Anamaría Oramas es una compositora e intérprete de gran relevancia para la escena musical colombiana. Su reciente participación en el Festival Estéreo Picnic (2024) la ha posicionado como la primera artista de jazz en este escenario, convirtiéndose en un referente para la nueva generación de mujeres instrumentistas del género en el país. Durante su gira europea en 2024 debutó en el prestigioso Jazz Club "Porgy and Bess" en Viena y en el "Festival Latir" en Barcelona. Concibe su música desde una dimensión ritual y festiva, por tanto compone piezas donde la gaita, las percusiones y la flauta traversa evocan la alegría fiestera de las bandas pelayeras, el arrullador ritmo del currulao y la cadencia nostálgica de las canciones degaita._(bogotamusicmarket)
Anamaría Oramas (Música y Flautista). Es una flautista y compositora de Bogotá, considerada un referente del jazz colombiano actual y de la nueva generación de mujeres instrumentistas.Estilo y Fusiona las músicas de viento tradicionales de Colombia con la improvisación del jazz. Formó parte del Colectivo Colombia de Antonio Arnedo y del clásico Deciso Dúo. Ha lanzado los álbumes Muntú (2019) y Ramas Lejanas (producido por Rachel Therrien). Se ha presentado en eventos de renombre como el Festival Estéreo Picnic y escenariosinternacionales en Viena y Barcelona_IA
Este trabajo discográfico reseñado como uno de los mejores del 2019 según las revistas Semana y Arcadia, es el comienzo de un recorrido intuitivo por las músicas colombianas. Por primera vez, la gauta emerge dentro del mundo del jazz y la improvisación. Muntu es resultado de un trabajo apasionado por crear un nuevo lenguaje en la flauta traversa colombiana, fraseos que se construyen del entretejido melódico de las músicas de marimba, la improvisación responsorial heredada del bullerengue y el articulado ritmo del chandé: la “memoria colectiva” que evoca las músicas asentadas en Bogotá, resultado de las diásporas internas de la Colombia contemporánea._(anamariaoramas)
PATÁX es un grupo musical español liderado por Jorge Pérez que fusiona flamenco, jazz y música afrocubana para crear reinterpretaciones innovadoras. El proyecto nació en Madrid alrededor de 2010 y se ha destacado por sus versiones de clásicos de artistas como Michael Jackson, The Beatles y Stevie Wonder, combinando elementos tradicionales flamencos con ritmos latinos y armonías de jazz. Su sonido distintivo y sus arreglos sofisticados les han ganado reconocimiento internacional, con actuaciones en importantes festivales y la publicación de varios álbumes que demuestran su creatividad y versatilidad musical. Hoy, PATAX, una de las bandas de fusión más reconocidas internacionalmente, son la más fresca, sorprendente y cosmopolita expresión del Jazz fusión con ingredientes flamencos y afrocubanos.
Bebiendo del legado de leyendas del Jazz como Weather Report, Corea’s Elektric Band, Herbie Hancock, o Zawinul Syndicate, y sin esconder la poderosa influencia de las visionarias propuestas de Irakere, Wayne Shorter, Miles Davis, Enrique Morente, Snarky Puppy, Sixun y Paco de Lucía, PATAX lleva el concepto de “Fusión” hasta un territorio completamente inexplorado, donde su particularísima forma de mezclar el Flamenco, el Funk, el jazz y el folclor Afrocubano, unida al virtuosismo de sus integrantes, produce un explosivo, sorprendente y mágico resultado que ha encontrado adeptos por todo el planeta._(jazzmintmusic)
Tras sacudir la escena en 2013 con Live From Infinity, obra especialísima y rompedora por muchos conceptos, grabada en riguroso directo en audio y video, de una forma muy poco vista en España hasta entonces y muy imitada después, Patáx una de las bandas de Jazz más innovadoras y heterodoxas del panorama actual, propina un nuevo golpe de efecto con este fantástico nuevo trabajo que reúne, en un solo CD, lo mejor de lo mejor de su extensa colección de sabrosas, coloristas y originalísimas versiones del glorioso legado de uno de los artistas más colosales de la Musica Popular de todos los tiempos: Michael Jackson, el “Rey del Pop”.
Reinterpretaciones radicalmente hedonistas de archiconocidos éxitos como Billie Jean, Black Or White, Smooth Criminal o Man In The Mirror, que fascinan tanto por su patente respeto a la versión original, como por los exuberantes aromas a Latin Jazz, Salsa, Flamenco y otras especias exóticas que aportan colores y sabores peculiares a un combinado explosivo, marcado por la energía de alta intensidad de un grupo de músicos en permanente ebullición, formado por algunos de los más brillantes talentos de la última hornada del Jazz, el Flamenco y el Afrobeat “Made In Spain” (Federico Lechner, Alana Sinkey, Alain Pérez, Israel Sandoval, Lidón Patiño, Georvis Pico, Roberto Pacheco, Chuma Segura, Valentín Iturat, Jorge Vera, Marcos Collado, Fabrizio Scarafile, Pedro Medina, Carlos Sánchez, Dani Morales, Rafael Águila, Raúl Gil, Tomás Merlo, Daniel García…), espectacularmente dirigidos, como de costumbre, por un Jorge Pérez en estado de gracia…
Momentos mágicos. Improvisaciones sorprendentes y trances colectivos que resultarían difíciles de imaginar sin las fantásticas grabaciones de video que se hicieron de aquellas descargas. Por algo superan ya, de largo, el millón de visitas en YouTube ¡antes incluso de la publicación del álbum!
