los que uno tendrá que caminar muchos kilómetros para descubrir en su vida.
Dafnis Prieto Big Band - Back to the Sunset es ganador de la 61ª edición de los Premios Grammy en la categoría de Mejor Álbum de Jazz Latino._Raul Da Gama (latinjazznet)
Luis Diego Bonilla (12 de octubre de 1965) es un trombonista de jazz estadounidense de ascendencia costarricense . También es productor, compositor y educador.
Luis Bonilla nació y creció en Eagle Rock, California, de padres que habían inmigrado a los Estados Unidos desde Costa Rica . Conoció la música y el jazz mientras asistía a Eagle Rock High School en Los Ángeles. Bonilla se inscribió en una "clase de metales" (creyendo que era una clase de taller de metal) solo para descubrir que estaba aprendiendo a tocar el trombón. En Eagle Rock High School estudió con el trompetista John Rinaldo en un programa de música y jazz bien establecido y galardonado que había producido músicos como Roger Ingram , Carlos Vega y Art Velasco. Durante este tiempo estuvo fuertemente influenciado por la interpretación y las grabaciones del legendario trombonista Carl Fontana .
Después de graduarse de Eagle Rock High School, estudió música en la Universidad Estatal de California en Los Ángeles y obtuvo una licenciatura en música. Durante su estancia en CSULA, fue miembro de la big band número uno y del mejor quinteto de jazz que obtuvo los máximos honores en el West Coast Collegiate Jazz Festival. Bonilla grabó cinco grabaciones notables con la big band de CSULA como solista destacado y realizó los arreglos para uno de esos LP. Estudió en Los Ángeles con Don Raffell , Roy Main, David Caffey y el ex trombonista y productor de Stan Kenton, Bob Curnow . Cuando más tarde se mudó a la ciudad de Nueva York , obtuvo una maestría en Interpretación y Composición de Jazz de la Escuela de Música de Manhattan .
Luis Bonilla (sentado) produciendo Mists: Charles Ives para Jazz Orchestra , abril de 2014
Bonilla se mudó a la ciudad de Nueva York en 1989 con la esperanza de tocar con uno de sus héroes musicales, el baterista Art Blakey . Bonilla finalmente aterrizó con Lester Bowie como trombonista del grupo y continúa inspirándose en Bowie con quien realizó numerosas giras y grabaciones. Bonilla se refiere a Bowie como su "padre fuera de casa", con quien ha aprendido mucho sobre la música y el proceso creativo. Se ha mantenido como músico de sesión y acompañante actuando con McCoy Tyner , Dizzy Gillespie , Tom Harrell , Freddie Hubbard , Astrud Gilberto , Willie Colón y Toshiko Akiyoshi . Ha demostrado su versatilidad como músico trabajando y grabando con artistas tan variados como Tito Nieves , Phil Collins , Tony Bennett , Alejandro Sanz , Diana Ross , Marc Anthony , La India y Mary J. Blige .
Ha sido miembro de la Mingus Big Band y de la Jazz at Lincoln Center Afro Cuban Jazz Orchestra; también ha realizado giras y grabado extensamente con Dave Douglas . En particular, se desempeñó como segundo trombonista (cátedra de jazz) de la Vanguard Jazz Orchestra durante 19 años (1999-2018). En febrero de 2009, recibió dos premios Grammy con la Vanguard Jazz Orchestra y actuó con la Afro Latin Jazz Orchestra . Ambos grupos han ganado numerosos honores con Bonilla como parte de esos conjuntos y como solista destacado. Mostrando su versatilidad como trombón, en 2010 apareció como solista clásico en The Chamber Wind Music de Jack Cooper y como solista de jazz en la grabación de gran conjunto Coming Through Slaughter – The Bolden Legend (SkyDeck). Se desempeñó como productor principal y trombonista en 2014 en el CD Mists: Charles Ives for Jazz Orchestra ( Planet Arts , 2014), que obtuvo elogios internacionales.
Luis Bonilla es el ganador del premio Rising Star de la revista Downbeat en 2010 y 2011.
