Stanley Black And His Piano With Latin American Rhythm - Cuban Moonlight

Stanley Black (14 de junio de 1913 - 27 de noviembre de 2002) fue un compositor, arreglista, pianista y director de orquesta británico. Escribió y arregló varias bandas de sonido para películas, y grabó diversas obras en los sellos discográficos London y London Phase 4 de la empresa Decca Records.

Comenzó en el ambiente del jazz en la década de 1930 con músicos como Coleman Hawkins y Benny Carter, y luego fue cambiando al estilo latino en sus interpretaciones y arreglos, para luego ganar reconocimiento por la dirección de obras clásicas..._(wikipedia)

Stanley Black pertenece a esa rara especie de músicos de renombre mundial que desafían cualquier intento de categorización. De hecho, su carrera tiene tantas facetas —pianista, director de orquesta, compositor, arreglista, director musical; música clásica, música ligera, jazz, música latinoamericana; radio, televisión, cine, sala de conciertos y estudio de grabación— que debe de haber miles de personas a ambos lados del Atlántico que no están del todo seguras de si todas estas «etiquetas» pertenecen a una misma persona. televisión, cine, salas de conciertos y estudios de grabación —que debe de haber miles de personas a ambos lados del Atlántico que no están del todo seguras de si todas estas «etiquetas» pertenecen a una misma persona.

Nacido y criado en Londres, la carrera musical de Stanley Black comenzó cuando recibió sus primeras clases de piano a los siete años y, más tarde, cuando se convirtió en alumno de la famosa Escuela de Música Manhay, se le auguraba una brillante carrera como pianista concertista.  Pero incluso en aquellos primeros días, su naturaleza inquieta se rebeló ante la idea de ser «solo un pianista», por lo que comenzó a componer y a estudiar orquestación y, a la tierna edad de doce años, una de sus primeras composiciones orquestales fue retransmitida por la Orquesta Sinfónica de la BBC, dirigida por el Dr. Joseph Lewis. 

Poco después de terminar la escuela, se interesó por el jazz y, tras ganar un concurso de arreglos patrocinado por «The Melody Maker», pronto se consolidó como uno de los principales pianistas y arreglistas de jazz de Gran Bretaña. Grabó y participó en programas de radio con Coleman Hawkins, Benny Carter y Louis Armstrong cuando estos artistas visitaron Gran Bretaña en la década de 1930, y también escribió varias composiciones por encargo de Hawkins para una serie de grabaciones especializadas.

En 1938, Stanley Black visitó Sudamérica y se interesó profundamente por la música de los países latinoamericanos. Al profundizar en el tema con la minuciosidad que se convertiría en el sello distintivo de toda su obra, no tardó en ser considerado una de las principales autoridades europeas en ritmos sudamericanos. 

Hacia el final de la guerra y su servicio en la RAF, saltó a la fama al tomar las riendas de la B. B.C. Dance Orchestra, cargo que ocupó durante nueve años, tiempo en el que no solo alcanzó una media de seis programas a la semana, sino que también compuso sintonías y música incidental para numerosas series y documentales radiofónicos, así como la música para los intervalos del Light Programme. En octubre de 1951, la orquesta fue uno de los elementos destacados del Royal Command Variety Show.

En el mundo de la música cinematográfica, Stanley Black ha compuesto las bandas sonoras y ha sido director musical de más de 95 películas británicas y angloamericanas, y en 1958 fue nombrado director musical de los estudios Elstree de la Associated British Picture Corporation. En 1960 compuso un nuevo tema musical y una biblioteca musical completa para Pathe Newsreel, y en 1963 su banda sonora para el musical de Cliff Richard «Summer Holiday» le valió el premio Novello a la mejor banda sonora de una película musical del año. Una de sus bandas sonoras más recientes fue la de la película «Crossplot», protagonizada por Roger («El Santo») Moore.

Stanley Black acaba de celebrar su vigésimo quinto aniversario bajo contrato exclusivo con The Decca Record Company Limited y sus álbumes muestran más claramente que cualquier palabra su gran versatilidad y su profundo conocimiento de todo el espectro musical:

Los álbumes latinoamericanos como «Tropical Moonlight», «Gershwin Goes Latin», etc., en los que su brillante e inimitable estilo pianístico es el eje de su mundialmente famoso grupo latinoamericano; los álbumes orquestales para los que él mismo realiza todas las orquestaciones, como «Film Spectaculars», «Spain», «Russia», «Broadway Spectacular», «Dimensions in Sound», etc., etc.; y los álbumes orquestales en los que dirige las principales orquestas del país: la London Symphony Orchestra y la London Festival Orchestra. La Royal Philharmonic Orchestra y la London Philharmonic Orchestra, en obras del repertorio clásico estándar de Tchaikovsky, Grieg, Debussy, Dvorák, Borodin, etc. Uno de ellos, su grabación del «Capriccio Español» de Rimsky-Korsakov, fue elegido por «The Gramophone» como uno de los discos clásicos del año «elegidos por la crítica» (1965). Todos estos álbumes, en particular los de la serie Phase 4 Stereo, se han publicado en todo el mundo con un éxito extraordinario, especialmente en Estados Unidos y Japón. Las ventas de los álbumes de Stanley Black han alcanzado ya varios millones y ha recibido varios discos de oro.

Como director de orquesta, Stanley Black se ha involucrado cada vez más en el mundo de la música clásica durante los últimos años. Dirigió la Royal Philharmonic Orchestra en siete conciertos durante 1967; realiza numerosas giras como director invitado en Gran Bretaña y en el continente; fue nombrado director principal de la B. B.C. Northern Ireland Orchestra en septiembre de 1968, pero tuvo que renunciar al cargo al cabo de un año debido a sus numerosos compromisos cinematográficos y discográficos en Londres. En septiembre de 1965 fue invitado a Japón para una gira de conciertos con su grupo discográfico latinoamericano y también dirigió la Orquesta Sinfónica de Tokio. La gira tuvo tanto éxito que fue invitado a realizar otra en abril de 1967. Se le pidió una tercera gira, que se llevó a cabo en abril de 1969, esta vez sin el grupo latinoamericano y únicamente como director invitado de la Orquesta Sinfónica de Tokio, la Orquesta Filarmónica de Osaka y la Orquesta Sinfónica de la NHK; y, increíblemente, como único artista occidental al que se ha invitado con tanta frecuencia, ha sido invitado una vez más a dirigir las mismas orquestas durante la temporada de la EXPO '70 este verano. A finales de 1971 se traslada a Nueva Zelanda para dirigir la Orquesta Sinfónica de la New Zealand Broadcasting Corporation durante toda una temporada de «Proms».

