Roy Anthony Hargrove (Waco, Texas; 16 de octubre de 1969-Nueva York; 2 de noviembre de 2018) fue un trompetista de jazz estadounidense. Su potencial y talento fueron descubiertos por Wynton Marsalis, cuando éste visitó su escuela, Dallas's Booker T. Washington High School for the Performing and Visual Arts. Durante su estancia en esta escuela, Hargrove tuvo la oportunidad de escuchar a David "Fathead" Newman, que tocaba para la Ray Charles Band, y que se convertiría en una de sus influencias musicales más destacadas. Aunque el sonido de Hargrove es fácilmente reconocible y original, también ha recibido influencias de Freddie Hubbard, Fats Navarro, Miles Davis, Lee Morgan y Clifford Brown. Hargrove murió de un ataque cardíaco el 2 de noviembre de 2018, después de haber sido ingresado en el hospital por un problema renal (se sabía que había estado recibiendo diálisis durante varios años). Tenía 49 años..._(wikipedia)
El trompetista Roy Hargrove ha estado en algunos ambientes musicales exóticos en el pasado - desde sus diversos quintetos, cuartetos, su conjunto afrocubano Crisol, y su banda de funk el Factor RH, él ha hecho prácticamente de todo. Y aunque ya ha tocado en varias big bands, nunca
había liderado la suya propia hasta ahora. Emergence, en el sello Groovin' High, cuenta con una big band de 19 miembros, que interpreta un conjunto de 11 standards y originales de Hargrove y los miembros de la banda, así como un tema escrito para el líder nada menos que por el pianista Chucho Valdés, que no aparece aquí. Las raíces de este proyecto se remontan a 1995, cuando Hargrove formó una big band para tocar en el Festival de Jazz de Nueva York. El grupo sufrió muchas metamorfosis cuando Hargrove tocó en una serie de clubes y festivales a lo largo de los años siguientes. El set comienza con "Velera", un tema escrito y arreglado por Hargrove. Es una balada de estilo modal con armonías extendidas y una hermosa paleta de texturas. El compositor emplea la contención para hacer surgir su preciosa melodía. Le sigue "Ms. Garvey, Ms. Garvey", escrita y arreglada por el saxofonista barítono Jason Marshall. Cita abundantemente "Wade in the Water" y "Hit the Road Jack", pero es un blues estridente y rítmico por derecho propio, con la amplia gama cromática y armónica de la sección de metales en plena exhibición, y contiene un solo de Hargrove que echa humo. Algunos de los estándares que realmente brillan son "My Funny Valentine", inusualmente comedido y totalmente elegante, y "September in the Rain", el primero arreglado por el trombonista bajo Max Siegel y el segundo por Hargrove. Requiem", de Frank Lacy, es la melodía más imaginativa del conjunto; arreglada por el compositor, camina por una sólida línea entre el jazz post-bop moderno y la composición clásica moderna. Roberta Gambarini es la vocalista invitada en "Every Time We Say Goodbye",
y hace un trabajo impresionante. También hay un par de números latinos en el disco, y son una maravilla: "Mambo for Roy", escrita por Valdés, y "La Puerta", en la que también interviene Gambarini, demuestran el alcance de esta banda. Tschpiso" de Hargrove es un salvaje y retumbante número de metales lleno de síncopas, ritmos duros y un fuerte sentimiento de blues. En conjunto, Emergence es una maravilla de arriba abajo._Thom Jurek (allmusic)
Temas:
01. Velera
02. Ms. Garvey, Ms. Garvey
03. My Funny Valentine
04. Mambo For Roy
05. Requiem
06. September In The Rain
07. Every Time We Say Goodbye (feat. Roberta Gambarini)
08. La Puerta (feat. Roberta Gambarini)
09. Roy Allan
10. Tschpiso
11. Trust
Musicos:
Roy Hargrove (Trompeta, fliscorno, voz)
Justin Robinson , Bruce Williams (Saxos alto, flauta)
Keith Loftis, Norbert Stachel (Saxos tenor, flauta)
Jason Marshall (Saxo barítono, flauta)
Saul Rubin (Guitarra)
Ambrose Akinmusire, Darren Barrett, Greg Gisbert, Frank Greene (Trompetas)
Vincent Chandler, Saunders Sermons, Jason Jackson (Trombones)
Secta Sónica fue uno de los grupos de la escena laietana que surgió en los años 70 en la órbita del
combo formado por el sello barcelonés Edigsa, que aglutinó a la inmensa mayoría de los artistas más inquietos de la ciudad, y la sala Zeleste, local dirigido por Víctor Jou donde se reunían los citados músicos y que por entonces estaba situada en la calle Platería, cerca de Via Laietana.