Como artista de trombón, fue incluido en la encuesta de lectores de Downbeats en 2012. Bonilla también fue incluido en la encuesta de críticos de JazzTimes de 2011 para los mejores artistas de trombón de ese año.
Luis Bonilla ha enseñado en la Escuela de Música de Manhattan , la Universidad de Temple y el Conservatorio de Nueva Inglaterra . Desde 2013, Bonilla se ha desempeñado como director musical de la JM Jazz World International Youth Jazz Orchestra realizando giras por muchas partes de Europa. [7] Ha sido artista invitado y clínico en numerosos colegios y escuelas de música en los Estados Unidos e internacionalmente, incluyendo la Universidad de Memphis , la Universidad del Norte de Iowa , Riverside City College , la Universidad de Wellington (Nueva Zelanda) y muchas más. Ha enseñado en la Universität für Musik und darstellende Kunst en Graz, Austria._(wikipedia)
Hace unos diez años tuve la satisfacción de invitar al gran escritor Julio Cortázar a la presentación de un grupo de jazz que actuaba en el cabaret Parisién, del hotel Nacional, en La Habana. El momento culminante de la interpretación del grupo era un duelo de trompetas entre Jorge Varona, de los lrakere, y Arturo Sandoval. "increíble", me dijo el autor de Rayuela. "No podía imaginar que en Cuba hubiera trompetistas de jazz de esa calidad". Esta opinión no era intrascendente. Cortázar, gran fanático del jazz en Rayuela y su narración El perseguidor, basada en la figura de Charlie Parker, que están entre lo mejor que se haya escrito sobre el tema, sin olvidar a Thomas Merton o Jack Kerouac. Un año más tarde el encuentro de Cortázar con Sandoval, el joven trompetista cubano tocaba con uno de los grandes del jazz al mismo tiempo era su ido/o, Dizzie Gillespíe, durante la visita que éste hizo a Cuba en 1977. Y al año siguiente se presentaba con el grupo lrakere en el Festival de Newport, donde entonces le tocó el turno de asombrar a Maynard Ferguson. En el propio año 1977, en el Teatro de los Campos Elíseos, el joven pianista cubano Jorge Luis Prats ganaba el Primer Gran Premio del Concurso Marguerite Long, y además los premios Chevillon-Bonnaud y Maurice Ravel. En esa ocasión el novelista y musicólogo cubano Alejo Carpentier, que como Cortázar trabajaba entonces en París escribió una elogiosa nota en la que aseguraba hacerse eco de la crítica al calificar a Prats de "pianista fenomenal". Toot suite, del compositor francés Claude Bolling, unió a estos dos asombrosos instrumentistas. La obra en si, una suite para trompeta y "piano de jazz" se pudiera calificar de ecléctica y en gran medida lo es, pues integra de manera muy funcional el barroquismo de un Vivaldi con el clasicismo de un Mozart y toda una tradición francesa que incluye los nombres de lbert, Lalo, D'lndy, Massenet, Frank, Paul Dukas Ravel, Paul Bonneau, Eugene Bozza, Faure, Jolivet, Henri Broser, Michel Lagrand, y en sus últimos exponentes incorpora elementos del jazz, género que siempre tuvo su avanzada europea en Francia. Lo más sorprendente y paradójico en apariencia la ejecución de esta obra por estos dos solistas es descubrir al jazzista Sandoval como un intérprete impecable dentro de la gran tradición concertante europea y al concertista Prats atacar con sabor y swing genuinos las inflexiones jazzístícas de la obra.
Pero la sorpresa se diluye si recordamos una vez más al propio Carpentier, cuando al señalar las condiciones excepcionales de Prats como intérprete citaba que su ejecución de las Danzas rituales de André Jolivet había provocado el asombro de la viuda del compositor, autora de un libro sobre Edgar Varese, a tal punto que le dijo al novelista: " al escuchar a su compatriota creía oír al autor interpretándola". Y en cuanto a Arturo Sandoval, nos muestra de nuevo su facilidad en cualquier linea de trabajo, igualmente en el jazz la música ligera y la música popular cubana. Por eso se le ha visto desempeñarse con igual maestría junto al gran sonero Félix Chappotín y en festivales o jam' sessions con los mejores trompetistas de jazz de hoy : Gillespíe, Ferguson, Woody Shaw, John Faddis y Wynton Marsalis, y a semejanzas de este último, incursionar cada vez más en los dos terrenos más exigentes y repartir su trabajo entre lo "clásico" y el jazz.
