Red Garland - Rojo

Fue el padre de Red Garland, (13 de mayo de 1923, Dallas, Texas, Estados Unidos – Ibídem, 23 de abril de 1984), con 17 años quién le enseñó a tocar el clarinete sin que en su infancia demostrara alguna inclinación por la música. Su verdadera pasión era el boxeo. Tuvo de maestro musical a A. S. Jackson que tampoco supo sacar de él toda su valía. Mas tarde conoció a Buster Smith, y de ahí nació su afición al saxo alto. Sus lecciones con Buster dieron el fruto apetecido por sus padres y consiguió aprender música y a interpretar el blues. Fue en 1947, en su época de alistamiento en el Ejercito norteamericano, cuando empezó a tocar el piano escuchando atentamente los discos de Count Basie y Nat King Cole en los juke-boxes del cuartel.
Empezó a interesarse a fondo por el jazz y estudió a los pianista clásicos del swing, como James P. Johnson, Art Tatum, Teddy Wilson y Count Basie. Paralelamente su afición al boxeo le llevó a disputar algunos combates en el peso welter, donde llegó a disputar 31 combates. En 1944 obtuvo un contrato en el «Rose Room» de Dallas para tocar con la orquesta de quien fue su primer maestro, Buster Smith. Por recomendación de este, Garland fichó en el grupo de Hot Lips Page dando comienzo a partir de ese momento la meteórica carrera de Red Garland como pianista de jazz. Actuó en el Apollo de New York en 1945 y tras la disolución de la orquesta de Page se unió durante seis semanas a la de Billy Eckstine donde coincidió y entabló amistad con Charlie Parker, Dexter Gordon, Dizzy Gillespie y todos los músicos del bebop de aquella época.

Entre 1947 y 1949 fue el pianista del club «Down Beat» de Filadelfia y tuvo la fortuna de tocar en el quinteto liderado por Charlie Parker, con el trompetista, Fats Navarro, el saxofonista tenor, Ben Webster y también con John Coltrane. Su apodo de «Red» le vino como consecuencia de una temporada en la que estuvo con el pelo teñido de rojo. En 1949 es llamado por Coleman Hawkins para ocupar el puesto de pianista en su combo y en ese tiempo coincidió y toco con Lester Young.
En 1956 dejó a Coleman Hawkins y se trasladó a Boston con un contrato para tocar en los famosos clubes de aquella ciudad. «Storyville» y «Haig Hat». En junio de 1955, Miles Davis le invita a formar parte de su quinteto donde coincidió con John Coltrane, Paul Chambers, y Elvin Jones. Durante los cuatro años que Garland estuvo en el quinteto de Miles Davis, se grabaron algunas de las piezas mas representativas de la obra de Miles.

En 1959 decidió formar un trío cuando dejó el grupo de Miles Davis, pero su fracaso fue rotundo y no remontó el vuelo hasta 1966. Red Garland fue uno de los grandes pianistas del jazz de todas las épocas y uno de los grandes de ese instrumento en el jazz moderno._(apoloybaco)

El pianista Red Garland grabó frecuentemente con tríos para Prestige durante la segunda mitad de la década de 1950. En esta grabación (reeditada en CD), Garland, el bajista George Joyner y el batería Charlie Persip cuentan con la colaboración de Ray Barretto a las congas, y el énfasis se pone en el swing enérgico. Garland interpreta baladas como «We Kiss in a Shadow» y «You Better Go Now» a un ritmo más rápido de lo esperado. «Ralph J. Gleason Blues» y el aire latino de “Rojo” son algunos de los temas más destacados de este agradable disco._Scott Yanow (allmusic)

                                                                 

                                                                                 

The Red Garland Trio plus Ray Barretto - Rojo (1961-R2022)

Temas:

01. Rojo (Red Garland) 

02. We Kiss in a Shadow (Rodgers, Hammerstein II)  

03. Darling Je Vous Aime Beacoup (Anna Sosenko) 

04. Ralph J. Gleason Blues (Red Garland) 

05. You Better Go Now (Bickley Reichner, Irvin Graham)

06. Mr. Wonderful (Weiss, Bock, Holofcener) 

Musicos:

Red Garland (Piano)

George Joyner (Contrabajo)

Charlie Persip (Batería)

Ray Barretto (Congas en temas: #1, #3, #4, #6)

Grabado en Hackensack, Nueva Jersey (22 de agosto de 1958)

Pat Thomas - Desafinado

Sorprendentemente, la cantante Pat Thomas está prácticamente olvidada, incluso como parte de la escena de la que fue, demasiado brevemente, un gran talento. En Chicago, donde nació y creció, era la cantante femenina más solicitada por los músicos locales y visitantes, que valoraban su forma de tratar las letras. Pat podría clasificarse como una vocalista de pop-jazz. Tenía un estilo directo y claro mezclado con una lectura sutil de la canción, un sonido vocal cálido, una entonación impecable y un sentimiento sincero del blues.

Tenía sólo 24 años cuando grabó la primera versión en inglés del éxito de la bossa nova, Desafinado, para Verve en 1962; publicado como single de debut con One Note Samba, le valió una nominación a los Grammy. Traspasado a MGM para su publicación, formó parte de Desafinado, el álbum que grabó ese año con algunos músicos notables, como Bud Shank, Laurindo Almeida, Mel Lewis y el arreglista Lalo Schifrin, además de la orquesta. Se vendió bien y dio lugar a un segundo álbum, Moody's Mood, al año siguiente, con orquestas arregladas por Claus Ogerman y varios otros. Con la participación de Johnny Hodges y Hank Jones en algunos temas, demostró que su registro era mucho mayor que su dominio del lenguaje brasileño y confirmó las cualidades de una artista aclamada como «una buena cantante en camino de convertirse en una gran cantante». De alguna manera, eso nunca se materializó; murió, sin ser anunciada, en marzo de 1992._(freshsoundrecords)

                                                                        

                                                                                

Pat Thomas - Desafinado (1962)

Temas:

01. Carnival

02. Desafinado (Slightly Out Of Tune)

03. Baia

04. One Note Samba

05. C'est Si Bon

06. Recado Bossa Nova

07. Could Be

08. I Wish You Love

09. Samba De Orfeu

10. Once Again

11. Soft Nights (E Luxo So)

12. To Welcome The Day

Musicos, en temas #01, #03, #04 y #10:

Pat Thomas (Voz)

Lalo Schifrin (Orquesta dirigida y arreglos)

Paul Horn (Flauta)

Laurindo Almeida (Guitarra)

Buddy Clark (Bajo)

Mel Lewis (Batería)

Frank Guerrero y Jack Del Rio (Percusión)

6 violines, 2 violas y 2 ​​violonchelos

Grabado en Los Ángeles, el 1 de octubre de 1962

Musicos, en temas #02, #05, #09, #11 y #12:

Pat Thomas (Voz)

Lalo Schifrin (Orquesta dirigida y arreglos)

Bud Shank (Flauta)

Laurindo Almeida y Al Hendrickson (Guitarras)

Buddy Clark (Bajo)

Mel Lewis (Batería)

Frank Flynn (Baquetas)

Frank Guerrero y Jack Del Rio (Percusión)

6 violines, 2 violas y 2 ​​violonchelos

Grabado en Los Ángeles, el 2 de octubre de 1962

Spanish Harlem Orchestra - Imagenes Latinas

Cualquier álbum dedicado en parte a los difuntos hermanos González -Andy, cuyas líneas de bajo rebotaban con un profundo sabor latino, y su hermano Jerry, trompetista y percusionista con estilo- tiene un listón de oro que alcanzar, e Imágenes Latinas de la Spanish Harlem Orchestra lo consigue y mucho más. Cada una de las 11 pistas está impregnada de ritmos alegres, que requieren una gran disciplina para no saltar del asiento y dar unos pasos privados de salsa, mambo o chachachá. «Llego La Hispánica», compuesta y arreglada por el pianista Oscar Hernández (también productor del álbum) es un ejemplo febril de la manera que

tiene el conjunto de conjurar el ritmo de González, y esto se hace aún más evidente en “Mambo 2021”, donde la flauta de Jeremy Bosch se mezcla maravillosa y alternativamente con los licks del saxo barítono de Mitch Frohman. Las trompetas de Alex Norris y Manuel «Maneco» Ruiz contribuyen con interludios brillantes y chisporroteantes que llevan la canción a otro nivel de intensidad. Y luego el solo de piano de Hernández aumenta con gusto una pista que rebosa imágenes de un paseo veraniego por el este de Harlem. «Como Te Amo» ralentiza el ritmo, y la vocalización, a cargo de Marco Bermúdez, Carlos Cascante y Bosch, es tan armónica como los instrumentos._Herb Boyd (downbeat) 

         

                                                                               

Spanish Harlem Orchestra - Imagenes Latinas (2022)

Temas:
01. Llegó la Hispánica
02. Imágenes Latinas
03. Vestido de Flores
04. De mi para tí
05. Romance Divino
06. Como te Amo
07. Mambo 2021
08. Sentimiento y Son
09. Cuando la Hispánica Toca
10. Mi Amor Sincero
11. La Música Latina

Musicos:
Oscar Hernández (Piano y director musical)
Marco Bermúdez (Voz y coro)
Carlos Cascante (Voz y coro)
Jeremy Bosch (Voz, coro, flauta)
Manuel "Maneco" Ruiz (Trompeta)
Alex Norris (Trompeta)
Doug Beavers (Trombón)
Juan Gabriel Lakunza (Trombón)
Mitch Frohman (Saxo barítono, flauta travesera)
Jerry Madera (Bajo)
Luisito Quintero (Timbales, maracas, güiro)
George Delgado (Congas)

Jorge González (Bongos)

Conrad Herwig - The Latin Side of Mingus

El trombonista de jazz neoyorquino Conrad Herwig está considerado uno de los músicos de jazz
más completos del mundo, tanto en el campo de la interpretación como en el de la enseñanza del jazz, además de contar con numerosos créditos como compositor y arreglista.  Hasta la fecha, ha publicado 20 grabaciones como líder, además de participar en cerca de 200 sesiones de grabación con algunos de los artistas más notables del jazz.  Ha tocado y grabado con Miles Davis, Joe Henderson, Eddie Palmieri, Tito Puente, Frank Sinatra, Joe Lovano y Tom Harrell, entre muchos otros.   

Nacido el 1 de noviembre de 1959 en Lawton (Oklahoma), Herwig forma parte del Salón de la Fama del Jazz de ese estado.  Pasó sus años de formación musical en Hawai bajo el aura del trombonista Trummy Young, icono del jazz, y se graduó en el Punahou High School. El talentoso trombonista estudió después en la Universidad del Norte de Texas, donde formó parte de la famosa One O'Clock Jazz Lab Band. Más adelante en su carrera completaría sus estudios en el Goddard College de Plainfield, Vermont, donde se licenció en etnomusicología afrocaribeña.  Los estudios formales de Herwig concluyeron con un máster en estudios de jazz en el Queens College, una rama de la City University de Nueva York..._(allaboutjazz)

El trombonista Conrad Herwig, miembro clave del grupo La Perfecta II de Eddie Palmieri desde principios de la década de 2000, así como antiguo y actual miembro de la Mingus Big Band, lleva realizando homenajes con temática de jazz latino a iconos del jazz desde The Latin Side of John Coltrane, nominado a los Grammy en 1996. Este homenaje a Charles Mingus, alimentado por la clave, combina dos aspectos paralelos de su extraordinaria carrera. Herwig, un técnico superior en su instrumento, que muestra en solos estelares en las interpretaciones salseadas de «Boogie Stop Shuffle», «Gunslinging Bird» y «Better Get Hit in Your Soul» de Mingus, también se beneficia enormemente de la apretada sección rítmica del pianista Bill O'Connell, el bajista Luques Curtis, el batería Robby Ameen y el conguero Camilo

Molina, que colectivamente impulsan estos temas con mucho fuego. Otros solos destacados incluyen el ataque de notas altas del trompetista Randy Brecker en «Boogie Stop Shuffle» y el intercambio a tres bandas sobre un groove de son montuno entre Herwig, Brecker y el saxofonista Craig Handy en una acelerada «Hora Decubitus». El trompetista habitual de la Mingus Big Band, Alex Sipiagin, también brilla en una versión cha cha cha de «Goodbye Pork Pie Hat» y en una hermosa versión bolero de «Duke Ellington's Sound of Love», en la que destaca su radiante fliscorno._(theabsolutesound)   