Pero esta historia comienza con el regreso a Barcelona de Xavier Pérez después de su infructuosa búsqueda de un contrato discográfico en algún sello londinense. Una vez en Barcelona pasa por diferentes formaciones como el grupo country-rock Sloblo y Gato, grupo pop-rock con fuerte influencia anglosajona. Pero ninguno de estos estilos le gusta demasiado, en palabras del mismo Xavier “no queríamos hacer cançó, por supuesto, ni queríamos abdicar del rock, pero tampoco caer de narices en la mera copia de grupos angloparlantes, como habíamos hecho con Gato”. Entonces Xavier se junta con Rafael Zaragoza, con quien había militado en Sloblo, y amante de los sonidos jazz-rock que habían surgido en la ciudad en los inicios de los años 70. Ambos, junto con Jordi Bonell y Víctor Cortina, formaron el núcleo más estable de la banda, por la cual pasaran diferentes percusionistas. En un principio tuvieron el nombre de Secta de la Sabiduría Estelar pero más tarde lo cambiaron por el que sería su nombre definitivo, Secta Sónica. Para su álbum debut “Fred Pedralbes” (Edigsa, 1976) cuentan con la ayuda de otros artistas del sello como fueron Jordi Sabaté, Lucky Guri, componente de Música Urbana, o Xavier Batalles que tocaba en Orquestra Mirasol, entre otros. En él prevalecen los sonidos más progresivos, acercándose por momentos al rock sinfónico, y reivindicando el uso de la guitarra eléctrica como instrumento melódico.
Al año siguiente lanzaron su segundo y, a la postre, último álbum “Astroferia” (Edigsa, 1977), un disco más arriesgado y experimental que su predecesor y en donde se palpa de forma más notoria las diferentes inquietudes de los componentes del grupo.
Después de este trabajo el grupo desapareció. Xavier Pérez tenía claro su objetivo: “Quería contar en tres minutos las cosas que me sucedían y veía a mi alrededor, pero no daba con la fórmula. Tenía muy claro, eso sí, que lo de cantar en inglés era una majadería y que no tenía ningún sentido contar historias de surfers”. Esa formula la encontraría gracias a Jordi Vilella, batería del grupo, que llevó a Xavier a las fiestas del barrio de Gràcia. Una vez allí descubre la rumba catalana, quedando tan fascinado que decide adoptarlo como su forma de expresión artística. A finales de ese año, ya como el Gato Pérez, lanza “Carabruta” (Belter, 1977), que dio el inicio a una carrera con la que acabaría convirtiéndose en uno de los máximos exponentes de la rumba catalana.~Roberto Macho
Para bautizar su disco de debut Secta Sonica deciden usar el nombre del barrio pudiente donde reside la alta burguesía barcelonesa, el barrio de Pedralbes. En él, la banda se hermana con otros grupos del mismo sello, parten de una base de rock progresivo con fuertes influencias jazzies llevando su música en algunos momentos más allá hasta llegar al rock sinfónico, que ya habían practicado otros grupos foráneos como Yes o The Alan Parsons Project.
Un elemento curioso en la constitución del grupo es la inclusión de tres guitarristas, que si bien en algunos temas tocaban por separado, en la mayoría suenan de modo conjunto como en la balada “I left my heart in El Aaiun”, demostrando que uno de sus puntos fuertes eran tanto el dominio, como la perfecta ejecución de sus instrumentos.
El sonido de la banda va desde temas tan vibrantes como la canción con la que abren el disco,
“Violentos los correas” o “Acoyte”, que les hermana con otro grupo de la escena como fueron Iceberg, hasta temas más folk como “La terra es plana”
En la parte más experimental del disco se encuentra “La Palmèria”, donde el grupo se acerca más al rock sinfónico, al igual que en “Puré de rissos” donde el tema se sustenta en el sonido acústico de la guitarra y “Wad-ras”, cuyo uso del wah-wah le da un aire muy funky al tema.