Un proyecto valiente, arriesgado, y, sobre todo, altamente disfrutable, en el que la originalidad, el talento y la calidad instrumental del mejor Jazz de hoy en día van de la mano de una producción, una calidad y una intención propias del Pop más sofisticado, inquieto y bailable de la actualidad. Michael estaría orgulloso…_(jazztimemagazine)
Roger Glenn nació el 11 de junio de 1945 en el seno de una familia de leyenda del jazz, siendo hijo de Tyree Glenn, un reconocido trombonista y vibrafonista de la era del swing que tocó con Cab Calloway y Duke Ellington. Criado en la ciudad de Nueva York y, más tarde, en Englewood (Nueva Jersey), Glenn absorbió un amplio abanico de tradiciones musicales durante sus años de formación, sentando así las bases de su carrera como uno de los multiinstrumentistas más versátiles del jazz. Debutó discográficamente junto a la legendaria pianista y compositora Mary Lou Williams, y rápidamente se consolidó como un improvisador de gran talento, capaz de dominar más de 18 instrumentos, entre ellos la flauta, el vibráfono, el saxofón, el clarinete, la marimba, el flautín y el saxofón barítono. A lo largo de su carrera, que se prolongó durante décadas, Glenn se hizo famoso por ser «el ingrediente secreto» detrás de algunas de las grabaciones más emblemáticas del jazz y el jazz latino, colaborando en álbumes clásicos con el maestro de la percusión cubana Mongo Santamaría, el trompetista pionero del funk-jazz Donald Byrd y el virtuoso del jazz latino Cal Tjader. Su versatilidad hizo que siempre estuviera muy solicitado, lo que le llevó a actuar con una extraordinaria variedad de leyendas, entre las que se incluyen Dizzy Gillespie, Herbie Mann, Taj Mahal, Kurt Elling y la Count Basie Orchestra. A pesar de haber participado en más de 40 álbumes y de haber realizado numerosas giras por Norteamérica, Nueva Zelanda y Australia, Glenn permaneció en gran medida entre bastidores, realzando la música de maestros consagrados al tiempo que desarrollaba su propio estilo distintivo, que fusionaba a la perfección la improvisación del jazz con la vitalidad rítmica de las tradiciones afrocaribeñas y latinoamericanas.
A los 80 años, Glenn saltó a la fama como director de orquesta y compositor con su primer álbum nuevo en cuatro décadas, «My Latin Heart», publicado en 2025. Este lanzamiento supuso un hito importante en su carrera, ya que ofrecía la visión más reveladora hasta la fecha de un gigante del jazz que había permanecido oculto a plena vista. La filosofía de Glenn, inculcada por su padre, consistía en «crear tu propio sonido», y su dominio de más de 18 instrumentos le permitía seleccionar la mejor voz para cada momento musical, lo que le convirtió en una figura singular del jazz contemporáneo y la música latina..._ (jazzapedia)
Roger Glenn, hijo del reconocido instrumentista Tyree Glenn, nunca se ha conformado con quedarse en un solo ámbito. Maestro de los instrumentos de lengüeta y del vibráfono, sigue encarnando el espíritu de traspasar fronteras. En *My Latin Heart*, Glenn se embarca en una sesión llena de energía que celebra la vitalidad rítmica de la diáspora africana y que, al mismo tiempo, constituye un manifiesto personal.
Flanqueado por un conjunto estelar de colaboradores veteranos —el pianista David K. Mathews, el guitarrista Ray Obiedo, el bajista David Belove, el difunto y querido baterista Paul van Wageningen y los vocalistas y percusionistas John Santos y Michael Spiro—, Glenn canaliza una energía palpitante que vincula el jazz con sus primos afrocaribeños. Estos músicos, todos ellos veteranos de las altas esferas del jazz, aportan tanto precisión como pasión a esta sesión.
El álbum arranca con una sacudida dinámica: «Zambo's Mambo» es un tema trepidante en clave menor impulsado por la flauta de Glenn, a la vez etérea y imponente, que se desliza sobre una sección rítmica que funciona como una máquina bien engrasada. Mathews interpreta un solo lleno de inspiración y gran variedad. «Cal’s Guajira» es a la vez un guiño respetuoso y una evolución, en la que destaca la hábil interpretación de Glenn al vibráfono, que evoca el espíritu de Cal Tjader sin caer en la imitación. Obiedo se suma a la mezcla, demostrando su amplia experiencia con los ritmos latinos y contribuyendo a la vertiginosa combinación de melodía y groove que honra el linaje al que Glenn rinde homenaje.