Para Stanley Black no hay nada extraño en la idea de dirigir una orquesta sinfónica un día y tocar el piano en un grupo de jazz o latinoamericano al día siguiente; o pasar de componer una banda sonora de cine inspirada en el jazz a escribir una nueva y exquisita versión de «Clair de Lune» de Debussy; o relajarse escuchando discos tanto de Mozart como de Sergio Mendes, o de Elgar y Duke Ellington. Rechaza la especialización porque nunca ha sentido la necesidad o el impulso de especializarse. Se considera ante todo un músico y, por lo tanto, todo lo relacionado con la música entra dentro de su ámbito de comprensión y entendimiento instintivos. Quizás el secreto radique en el hecho de que hace «todo lo relacionado con la música» de forma brillante, y si lleva una desconcertante cantidad de sombreros musicales, todos le quedan de maravilla. Como él mismo dice de forma tan sucinta: «Todo es música, música para estudiar y disfrutar y poner a disposición de otros para que la disfruten; la única música imperdonable es la que es aburrida, está mal escrita o mal interpretada». Así que, como dirían nuestros primos estadounidenses, «disfruten, disfruten»: elijan entre la increíblemente amplia gama de álbumes de Stanley Black. Están ahí para que los disfruten, para todos los estados de ánimo, todos los gustos, todas las edades; un elocuente testimonio de la inspirada obra de uno de los músicos más destacados de nuestro tiempo._ The Decca Record Company Limited, Londres (1969)

                                                                                    

                                                                                  

Stanley Black And His Piano With Latin American Rhythm - Cuban Moonlight (1969)

Temas:

01. Vereda Tropical (Gonzalo Curiel)

02. Majorca (Georges Bonnet/Johnny Lehmann/Louis Gasté)

03. Siboney (Ernesto Lecuona)

04. Ay-Ay-Ay (Osman Perez Freire)

05. El Truco De Pernambuco (Manuel Salina)

06. Green Eyes (Nilo Menéndez/Reginald Connelly/Wolfe Gilbert)

07. Rumba Matumba (Bobby Collazo)

08. Stars In Your Eyes (Gabriel Ruiz)

09. Os Quindins De Yaya (Ary Barroso)

10. The Moon Was Yellow (Edgar Leslie/Fred E. Ahlert)

11. Nostalgia (Stanley Black)

12. Hold Me Close Tonight (Stanley Black)

13. Perfidia (Alberto Dominguez)

14. Frenesi (Alberto Dominguez)

José Luiz Martins - Odyssey Mixtape

Originario de la vibrante ciudad de São Paulo, Brasil, José Luiz Martins es un pianista, compositor, director de banda y productor radicado en el área de Washington, D. C. Es muy reconocido por su enfoque innovador y su música profundamente expresiva. Inspirándose en el rico patrimonio musical de su tierra natal, José (pron. "Joe-zay") combina a la perfección ritmos brasileños con influencias del jazz, la música clásica, el rock y la música contemporánea, creando un sonido único y cautivador.

José Luiz Martins se ha presentado en prestigiosos escenarios y festivales de Brasil, Europa y América, compartiendo escenario con músicos y conjuntos de renombre. Sus grabaciones como solista, director de banda y colaborador han recibido un gran reconocimiento de la crítica, lo que le ha valido premios y reconocimiento de la comunidad musical nacional e internacional..._(joseluizmartins)

El pianista, compositor y arreglista brasileño José Luiz Martins tiene una forma especial de fusionar sus raíces culturales con el jazz fusión americano, los ritmos hip hop, la música clásica europea y el funk. El resultado es una flor musical fresca y hermosa.  El álbum "Odyssey Mixtape" de Martins cuenta con la participación de varios invitados especiales, entre ellos el guitarrista John Lee, que brilla con un solo en el tema inicial, "Incerteza".  Incerteza se traduce como "incertidumbre", pero no percibo nada incierto o contemplativo en esta maravillosa primera composición de José Luiz Martins.  Comienza con mucha energía y emoción, inspirada por la fluidez y creatividad de Martins al teclado.
En la pista n.º 2, titulada "Don't Act Like", la voz de Nakama añade una cálida textura al arreglo. José Luiz Martins utiliza técnicas de sintetizador y ritmos funky para despertar el interés musical del oyente. Este arreglo también cuenta con la participación de Tyrone Allen II al bajo eléctrico y Florian Haas a la batería.
A pesar de su lucha contra la distonía focal, un trastorno neurológico que interrumpió su carrera

musical de una manera muy difícil, Martins superó esta adversidad. En consecuencia, su álbum es un testimonio de su fenomenal fuerza de voluntad. En él se reflejan su talento como compositor, su determinación y la interacción entre la depresión y la esperanza. Esto se refleja como un tema recurrente en su música original.
"Odyssey Mixtape" es el cuarto álbum publicado por este talentoso pianista y compositor.

Alex Hamburger, cantante y flautista, aporta su tierna voz en "Bloom". Aunque no he podido encontrar ningún vídeo disponible de este álbum, en una publicación anterior se puede ver a la Sra. Hamburger junto a José Luiz Martins interpretando "Solitude" de forma magnífica. Su tema más reciente, "Bloom", tiene un estilo más pop/rock. Prefiero su interpretación de "Tierra Extraña", una composición muy jazzística de Martins. Su exploración pianística durante su solo improvisado es encantadora._(makingascene)

                                                           

José Luiz Martins - Odyssey Mixtape (2025)

Temas:

01. Incerteza 

02. Don't Act Like 

03. Cravo e Canela 

04. Bloom 

05. Yatra-Tá 

06. Metamorphosis 

07. Tierra Extraña

Musicos:

José Luiz Martins (Piano, teclados, sintetizadores, composiciones, letras y arreglos)

Alex Hamburger (Flauta, voz y letras)

Romeir Mendez (Bajo)

Dana Hawkins (Batería)

Invitados especiales:

John Lee (Guitarra en pistas #1, #4 y #5)

Nakama  (Voz/letras en pista #2)

Tyrone Allen II (Bajo eléctrico en pista #2)

Florian Haas - (Batería en pista #2)       

Edmundo Ros And His Orchestra - Latin Melodies Old And New

Edmundo William Ros (Puerto España, Trinidad y Tobago, Indias Occidentales Británicas, 7 de diciembre de 1910 - Alicante, España, 21 de octubre de 2011)​ fue un músico, vocalista y director de orquesta, conocido internacionalmente por su fusión de la música latinoamericana tradicional y moderna. En el mundo anglosajón, se le llama a veces con el sobrenombre de "King of Latin American Music" ("El rey de la Música Latinoamericana")..._(wikipedia)

El corazón y el alma de la música latina es el ritmo, el «beat», esas figuras pulsantes que vibran, empujan y nunca cesan. En la música latina, el ritmo lo es todo, e incluso afecta a la melodía que se apoya en él; una buena melodía en la música latina es aquella que se adapta, o se hace adaptar, al patrón rítmico.