El principal peligro con el que nos encontramos en los discos instrumentales es que escuchados de forma continua a la larga acaban cansando, y este “Fred Pedralbes” no es una excepción, a pesar de los intentos bastante notables del grupo y que de primeras sorprenda. El disco gana si se escucha de vez en cuando, dejando pasar el tiempo para poder descubrir los diferentes matices y apreciarlo en todo su esplendor.~Roberto Macho
Wolfgang Meyer, nació en Crailsheim, Alemania. Ha sido ganador de numerosos concursos, de los que cabe destacar el Concurso Internactional ARD de Munich. Estudió con Otto Hermannn en la Staatlichen Hochschule für Muzik de Stuttgart y en la Muzikhochschule de Hanover con Hans Deinzer. En 1970 terminó sus estudios y recibió el diploma de la Muzikhochschule de Karlsuhre y desde 1989 es profesor en dichas Escuelas Musicales. Adicionalmente ha impartido clases magistrales en Brasil, Italia, Japón, Canadá, Finlandia, USA y España. Como solista ha hecho hincapié en la música contemporánea, en particular, los trabajos de Tiberiu Olah, Jean Francais, Péter Etötvös y Edison Denissow. Mr. Meyer es miembro fundador del Trio di Clarone, tocando con su hermana, Sabine Meyer y Reiner Wheel. También ha colaborado con numerosos artistas como Nicolas Harnoncourt, Musicus Wien Quintet, Quatuor Mosaïques realizando una grabación del Quinteto para Clarinete de Mozart y el Trio “Kegelstatt” con instrumentos de época.~allerporlamusica
Temas:
01.Obsesion
02.Delirio
03.Memories
04.Bolero For A Bird
05.Cake Waltz
06.Claudia
07.Linda Chicana
08.Song To My Son
09.Night In Englewood
10.Oblivion
Vicenç Solsona Ha actuado en festivales nacionales e internacionales acompañando artistas como Bebo Valdés, Paquito D’Rivera o la cantante cubana Lucrecia, con la que ha colaborado como arreglista, productor y director musical. Habitualmente trabaja con diversas formaciones de Jazz y música latina por todo el estado español y colabora con artistas como Nina, Rocío Jurado, Marina Rossell, Delmar Brown, Manolo García o Maria del Mar Bonet. Ha gravado discos con Eladio Reinón, & Bebo Valdés, Joan Monné Trio, Bernardo Sassetti, Lucrecia, Ai Ai Ai, La Big Latin Band, Rai Ferrer Trio y un largo etcétera. De su discografía como líder destacan Ida y vuelta, Passejada e Insomne. En verano del 2009 saldrá su último trabajo Belmonte.
Desde 1988 es profesor de guitarra y conjunto instrumental del Taller de Músics y actualmente es Director Musical y jefe de área de la sección de jazz y de música latina en este mismo centro.
El liderazgo de la dinámica Afrocuba Grupo ha sido transmitida como un tallo de caña de azúcar grasa entre instrumentistas brillantes que, inevitablemente, primero pasar a través de las filas de los miembros del grupo. El saxofonista Nicolás Reinoso fue el director original del grupo, empezando en 1977 con la idea de mezclar música de raíces cubanas con nuevos estilos como el jazz e incluso el jazz fusión. El nombre completo del conjunto es Grupo Afrocuba de Matanzas, lo que denota la base de la banda de la casa original, enlazando con el talento que en otros locales, como Los Muñequitos de Matanzas. Reinoso crear una sección de saxofones de tres piezas de la participación de los hermanos Carlos Acosta y Fernando Acosta, tamponado con trompetas y una sección de ritmo interesante en el que se jugó una línea de bajo a veces por un par de guitarras.
El pianista Ernán López-Nussa asumió el papel de comandante supremo de Reinoso, efectuando una especie de golpe de estado de la línea de fondo en el que los percusionistas Mario Luis Pino y Anselmo Febles continuaron asaltando más y más hacia adelante.
Otros cambios en la composición no hizo nada para disminuir una reputación cada vez mayor a través de la exposición internacional y premios nacionales. El trompetista Roberto García pudo haber sentido que su ejecución de las notas más altas constantemente requerido en los arreglos del grupo le concedió el derecho de iniciar la emisión de órdenes hacia los años 90. Lo que todos estos líderes de Grupo Afrocuba han tenido en común es la consistencia en el compromiso de crear un sonido combo tan singular como una célula de ADN. Más información relacionada Grupo Afrocuba-Acontecer (1995)
Temas: 01.En Lloró 02.Sahara 03.Cascadas 04.Rayos de Sol 05.Acontecer 06.Amor Blindado 07.Jocuma Información cedida por Osvaldo M.
Israel "Cachao" López (La Habana, 14 de septiembre de 1918, Coral Gables - 22 de marzo de 2008, Miami), a menudo conocido simplemente como "Cachao", fue un músico y compositor cubano. Se convirtió en una leyenda de la música cubana con su magistral manejo del contrabajo y se destacó por sus actuaciones musicales en el mambo y el jazz latino. Su talento lo llevó a obtener dos premios Grammy (en 1995 y 2005), un Grammy latino en 2003, el título de Doctor Honoris Causa otorgado por la Universidad de Berkeley y una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Ha sido descrito como "el inventor del mambo". Se le considera un maestro de la descarga (improvisaciones en vivo).