Este disco es, por tanto, un regalo. Tanto para los más exigentes en los matices del jazz como para los aficionados a la música llamada "culta". Y un banquete para quienes esperan de la música solo y todo lo que es, música. Desarrollada por dos colosos._ Leonardo Acosta
Incluso para alguien que no esté muy versado en los rigores del negocio de la música, la hazaña de mantener unido a un conjunto de jazz repleto de talento durante 16 años no debería dejar de impresionar. En Revelation, el sexto álbum de la Afro Bop Alliance (ABA), con sede en Washington DC, escuchamos al batería y líder Joe McCarthy y a sus colegas alcanzar niveles aún más altos de excelencia técnica y aventura compositiva.
Formada como septeto, la ABA se ha convertido en una big band completa en dos de sus cinco lanzamientos anteriores, el primero en 2008 con el Caribbean Jazz Project, ganador del Grammy Latino: Afro Bop Alliance Featuring Dave Samuels, y en 2011 con Una Más. Esto convierte a Revelation en el tercer trabajo para big band, y su fuerza sónica es evidente. Victor Provost, el virtuoso del steel pan que subió a bordo de la ABA para su maravilloso lanzamiento de 2014 Angel Eyes, regresa con dos composiciones propias, «Magharibi» y «Soufriere». La mezcla de steel pan -tres intérpretes adicionales de steel pan, de hecho- con voicings de big band tan potentes y resonantes es una de las delicias de Revelation. Toda una revelación.
El saxofonista tenor y principal de la ABA, Luis Hernández, contribuye con «Dialed In», originalmente una composición para un pequeño grupo, que se escucha aquí en una versión ampliada repleta de color armónico, en una sensación lenta y relajada de 12/8. Y la apertura «CuBop», co-compuesto por McCarthy y ABA alto / saxofonista soprano / arreglista principal Vince Norman, es un guiño al nombre original de la banda y la celebración de su toma única en el legado del jazz afro-cubano. El guitarrista Jim Roberts emerge como una voz melódica clave desde el principio, su tono eléctrico limpio trae a la mente elementos de John Abercrombie y Joe Beck.
El resto del programa está dedicado a la obra de Roland Vázquez, cuyas partituras implicadas e ilimitadamente imaginativas le sitúan como uno de los compositores de jazz más importantes de nuestro tiempo. Los logros de Vázquez (como baterista y compositor) se remontan a mediados de la década de 1970, incluyendo una etapa fundamental con su mentor Clare Fischer. Experimentado pedagogo, Vázquez ha acumulado una variada producción que incluye obras para big bands, orquestas, grupos de cámara y conjuntos de percusión, entre otros. Su disco The Visitor, publicado en 2010, fue aclamado por todo el mundo y atrajo la merecida atención hacia esta gran voz infravalorada del jazz para grandes formaciones.
Los tres temas dirigidos por Vázquez en el estudio son «No Rest for the Bones of the Dead», «Family of Four» y «Créencias», de poco más de 10 minutos de duración cada uno. La primera se abre con una melodía anhelante de Hernández en primer plano, con sutiles acelerandos y deslizamientos de tempo que llevan a la pieza por un largo camino hacia un buen solo de tenor de Hernández. En la segunda, Alex Norris toca el fliscorno, en un hermoso vuelo al principio de la canción, y Matt Stuver regresa para un apasionado saxo tenor en la parte final.