En este campo, Edmundo Ros tiene pocos rivales, y así ha sido durante años. Edmundo entró en el negocio como hombre del ritmo (percusionista de una importante orquesta sinfónica cuando dejó Venezuela; hombre de la batería, marcando el compás en los clubes de cabaret de Londres y en sesiones de grabación con personajes tan notables como Fats Waller; y, por supuesto, a lo largo de los años, estableciéndose en el campo de la percusión y el ritmo latinoamericanos, del que es un experto).
En una sesión, es muy estimulante ver a Edmundo ensayar las secciones de ritmo y percusión: lo que no le gusta lo corrige cogiendo el instrumento en cuestión para hacer una demostración. Una vez establecido el ejemplo, la sección nunca falla. El ritmo, en un LP de Edmundo Ros, es entonces una sólida pieza de magia musical.

A las secciones que crean la melodía, los metales y los instrumentos de viento-madera, les enseña el arte del fraseo. No se trata, según él, de una simple cuestión de notas y valores, sino de «sentir»; «sentir» la frase en relación con el ritmo, los patrones que se mueven bajo la melodía. La diferencia es la que hay entre «falso» y «auténtico», «artificial» y «real». El resultado traza una línea entre lo que es aceptable y lo que es mágico.

Los resultados mágicos han sido el sello distintivo de los LP de Edmundo Ros durante años y este no es una excepción. Con algunas de las mejores canciones de ayer y de hoy, este álbum es un producto perfecto para bailar, escuchar y disfrutar como fondo musical alegre.

©1965, The Decca Record Company Limited, London

                                                                                   

Edmundo Ros And His Orchestra - Latin Melodies Old And New (1965)

Temas:

01. La Cucaracha (Tradicional)

02. One Note Samba (Antonio Carlos Jobim, Jon Hendricks, Newton Mendonça)

03. The Girl From Ipanema (Antonio Carlos Jobim, Norman Gimbel, Vinicius De Moraes)

04. Valencia (José Padilla Sánchez)

05. Blame It On The Bossa Nova (Mann And Weil)

06. La Paloma (Sebastián de Yradier)

07. La Golondrina (Narciso Serradell)

08. Mexico (Boudleaux Bryant)

09. Meditation (Antonio Carlos Jobim, Newton Mendonça, Norman Gimbel)

10. Spanish Gipsy Dance (Pascual Marquina)

11. Jet Flight Edmundo Ros, Roland Shaw)

12. Vaya Con Dios (Buddy Pepper, Inez James, Larry Russell)                                         

Paquito D'Rivera & James Moody - "Who's Smoking?!"

El entusiasmo que generó la llegada de Paquito D'Rivera a Estados Unidos en 1980 no ha disminuido. Pero el énfasis se ha desplazado desde hace tiempo de su deserción cubana a su pura musicalidad. Así debe ser, ya que su traslado original a Estados Unidos fue un paso musical, no político.
La combinación de pasión y pasión que impregnó su interpretación desde el principio se ha profundizado. La textura de sus pasajes de alto y soprano, y en particular de clarinete, se ha vuelto sedosa. Y su inventiva, siempre impresionante, ha florecido considerablemente.
Para esta sesión, reunió no sólo a importantes colaboradores del jazz latino como el trompetista Claudio Roditi y los pianistas Danilo Pérez y Pedrito López, sino también a distinguidos músicos tradicionales como el saxofonista tenor James Moody, el fliscornista Mark Morganelli, el bajista Harvie Swartz y el baterista Al Foster.
La combinación brilla en el percusivo tema inicial, Who's Smoking?!, un original de D'Rivera/Roditi. Tras un estribillo típicamente innovador de Moody, Paquito inyecta pasajes brillantes y explosivos, y Morganelli y Roditi lideran una carga transicional hacia Pérez.
John Coltrane's Giant Steps gets a distinctively new dimension from Moody's tenor and D'Rivera's clarinet. Moody's chorus, replete with glorious exploration, is breakneck. And Paquito, on this cut and later on I Mean You and Out of Nowhere, gives evidence that he is among a handful of supreme clarinetists. Together, he and Moody cut a new swath through the extraordinary changes.
D'Rivera pasa al saxo soprano para interpretar Irremediablemente Solo, un tema de tempo medio lleno de líneas descendentes sólidamente respaldadas por Pérez, Swartz y Foster. El saxo soprano de Paquito, que comenzó a tocar a los cinco años, tiene el mismo fuego que pone en el saxo alto y el clarinete.
Todo el conjunto, con Pedrito López al piano, vuelve para interpretar el tema original de Roditi, Linda's Moody. El sutil ritmo latino da paso a los solos de Roditi, Moody y López. 
D'Rivera se desliza sobre la base percusiva de su uptempo Desert Storm con el saxo soprano. A su estribillo le siguen las ricas explosiones del fliscorno de Roditi, antes de que el pianista Pérez construya un solo que va desde los graves retumbantes hasta las vertiginosas escalas.
El pianista López regresa con su propia composición, Nuestro Bolero, y D'Rivera elige el saxo alto para crear un ambiente romántico. Swartz, cuyo bajo pizzicato le da a todo una columna vertebral formidable, está especialmente sabroso en este tema, contrarrestando las líneas líricas de Paquito con miel.

D'Rivera pasa al clarinete y se luce en I Mean You, de Thelonious Monk, que también brinda a Pérez y Swartz la oportunidad de brillar por sí mismos.
You Got It, Diz!, un tema original de Pérez, comienza con una introducción en conjunto al estilo de Monk, y luego D'Rivera lo lleva adelante con rápidos pasajes de saxo alto. Roditi maneja su coro con más suavidad durante unos compases, luego se adentra en el tempo y finalmente se aparta para dar paso a las vibrantes cascaras de Moody.
El final, Out of Nowhere, es un dúo magistral entre D'Rivera al clarinete y Swartz al contrabajo. Rebosa la dinámica y la inventiva de Paquito, con sus líneas suaves y susurrantes que recuerdan el sonido único del clarinete que Tony Scott grabó en los años 50. Swartz es toda la base que D'Rivera necesita para sus saltos de octava y sus líneas de filigrana.