Comenzó tocando distintos instrumentos, hasta que se quedó con el contrabajo, que le permitió, siendo un adolescente, ingresar en la Orquesta Filarmónica de La Habana, donde tocaban su padre y su hermano mayor. "Cachao" salió de Cuba en 1962 con una larga lista de éxitos y aseguró en una entrevista concedida el 2007 que si no fuera por su compatriota y colega Dámaso Pérez Prado "no se hubiera escuchado el mambo mundialmente". Su primera parada fue Madrid, donde permaneció un año antes de emigrar a Estados Unidos. En ese país residió en las ciudades de Nueva York, Las Vegas y Miami. López también tocaba el bajo acústico con su hermano, el multi-instrumentista Orestes López. Ambos compusieron literalmente más de 3.000 canciones juntos y fueron muy influyentes en la música cubana desde los años 1930 a la década de 1950. Crearon el "nuevo ritmo" hacia fines de los años 1930, el cual transformó el danzón mediante la introducción de ritmos africanos en la música cubana, que llevó al mambo. Ganó varios premios Grammy tanto por su propio trabajo y sus contribuciones en álbumes de estrellas de la música latina, incluyendo a Gloria Estefan. En 1995, ganó un Grammy por Master Sessions Volumen 1. En 2003, ganó un Grammy Latino al Mejor Álbum Tropical Tradicional Latina junto con Bebo Valdés y Patato por El Arte Del Sabor. Volvió a ganar un Grammy en 2005 por su trabajo ¡Ahora Sí!.
Su sobrino, Orlando "Cachaíto" López se convirtió en uno de los pilares del famoso Buena Vista Social Club.
Cachao tocó con artistas como Tito Puente, y su música ha aparecido en películas como La jaula de las locas, y la banda sonora del videojuego Grand Theft Auto: Vice City. El actor Andy García produjo un documental titulado Cachao ... Como Su Ritmo No Hay Dos en 1993 acerca de su música. También compartió escenarios con Celia Cruz y su esposo Pedro Knight, así como con el trombonista Generoso Jiménez. Su última colaboración musical la realizó con Gloria y Emilio Estefan en el álbum de la cantante titulado 90 Millas.
López falleció en la mañana del 22 de marzo de 2008 en Coral Gables, Florida, a la edad de 89 años, producto de complicaciones tras una insuficiencia renal.
Carlos Barberia comenzó su carrera en La Habana, Cuba, en la década de 1950, tocando en clubes nocturnos como Monmatre y Tropicana. En uno de sus primeros álbumes, titulado "Carlos Barbería y su Orquesta", aparecía la cantante Yvette De La Fuente, que actuó con el grupo a mediados de la década de 1950 en La Habana. "Bésame Mucho", que más tarde grabaron los de 2008 de Luis Miguel "La Gloria Eres Tú" eran dos de las canciones del álbum. En su época Barbería tenía mucho talento y era un gran anfitrión. En La Habana conoció a la famosa Ava Gardner. Esa misma noche la actriz le invitó a salir; le encantaba cómo dirigía su orquesta, cómo se ponía la "habanera", una camisa típica cubana. Durante los años 70 y 80, Barbería dirigió en Nueva York una big band cubana, la Orquesta Kubavana. Entre los artistas que actuaron con él se encontraban Paquito D'Rivera, Willy 'El Baby' Rodríguez (que también cantaba con la Sonora Matancera) y Meñique (que también cantaba con Charlie Palmieri).
Chévere, el lanzamiento de Discolandia de 1975 de Carlos Barberia y su Orquesta Kubavana, Rodolfo Manzano, Leonardo Rubino, y Miguel Menedez en las trompetas, Al Cobb en el trombón, Vicente Prado, Roberto Perez, Howard Johnson y Max Lucas a los saxos, Elio Martinez al piano, Bobby Rodríguez al bajo, Sammy Leon a las congas, Julio Perez a los bongos y timbales, y las voces de Juan Coronel y Tito Contreras.