«A Night Of Love» suaviza el conjunto con un lirismo sensual. La flauta de tono grave de Glenn se desliza con la suavidad de un susurro. El piano de Mathew llena el fondo con sutiles toques armónicos que evocan el romanticismo de la bossa nova. «Energizer» inyecta a la sesión una ráfaga dinámica de energía y color tonal. La interpretación de Glenn al vibráfono es eléctrica —percusiva, pero melódicamente ágil— y se eleva por encima del conjunto, que crepita de energía.
Es un magnífico ejemplo de cómo fusiona la sofisticación y la espontaneidad.
La banda explora la conexión afro-nuevoorleanesa con «Congo Square», un lugar de encuentro histórico entre los metales europeos y los ritmos africanos. Aquí, Glenn nos recuerda que el jazz no es solo una forma de arte, sino una fusión cultural, mientras su vibráfono y la guitarra de Obiedo se unen para contar la historia. El broche final lo pone «Samba De Carnaval», un tema que rebosa color y ritmo. Con Glenn a la flauta, él y la banda ofrecen una coda muy acertada que vibra con la exuberancia brasileña, ese tipo de fastuosidad rítmica que cierra el álbum con una sonrisa y un baile._Pierre Giroux (allaboutjazz)
Miguel Núñez Hernández . Importante Músico cubano especialista en el piano ha colaborado en grabaciones y conciertos con artistas nacionales y foráneos. Miguel Núñez Hernández nació el el 27 de noviembre de 1964, en La Habana, Cuba. Hizo estudios musicales en el Instituto Superior de Arte ISA, Cuba, graduándose de Especialista en el piano. Tiene una amplia carrera Musical en Cuba y reconocido en muchos países. Además ha sido anfitrión en varios conciertos bien conocidos, Miguel Núñez forma parte del grupo musical de Pablo Milanés, desde 1998, es además de pianista, compositor y productor musical. Ha sido responsable de la sonoridad de los más recientes discos del trovador, entre los que sobresale. El destacado pianista tiene a su favor una amplia experiencia como vocalista, instrumentista y arreglista musical, pues ha colaborado con destacados músicos cubanos y extranjeros, entre los que se encuentran: Leo Brouwer, Fito Páez, Ricardo Arjona, Ana Belén, Mercedes Sosa, Carlos Varela, Omara Portuondo, Richard Egües, César López, Liuba María Hevia, Santiago Feliú]] y Chucho Valdés, por solo mencionar algunos.
Miguel,paralelamente a su trabajo con Pablo, funda la agrupaciónMiguel´s Trío, que además integran Luis Ángel Sánchez en el bajo y Osmany Sánchez. Con este trío concibió el CD, Azul, bajo el sello Unicornio, la música del ballet Tocororo, así como diversas bandas sonoras para el cine como por ejemplo para el filme, Páginas del diario de Mauricio, del director Manuel Pérez._(ecured)
En los últimos años la pianística cubana ha crecido cualitiva y cuantitivamente con el aporte de nuevos valores formados en las escuelas de artes cubanas. Ejemplo significativo para todos y las generaciones venideras, es el pianista Miguel Núñez, joven graduado en el Instituto Superior de Arte, no solo conoce y domina los géneros de la mal llamada "música culta", porque culto es acervo popular y folhlórico de la raíz hispano africana legada en nuestra identidad. Miguelito además, ha experimentado una fusión entre la música tradicional y afrocubana con elementos del jazz rock y música de concierto en perfecta medida, utilizando para ello elementos electrónicos llenos de profesionalidad, complejidades técnica y armónicas que pueden ser logradas gracias a su talento y genialidad pianística.
Su pianismo indiscutible lo destacan como una de las más grandes promesas de la música cubana y su trabajo como Director Musical y arreglista dentro del grupo de Pablo Milanés es un ejemplo fehaciente de ello. Sin dudas ha logrado crear un trabajo significativo, en compañía de músicos de alto nivel, que adornan su magia artística vista en su total sentido de la palabre y, claro está, en su virtuosismo pianístico.