                                                                                   

Conrad Herwig - The Latin Side of Mingus (2022)

Temas:
01. Gunslinging Bird (Arreglos-Conrad Herwig)
02. Boogie Stop Shuffle (Arreglos-Bill O'Connell)
03. No Dejes Que Pase Aqui (Don't Let It Happen Here) (Arreglos-Conrad Herwig, Howard Johnson)
04. Goodbye Pork Pie Hat (Arreglos-Bill O'Connell, Conrad Herwig)
05. Hora Decubitus (Arreglos-Conrad Herwig)
06. Duke Ellington's Sound Of Love (Arreglos-Marc Stasio)
07. All The Things You Could Be By Now If Sigmund Freud's Wife Was Your Mother (Arreglos- Bill O'Connell)
08. Better Get Hit In Your Soul (Arreglos-Bill O'Connell)

Musicos:
Conrad Herwig  (Trombón, lider)
Randy Brecker (Trompeta)
Alex Sipiagin (Trompeta, fliscorno #6)
Craig Handy (Saxo tenor #1,2,5-8, flauta #4, clarinete bajo #3)
Bill O'Connell (Piano, Fender Rhodes #6)
Luques Curtis (Bajo)
Robby Ameen (Batería)
Camilo Molina (Congas)
Ruben Blades (Narración #3)

Grabado en Trading 8s Recording Studio, Paramus, NJ.

David Virelles - Igbo Alakorin (The Singer's Grove), Vol. I & II

David Virelles nació en Cuba en 1983 y creció en Santiago. Su padre es José Aquiles, cantautor; su madre era flautista de la Sinfónica de Santiago de Cuba. Virelles comenzó sus estudios de piano clásico a los siete años y escuchó diversas formas de música cubana durante su infancia. Conoció a la música canadiense Jane Bunnett en Cuba y ella le invitó a Toronto. Con el tiempo, estudió en la Universidad de Toronto y en el Humber College. Virelles también grabó y realizó giras con Bunnett, incluso para su álbum Alma de Santiago, de 2001. Comenzó a comunicarse por correo electrónico y teléfono con Steve Coleman alrededor de 2006; el saxofonista le respondía detalladamente a preguntas sobre música.
Una beca del Consejo Canadiense de las Artes permitió a Virelles estudiar con Henry Threadgill en Nueva York. Virelles se trasladó a Nueva York de forma permanente en 2009 y pronto tocó con importantes figuras del jazz, como los saxofonistas Coleman, Chris Potter y Mark Turner.

Virelles formó parte de un trío en 2010, con el bajista Ben Street y el batería Andrew Cyrille, que tocaba música en gran parte improvisada. 

El pianista añadió más tarde a este grupo al percusionista Román Díaz. En 2011, Virelles tocó el piano preparado, la celesta y el armonio en el álbum de Potter The Sirens. Virelles hizo su debut como líder de ECM Records con el lanzamiento de 2014 Mbókò. El crítico de The Guardian informó que «Virelles explora antiguas músicas sagradas y rituales afrocubanas a través de fusiones imaginativas con materiales contemporáneos. Principalmente lo hace utilizando los dos bajos como drones, mezclando espaciosos ambientes de acordes con estallidos de sorprendente improvisación en un flujo de estilos, y centrando gran parte de la melodía en [los dos] bateristas"._(wikipedia)

Los oyentes -sencillos y sofisticados- que ya se han acostumbrado a la música de David Virelles pueden esperar que con cada grabación se amplíen los límites de la música que ha surgido de su herencia afrocubana, especialmente desde sus dos últimas grabaciones con músicos de jazz legendarios como Henry Threadgill y Steve Coleman. 

Con Igbó Alákorin The Singer's Grove Vol. I & II les espera, no una sorpresa, sino una conmoción; sorpresa porque con esta grabación el Sr. Virelles vuelve a los días de gloria de los trovadores (de hace al menos cien años) y sorpresa porque toca la música en el auténtico estilo que se tocaba entonces, a la gran manera de los músicos de Santiago de Cuba (u Oriente, como se llamaba antes de 1905), y de músicos como los de la Orquesta Chepín-Chovén (como nos cuenta en sus breves notas), una de las legendarias bandas afrocubanas de Cuba.

Sin embargo, aunque se trata de un nostálgico regreso a su propia herencia afrocubana, en la que nació y fue educado por su padre (y su madre), está lejos de ser sentimental y retrógrado, sino más bien una excursión musical a lo que hace que la música afrocubana -danzón, oriental, chepinsón, pregón, bolero y trova- sea tan mágica. Y aunque haya que esperar hasta "Sube la Loma, Compay" para que la disonancia angular emerja del pianismo del Sr. Virelles, es un viaje de ensueño en todo momento. En muchos aspectos, este viaje musical podría hacerse innumerables veces y cada una de ellas se sentirá como si fuera la primera vez, al igual que lo es escuchar los Lieder de Schubert o los de Mahler por primera vez, porque al igual que la canción clásica, esta música, que lleva siglos gestándose, está siempre fresca, sin duda como lo está en esta grabación.

La música también sitúa al joven Sr. Virelles en la envidiable compañía de sus antepasados, como Bebo y Chucho Valdés, por la deslumbrante sencillez tanto de su musicalidad como de su pianismo. En ningún momento se distrae al oyente con virtuosismos gratuitos. Cada nota y cada frase, con cada matiz acentuado, es un modelo de artesanía. Este único disco consta de dos volúmenes. El primero destaca la música interpretada en un entorno orquestal y presenta a los incomparables trovadores Emilio Despaigne Robert y Alejandro Almenares, que también se acompaña a sí mismo en el requinto, una guitarra única de Cuba, ambos evocan los días felices de los trovadores. El segundo volumen destaca al Sr. Virelles en un dúo con Rafael Ábalos, que le acompaña al güiro en una interpretación virtuosa que pone el listón a una nueva altura para ese instrumento.