En 1980, Carlos Barberia y su Orquesta Kubavana grabaron Rarezas del Siglo con Rolando 'Ruso' Aguilo, Ike Acometa, E. Suárez 'Jaruco', Jesús Silva y Mario Bonafede en las trompetas, Marco Katz en el trombón, Vicente Prado, Mitchel Endick y Maxwell Lucas en los saxos, Elio 'Pepsi Cola Martínez en el piano, Cucho Martínez en el bajo, Rolando Díaz en la conga, Marcelino Valdés en los bongos y timbales, y los vocalistas Tito Contreras, Meñique y Willy "El Baby" Rodríguez.~ (vintagemusic)
Carlos Barberia falleció el (4 de enero de 2013) en la ciudad de Union City, New Jersey
Canadiense Jane Bunnett se ha distinguido como un saxofonista soprano y compositor durante un largo período. Después de sus colaboraciones con el fallecido pianista Don Pullen se sintió atraída por la música cubana, por lo que regularmente lo incorporó a sus composiciones y utilizados con frecuencia instrumentistas y vocalistas cubanos. Esta sesión es un poco diferente de sus fechas anteriores, ya que su foco principal está en la Afro-Cuban/Haitian diez voz a capella del coro Grupo Vocal Desandann, que despertó su interés con sus armonías inventiva y capacidad de manejar los ritmos difíciles. Estas sesiones de primavera de 2008, cuentan con canciones tradicionales cubanas y haitianas y originales de Bunnett con diversos letristas, junto con un original y una disposición sorprendente por su compatriota canadiense Don Thompson, que alterna entre el bajo, piano, vibráfono, marimba y. Bunnett co-escribió el complicado "Kaleidoscope" con plomo Evans vocalista Kellylee, una pieza rítmica compleja, con muchos cambios de acordes repentinos que Evans y el maestro de los músicos con facilidad. Soprano ligera Bunnett y Virelles pianista David se presentó brevemente en la pieza tradicional "Wongolo", un escaparate para el Grupo Vocal Desandann. "If You Go Away" (escrita por Jacques Brel y poeta Rod McKuen) no es el tipo de pieza que uno esperaría escuchar en una cita de jazz, y mucho menos una sesión de Cuba con sabor, pero arreglo infecciosas de Thompson y de vacaciones Molly Johnson Billie vocales con sabor a llevar todo el día. Jane Bunnett sigue demostrando que el jazz absorbe fácilmente los mejores elementos de cualquier tipo de música con este esfuerzo bien. ~ Ken Dryden, Rovi
Temas:
01.Sway
02.Kalaidescope
03.Wongolo
04.Serafina
05.If You Go Away
06.Pancho Quinto
07.I Hear Voices
08.Chen Nan Ren ( Protest Song )
09.Egberto
10.Nu Danse
11.Pa Gen Dlo ( There Is No Water )
12.Only One ( for Sheila Jordan )
Musicos: Jane Bunnett-Flute, Composer, Sax (Soprano), Liner Notes, Arranger
Larry Cramer-Trumpet, Flugelhorn, Producer, Audio Production, Liner Notes
Don Thompson-Piano, Composer, Arranger, Marimba, Vibraphone
Frank Durand-Drums, Marimba
Jorge Torres-Percussion, Bata
Pablosky Rosales-Guitar, Tres
Don Thompson Quartet-Bass, Vibraphone, Marimba, Piano, Arranger
Barry Schiffman-Viola
Yunior Terry-Bass (Acoustic)
David Virelles-Piano, Marimba
Kellylee Evans-Composer, Vocals
Telmary-Vocals, Spoken Word
Grupo Vocal Desandann-Vocals
Molly Johnson-Vocals
Wendell Harrison, excelente clarinetista y saxofonista tenor, ha sido una fuerza importante en Detroit durante las últimas décadas. Comenzó con el clarinete a los siete años, empezó a tocar el tenor en el instituto y estudió con Barry Harris. En 1960 se trasladó a Nueva York, donde tocó con Jack McDuff, Elvin Jones, Sonny Stitt, Grant Green y Sun Ra, además de formar parte de la banda de Hank Crawford durante más de cuatro años. En 1970, Harrison regresó a Detroit, empezó a trabajar como músico de sesión y se convirtió en profesor de jazz. Ha creado varios sellos discográficos (Tribe, Rebirth y WenHa), grabando con frecuencia y utilizando como músicos de acompañamiento a Leon Thomas, Marcus Belgrave, Kirk Lightsey, Charles Tolliver y (con su Clarinet Ensemble) James Carter. Tiene varios discos destacados en su catálogo. Entre ellos se encuentran An Evening with the Devil (1975), Reawakening (1985), Forever Duke (1991), Eighth House: Riding with Pluto (2002). En otoño de 2012, Luv N' Haight reeditó el apreciado álbum de 1981 Organic Dream. ~ Scott, Yanow (allmusic)
Esta grabación original de Wen-Ha, editada de forma independiente por Harrison, está ahora en un sello importante: Enja. Por fin el mundo entero puede escuchar este conjunto de ricas texturas que incorpora síncopas oscilantes o ritmos latinos como base para que cinco clarinetistas (Ernie Rodgers, Harold Orr, Greg Koltyck, Paul Onachuck y Ken Hobenstreet) tejan su tapiz orquestal mientras los solistas Harrison y el cacareado James Carter (en el monstruoso clarinete contrabajo) hacen lo suyo. Se trata de una música impresionante se mire por donde se mire. En sus recovecos más profundos y reflexivos, el conjunto de "Pamela's Holiday", con la ayuda del percusionista Mahindi Masai, ofrece un trasfondo modal injertado en un ligero ritmo afrocubano, y produce unos sonidos extraordinariamente bellos. La canción que da título al disco se balancea con un fervor en el que Bechet, Goodman o DeFranco se detendrían y tomarían nota. "Gonna Take You Out" es una especie de funk saltarín, mientras que un agradable sabor latino adereza el único estándar "My Shining Hour", arreglado por Cassius Richmond. La pieza más moderna, "The Hooptie", pasa de la melancolía al optimismo con un bajo en ostinato y una melodía que se eleva, un poco húmeda pero que siempre hace mover la cabeza,
incluso en el difícil compás de 5/4. La más espiritual "Urban Lullaby" también desprende un ligero aroma tropical, y el final, "Saga of a Carrot", con saxo tenor, es un duro guiso de samba con una pesada melodía y algunos segmentos avant free. No se puede negar a sonidos tan fuertes y plenos su lugar como entidad única entre los conjuntos de jazz moderno. La música y los arreglos imaginativos de Harrison, con la ayuda de colegas de Detroit como la pianista Pamela Wise y la bajista Marion Hayden, en particular, y el incendiario Carter para añadir calor, establece una tradición propia. Otros simplemente tendrán que seguirlo para ver si pueden superarlo. ~ Michael G. Nastos (allmusic)
Cándido Fabré está reconocido como uno de los más importantes y admirados soneros a nivel mundial de los últimos treinta años, el más destacado en el arte de improvisar.