D'Rivera me dijo en una entrevista en 1982: «Mi música es una mezcla de tres cosas principales: la formación clásica, mis raíces cubanas y la tradición del jazz». Las tres están aquí gloriosamente presentes._Stuart Troup. Coautor de la autobiografía de Woody Hennan, The Woodchopper's Ball (E. P. Dutton)

                                                                          

                                                                                   

Paquito D'Rivera & James Moody - "Who's Smoking?!" (1991)

Temas:

01. Who's Smoking?! (Paquito D'Rivera & Claudio Roditi)

02. Giant Steps (John Coltrane)

03. Irremediablemente Solo (Incurable Alone) (Avelino Muñoz)

04. Linda's Moody (Claudio Roditi)

05. Desert Storm (Paquito D'Rivera)

06. Nuestro Bolero (Pedritp Lopez)

07. I Mean You (Thelonious Monk)

08. You Got It, Diz! (Danilo Perez)

09. Out Of Nowhere (Edward Heyman & Johnny Green)

Musicos:

Paquito D'Rivera (Saxo alto, saxo soprano, clarinete)

Claudio Roditi (Trompeta, fliscorno)

Mark Morganelli (Fliscorno)

James Moody (saxo tenor)

Danilo Pérez (Piano)

Pedrito López (Piano)

Harvie Swartz (Bajo)

Al Foster (Batería)

Grabado: 21 y 22 de mayo de 1991 en BMG Studios, Nueva York

Interactivo - Cubanos Por El Mundo

Interactivo. Es una de las agrupaciones más aceptadas y seguidas por la juventud nacional. Desde las primeras presentaciones en distintos espacios capitalinos -apenas entrado el Siglo XXI- este sui generis proyecto musical no ha dejado de impresionar al exigente público especializado y a los admiradores del buen arte sonoro de la Isla.
Interactivo surgió en el año 2001 de manera espontánea, cuando Roberto Carcassés fuera el arreglista del primer disco de la multiinstrumentista y cantante cubana Yusa; ambos quedaron muy motivados con ese trabajo y a partir de entonces surgió la idea de convocar a otros músicos, convirtiéndose en uno de los sucesos más novedosos dentro de la música cubana actual.
No es una banda musical formalmente constituida, sino una agrupación a la que se suman instrumentistas y vocalistas que ya tienen, de manera individual, una sólida carrera profesional, y para los cuales Interactivo es una puerta abierta a la libertad musical creativa, al trabajo en equipo y a la experimentación.
Solo hay que compartir con ellos tras las “patas” de cualquier escenario, en una gira o ensayo, para darse cuenta que detrás de toda esa locura, de esas “tormentas de ideas” musicales, supuestamente descabelladas, hay toneladas de horas de estudio y preparación, conceptos bien claros de lo que pretenden hacer a través de esa urdimbre de géneros diversos, a la vez que cercanos; lo evidente de una estrategia que contempla el retozo serio con lo mejor de la música criolla y su fusión con el Rock, el Jazz, el Rap, el Flamenco y los Ritmos africanos. Músicas cercanas a pesar de distancias y barreras, músicas también nuestras en estos tiempos de mundialización y tantas influencias.

Así que Interactivo es laboratorio, taller, es postgrado... es paréntesis para compartir y conocer lo que están haciendo otros músicos, es el espacio al que siempre se quiere volver, porque no impone reglas que vayan más allá de los deseos de crear juntos buena música.
Desde el principio, Roberto Carcassés (hijo de Bobby Carcassés, grande entre los jazzistas cubanos), fundador y al frente del proyecto, sabía muy bien lo que pretendía con Interactivo.
Ya el primer CD, “Wanted”, advertía en uno de sus textos fundacionales: “...como su nombre pretende expresar, es un espacio de creación lo más abierto y ecuménico posible, que recibe y aporta influencias de todas las músicas de vanguardia cualitativa y que puede de hecho, convertirse en escenario por el que transiten los músicos cubanos, o de otras latitudes, con un discurso musical en común con sus integrantes. Interactivo es, sobre todas las cosas, buena música, hecha por jóvenes y talentosos músicos”.
Según el líder de la banda, “es la disposición de compartir música o, simplemente, de anular el ego o usarlo como una herramienta que te ayude a compartir. Yo tengo 30 músicos en el escenario y todos están en función de la música. Ese es el principio de Interactivo”. Y hay más: “nosotros estamos haciendo música, pero al mismo tiempo involucramos, como en este último concierto, a cineastas y a la televisión. Ellos no sabían cómo ponerse de acuerdo. Y yo les decía que esto se llama Interactivo porque hay que aprender a ponerse de acuerdo”.
Robertico organizó el proyecto Interactivo, con una pléyade de jóvenes de mucha aceptación: los más habituales en sus presentaciones han sido Francis del Río y la rapera Telmary Díaz, el guitarrista Elmer Ferrer, el saxofonista Roberto Martínez, Adel en las congas y Wilson. También se han unido con frecuencia Yusa en el bajo, William Vivanco y Kelvis Ochoa, cantautores de sólidas carreras que han sido “enganchados” por el juego Interactivo.

Otros que han participado en el proyecto son en el drums Oliver Valdés y Rodney Barreto, bajo Carlos Ríos, en la guitarra Raul Verdecia, congas Yaroldi Abreu, trompeta y voz Julio Padrón, trompeta Alexey Barroso, saxo Carlos Miyares y David Suárez, trombón Juan Carlos Marín, coros y guiro Brenda Navarrete, coros Lisset Ochoa y Marjorie Rivera..._(ecured)

«Cubanos por el mundo» es el título de la primera gira que el grupo Interactivo realizará por varias provincias del país, del seis al 24 de febrero próximo, bajo la dirección del destacado músico Roberto Carcassés, informó AIN.

El periplo lleva el nombre de la última producción discográfica de esa agrupación, grabada por la disquera Bis Music de Artex y que fue muy bien acogida por el público desde las primeras presentaciones, según indican los organizadores del recorrido.

Esta serie de conciertos presentará el quehacer de ese elenco de talentosos jóvenes, vanguardia de un movimiento alternativo que fusiona barios géneros musicales como la salsa, la timba, el pop, el rock, el hip-hop y ritmos afrocubanos, a la que Carcassés denomina Timba Funky, o música cubana contemporánea.