Este repertorio consta de catorce canciones y, en conjunto, la grabación se desarrolla como la banda sonora de una película clásica en la que las imágenes aparecen como lienzos mojados que se funden unos con otros mientras la música fluye y refluye hasta su desenlace final. A lo largo de todo el disco, tanto si aparece con su instrumento como si toca en la sombra de los focos que iluminan a uno u otro vocalista o músico solista, el Sr. Virelles nos ofrece un testimonio estelar de su ingeniosa musicalidad, mientras nos quedamos hipnotizados no sólo por la belleza desnuda de esta música, sino también por el genio desenfrenado del joven pianista que está devolviéndole la vida eterna._ Raul Da Gama (latinjazznet)

                                                         

David Virelles - Igbo Alakorin (The Singer's Grove), Vol. I & II (2018)

Temas:

Vol.I David Virelles Introduces Orquesta Luz de Oriente:

01. Bodas de Oro

02. El Rayaero 

03. Grato Recuerdo 

04. Echa Pa' Allá 

05. Canto a Oriente 

06. Un Granito de Arena 

07. Sube La Loma, Compay 

08. Cosas de Mi Cuba 

09. Ojos de Sirena 

Vol. II Danzones de Romeu at Café La Diana:

10. Tápame Que Tengo Frío 

11. Tira la Cuchara y Rompe el Plato 

12. Mojito Criollo 

13. Mares y Arenas 

14. Tres Lindas Cubanas 

Musicos en Vol.I:

David Virelles (Piano, coros)

Alejandro Almenares (Requinto, voz en temas #3,#5,#8,#9, coros)

Emilio Despaigne Robert (Voz en temas #2,#7, coros)

Rafael Ábalos (Timbal, güiro, coros)

José Ángel Martínez (Bajo)

Lázaro Bandera (Congas)

Román Filiú (Saxo alto)

René «La Flor» Domínguez (Saxo tenor)

Baudelis Rodríguez (Saxo barítono)

Abel Virelles (Trompeta)

José Aquiles Virelles (Coros)

Gabriel Montero (Pailitas criollas, claves en temas#2,#7)

- con John Benitez (Bajo en temas #5,#8)

Musicos en Vol.II:

David Virelles (Piano)

Rafael Ábalos (Güiro)

Mulatu Astatke & His Ethiopian Quintet - Afro-Latin Soul

Mulatu Astatke (o Astatqé) (Jimma, Etiopía, 19 de diciembre de 1943) es un músico, compositor y arreglista etíope. Se le considera el padre del ethio-jazz. Su formación musical se realizó en el Trinity Laban Conservatoire of Music and Dance de Londres, donde estudió clarinete, piano y armonía, Nueva York y Boston, donde fue el primer estudiante africano y también el primer africano en conseguir un doctorado del Berklee College of Music; allí estuvo formándose en vibráfono y percusiones. Posteriormente combinó la influencia del jazz y la música latina con la música tradicional etíope..._(wikipedia)

Mi deseo de empezar a hacer Ethio-jazz empezó en Londres mientras estudiaba allí en los años 50; entonces supe que quería ser diferente con mi música. Busqué músicos de distintos orígenes africanos y vi que tenían éxito y promocionaban la cultura de su país. Sin embargo, había muy poco de África Oriental y Etiopía, así que decidí en ese momento que crearía algo único basado en el rico patrimonio de nuestra música y mostraría lo mucho que hemos contribuido al mundo de la música en general.

Ese viaje empezó a tomar forma en el Berklee College de Bastan. Fui el primer músico africano que estudió allí y ese periodo fue muy importante para mí. Aprendí los aspectos técnicos de muchas formas musicales diferentes y mis profesores me dieron la confianza necesaria para avanzar en mi propia dirección, enseñándome que estaba bien ser diferente en mi música y probar algo completamente nuevo. La música cultural etíope se basa en cuatro modos -tezeta, bati, anchihoy y ambassel- y, dentro de mi música, sabía que esos modos no se podían tocar. Tenían que permanecer en el centro de mi música o todo el carácter del sonido cambiaría y se distorsionaría. Empecé a añadir hermosos colores con acordes, voicings, líneas de bajo y secciones rítmicas, escribiendo progresiones que encajaran bien. Es muy difícil escribir música de 12 notas en torno a los modos etíopes sin destruirlos.
A mediados de los 60 volví a Addis, pero seguía yendo y viniendo a Estados Unidos. En aquella época, nadie fusionaba la música etíope con el jazz. En mi país existía la Primera Orquesta del Teatro Nacional y tanto la policía como el ejército tenían sus propias orquestas. También había bandas como la Echoes y la Ras Band. Los músicos de entonces basaban sus melodías estrictamente en los cuatro modos etíopes, utilizando técnicas como el «canon», con líneas melódicas que se hacían eco unas a otras. Con el Ethio jazz, quise conscientemente ampliar y explorar los modos de diferentes maneras.
Formé un grupo llamado The Ethiopian Quintet en Nueva York, compuesto por una mezcla de músicos etíopes, latinos y afroamericanos (en aquella época no había muchos músicos etíopes en Estados Unidos). La banda incluía al trompetista y pianista Rudy Houston, que más tarde tocó con Yambu, y a Félix Torres, que tocó con la Sonora Ponceña. Siempre he sentido una profunda conexión entre la música latina y la africana; viajé a Cuba para averiguar dónde desembarcó el primer americano, escuché a sus músicos tocar y bailar y, aunque cantaban en español, el tempo, el ritmo y el sentimiento eran muy similares a aspectos de la música africana.

Así que, con el Quinteto Etíope, quise mostrar la contribución africana a la música latina y fue mi primera oportunidad de experimentar y empezar a desarrollar mi visión del Ethio-jazz con esta banda. Con los músicos estadounidenses y puertorriqueños en el grupo creamos un ambiente y unos arreglos diferentes. Fue una gran oportunidad para mí y a ellos les encantó lo que componía y la dirección que intentaba tomar.
Hicimos bastantes conciertos, algunas bodas españolas, eventos al norte de Nueva York y en Manhattan. Tocamos en el Village Gate con Dave Pike, un gran amigo mío por aquel entonces, uno de los mejores músicos de vibráfono del mundo. Tocaba mucho con Herbie Mann y recuerdo que me senté a ver una de sus sesiones de grabación. Vi a muchos otros grandes músicos en conciertos, desde Coltrane a Bud Powell y Bill Evans. En el live circ uit de Nueva York conocí a un productor llamado Gil Snapper. Gil era un tipo muy agradable e interesante y trabajaba con músicos de muchos estilos diferentes. Entendió mi música muy rápidamente; nos llevamos bien y me invitó a grabar con The Ethiopian Quintet, así que nuestros primeros álbumes con él fueron 'Afro Latin Soul' Volúmenes 1 y 2, ambos grabados durante 1966.