Nacido el 20 de septiembre de 1957, en la población oriental de San Luis, en la actual provincia de Santiago de Cuba, se incorporó a la ya entonces popular orquesta "Original de Manzanillo" en 1983 como su voz principal y trabajando en los arreglos y composiciones que enriquecieron el repertorio de la agrupación hasta su partida en 1993. Al dejar esta orquesta, a la que ayudó a situarse en uno de los mejores lugares en la preferencia del público y después de haber grabado cuatro discos de larga duración (LP), reunió un grupo de excelentes músicos y formó su propia banda acompañante con la que incrementó aún más su popularidad, no sólo en Cuba sino en otros países donde ha actuado, como en España, donde hasta compuso la música para la banda sonora de la película del director español Bigas Luna: "Las edades de Lulú". Con más de un millar de piezas musicales registradas. Entre sus éxitos musicales están: ¿Quién ha visto por ahí mi sombrero de yarey?, Ensalada cubana y Hombres sin mujeres.
Muchos de sus números están en el repertorio de reconocidos artistas y agrupaciones, como las orquesta Aragón, Los Van Van, e Isaac Delgado y su Grupo, de Cuba, Oscar D'León de Venezuela y los cubanos de la diáspora, Willie Chirino y la desaparecida e inolvidable Celia Cruz.
Temas:
01.Viendo La Televisión
02.Cuando Llega Fabré
03.No Sé Porqué Me Echo Bilongo
04.Exitos De Fabré
05.Recíbeme Con Tu Abrazo
06.Cuidado Profesor
07.Agárrame Por La Cintura
08.Díme Tú Lo Que Sabes
09.La Banda Está De Fiesta
10.Una Mujer Policía
Musicos: Candido Fabré-Director, lead vocals Juan Semanat Gallardo-Vocals Juan Cabrera Almeida-Vocals Omar Pupo Sanchez-Keyboards Jorge Luis Gomez Navas-Piano Luis Hernandez Reyes -Bass Oscar Vasquez Lumbet-Flute Gabriel Fonseca Gonzalez-Violin Zuzell Maria Diaz Rodriquez-Violin Luis Arnaldo Barroso Hierrezuelo-Violin, vocals Rolando Salgado Palacio-Congas Bernardo Lopez Isaac-Pailas Orlando Antomarchí Hernandez-Percussion José Antonio Rivero Hernandez-Engineer Información cedida por Osvaldo M.