William Vivanco, Francis del Río, Kelvis Ochoa, Oliver Valdés, Julio Padrón, Telmary y Elmer Ferrer, entre otros, se integran bajo el ensamble Interactivo donde, aseguran, se logra una gran apertura para la creación musical, la innovación y el trabajo en equipo.

Surgido hace más de una década, el conjunto ha demostrado su capacidad interpretativa en los más exigentes escenarios dentro y fuera de Cuba, con gran aceptación del público y la crítica especializada.

En el 2006 fueron merecedores del Gran premio Cubadisco con el álbum Goza pepillo, además acapararon los primeros lugares en las categorías de Fusión y Ópera Prima de este certamen.

La música de Interactivo a lo largo de su existencia ha estado marcada también por la impronta de músicos de generaciones, orígenes y tendencias musicales diversas, pues a la banda se han sumado ocasionalmente figuras como: los bateristas Samuel Formell, Ruy López-Nussa, Amed Michel, Frank Durán y Ramsés Varal; los raperos Kumar y el grupo Free Hole Negro; los percusionistas Alejandro Aparicio "El Pícaro" y Pancho Terry; el trompetista Yasek Manzano y el trombonista Juan Carlos Marín; los saxofonistas Román Filiú e Irving Acao; el bajista Omar Pérez; los cantautores Santiago Feliú, Kelvis Ochoa, Gema Corredera y Pavel Urquiza, y la cantante Haydeé Milanés; el compositor y bajista Descemer Bueno; músicos de Habana Abierta, y muchos otros. También en estas descargas han participado el brasileño Lenine y los integrantes del grupo español Ojos de Brujo.

Interactivo es pues un maravilloso laboratorio del que emana la sonoridad cubana de estos tiempos, y sus músicos están escribiendo páginas que habrán de ser tenidas muy en cuenta, cuando se aborde la historia sonora de la Isla en el siglo XXI._(juventudrebelde)

                                                                                   

                                                                             

Interactivo - Cubanos Por El Mundo (2010)

Temas:

01. Tocando Mientras Llueve

02. Chica Cubana

03. Chiqui Chaca (Cadaver Exquisito)

04. Que Ya No Hay Amor

05. Samba De Los Cotuntos

06. Que No Pare El Pare

07. Rumba Contigo

08. Sali De Mi Casa Un Dia (Jana)

09. Para Alegrarte El Corazon

10. Cubanos Por El Mundo

11. LLuvia De Sentimiento

Musicos:

Roberto Carcassés (Piano, rhodes, voz, coros, palmas)

Carlos Ríos (Bajo, coros)

Feliciano Arango (Bajo)

Néstor Del Prado (Bajo)

Rodney "Barretico" Yllarza Barreto (Batería)

Oliver Valdés (Coros, tamborine, shaker, pandeiro)

Adel Gonzalez (Percusión)

Julio Padrón (Trompeta, voz, coros, palmas)

Juan Carlos Marin (Trombón)

David Suarez (Saxo tenor, saxo soprano)

Carlos Miyares (Saxo tenor)

Elmer Ferrer (Guitarra eléctrica)

José Luis Martínez (Guitarra eléctrica)

William Vivanco (Guitaras, voz, coros)

Lisset Ochoa (Coros, palmas)

Marjorie Rivera (Coros, palmas)

Yusa (Voz, palmas)

Francis del Río (Voz, coros)

Telmary Díaz (Voz)

Melvis Santa (Voz)

Descemer Bueno (Voz)

Santiago Feliú (Voz)

David Torrens (Voz)

Oscar Valdés (Voz)

Bobby Carcassés (Voz)

Kelvis Ochoa (Voz)

Fahir Atakoglu - Live At Umbria Jazz

Mustafa Fahir Atakoğlu (pronunciación turca: [faːˈhiɾ ˈatakoːɫu], nacido el 28 de enero de 1963) es un pianista y compositor turco-estadounidense que ha colaborado con una amplia gama de artistas en diversos géneros musicales, desde música sinfónica hasta jingles publicitarios. Nació en Estambul, Turquía.

Desde los siete años, Atakoğlu se interesó por la música y comenzó a tocar el piano y la batería. Aunque su familia deseaba que siguiera con el negocio familiar, su madre fomentó su pasión por la música y, gracias a su profesor de música, Muzaffer Uz, conoció a Cemal Reşit Rey, el famoso compositor, pianista, guionista y director de orquesta turco. Atakoğlu estudió con Rey de 1977 a 1979. Asistió al Conservatorio Estatal de Estambul de 1978 a 1980. En 1980 se trasladó a Londres y durante cinco años estudió en la London School of Music y en el Croydon College. Se graduó en marketing y publicidad en el Croydon College en 1983 y regresó a Estambul para trabajar como compositor de jingles publicitarios..._(wikipedia)

Fahir Atakoglu es un habitual del circuito de festivales, y esta grabación se realizó en una de esas actuaciones. La tecnología se ha utilizado con maestría, y el Teatro Morlacchi de Umbría proporciona la calidez y la nitidez perfectas para esta grabación impecable, caracterizada no solo por el sonido voluptuoso del piano de cola Fizoli que toca Atakoglu, sino también por el sonido cincelado del bajo y la precisión de la batería de Horacio «El Negro» Hernández. Fahir Atakoglu debió de sentirse muy a gusto con el ambiente del auditorio, y al parecer, también el público, que permaneció sorprendentemente silencioso para un evento de esta envergadura. De hecho, la interpretación alcanza un clímax sonoro constante durante poco más de una hora.

Atakoglu interpreta composiciones originales, algunas de las cuales datan de su álbum de quintetode 2008. Los deliciosos ululatos crean la atmósfera de un zoco de Oriente Medio resplandeciente de color, con ecos de pregones de vendedores en las partes vocales cantadas por el pianista. Su interpretación, sin embargo, no es ni meticulosa ni una reproducción seca y literal de la ambientación del mercado, sino que utiliza ambos tipos de evidencia como punto de partida para un enfoque original y convincente. «Faces» es un buen ejemplo, ya que la concepción de Fahir Atakoglu para construir la textura esencialmente elude la de la mayoría de sus contemporáneos y se adentra en un reino marcado por la amplia influencia de las preferencias culturales moriscas y gitanas, fusionando ambas como una especia exótica de un Gran Bazar.

El fluido, versátil y sensible al timbre Fahir Atakoglu es un técnico de excepcional elegancia y sofisticación. Parte de esa sofisticación reside en su negativa a deslumbrar. La técnica se pone siempre al servicio de fines estrictamente musicales. El gusto y la sensibilidad son de suma importancia, y su interpretación al piano fluye como un aceite perfumado. Su ejecución se caracteriza por una inflexión sumamente melódica, y es sinuosa, natural y discretamente sensual; la paleta tonal es siempre refinada, y la polifonía que impregna las texturas musicales es eminentemente clara, pero nunca ostentosa.