En la tercera, «Créencias», los acordes de bloque declarativos de la apertura dan paso a un tema ineludiblemente apretado y groove y a una densa y gloriosa espesura de escritura lineal angular y contrapunto seccional laberíntico. Siguen los solos del trompetista y principal de la ABA Tim Stanley, el trombonista Victor Baranco y luego McCarthy, en una conmovedora y compleja sección de llamada y respuesta con la banda. Un breve pero efectivo retozo del pianista y director de la ABA Harry Appelman pone fin a la pieza, mientras la dinámica desciende, el ambiente se calma y la pieza -el álbum- llega a un enigmático y flotante final.
De principio a fin, Revelation es el clavé en toda su elasticidad y permutación, animado por una sección rítmica de consumada claridad y delicadeza. La ágil interacción de McCarthy con el percusionista Roberto Quintero (en los temas de Vázquez, Samuel Torres) está magníficamente captada por los micrófonos. El sólido ritmo y la versatilidad de los bajistas -el principal de ABA, Tom Baldwin; en los temas de Vázquez, Oscar Stagnaro- son cruciales para la cohesión y la pegada de cada pieza. Y no hay duda del hábil manejo de los arreglos por parte de Appelman y de sus fugaces giros como solista, especialmente en «Dialed In».
El saxofonista barítono y clarinetista bajo Darryl Brenzel, un destacado compositor y arreglista por derecho propio, es una especie de arma secreta en Revelation: salta para doblar una sección de metales con sordina o una línea de bajo o para subrayar un pasaje para flauta, clavando cada entrada y salida precisa. Su instrumento salta a la vista en la mezcla, uno de los muchos detalles intrincados de la paleta sonora de ABA. Otro es el vibrafonista Ed Fast, que aparece en los temas de Vázquez y aporta un brillo metálico a las orquestaciones (similar en cierto modo al de Provost en los temas que no son de Vázquez).
En términos de profundidad, sofisticación y maestría, ABA puede situarse en la cima del jazz de concierto, pero el grupo sigue enraizado en el ritmo de baile afrocubano, la primacía del ritmo y de la melodía. A pesar de su inclinación por las formas extendidas y la armonía modernista, esta música atrae directamente al oyente. En una palabra, tiene alma en abundancia._ David R.Adler - Nueva York, mayo de 2016
Virgilio Martí, nace en el año 1919 La Habana, Cuba. Fino Rumbero, Cantante, Compositor, Arreglista, Percusionista, Actor y Director de orquesta, bien conocido desde finales de los años 40's, especialmente como cantante de guaguancó.
Empezó a hacer giras por todo el mundo en el año 1949 y conoció a quien luego fue su esposa, en el año 1960, en Perú. En ese mismo año, se instaló en Nueva York, participando en la escena local. Participó en el LP "Patato y Totico" de 1967, también participó con su hermano Eloy Martí, en un Quinteto acompañado de Gene Golden, para el año 1979. También Israel López (Cachao), Arsenio Rodríguez, Héctor Cadavieco, Francisco Valdés, Papaíto, Tony Mayari y Mario Cadavieco, trabajaron en ese álbum. Participó en el "Grupo Folklórico Experimental Newyorkino, donde fue vocalista y percusionista del mismo, en 1975. En su estadía con ellos, compuso el tema "Cuba Linda". Otro trabajo de Martí de gran recordación, lo el disco titulado: "Saludando A Los Rumberos", publicado por la firma Caimán a inicios de los años 80’s y en el cual el cubano funge como vocalista y responsable o estrella principal en el mismo. En él, Martí se involucra con talentos como: Tony Cofresí, Andy y Jerry González, Yomo Toro, Paquito Pastor, Ray Romero, Claudio Roditti e Ignacio Berroa, entre otros. "Iya Modapue", constituye en si, un guaguancó con rumba abierta siendo a la vez el número favorito del "Grupo Folklórico", e incluso el primer surco que se grabó. Los niveles de experimentación y la libertad para descargar varios ritmos en una sola ejecución musical son los factores productores de la atracción de los músicos por "Iya Modupue" (que significa Gracias Madre). La parte vocal está en manos de Virgilio Martí. Sobresalen la trompeta de “Chocolate” Armenteros, en los trombones José Rodríguez y Reinaldo Jorge, la flauta de Gonzalo Fernández y la percusión de Frankie Rodríguez.