No les hago perder tiempo con esta lectura, cscuchen a uno de los más grandes músicos cubanos: Miguel Núñez. Yo lo recomiendo._ Chucho Valdés (De las notas originales del disco)
George Edward «Ted» Heath (30 de marzo de 1902-18 de noviembre de 1969) fue el músico inglés y el director de una de las orquesta más importantes de la posguerra, con más de 100 álbumes grabados y más de 20 millones de discos vendidos. Su banda fue considerada la más famosa y exitosa del Reino Unido,permaneciendo activa 55 años, hasta el año 2000. Heath nació en Londres, Inglaterra. Aprendió a tocar la trompa alto con seis años de edad. Su padre, líder de la Wandsworth Town Brass Band, le incentivó a pasarse al trombón. Con el fin de ganarse la vida en la posguerra, tanto él como su hermano Harold y otros tres músicos formaron una banda que tocaba para los transeúntes en la Estación de London Bridge, antes de hacerlo cerca de Queen’s Hall Gardens. Fue allí donde inició su carrera profesional, tras recibir una oferta para tocar en la formación de Jack Hylton,[8] quien residía en la zona. Aunque no estuvo mucho tiempo con Hylton, consiguió el impulso necesario para seguir adelante con su carrera..._(wikipedia)
Dejemos pasar la próxima revolución y hablemos de la historia de la música iatín-americana. Probablemente creas que la inventó Carmen Miranda, que solía comprar sus sombreros en las fruterías e imitaba a Tommy Trinder, pero no fue así en absoluto. La primera pista que tuvimos de ello en este país fue el tango, un baile muy escandaloso que implicaba dar algunas patadas, lo cual, en 1912, no le hacía ninguna gracia a la alta sociedad. Pero se lo acabaron pasando por alto, y el tango pronto se convirtió en un baile tan respetable que ya nadie se molestaba en bailarlo. En los años treinta, la música popular había descubierto que Brasil no era solo «el lugar de donde vienen las nueces», según la inmortal frase de Brandon Thomas, sino la cuna de muchos ritmos de baile estimulantes. También se descubrieron México, Cuba, Venezuela y otros lugares al sur de la frontera, justo a tiempo para traernos rumbas, sambas, pasodobles (que daban un gran rodeo desde España), congas y similares. Al principio no se tomaban muy en serio, y se consideraba necesario que las bandas se pusieran sombreros graciosos y trozos de manta a rayas cada vez que se permitían tocar estos temas. Los ingleses son gente bastante conservadora; para nosotros, el ritmo se redujo durante mucho tiempo a los bailes morrsi (bailes muy rígidos, por cierto) y a marchar un poco al son de las bandas de música, por lo que pasaron años antes de que se esperara que una banda de baile inglesa normal incluyera una buena selección de temas latinoamericanos en su repertorio. Puede que los directores de orquesta se resistieran a asumir el gasto que suponía comprar todos esos instrumentos adicionales, por supuesto (por no hablar de los sombreros ridículos —solo Acker Bilk puede permitírselos—, pero la causa fundamental fue sin duda el conservadurismo de los gringos.
Elis Regina Carvalho Costa (Porto Alegre, 17 de marzo de 1945 - São Paulo, 19 de enero de 1982) fue una cantante brasileña, considerada una de las mayores representantes del género musical conocido como música popular brasileña (MPB). Su temprana muerte, a los 36 años, se debió a una sobredosis de cocaína y alcohol, aunque se baraja la teoría de que habría sido víctima de la dictadura imperante. Muchos críticos, músicos e intérpretes la consideran una de las mejores cantantes de Brasil..._(wikipedia)
Antônio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim (Río de Janeiro; 25 de enero de 1927 - Nueva York; 8 de diciembre de 1994), conocido como Antônio Carlos Jobim o Tom Jobim, fue un compositor, arreglista, cantante, guitarrista y pianista brasileño de bossa nova, música popular brasileña y música clásica.
Está considerado como uno de los grandes exponentes de la música brasileña, y como uno de los grandes compositores de música popular del siglo XX. Fue el artista que internacionalizó la bossa nova y, con la ayuda de importantes artistas estadounidenses, la fusionó con el jazz para estandarizar en los años 1960 un nuevo sonido cuyo éxito popular fue muy destacable..._(wikipedia)
A comienzos de 1974, Elis Regina y Antônio Carlos Jobim estaban en momentos distintos de sus respectivas carreras. Elis Regina ya era una figura muy popular, considerada una de las grandes voces de la MPB, con más de diez álbumes bajo el brazo y en una constante ascendente con cuatro grandes álbumes editados en los años anteriores (…Em pleno verão -1970-, Ela -1971-, Elis -1972- y Elis -1973-), pero le faltaba ese gran álbum consagratorio que uniera la aclamación del público con la crítica. Antônio Carlos Jobim, por otro lado, ya era una figura más que consagrada de la música brasileña, creador de un gran número de clásicos y había participado de discos con reconocimiento a nivel internacional como Getz / Gilberto (1964) y Francis Albert Sinatra & Antônio Carlos Jobim (1967), y luego de eso, discos en solitario que se encuentran entre lo grande del repertorio brasileño como Wave (1967), Stone Flower (1970) y Matita Perê (1972). Pero 1974 lo encontraba en un período sin grandes ventas ni popularidad, viviendo en Estados Unidos y sin mucha visibilidad en su tierra natal. Hay dos versiones de cómo se pensó el encuentro. Elis Regina estaba cumpliendo diez años con