En el primer volumen, interpreté una adaptación de una antigua canción guerrera etíope, «I Faram Gami I Faram». Me habría gustado contar con un cantante etíope para el tema, pero estaba cantado en latín y la letra se tradujo al cantante para que pudiera cantarla en español. No obstante, resultó una bonita combinación. El álbum incluía otras composiciones que fueron pasos importantes para mí: 'Mascaram Setaba' (Viene el verano) 'Shagu' y 'Almaz'. En el segundo volumen, Rudy Houston sugirió una pieza musical que llamamos «The Panther» (La pantera), en referencia al animal, pero también en reconocimiento a las Panteras Negras, muy activas en la lucha por los derechos civiles en Estados Unidos en aquella época. En este álbum, una de mis favoritas es mi composición «Girl From Addis Ababa», que funcionaba muy bien como fusión de modos etíopes y ritmos R&R, un indicador del sonido de jazz etíope más afinado de mi álbum posterior para Worthy, «Mulatu Of Ethiopia» (1972). También incluía mi nuevo arreglo de la melodía de los años 50 «Lover's Mambo». Ambos álbumes incluyen bonitos arreglos también por Osear García, Rudy Houston y Gil Snapper también.

Me siento orgulloso de la grabación cuando la escucho de nuevo. Fue un momento importante en mi carrera y fue una época muy interesante y progresista estar en Nueva York a mediados de los años 60. Estuve allí al mismo tiempo que Hugh Masekela, Miriam Makeba y Fela Kuti y, cada uno a su manera, intentamos hacer nuestra parte para poner a África en el mapa del jazz contemporáneo._ Mulatu Astatke, abril de 2018

                                                                               

Mulatu Astatke & His Ethiopian Quintet - Afro-Latin Soul (1966, R-2018)

Temas:

Afro Latin Soul:

01. I Faram Gami I Faram (Mulatu Astatke)

02. Mascaram Setaba (Mulatu Astatke)

03. Shagu (Mulatu Astatke)

04. One For Buzayhew (Mulatu Astatke)

05. Alone In The Crowd (Gil Snapper)

06. Almaz (Mulatu Astatke)

07. Mulatu's Hideaway (Mulatu Astatke)

08. Askum (Rudy Houston)

09. A Kiss Before Dawn (Gil Snapper & Weiss) 

10. Playboy Cha Cha (Oscar Garcia)

Afro Latin Soul Vol. 2:

11. The Panther (Boogaloo) (Rudy Houston)

12. Konjit (Pretty) (Oscar Garcia)

13. Soul Power (Rudy Houston)

14. Lover's Mambo (Tradicional, Arr. Mulatu Astatke) 

15. Love Mood For Two (Rudy Houston)

16. Jijiger (Rudy Houston)

17. Girl From Addis Ababa (Mulatu Astatke)

18. Karayu (Oscar Garcia)

19. Raina (Rudy Houston)

Musicos:

Mulatu Astatke (Vibráfono, piano, batería)

Rudy Houston (Piano, trompeta)

Robert Cuadrado (Bajo)

Felix Torres / John Perez (Congas / Bongos en Vol.1)

Pete Iglesias (Congas en Vol.2)

Tony Pearson (Timbales)

Grupo De Experimentacion Sonora Del Icaic

Grupo musical que nada tenía en común con esas agrupaciones tan frecuentes que a ratos aparecen para luego eclipsarse con la misma celeridad, el Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC reunía artistas jóvenes (y otros no tan jóvenes) empeñados en hacer «otro tipo de música». Experimentación de la más auténtica, creatividad y lejanía de los facilismos, esos eran los preceptos del GES, dedicado a buscar caminos nada trillados en la música, a crear y experimentar con novedosas sonoridades.
Creado en 1969 por Alfredo Guevara, presidente del ICAIC, en sus inicios el GES estuvo integrado por Silvio Rodríguez, Pablo Milanés, Noel Nicola Sergio Vitier, Eduardo Ramos, Emiliano Salvador, Leonardo Acosta y Genaro Caturla. Posteriormente se les unirían Sara González y Pablo Menéndez. El director era Leo Brouwer quien ya, a esas alturas, había compuesto música para cine, así como música popular y de concierto.
El grupo surgió con la petición concreta de hacer música para el cine cubano y a su cargo estaría la musicalización de los filmes de ficción, documentales y noticieros que se realizaban en el Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC). Pero en la práctica el Grupo de Experimentación Sonora se convirtió en una auténtica escuela formadora de grandes músicos, de creadores en toda la extensión de la palabra.

Era la génesis de lo que pocos años después conoceríamos como Movimiento de la Nueva Trova, con sus canciones de compromiso político y letras en su mayor parte de protesta, implicadas con el quehacer revolucionario del mundo y de su tiempo. Sin embargo, desde el punto de vista musical no dejaban a un lado las influencias de la mejor música, fundamentalmente de Latinoamérica y el Caribe, pasando por el rock, el bossa nova, el jazz o de la más pura escuela norteamericana. El GES tenía la capacidad de interpretar cualquier tipo de música, desde bailable hasta sinfónica, y las canciones surgidas de sus trovadores pasarían a ser parte de lo más significativo del cancionero cubano.
Uno de los primeros directores en utilizar la música del GES en sus largometrajes fue Manuel Octavio Gómez, quien en La primera carga al machete utilizó canciones compuestas especialmente para este filme por Pablo Milanés.
No obstante el GES no tenía una difusión regular, no era programado por la televisión o la radio, y sus interpretaciones podían escucharse únicamente en las pantallas de cine, o en algún que otro concierto en el cine de la Cinemateca de Cuba, la mayoría de las veces únicamente para trabajadores del ICAIC.
Luego de un impasse en su trabajo, el grupo se reestructuró bajo la dirección de Eduardo Ramos y todavía son memorables sus actuaciones en el Teatro Amadeo Roldan con repertorios de Silvio, Noel, Vitier, Pablo y Sara.
El Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC apenas grabó discos, si acaso dos o tres acetatos que hoy son tesoro de coleccionistas, y solo gracias al apoyo invaluable de Haydée Santamaría y la EGREM, pero su música se escuchaba semanalmente en las salas de cine en los noticieros de Santiago Álvarez, en los documentales de la época y en la mayoría de los filmes cubanos. Las composiciones de sus integrantes, mayormente músicos muy jóvenes, pasó a formar parte de la historia de la música cubana junto con los grandes de todos los tiempos.