A lo largo de toda la obra, Fahir Atakoglu se revela como un pianista excepcional. Pero también lo hacen el bajista Alain Caron y el baterista Horacio "El Negro" Hernández. Caron es un músico sublime que se sitúa en una élite entre los bajistas. Su bajo y sus amplificadores proyectan su sonido característico sobre la expectante atmósfera del auditorio. El repiqueteo y el zumbido de la batería de "El Negro" Hernández —un enorme conjunto de instrumentos afinados y una profusión de platillos— se interpretan con la pompa y solemnidad que lo caracterizan. Este conjunto de acompañamiento proporciona un gran estímulo al pianista, permitiéndole ir aún más allá de sus límites. Si a esto le sumamos la magnífica calidad de sonido, el resultado es una experiencia grabada verdaderamente inolvidable para disfrutar una y otra vez._ Raul Da Gama (latinjazznet)

                                                                             

                                                                              

Fahir Atakoglu - Live at Umbria Jazz (2016)

Temas:

01. Beyoglu

02. Sync-op

03. Aheste

04. Faces

05. Gypsy In Me

06. Connection

07. Black Sea

08. Ess

09. Trapped

10. Saturday

Musicos:

Fahir Atakoglu (Piano)

Alain Caron (Bajo eléctrico)

Horacio "El Negro" Hernández (Batería)

Stan Getz & Joao Gilberto - Getz / Gilberto

En noviembre de 1962, varios músicos brasileños importantes, entre ellos João Gilberto, Oscar Castro-Neves, Luis Bonfá y Sergio Mendes, llegaron a Nueva York para ofrecer un concierto en el Carnegie Hall. Si bien Stan Getz no tocó en el concierto (y es posible que ni siquiera asistiera), el éxito de su álbum «Jazz Samba» (codirigido con Charlie Byrd) había impulsado el interés estadounidense por la bossa nova. Muchos brasileños decidieron quedarse en Nueva York unos meses para aprovechar la popularidad del género. El productor de Getz en Verve, Creed Taylor, decidió reunir al saxofonista con varios de ellos para crear una colección de discos de bossa nova que publicaría a lo largo de varios años.

Grabado en marzo de 1963, “Getz/Gilberto” fue un auténtico encuentro entre músicos brasileños: Getz al saxo tenor, Antonio Carlos Jobim al piano y João Gilberto a la guitarra y con voz en portugués. Los acompañaban otros dos brasileños: el bajista Sebastião Neto y el baterista Milton Banana. Gilberto era un conocido recluso, y la esposa de Getz fue llamada para recogerlo de su hotel, situado a pocas manzanas. Es posible que durante esta negociación, la esposa de Gilberto, Astrud, fuera invitada a participar y cantar las letras en inglés de dos de las canciones. Sea como fuere, la voz tímida y susurrante de Astrud fue probablemente la clave del éxito que finalmente alcanzó el álbum.

Sin ella (o sin otra vocalista), “Getz/Gilberto” habría sido un álbum de música brasileña magníficamente interpretado, pero la voz sin restricciones de Astrud llevó las tiernas y melancólicas letras de “La chica de Ipanema” y “Corcovado” al público estadounidense. En general, el álbum no es muy arriesgado —ni Jobim ni los Gilberto eran improvisadores consumados, y Getz parece contenerse en todos los temas excepto en “Só Danço Samba”—, pero la química musical es visceral, desde los delicados obbligatos de Getz hasta la voz y guitarra discretas (pero muy influyentes) de João Gilberto, los delicados solos de piano de Jobim y el impecable ritmo entre Neto y Banana.

                                                                                

                                                                                  

Stan Getz & Joao Gilberto - Getz / Gilberto (1964)

Temas:

01. The Girl From Ipanema - Voz Astrud Gilberto

0 2. Doralice

03. Para Machuchar Meu Coração

04. Desafinado

05. Corcovado - Voces Introducción Astrud Gilberto

06. Só Danço Samba

07. O Grande Amor

08. Vivo Sonhando

Musicos:

João Gilberto (Guitarra y voz)

Stan Getz (Saxo tenor)

Tommy Williams (Bajo)

Astrud Gilberto (Voz) 

Antonio Carlos Jobim (Piano)

Milton Banana (Batería)

Grabado por Verve el 18 y 19 de marzo de 1963 en la ciudad de Nueva York

Kenny Burrell - Have Yourself a Soulful Little Christmas

Kenneth Earl Burrell, conocido en el mundo profesional del jazz, como Kenny Burrell (31 de julio
de 1931. Detroit, Michigan), nació en una de las grandes localidades del blues en los EE.UU. la muy industrial ciudad de Detroit. En su familia todos eran músicos y el ambiente no podía ser mas propicio para un joven que pronto se agarró a la guitarra de su hermano adoptando desde entonces el instrumento de cuerdas. Burrell comenzó a tocar la guitarra a los 12 años y rápidamente cayó bajo la influencia de artistas como Charlie Christian, Django Reinhardt, Oscar Moore, T-Bone Walker y Muddy Waters. Rodeado por la vibrante escena de jazz y blues de Detroit, Burrell comenzó a tocar en la ciudad y contaba entre sus amigos y compañeros de banda con el pianista Tommy Flanagan, los saxofonistas Pepper Adams y Yusef Lateef, el baterista Elvin Jones y otros. En 1951, le llega el primer contrato serio  de la mano de un genial trompetista llamado Dizzy Gillespie, que por aquel entonces dirigía un sexteto donde también tocaba el vibrafonista Milt Jackson, y un jovencísimo saxo tenor que años mas tarde revolucionaría el mundo del jazz llamado, John Coltrane. Precisamente con el quinteto de John Coltrane, Kenny Burrell grabaría años mas tarde, en 1958, dos discos de culto en su discografía.