Philips, y una versión dice que el presidente de la discográfica, André Midani, le ofreció un regalo, y ella pidió “grabar canciones de Tom Jobim… con Tom”; pero otras versiones dicen que fue idea del mismo André hacerle ese regalo. Importa poco a esta altura, lo importante es que el 20 de enero de 1974 Elis Regina estaba viajando desde Brasil a Los Ángeles, donde Jobim la esperaba para, sin saberlo, hacer historia juntos. El álbum, con la producción de Aloísio de Oliveira, y todas las canciones compuestas por Jobim (algunas junto a otros compositores), comienza con esos acordes inconfundibles de la versión que se convirtió en la definitiva de «Águas de Março», con Elis y Tom cantando casi como un juego, con ese solo de piano a media canción, y el final respondiéndose palabra a palabra y riéndose juntos. En “Pois É”, compuesta junto a Chico Buarque al igual que “Retrato em branco e preto”, el drama se apodera de los arreglos, con ese órgano y piano que acompañan a Elis. Y es que los arreglos son muy protagonistas del disco, con el trabajo del pianista, y entonces marido de Elis, César Camargo Mariano, la utilización del piano eléctrico queda como una marca registrada de la bossa nova presentada en Elis & Tom. Y si el piano es muy protagonista en “Pois É”, “Só tinha de ser com você”, “O que tinha de ser” y en la triste “Inútil paisagem”, que cierra el disco; los arreglos de cuerdas lo son en “Modinha”, y “Por toda a minha vida”, y es en “Retrato em branco e preto” donde piano y cuerdas se encuentran de manera perfecta entre ellos y con la voz de Elis de una manera estremecedora, en otra versión definitiva que dejó este álbum. Y es que el álbum está lleno de grandes piezas que con el tiempo se convirtieron en el estándar de dichas composiciones, ahí están “Triste”, “Corcovado”, “Fotografía”, con un bajo y un piano muy del jazz, y “Chovendo na roseira”.
Es así como con los maravillosos arreglos, la hermosa y dulce voz de Elis, la química que se siente a lo largo del álbum junto a Jobim, y las grandes composiciones elegidas de este último, no es de extrañar que Elis & Tom se haya convertido en uno de los discos brasileños más vendidos de todos los tiempos, y con gran recepción de la crítica. Un álbum consagratorio para Elis y que llevó a Jobim de regreso al éxito en Brasil._Jorge Cárcamo (600discoslatam)
Alejandro David Falcón Rodríguez (Matanzas, 18 de mayo de 1981), más conocido como Alejandro Falcón, es un pianista, compositor y productor musical especializado en jazz. Aborda diferentes géneros de la música popular cubana, el jazz y la música de concierto. Ha integrado diversas agrupaciones de música popular de Cuba con las cuales ha realizado giras por numerosos países del mundo y ha participado en más de 100 grabaciones como pianista, arreglista y productor musical. En su obra resulta frecuente la presencia del danzón, género popular surgido en Matanzas en el siglo XIX, que es el baile nacional de Cuba y que es revitalizado en su lenguaje jazzístico.
Ha compartido escenario y colaborado con artistas cubanos e internacionales como: Andy Narell, Arturo O'Farrill, Bárbara Llanes, Brad Mehldau, Buena Vista Social Club, Cándido Fabré, Cesária Évora, Chucho Valdés, Danny Rivera, Dave Valentin, Dave Weckl, El Gran Combo de Puerto Rico, Gal Costa, Giovanni Hidalgo, Herbie Hancock, José Alberto “El Canario”, La India, Marcus Miller, María del Mar Bonet, Miriam Ramos, Los Muñequitos de Matanzas, Omara Portuondo, Oscar de León, Pablo Milanés, Papo Vásquez, Polito Ibáñez, Randy Brecker, Tata Güines o Pilar Boyero..._(wikipedia)
Alejandro Falcón vuelve a las raíces del lenguaje musical cubano con «Falcón in Blue»
Nueva York—Dot Time Records se enorgullece de anunciar el lanzamiento de «Falcón in Blue», del compositor y arreglista habanero Alejandro Falcón. Como parte de «Cuban Notes», el proyecto artístico y cultural en curso producido por Johanan Bickhardt, fundador del sello, y el guitarrista Roni Ben-Hur, este primer álbum de la serie revisita los géneros fundamentales de la música cubana —entre ellos el danzón, el son, la rumba, el cha-cha-chá y el bolero— desde la perspectiva del presente. En lugar de tratar estas formas como piezas patrimoniales o artefactos nostálgicos, Falcón las aborda como lenguajes vivos, moldeados por la memoria, la experiencia y el intercambio artístico más allá de las fronteras. El álbum refleja un compromiso más amplio con la colaboración entre músicos cubanos e internacionales.