El trabajo del GES dejó una huella indeleble, tanto en el cine cubano de la época como en el Movimiento de la Nueva Trova constituido en Manzanillo, en 1972, y es, así mismo, innegable su influencia en los grupos musicales que surgieron posteriormente, independientemente del género musical que interpretaran.
El Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC fue modelo y estímulo a la experimentación, a la música comprometida y a la innovación permanente.

*El espacio Nuestra América publicará diversos textos dedicados al Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC, por su importancia y trascendencia dentro y fuera de Cuba._ (ipscuba)

                                                                                    

Grupo De Experimentacion Sonora Del Icaic (1974)

Temas:

01. Granma (Sergio Vitier/Pablo Milanés/Silvio Rodríguez) 

02. Danzaría (Sergio Vitier)

03. La Contradanza (Emiliano Salvador)

04. La Oveja Negra (Silvio Rodríguez) 

05. Canción Con Todos (Eduardo Ramos) 

06. Grifo (animal mitológico) (Pablo Menéndez)

Dirección musical: Leo Brouwer y Juan Márquez Lacasa

Arreglos musical: Sergio Vitier, Emiliano Salvador, Silvio Rodríguez, Eduardo Ramos y Pablo Menéndez.

Grabado en La Habana en 1972, en los Estudios de grabación de EGREM

Sérgio Mendes - The Swinger From Rio

Sérgio Santos Mendes (Niterói, Río de Janeiro, 11 de febrero de 1941-Los Ángeles, California, 5 de septiembre de 2024) fue un cantautor, arreglista, pianista y músico brasileño de bossa nova. Con más de 35 publicaciones, fusionó la bossa nova con otros ritmos como el jazz y el funk.​ Es uno de los referentes internacionales de la música brasileña. Fue nominado al Óscar a la mejor canción original en 2011 como coautor de la canción «Real in Rio» de la película de animación Río..._(wikipedia)

En el último año nos hemos familiarizado más con la música de América Latina y especialmente con la de Brasil. La nueva música de Brasil (más conocida como bossa nova) ha sido absorbida por la corriente principal de nuestra propia música. Esto es completamente natural. Mientras nosotros escuchábamos su música, los músicos latinoamericanos escuchaban la nuestra. La música de jazz, en particular, les fascina desde hace tiempo, y sería exacto describir la bossa nova como un matrimonio entre la música brasileña moderna y el jazz estadounidense. La música contenida en este álbum es el feliz resultado de un encuentro entre estrellas de la bossa nova brasileña y músicos de jazz estadounidenses.

Sergio Mendes, el joven que adorna la cala de este LP, es uno de los talentos más brillantes surgidos de los círculos musicales brasileños. Posee un estilo de piano nítido que domina claramente todas las interpretaciones de este álbum. La claridad del pensamiento musical de Sergio es siempre evidente, tanto si está tocando solo, en conjunto o acompañando el solo de otro. Además, inspira algunos de los mejores trabajos discográficos de los conocidos intérpretes de jazz Art Farme, Phil Woods y Hubert Laws.
Sergio está acostumbrado a tocar con los principales músicos del país. Se convirtió en pianista profesional a los dieciséis años. Un año más tarde organizó su propio grupo para actuar en fiestas y clubes nocturnos de Niteroi, su ciudad natal, situada frente a la bahía de lpanema, la ciudad más famosa de Brasil. El compositor y músico Antonio Carlos Jobim escuchó tocar a Sergio y quedó muy impresionado. Le dio muchos ánimos, y en poco tiempo Sergio se unió al círculo de músicos de Río que estaban creando un nuevo estilo musical que llegó a conocerse como bossa nova.

Es imposible concebir una mayor compenetración musical que la que muestran Sergio, el fluegelhomista Art Farme, el saxofonista Phil Woods y el ftutista Hubert Lwas en este álbum. Escuchando la forma en que encajan sus solos, uno podría suponer fácilmente que estos músicos han trabajado juntos durante muchos años. Sergio tiene la extraordinaria facilidad de adaptar la calidad tonal de su instrumento a la del músico con el que toca. Obsérvese, por ejemplo, que cuando él y Art Farmer intercambian frases al final de Useless Panorama, el sonido de sus instrumentos mantiene un flujo uniforme. En So Danco Samba y Maria Moita, el piano de Sergio tiene un poco más de garra que el robusto saxofón de Phil Woods. Aunque estos músicos hayan nacido a miles de kilómetros de distancia, son almas gemelas. El buen amigo de Sergio y el hombre al que llama su menor, Antonio Carlos Jobim, está presente en muchos de los números. Más conocido como el compositor de los temas clásicos de la bossa nova (Desafinado, One Note Samba, etc.), Jobim es también un consumado guitarrista. Los músicos que componen la sección rítmica son miembros del trío del propio Sergio, Tiao Netto al bajo y el batería Chico DeSouza, que mantienen el ritmo en todos los tempos. Desde el punto de vista geográfico, Sergio Mendes podría ser el Swirtger de Río, pero a juzgar por los éxitos que interpreta en este álbum, también podría ser el Swinger de EE.UU._Bob Altshuler 

                                                                                   

                                                                                  

Sérgio Mendes - The Swinger From Rio (1964)

Temas:

01. Maria Moita (Carlos Lyra, Vinicius de Moraes)

02. Sambinha Bossa Nova (Antônio Carlos Jobim)

03. Batida Diferente (Durval Ferreira, Maurício Einhorn)

04. Só Danço Samba (Antônio Carlos Jobim, Vinicius de Moraes)

05. Pau Brazil (Sérgio Mendes)

06. The Girl From Ipanema (Antônio Carlos Jobim, Vinicius de Moraes)

07. Useless Panorama (Antônio Carlos Jobim)

08. The Dreamer (Antônio Carlos Jobim, Gene Lees)

09. Primavera (Carlos Lyra)

10. Consolação (Baden Powell)

11. Favela (Antônio Carlos Jobim)

Musicos:

Sérgio Mendes (Piano)

Antônio Carlos Jobim (Guitarra)

Tiao Neto (Bajo)

Chico DeSouza (Batería)

Art Farmer (Fliscorno en temas #2, #6, #7)

Phil Woods (Saxo alto en temas #1, #4, #8)

Hubert Laws (Flauta en temas #3, #5, #9, #11)

Grabado en Nueva York del 7 al 9 de diciembre de 1964

Arthur Maia - O Tempo E A Música

Ya sea por sus maravillosas pistas, por los grupos y artistas con los que ha tocado, o incluso por sus solos brasileños de buen gusto, el bajista Arthur Maia ha tenido una carrera sobresaliente.
Nacido el 9 de abril de 1962 en Río de Janeiro, Maia comenzó su carrera tocando la batería hasta que a los 17 años tuvo su primer bajo eléctrico. El bajo ya estaba en sus venas, ya que el artista es sobrino del gran bajista Luizão Maia -mano derecha de Elis Regina-, de quien aprendió sus primeras técnicas de bajo y de quien heredó la sensibilidad que desarrolló al tocar el instrumento.
En la escena nacional, su nombre es prioritario en las bandas de renombre del país, habiendo tocado junto a Ivan Lins, Luiz Melodia y Márcio Montarroyos, a quien Arthur acompañó a partir de 1976. Entre los diversos grupos de música instrumental de los que ha formado parte se encuentran «Garage», «Varanda», «Pulsar» y la «Banda Black Rio». Su particular forma de hacer música le llevó también a la escena internacional, cuando trabajó con Ernie Watts, Sheila E., Pat Metheny, Carlos Santana y George Benson.

Más tarde, Arthur se unió a un grupo más orientado al pop, fundando la banda «Egotrip». Pero fue el grupo «Cama de Gato», con un sonido más orientado al jazz, del que Arthur era bajista, el que dio un impulso especial a su carrera.
«Maia» fue su primer álbum en solitario, grabado en 1991 y publicado en Brasil y Europa, con una importante aceptación en el mercado. Un año después, fue galardonado con el Premio Sharp a la revelación instrumental.
Su segundo CD, «Sonora», fue lanzado en un concierto en el Canecão en 1996, con entradas agotadas y gran éxito de crítica, lo que llevó a la grabación del especial «Na Corte do Rei Arthur» para SBTVE y, posteriormente, a actuaciones del músico en seis países europeos, Estados Unidos y Japón. En septiembre de ese mismo año, actuó en el Town Hall de Nueva York, en el marco del Festival Brasil / Nueva York.
En 1999, Arthur lanzó el CD «Arthur Maia e Hiram Bullok ao Vivo» en el sello Niterói Discos. Grabado en Mistura Fina a principios de 1998, este disco reúne lo mejor del bajista brasileño con el sonido de un japonés criado en EE.UU., Hiram Bullock, músico que empezó tocando el saxo, pero que ha tocado con una lista de músicos de jazz y pop, como Miles Davis, James Brown, Barbra Streisand, Burt Bacharach, Billy Joel, David Sanborn, Paul Simon y Eric Clapton.
En 2002, también en el sello Niterói Discos, Arthur Maia grabó el álbum «Planeta Música», en el que participaron Paquito D'Rivera, Mike Stern, Marcos Suzano y otros artistas conocidos. En diciembre del mismo año, ofreció el concierto «Arthur Maia Convida» en la Marina da Glória de Río, al que asistieron más de 2.500 oyentes.
A raíz de una entrevista concedida al Programa Jô en 2002, la agenda del artista estuvo especialmente apretada ese año, con invitaciones para participar en conciertos y talleres en Brasil y en el extranjero. Fue entonces cuando Arthur fue invitado a dirigir el Grammy Latino y el musical «Canto das Três Raças», y a actuar en «Utópica Marcenaria» y en los SESC de São Carlos y São José do Rio Preto.
A lo largo de los años, además de dedicarse a su trabajo en solitario, Arthur también ha trabajado con nombres como Caetano Veloso, Djavan, João Bosco, Lulu Santos, Milton Nascimento, Ney Matogrosso, Plácido Domingos, Ricardo Silveira y Gilberto Gil. El bajista trabaja con Gil desde principios de los años 90, habiendo participado en las giras nacionales e internacionales de varios espectáculos del cantante, como «Quanta», «Eu,Tu, Eles» y «Kaya N'Gandaya».
De 2013 a 2016, Arthur Maia se involucró directamente en la política, como Secretario de Cultura de Niterói durante el primer mandato del alcalde Rodrigo Neves.
En abril de 2015, grabó el DVD «O Tempo e a Música» en el Centro de Artes UFF, junto a artistas como Mart'nália, Seu Jorge e Ivan Lins. El álbum fue publicado por Selo Niterói Discos en 2010.

«[...] El verano pasado, paseaba por las maravillosas arenas del Lago Mayor, cerca de Lugano, en Suiza, cuando conocí a Paquito D'Rivera,... que también estaba allí para actuar con su grupo en el Festival de Jazz. Me preguntó si Arthur Maia era la misma persona que había tocado con Djavan. Sí, le dije. Este tipo es uno de los mejores del mundo. Queridos oyentes, este disco es el primer CD publicado por uno de los mejores bajistas del mundo de su generación, Arturzinho Maia, de Río de Janeiro. Se trata de una grabación que trae raros fragmentos de música que, con inteligencia y fluidez, reproduce lo mejor que él tiene para ofrecer». (Gilberto Gil, en 1996)_ (culturaniteroi)

Falleció el 15 de diciembre de 2018 por problemas cardiacos. 