A mediados de los cincuenta, Burrell Interrumpe brevemente su carrera musical para terminar los estudios de guitarra clásica en la «Wayne University» donde termina graduándose en 1955 con un diploma de »Bachelor of Music». Al año siguiente lo llaman para acompañar a Billie Holiday, en un magno concierto en el Carnegie Hall grabado por el sello Verve. Como recompensa a su buen hacer, empieza a ser llamado por diferentes grupos de jazz de distintos estilos. Así toca con los «Jazz Prophets» de Kenny Dorham, con Gene Ammons, y sobre todo con el organista, Jimmie Smith, con quien ha grabado numerosos y espléndidos disco para Blue Note. Pero Kenny Burrell, tiene también una amplia y excepcional discografía como líder de grupo y para los sellos mas prestigiosos como: Prestige, Verve, Cadet o Blue Note.
Ya consolidado en la élite, le sale un dificilísimo competidor en la persona de Wes Montgomery, quien es prácticamente el mejor guitarrista en aquella época.  En 1965 graba para Verve, el que es considerado uno de sus mejores discos: «Guitar Forms». Abre un local de jazz al que bautizó como: «The Guitar» y en los años setenta y ochenta viaja por todo el mundo para establecerse definitivamente en la Costa Oeste de los EE.UU. donde vive retirado en la actualidad._(apoloybaco)

Se han utilizado muchos adjetivos para transmitir el sentimiento navideño. "Alegre", "jovial" y "feliz" parecen haberse ganado el favor de la ciudadanía sensata. El resto de nosotros, que formamos parte de esa minoría marginal de "espíritus libres", somos un poco más desenfadados y recurrimos a términos como "genial", "maravilloso" o "fantástico". Pero una sola palabra, si todos la aceptaran racionalmente, bastaría: conmovedora. Porque eso es realmente lo que significa la Navidad. Se trata de esos sentimientos que trascienden la expresión humana, esas reflexiones que  desafían la cristalización. No hay momento de mayor impacto emocional que eluda la definición. Este álbum es su invitación a disfrutar de una Navidad libre y conmovedora con un maestro expresionista. Más, nadie podría desear.

Kenny Burrell es miembro de la élite del jazz, supongo, aunque estoy seguro de que nunca se molestaría en hacer tales categorizaciones. Sin embargo, se encuentra en  esa envidiable etapa de crecimiento en la que la mejora es una cuestión de desafío personal, ya que su interpretación ha superado todas las pruebas externas y ha sido aceptado como un artista verdaderamente consumado. La verdad es que un verdadero artista nunca está acabado. Burrell lo reconoce y por eso cada álbum que graba muestra un crecimiento y un desarrollo musical constantes. Este no es una excepción.

Hay una delicada sensibilidad en la obra de Burrell. Y hay un sentimiento blues recurrente. Detrás de estas dos cualidades se encuentran la habilidad técnica y el buen gusto que hacen que esa sensibilidad canta. Ya sea que esté tocando hábilmente una línea de una sola nota o llenando tu corazón con el sonido completo de un acorde, se muestra seguro y completamente cómodo con su instrumento. Hace que su música suene casi elementalmente fácil. En realidad, desarrolla líneas y patrones extremadamente complicados. Lo que disfrutamos es el arte, no la facilidad.

La característica más destacada de este álbum es su amplia y variada selección. Abarca desde canciones infantiles hasta estándares internacionales, desde temas populares hasta blues conmovedores, desde góspels hasta temas con sabor latino. Aunque la mayoría de ellos se han consolidado como   canciones navideñas, varios de ellos no lo han sido hasta ahora. My Favorite Things nunca ha encontrado un escenario más apropiado que este álbum navideño.

The Little Drummer Boy es alegre y animado. Todos lo sabíamos. Burrell nos muestra aquí que también es un pequeño swinger muy funky. Incluso los brillantes y sobrios instrumentos de viento, que comienzan con tanta majestuosidad, se contagian y pronto se unen al baterista en pleno apogeo. Hove Yourself a Merry Little la Navidad fluye suave y fácilmente. Burrell se expresa con sencillez y un ligero toque de fraseo blues. Richard Evans proporciona un colchón fluido con las cuerdas, que se balancean ligeramente bajo la guitarra.

Burrell es lineal y directo en My Favorite Things. Hay un fondo grande y audaz que Evans ha utilizado con cuidado. El gran sonido nunca resulta pesado ni limitante, sino que ataca y puntúa como un único instrumento. El solo de Burrell aquí es una amplia prueba de la complejidad y flexibilidad del músico.

Tal y como comienza aquí, Away in a Manger es una  canción de cuna. Desde un comienzo suave, Burrell construye una declaración intensamente personal y conmovedora. Una vez más, las cuerdas, que a veces tienen la desafortunada tendencia a volverse empalagosas, siguen siendo ecos fluidos y  el suspiro final les pertenece.

El aderezo latino viene con el sencillo Mary's Little Boy Chile. Justo después viene el clásico White Christmas. Aquí Burrell muestra el buen gusto que lo hace destacar. No usa trucos ni adornos extra para darle vida a la conocida melodía. La presenta con una hermosa sencillez.

God Rest Ye Merry Gentlemen empieza con el tono alegre y ligero que asociamos con la melodía inglesa. Más que ninguna otra del álbum, esta melodía pronto se convierte en ese atractivo sonido antifonal por el que Burrell muestra cada vez más interés últimamente. Aquí le da una dimensión completamente nueva a una melodía familiar. The Christmas Song es otra vez una declaración directa. Pero, ¿qué músico con gusto alteraría la estructura básica cuando lo único que se necesita es sensibilidad en la interpretación?

Go Where I Send Thee comenzó su andadura como espiritual. Aquí, Burrell la interpreta a un tempo alegre y animado, y la melodía toma prestada la atmósfera de sus vecinas para convertirse en un especial navideño de gran sonido. Silent Night es familiaridad refinada y reafirmada, un ejercicio de moderación para el guitarrista. The Twelve Days of Christmas rebosa un alegre espíritu festivo y Burrell termina el álbum con un blues contemplativo, Merry Christmas, Baby.