En términos de reconocimiento público, Al Delory está un poco a la sombra de su hija, la cantante Donna Delory. Por otro lado, Al Delory ha jugado en algunos de los discos más populares y perdurables de los años 60, incluyendo los sonidos de los Beach Boys y muchos animales de éxitos del grupo desde mediados de la década, y Spector en el Phil realizadas de que produjo "una postal de Doo Dah". Además, como productor, Delory trabajado en una serie de singles y álbumes de platino por Glen Campbell - y aunque generalmente es identificado como un país productor y arreglista, Delory también ha producido y arreglado las canciones para el de una letra, el Four Preps , y otros conjuntos de pop-vocal. Delory se dio a conocer en los últimos años 50 para la co-autoría de la canción "El señor Custer" ("Por favor señor Custer, no quiero ir ...."), que se convirtió en un éxito la novedad millones de copias vendidas en las manos de Larry Verne. Por los años 60, Delory era un músico de sesión muy concurrida, tocando el piano y el órgano de los documentos producidos por Phil Spector y Brian Wilson, entre otros, y se firmó como productor de Capitol Records. Cuando la sesión el guitarrista Glen Campbell firmó con Capitol y artista de grabación y expresó su deseo de salir de hacer de bluegrass instrumentales, Delory se le asignó la producción y lo condujo a un país muy atractivo sonido pop. Con la ayuda de un buen puñado de canciones de Jimmy Webb (y uno, "Gentle on My Mind", de John Hartford), Campbell y Delory generado una serie de ventas millonarias singles y álbumes entre 1965 y 1970; Delory fue instalado en el País Music Hall de la Fama como un productor de tres décadas más tarde por su trabajo en Campbell grabaciones de "Por la vez que llego a Phoenix" y "Wichita Lineman". Delory también hizo una banda sonora durante los años 60, colaborando con Nick Venet y Fred Darian en la escritura y el montaje de la música de fondo a la película de la explotación Out of Sight (1966) (que contó con la música de las Tortugas Lewis, Gary y los Playboys, Dobie Gray, Knickerbockers, y los astronautas), y también de vez en cuando corta sus propios registros instrumentales como líder de la banda, disfrutar de un gráfico modesto éxito en 1970 con un solo del tema "A partir de M * A * S * H ??* (Suicide Is Painless ). " Se hizo menos visible en los años 70 y 80 después de la permanente de mudarse a Nashville, tras la muerte de su esposa de cáncer, pero continuó produciendo y los arreglos para otros artistas, mientras que también lidera su propia banda. De vez en cuando compone las bandas sonoras de largometrajes, incluyendo Norwood, Pioneer Woman, Buster y Billie, y la lluvia del diablo. Durante los años 90, él estaba ocupado dirigiendo su propia banda, Al Delory y Mambo 98, y, más recientemente, ha estado al frente de una banda de salsa en Nashville. En los años transcurridos, su hija, la cantante Donna Delory, se ha convertido en un artista por derecho propio. ~ Bruce Eder, All Music Guide
Temas:
01.Classical Gas
02.Via
03.Floreando
04.Carta de Amor
05.Pa Gozar
06.Quiet Village, Part 1 & 2
07.Song From M*A*S*H
08.Lover
09.Yo Tengo Nuevo Amor
10.Maria Cervantes
11.Oxigeno
12.Pete Mambos on the Terrace
El cuatrista puertorriqueño Pedro Guzmán nació el 18 de noviembre de 1956 en el Hospital Municipal de Río Piedras. Hijo de Juan de Dios Guzmán Albert y Trinidad Valentín Jaime, Pedrito cursó estudios primarios y secundarios en la Escuela Mariano Abril en Guaynabo. Sus estudios superiores los hizo en la Escuela Manuela Toro en Caguas.
Desde niño siempre deseó ser músico. Era un niño tranquilo, algo retraído y tímido. Sus pasatiempos favoritos eran correr bicicleta, jugar en los vehículos abandonados, bañarse en el río y visitar los montes de su barrio Río, en Guaynabo. En la escuela gustaba sentarse en la parte de atrás del salón a pesar de tener problemas con su vista. Cuando asistía a ésta, sentía encontrarse preso, ya que su amor por la naturaleza lo hacían sentirse libre y aquí expresaba su creatividad.
A los cinco años tocaba una guitarra imaginaria al escuchar la radio junto a su madre. Por tal razón, siempre, en las Navidades, pedía a sus padres le regalaran una guitarra plástica. A la edad de nueve años aprende a tocar sus primeros tres acordes, y su maestro fue su amigo de siempre, Silverio Pérez. Luego, a los 10 años, ingresa en la Tuna de la Escuela Secundaria y en el coro de la Iglesia Católica del Convento de las Monjas Misioneras de las Hermanas del Buen Pastor, en la carretera de Río Piedras a Caguas, Puerto Rico... Seguir leyendo
Temas:
01.De Aqui Pa' Alla
02.Mario Brothers
03.Maria Tiene una Ovejita
04.Mapeye Montuno
05.Seis Comerio
06.Guireando
07.Bayuya Sambada
08.Fantasia del Cuatro
09.Mi bella Genio
10.Seis Antillano
11.Descarga Machuca
12.Verde Luz
13.Counting Blues
14.Sonando con Puerto Rico
El estilo de la cantante Claudia Acuña ha sido moldeado por un amplio abanico de influencias. Empezó cantando pop y rock chileno, además de folk y ópera. Parecía que nada estaba prohibido. El jazz llamó su atención cuando cayó bajo el hechizo de Frank Sinatra y Sarah Vaughan, lo que la llevó a tocar con Wynton Marsalis, Danilo Pérez y Michel Petrucciani cuando visitaron Santiago. Acuña se trasladó a Nueva York en 1995 y pronto se asentó en una escena jazzística más permanente, actuando en Arturo's, el Zinc Bar y Small's.