A lo largo del proyecto, la música cubana no se entiende como algo fijo o folclórico, sino como una práctica en constante evolución que se sustenta a través del diálogo, la escucha y la continuidad. «Falcón in Blue» recorre un periodo en el que Falcón exploró territorios más experimentales, incluyendo la composición sinfónica y la música para televisión. Aquí, vuelve conscientemente al corazón del lenguaje musical cubano, no para repetir ideas conocidas, sino para replanteárselas. Él mismo ha descrito el álbum como una especie de renacimiento: uno que evoca el espíritu de su debut en 2010, *Claroscuro*, al tiempo que lo amplía mediante nuevas composiciones, arreglos muy ingeniosos y artistas invitados cuidadosamente seleccionados.
Muchas de las piezas del álbum tienen su origen en una dedicación personal. «Una tarde enPuerto Padre», un danzón compuesto durante la pandemia, rinde homenaje al difunto pianista Emiliano Salvador, haciendo un sutil eco de los propios vínculos musicales de Salvador con Puerto Padre y convirtiendo el recuerdo en un diálogo intergeneracional. «El Rey David», escrita para el hijo de Falcón, ofrece uno de los momentos más íntimos del álbum, mientras que la canción que da título al disco, «Falcon in Blue», se convierte en una declaración de identidad artística, al entrelazar la sensibilidad rítmica cubana con la profundidad emocional del blues.
Los colaboradores del álbum son fundamentales para su concepto y significado. Entre los artistas invitados se encuentran el saxofonista Ted Nash, que participa en «Ted in Havana», la trompetista Rachel Therrien, el trompetista Maykel González, el guitarrista Roni Ben-Hur, el saxofonista Janeu Abreu, el flautista Orlando Valle «Maraca», el saxofonista tenor Emir Santa Cruz y el bajista Pedro Pablo Gutiérrez. La sección rítmica —formada por Ruy López-Nussa, José Julián Moregón y Arnulfo Guerra— aporta el pulso y la base llena de matices del álbum.
Markado por las ricas experiencias de Falcón, sus estudios en el Instituto Superior de Arte de La Habana —así como por las enseñanzas de su mentor, el compositor y pedagogo Roberto Valera—, «Falcón in Blue» refleja una visión compositiva basada en la intuición, la disciplina y la claridad emocional. El resultado es un álbum que, al volver a escucharlo, revela una nueva profundidad. Con *Falcón in Blue*, Alejandro Falcón reafirma su lugar en el jazz cubano contemporáneo como compositor para quien la tradición no es una barrera, sino una fuente viva de renovación._(dottimerecords)
Como saxofonista barítono autónomo, Dave Schumacher, natural de Chicago, lleva más de 30 años en activo en la escena musical neoyorquina. Como miembro de la orquesta de Lionel Hampton entre 1983 y 1987, realizó giras por América y Europa. Volvió a salir de gira con Hamp en 1988 y 1989. Uno de los momentos más destacados de la carrera de Dave fue viajar con la Art Blakey Big Band a Japón en 1987 para actuar en el Festival de Jazz del Monte Fuji. Dave fue miembro fundador de la orquesta de Harry Connick, Jr. desde sus inicios en 1990 hasta 2009. Ha cautivado al público en giras con Harry por Norteamérica, Europa, Asia (Japón, China, Malasia, Singapur, Filipinas y Corea del Sur) y Australia. Su saxo barítono puede escucharse en cada uno de estos discos de Harry Connick, Jr. publicados por Columbia: *Oh My NOLA*, *Chanson du Vieux Carré*, *Only You*, *When My Heart Finds Christmas*, *Come By Me*, *Blue Light Red Light*, *Songs I Heard*, *Thou Shalt Not*, *What A Night* y otros.
Como artista independiente, Dave formó parte de la gira del T.S. Monk On Monk Ensemble entre 1999 y 2000, con la que recorrió Estados Unidos y Europa, además de realizar una gira por Europa con el Octeto de Tom Harrell en el año 2000. Dave también ha colaborado como músico independiente con la Louis Armstrong Tribute Big Band de Nicholas Payton, el 52nd Street Themes Nonet de Joe Lovano, los grupos de Jack McDuff, Eddie Gladden, la Mel Lewis Jazz Orchestra, la Afro-Cuban Big Band de Chico O’Farrill, la Tom Harrell Big Band, Lin Halliday y muchos otros.
Como líder y compositor/arreglista, Dave ha grabado tres CD: *Every Corner* y *From Another Life*, con el sello Amosaya Music, y *Endangered Species*, con Summit Records. Dave ha grabado como músico acompañante con Lionel Hampton, Harry Connick, Jr., Tom Harrell, Scott Whitfield, Jason Lindner, Mel Torme, Ben Wolfe y el salsero Billy Carrión, entre otros._(allaboutjazz)
El saxofonista barítono Dave Schumacher, nacido en Chicago y afincado en Nueva York, se decanta claramente por las melodías y los ritmos latinos en *Smoke in the Sky*, su disco grabado con un competente septeto al que ha bautizado como Cubeye. El jazz contemporáneo constituye el núcleo de la apuesta intercultural de Schumacher, una iniciativa que sus compañeros de grupo —que comparten su visión— se toman muy en serio, al tiempo que aportan sus conocimientos y experiencia a este proyecto, en su mayor parte cálido y cautivador.