"Se Me Olvidó" - un bolero de Lolita de la Colina- pero adaptado en guaguancó al estilo del Grupo Folklórico, que dicho sea de paso resultó ser la pieza de mayor difusión radial en el ambiente tropical y por ende, el que le abriría las puertas a la agrupación. El tema fue interpretado por Virgilio Martí, quien en él también ejecuta las congas. En "Se Me Olvidó", sobresale el violín del cubano Alfredo de la Fe, el quinto de Julito Collazo, el redoblante callejero de Jerry González y una marimba mexicana tocada por Andy González en contrapunto a las notas del contrabajo, ejecutado también por Andy. Aquí vale acotar, que Alfredo de la Fe constituye el virtuosismo en los toques del violín y entre sus múltiples ejecutorias, recuerdo su trabajo con Eddie Palmieri, Larry Harlow (el judío maravilloso), las Estrellas de Fania y la vanguardista Típica 73. A principio de los 80's integró un banda con los hermanos Andy y Jerry González, y el percusionista Ignacio Berroa. Cabe destacar, la actuación en 1985 de Virgilio Martí en la película -del cineasta cubano León Ichaso- titulada :Crossover Dreams" (Sueños truncados). En la misma el habanero encarna el papel de “Cheo Babalú” y vocaliza el tema "Llora Timbero". En esa producción cinematográfica realizada en la ciudad de Nueva York, participa el también actor Rubén Blades, quien personifica a "Rudy Veloz". Allí entonan el tema "Todos Vuelven". Para 1990, contribuyó con la "Banda Sonora" de la película Azucar Amarga. Mantenía una gran destreza para convertir canciones de otros géneros, en arreglos de rumba. Podemos citar la adaptación del tema del compositor brasileño Jorge Ben, "Mas Que Nada", el cual aparece en el LP con Patato y Totico. Martí, falleció el 17 de octubre del año 1995._(Tom Datos "facebook")
Orquesta Wawancó. Fundada en 1984 en Múnich por Alfred M. Hartmann muy pronto se centró en la combinación de músicos cubanos principalmente locales y músicos cubanos residentes aquí. En la 31ª edición del Premio Alemán de Rock y Pop, Wawancó ganó dos veces el 1er premio en las categorías especiales - mejor canción pop latina (bailalá) - mejor arreglo Composición y arreglo cada uno de alfred M. Hartmann "Wawancó son una docena de purasangres del jazz latino cuya virtuosa alegría de tocar, ritmos calientes y melodías emocionantes... llevan años entusiasmando al público. La música de este enérgico conjunto ... también te llegará a los oídos y a las piernas. Advertencia:
Wawancó te estropeará el mal humor" (de un reportaje de la radio bávara sobre Wawancó). "Cócteles exóticos y tragos largos en el bar, ritmos latinoamericanos calientes desde el escenario... Esta o algo similar pudo ser la impresión de un tardío visitante tardía cuando la formación muniquesa Wawancó sumió al público en un auténtico frenesí salsero con sus animadas canciones.
En un auténtico frenesí salsero. (...) La salsa de Wawancó es un zumo burbujeante que mantiene joven y enamora a los jóvenes (...) El grupo se caracteriza por la evidente alegría de hacer música, que se contagia como una chispa encendida al entusiasta público.
La Orquesta Wawanco es una de las big bands de salsa más importantes de Europa y hace música realmente extraordinaria. El grupo está integrado por músicos de primer nivel provenientes de Cuba (cantantes y percusión) y Alemania (trompas).
Wawancó es probablemente la única Salsaband en Europa que presenta, en un espectro más amplio, sus propias composiciones. La música está compuesta por el pianista y director de orquesta Alfred M. Hartmann y los textos están escritos y elaborados en improvisación por los cantantes. Algunas de las canciones se han vuelto tan populares que las tocan bandas de todo el mundo. Desde hace varios años también está el famoso compositor y bajista cubano Silvio Vergara (Rumbavana, más tarde Grupo Raizón) que escribe arreglos exclusivos para Wawancó.
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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