El pianista Arturo O'Farrill ha fusionado jazz y música latina con gran éxito. Era natural, pues, que Acuña y él encontraran puntos en común en las dos corrientes. Esto ha dado sus frutos en In These Shoes, que contiene estándares de jazz y latinos, así como una composición de Van Morrison.
Acuña llama la atención desde el primer momento con su atrevida interpretación de "In These Shoes". Su inclinación hacia lo teatral, sin artificios, se hace patente en su fraseo en este alegre cha-cha-cha, amenizado por el coro.
Los ritmos latinos y el saxo tenor de Yosvany Terry dan la bienvenida a "Willow Weep For Me". Acuña es ágil y emocionalmente profunda mientras da sentido a la letra; una interpretación lograda. La canción adquiere mayor ímpetu gracias a las fluidas ideas que aporta O'Farrill y al sólido trabajo de Terry. Moondance" de Morrison es otro tema que respira libremente gracias a un arreglo latino, con la percusión de Pedro Martínez marcando el ritmo.
"California" es soleada y chispeante, con Acuña cantando alegremente con abandono respaldado por el coro. Sí, es radiante, y en ello reside una irresistible llamada a divertirse.
Los arreglos de O'Farrill son de primera. Dan a Acuña la oportunidad de marcar su clase como cantante, y también abren la instrumentación para dar cuerpo a la canción con impresionantes corrientes melódicas y armónicas.~Jerry D'Souza (allaboutjazz)
Temas:
01. In These Shoes
02. Vida Sin Miel
03. Paciencia
04. Cuando Cuando
05. Agua
06. Comos Dos Amantes
07. Moondance
08. Willow Weep For Me
09. California
10. Jibarito
11. Dime
12. La Piye
Pamela Wise comenzó a componer música y tocar el piano de oído a la edad de 5. Su padre Robert C. Wise, que era el bajista decidió a comenzar con clases de piano cuando tenía nueve años. Después de estudiar los fundamentos de piano, Pamela comenzó a jugar para el coro de su iglesia, la cual fue dirigida por su padre. Mientras que en la escuela secundaria, formó su propia Pamela R & B grupo llamado el Movimiento de Ohio que se realiza en todo el Medio Oeste y la Costa Este. Después de 8 años con el Movimiento de Ohio, Pamela decidió dejar la banda. "Siempre he querido ser un compositor y pianista de jazz, fue sin duda en mi sangre después de haber crecido escuchando a él." Cuando su hermano Craig terminó la universidad y se mudó a Cleveland, Ohio, instó a Pamela para moverse con él y lo hizo. Mientras que en Cleveland, Pamela asistió Cuyahoga Community College y la música estudiando. "Poco después de que Craig recibió una oportunidad de empleo de un importante banco en Detroit, MI y se mudó a Detroit. Trabajé con R y varios grupos de B en el área de Detroit, pero todavía quería tocar jazz." Pamela chocó con Wendell Harrison en un estudio de grabación durante la grabación de algunas de sus composiciones. Wendell (que más tarde se convirtió en su marido) se interesó por su música y comenzó con sus composiciones en sus grabaciones, así como con ella en su conjuntos. Pamela fue bendecido con la oportunidad de estar realizando y componiendo para artistas como Freddie Hubbard, Woody Shaw, Thomas León y Eddie Harris (por nombrar algunos). Pamela comenzó a formar su propio conjunto con el saxofonista James Carter, el trompetista Dwight Adams, el bajista Jaribu Shahid, el baterista y el percusionista Ali Muhammad Andrew Daniels. Entonces Pamela recibió dos premios a la creatividad del artista subvención de la Fundación de Artes de Michigan para escribir composiciones que demuestran el vínculo entre la música afrocubana y el jazz. Además, todavía estaba actuando con su grupo y trabajar independientemente con otros grupos. Uno de sus proyectos independientes más favoritos en 1994 fue co-escrito la canción en CD violinista Regina Carter QUIERO HABLAR CON USTED. Regina, Pamela y el violonchelista Akua Dixon Turre tomó un poco de la mejor música a las ondas de radio FM en WDET público en el show de Kim Heron.
En 1994, Wendell Harrison presentó a Pamela mundialmente conocido percusionista Jerry González y produjo su primer disco compacto SONGO FESTIVIDAD. Nuevo CD de Pamela "Negre Con Leche, Negro con Crema".
Comentarios "Wise, una pianista de balanza de pagos seguros con un Tyneresque (como en el McCoy Tyner) táctil, compone melodías fuertes y los apoyos con los ritmos latentes de la tradición afro-cubana".~Dan Ouellette-Downbeat revista Más información relacionada
Temas: 01.Negre Con Leche, Part. 2 (The Bomba) 02.It's Gonna Be One Long Night 03.Grande Siesta 04.Peace 05.Danis' Bounce 06.Khalil's Promise 07.Wise Tells 08.Love Vibrations 09.Wise Mambo
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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