Aunque la potente voz de barítono de Schumacher, que recuerda a Pepper Adams, Ronnie Cuber, Nick Brignola, Gary Smulyan, Cecil Payne y otros maestros del instrumento, ocupa un lugar destacado en cada tema, hay amplio espacio para que brillen otros miembros del grupo, sobre todo el pianista Manuel Valera, el saxofonista Peter Brainin y el bajista Alex «Apolo» Ayala. Los trompetistas Josh Evans y Jesús Ricardo se turnan, siendo Ricardo quien se lleva los solos en el tema inicial «Smoke in the Sky», en la encantadora «Cal Massey» de Stanley Cowell, en la suave y cadenciosa «Walk Spirit Talk Spirit» de McCoy Tyner y en el clásico latino «Poinciana» (atribuido, por alguna razón, a Nina Simone), que pone el broche final a la sesión.
En cuanto al ritmo, un elemento clave en cualquier álbum de música latina, está en las competentes manos de Valera, Ayala, el baterista Joel Mateo y el percusionista Mauricio Herrera. En este aspecto, no hay nada que objetar. Valera es un acompañante magnífico cuyos solos son siempre dignos de elogio, mientras que Ayala y Brainin se muestran precisos y seductores cada vez que les toca ser protagonistas. Además de hacer gala de su saxofón potente a la par que expresivo, Schumacher compuso la canción que da título al álbum, su contrapartida melódica «(No More) Smoke in the Sky» y la animada «El Dilema de Chegui Metralia», que incluye solos estelares de Brainard, Schumacher y Ayala.
Cualquiera que sea aficionado al jazz con un toque sureño encontrará aquí mucho que admirar, ya que «Smoke in the Sky» ofrece una música latina brillante y luminosa con mayúscula. La música es elocuente y agradable, al igual que la interpretación de Schumacher y su admirable septeto._Jack Bowers (allaboutjazz)
Roni Ben-Hur (Dimona, 9 de julio de 1962) es un guitarrista de jazz israelí que emigró a los Estados Unidos en 1985. Sus padres eran judíos sefardíes de Túnez. Creció en Dimona, Israel. Es el menor de siete hermanos y uno de dos nacidos después de que la familia emigró de Túnez en 1955. Su apellido fue cambiado legalmente a Ben-Hur mediante un ritual a los 10 años. Cuando tenía once años empezó a tocar la guitarra. Aprendió sobre jazz gracias a la colección de discos de un amigo de la escuela secundaria. En Israel actuó en clubes, bodas y bar mitzvahs hasta que tuvo suficiente dinero para mudarse a los EE. UU. Llegó a la ciudad de Nueva York en 1985 y pasó un tiempo en el Jazz Cultural Theatre de Barry Harris. Recibió lecciones de Harris y luego se convirtió en miembro de su banda.
Su experiencia como educador se remonta a 1981 en Israel. En Estados Unidos inició programas de música de jazz en la Professional Performing Arts School, la Coalition School for Social Change y en la Lucy Moses School. A petición de Bette Midler, inició un programa de jazz para escuelas secundarias de la ciudad de Nueva York.[3] Ben-Hur inició un campamento de jazz en Saint-Cézaire-sur-Siagne, Francia, con Santi Debriano. Con Nilson Matta, inició un campamento de jazz y música brasileña en Bar Harbor, Maine, ambos destinados a adultos aficionados al jazz. Es el director fundador del programa de jazz de la Escuela Lucy Moses del Kaufman Center en Manhattan, donde enseña..._(wikipedia)
El título sugiere una invitación, pero también algo más íntimo: la voluntad de entrar. No para llegar a lo grande, ni para reclamar un lugar con demasiada prisa, sino para cruzar un umbral con atención. Esa cualidad ha definido desde hace tiempo la forma de tocar de Roni Ben-Hur. Su guitarra no se impone en una estancia. Primero escucha. Busca la temperatura humana de una frase, el pequeño giro emocional dentro de una melodía, el lugar donde el ritmo y la respiración comienzan a reconocerse mutuamente.
«Abriendo Puertas» se grabó en La Habana, pero el álbum no gira en torno al drama de la llegada. Su belleza reside en otra parte: en que los músicos encuentren un espacio compartido y dejen que ese espacio transforme la música.