La Navidad puede traerte muchos recuerdos. Si es así, este magnífico álbum, que muestra el talento de Kenny Burrell y Richard Evans, te proporcionará sin duda la música para recordar. Paz._Barbara J.  Gardner

                                                                                 

                                                                       

Kenny Burrell - Have Yourself a Soulful Little Christmas (1966) 

Temas:

01. The Little Drummer Boy (Harry Simeone, Henry Onorati, Katherine K. Davis)

02. Have Yourself a Merry Little Christmas (Hugh Martin, Ralph Blane)

03. My Favorite Things (Rodgers & Hammerstein, Rodgers & Hammerstein)

04. Away in a Manger (Kenny Burrell)

05. Mary's Little Boy Chile (Jester Hairston)

06. White Christmas (Irving Berlin)

07. God Rest Ye Merry Gentlemen (Esmond Edwards, Richard Evans)

08. The Christmas Song (Mel Tormé, Robert Wells)

09. Go Where I Send Thee  (Esmond Edwards, Richard Evans)

10. Silent Night (Kenny Burrell)

11. Twelve Days of Christmas (Esmond Edwards, Richard Evans)

12. Merry Christmas Baby (Johnny Moore, Lou Baxter)

Orquesta arreglada y dirigida por Richard Evans

Kenny Burrell (Guitarra)

Grabado: octubre de 1966, en Ter Mar Syudios, Chicago

Tino Contreras - El Jazz Mexicano

El baterista mexicano, Tino Contreras, (3 de abril de 1924, Chihuahua, México – 9 de septiembre de 2021, Ciudad de México, México), es en su país y en el mundo del jazz latino una verdadera leyenda.  Creador y compositor, durante cinco décadas ha dado renombre a México en todo el mundo. Ha grabado más de 40 discos en Argentina, España, Francia, Alemania, y por supuesto, México. En los años cuarenta forma su primera orquesta «Los cadetes del swing» en su ciudad natal, Juarez Chihuahua. Debuta con la orquesta de Luis Alcaráz a principio de los años cincuenta realizando su primera gira por Sudamérica y el Caribe.
Posteriormente forma lo que fue su primera orquesta en ciudad de México, destacándose como el baterista más importante de la época. En 1954 graba el disco «Jazz en México» y desde entonces, su discografía es prolífica y fueron muy destacados los siguientes trabajos: «Jazz Tropical» (1962); «Misa en jazz» (1966); estrenada en el Palacio de Bellas Artes México, «Jazz mariachi» (1973); «Sinfonía Tarahumara Jazz» (1984); y «Betsabe Jazz fantasía» (2004) entre otras.

Su ingenio y gran creatividad le han llevado a fusionar infinidad de elementos e instrumentos musicales incluido diversos instrumentos prehispánicos. Se ha destacado a lo largo de su carrera no sólo como un extraordinario baterista y compositor, sino también como un interesante pianista, trompetista, y vocalista. Ha representado a México en importantes clubes y festivales de jazz en EE.UU., Europa, Asia y América del sur. Galardonado por su importante labor como difusor del jazz recientemente obtuvo premios como la distinción de «The Emmy Awards» en 1997 y «Bravo» en 1999.
Con motivo de sus cincuenta años de profesión, Tino Contreras ofreció un concierto conmemorativo el 9 de julio de 2004. Asimismo esa historia vivida intensamente por Tino Contreras ha sido recogida en sus libros ‘Mi amor al jazz’ o ‘La historia del jazz en México’.

Uno de los momentos cumbres en la carrera de Toni Contreras fue cuando Chico O´Farrill y él, se presentaron en octubre de 1962 y agosto de 1963, respectivamente, en el Palacio de Bellas Artes, el templo de la música clásica. O’Farrill ofreció su famosa «Aztec Suite» con Chilo Morán como solista,- una suite que él había escrito originalmente para Art Farmer, – mientras Contreras presentó: «Orfeo en los Tambores», acompañado por el Ballet de Cámara del Palacio._(apoloybaco)

Este recopilatorio, reeditado por el sello europeo JAZZMAN, presenta grabaciones de los años 50 y 60 de Tino Contreras, baterista, compositor y arreglista activo en México desde mediados del siglo XX. Esta colección muestra el trabajo de Contreras con una orquesta que abarca desde el jazz latino con influencias del hard bop hasta temas exóticos y poco conocidos con toques de mondo, pasando por el mambo neoyorquino. El enfoque desenfadado y sin restricciones, que refleja la delicada naturaleza de la interpretación de jazz y música latina en México, resulta sorprendentemente refrescante. ¡La selección de músicos es toda una revelación! Silvestre Mendes toca la batería en al menos dos temas, y el segundo, una malagueña, es sin duda su tumba. También aparece en otros temas con músicos desconocidos.

                                                                           

Tino Contreras - El Jazz Mexicano (2011)

Temas/musicos:

01. Orfeo En Los Tambores

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Editado por Typic (Francia)

02. La Malagueña

Tino Contreras (Batería)

Cuco Valtierra (Saxo barítono, saxo tenor)

Humberto Cané (Bajo)

Silvestre Méndez (Congas, bongó)

Al Zúñiga, Pedro Placensia (Piano)

Mario Contreras (Trompeta)

Publicado por Musart (México)

03. En El Viejo Estambul

Tino Contreras (Batería)

Leo Carillo (Bajo)

Tomás Rodríguez (Flauta)

Mario Contreras (Piano)

Adolfo Sahagún (Trompeta)

Fred Tatman (Vibráfono) 

Publicado por Musart (México)

04. Santo

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Lanzado por Musart (México)

05. Safo “La Sacerdotiza Del Amor

Tino Contreras (Batería)

Mike Bravo (Saxo alto, flauta)

Víctor Ruiz Pasos (Bajo)

Enrique Orozco (Piano)

Adolfo Sahagún (Trompeta)

Publicado por Musart (México)

06. Credo

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Lanzado por Musart (México)

07. Poinciana

Tino Contreras (Batería)

Cuco Valtierra (Saxo barítono, Saxo tenor)

Humberto Cané (Bajo)

Silvestre Méndez (Congas, bongó)

Al Zúñiga, Pedro Placensia (Piano)

Mario Contreras (Trompeta)

08. El Hombre Del Brazo De Oro

Tino Contreras (Batería)

Humberto Cané (Bajo)

Al Zúñiga (Piano)

Mario Contreras (Trompeta)

Publicado por Musart (México)

09. Jazz En El Cairo

Tino Contreras (Batería)

Mike Bravo (Saxo alto, flauta)

Víctor Ruiz Pasos (Bajo)

Enrique Orozco (Piano)

Adolfo Sahagún (Trompeta)

Publicado por Musart (México)

10. What Is This Thing Called Love

Tino Contreras (Batería)

Al Zúñiga (Piano)

Humberto Cané (Trompeta)

Otro personal desconocido

Publicado por Capitol (EE. UU.)

11. Visnu

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Editado por Berta (España)

12. Gloria

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Lanzado por Musart (México)

13. Rescate

Tino Contreras (Batería)

Leo Carrillo (Bajo)

Enrique Orozco (Piano)

Tomás Rodríguez (Saxo tenor, flauta)

Adolfo Sahagún (Trompeta)

Publicado por Musart (México)

14. Kyrie

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Lanzado por Musart (México)

15. Orbita

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Lanzado por TENA (México)

16. Ravi Shankar

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Grabación en directo