Ben-Hur llega hasta aquí con una trayectoria musical ya llena de cruces. Nacido en Dimona (Israel) y formado a lo largo de más de cuatro décadas en el mundo del jazz neoyorquino, ha construido un lenguaje inconfundiblemente arraigado en el bebop y el swing, pero que nunca se ha visto limitado por ellos. Otras corrientes atraviesan su sonido: los giros melódicos de la canción mediterránea, trazas de música norteafricana y árabe judía, la intimidad de la guitarra brasileña, el tirón rítmico de las tradiciones afrolatinas, la claridad expresiva de un intérprete que siempre ha entendido la melodía como algo cercano al habla. Ninguno de estos elementos aparece entre comillas. Viven en su forma de frasear. Por eso este álbum resulta tan natural.
A lo largo de todo el álbum, se percibe a un músico que no tiene nada que demostrar. Quizá por eso el disco transmite una sensación de apertura. Ben-Hur permite que su propia trayectoria musical entable un diálogo con otra, y ese diálogo no es abstracto; se manifiesta en el ritmo, en el tacto, en la forma en que el conjunto respira al unísono. La guitarra es un instrumento especialmente adecuado para este tipo de cruce: portátil, íntima, históricamente inquieta, percusiva o lírica, solitaria o social. Aquí se sitúa en el umbral: entrando, escuchando, respondiendo, dejando huellas de sí misma sin cerrar nunca el espacio a su paso.
Quizás ese sea el significado más profundo de «Abriendo Puertas». La puerta no se abre una sola vez y se queda abierta. Se va abriendo continuamente, frase a frase, respiración a respiración, idea a idea; cada músico la mantiene abierta para el siguiente.
Nueva York-La Habana — «Abriendo Puertas» forma parte de «Cuban Notes», una serie discográfica coproducida por Johanan «Jo» Bickhardt, fundador de Dot Time Records, y el guitarrista Roni Ben-Hur. Este álbum se grabó en La Habana, en colaboración con músicos cubanos, y aborda la música cubana como una forma de pensar y de habitar el mundo.._(dottimerecords)
Sylvia D'Atri Telles ( Río de Janeiro , 27 de agosto de 1934 - Maricá , 17 de diciembre de 1966 ) fue una cantante y compositora brasileña . Es considerada una de las más grandes intérpretes de bossa nova y MPB . La mayoría de sus álbumes están agotados, lo que dificulta que las generaciones recientes lo entiendan. Sin embargo, ocasionalmente se publica una recopilación con algunas de sus numerosas grabaciones.
Según un artículo publicado en O Globo y firmado por João Máximo, "Sylvinha fue uno de los mejores intérpretes de la música brasileña moderna, entendida como tal desde el Ponto final - con Dick Farney y Amargura , con Lúcio Alves , hasta las canciones que Tom y Vinicius lo hizo después del Orfeu da Conceição "..._(wikipedia)
Silvia Telles no tiene una voz potente, pero afortunadamente no le hace falta para tejer la magia de estos clásicos brasileños como «Corcovado», «Dindi» y «Samba de Uma Nota So» («Samba de una nota»). También prueba con estándares del pop americano, un popurrí de «All the Way», «The Boy Next Door» y «They Can't Take That Away From Me». Telles suena mucho menos segura aquí, aunque su dominio del fraseo en inglés está definitivamente a la altura - y, en las últimas canciones, juega con las letras, sustituyendo «the way we mamboed 'til three» por la original de Gershwin. De nuevo en tierra firme, su «Dindi» evoca mucho más la melancolía anhelante de sus mejores interpretaciones, y su «Oba-La-La» es dulce y seductora. Con material de Roberto Menescal y Oscar Castro Neves, además de los dos pesos pesados Gilberto y Jobim, Silvia Telles demuestra ser una de las vocalistas brasileñas más fuertes de la época pre-bossa, y una influencia considerable en Elis Regina. El acompañamiento, principalmente flauta y vibráfono con percusión ligera y coristas ocasionales, es adecuadamente elegante y discreto._John Bush (allmusic)
01. Samba Tôrto (Aloysio De Oliveira, Antonio Carlos Jobim)
02. All The Way / The Boy Next Door / They Can't Take That Away From Me ( Sammy Cahn - Jimmy Van Heusen, Hugh Martin, Ralph Blane, George & Ira Gershwin)
03. Corcovado (Antonio Carlos Jobim)
04. Tetê (Roberto Menescal, Ronaldo Bôscoli)
05. Se É Tarde Me Perdoa (Carlos Lyra, Ronaldo Bôscoli)
06. Chora Tua Tristeza (Luvercy Fiorini, Oscar Castro Neves)
07. Dindi (Aloysio De Oliveira, Antonio Carlos Jobim)
08. Oba La La (Aloysio De Oliveira, João Gilberto)
09. Samba De Uma Nota Só (Antonio Carlos Jobim, Newton Mendonça)
10. Gardez Moi Pour Toujours "Por Causa De Você" (Antonio Carlos Jobim, Dolores Duram)
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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Myrsini Kagarlis / Ravel
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Performance Program at Anatolia College, Thessaloniki, Greece, on July 2,
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