                                                                            

                                                                          

Arthur Maia - O Tempo E A Música (2007-R.2011 Biscoito Fino)

Temas:

01. Abismo De Rosas (Dilermando Reis)

02. Forró Em Havana

03. Macabú

04. Brejeiro (Ernesto Nazareth)

05. Um Abraço No João (Gilberto Gil)

06. Tuca

07. Montains (Kiko Continentino)

08. Minha Palhoça (J. Cascata)

09. Frevo Do Compadre (Arthur Maia, Fernando Caneca)

10. To Nico

11. O Tempo E A Música (Arthur Maia, Clauber Fabre, César Beleny, Di Stéffano)

Musicos:

Arthur Maia (Bajo, bajo sin trastes, bajo acústico, voz, marimba, percusión, productor, dirección artística, escritos)

Heitor Pereira (Guitarra acústica)

Carlos Malta (Saxo barítono, Saxo soprano)

Ademir Junior (Clarinete)

Di Stéffano (Batería, triángulo, timbales, programado por, repinique, co-productor)

Carlos Bala (Batería)

Scott Henderson (Guitarra)

Fernando Caneca (Guitarra, guitarra acústica)

Gabriel Grossi (Armónica)

Kiko Continentino (Teclados)

Sérgio Chiavazzolli (Mandolina)

Cesinha, Gustavo Di Dalva, Macaco Branco, Thiago da Serrinha (Percusión)

Claudio Andrade (Piano)

Josué Lopez (Saxo tenor)

Marcelo Martins (Saxo tenor, flauta)

Bruno Santos, Chico Oliveira (Trompeta)

Mart'Nália (Invitado #8,#10)

Gilberto Gil (Invitado #5)

Azteca - From The Ruins (Live)

Azteca fue un grupo de rock latino formado en 1972 por Coke Escovedo y su hermano Pete Escovedo, que acababan de formar parte del grupo pionero del rock latino Santana. Azteca fue el primer intento a gran escala de combinar múltiples elementos musicales en el contexto de una orquesta latina, y contaba con vientos, maderas, múltiples teclados, tres vocalistas, guitarras, baterías y múltiples percusionistas latinos.
En el escenario, la banda estaba formada por entre 15 y 25 miembros, y realizó giras con artistas como Stevie Wonder. Otros miembros destacados de Azteca fueron los vocalistas Wendy Haas y Errol Knowles, el guitarrista Neal Schon, los trompetistas Tom Harrell y Eddie Henderson, el bajista Paul Jackson, los baterías Lenny White y John H. Brinck Jr. y el percusionista Victor Pantoja. El grupo también fue un punto de partida musical para la percusionista latina Sheila E. (hija de Pete Escovedo), que apareció con la banda cuando era adolescente. Se publicaron dos álbumes en Columbia Records, el autotitulado Azteca (1972) y Pyramid of the Moon (1973), antes de que la banda se separara.

El 15 de septiembre de 2007, varios de los miembros supervivientes de Azteca actuaron juntos por primera vez en más de treinta años en Hollywood, California. El concierto se grabó para su posterior publicación en DVD._(wikipedia)

Coke Escovedo, Tito Puente, Pete Escovedo

La grabación en directo From the Ruins es el primer álbum de Azteca en 35 años y representa la reunión de esta banda derivada de Santana, originalmente liderada por el percusionista Coke Escovedo, que se separó en 1976. El cineasta Daniel E. Meza, autor de las notas, fue el responsable de reunir de nuevo al grupo para su documental Azteca: La Piedra del Sol, junto con el hermano de Coke Escovedo, Pete Escovedo, también percusionista y miembro original de la banda. (Coke Escovedo murió en 1986.) Convencieron a otros siete músicos que formaban parte de la veintena que tocó en Azteca en sus primeros años y que aparecen en sus dos LP de Columbia Records Azteca (1972) y Pyramid of the Moon (1973) para ensayar y tocar en un concierto en el Key Club de Hollywood, California, el 15 de septiembre de 2007. También se incluyeron cuatro músicos más para formar una banda de 12 músicos compuesta por dos cantantes/percusionistas, dos percusionistas/cantantes, cuatro vientos (dos lengüetas y dos metales), teclados, guitarra, bajo y batería. Por grande que parezca este conjunto, es más pequeño que el Azteca de 17 miembros que apareció en el primer álbum. Pero el grupo sigue tocando a las mil maravillas e, interpretando canciones de esos dos álbumes,

sigue siendo una banda de jazz-rock con percusión latina, los timbales de Pete Escovedo y las congas de Víctor Pantoja a la cabeza, con muchos solos para los metales, el guitarrista Bill Courtial y el teclista Murray Low (uno de los nuevos miembros). Como señala Pete Escovedo en sus comentarios sobre el escenario, las letras que él, Pantoja y los cantantes Wendy Haas y Errol Knowles cantan expresan sentimientos idealistas y antibelicistas típicos de su época (los títulos incluyen «New Day Is on the Rise» y «Peace Everybody»), pero añade que también son relevantes en 2007, lo que parece bastante cierto. From the Ruins resucita un proyecto musical digno, aunque casi olvidado, que para sus seguidores entra en la categoría de «debería haber sido, podría haber sido» de artistas merecedores de un mayor reconocimiento que, por las razones que sean, nunca alcanzaron el nivel de éxito que podrían haber tenido. (Entre los invitados no acreditados que colaboran en el bis, «Whatcha Gonna Do», se encuentra la hija de Pete Escovedo, Sheila E., que fue miembro de Azteca en sus últimas etapas)._William Ruhlmann (allmusic)

                                                                            

                                                                             

Azteca - From The Ruins (Live) (2008)

Temas:

01. Mamita Linda 

02. Someday We'll Get By 

03. Find Love Today 

04. Ain't Got No Special Woman 

05. Azteca 

06. Pete Introduces The Band 

07. New Day Is On The Rise 

08. Non Pacem 

09. Pete Talks To Crowd 

10. Peace Everybody 

11. Whatcha Gonna Do

Musicos:

Pete Escovedo (Timbales, voz, percusión)

Wendy Haas (Voces, percusión)

Errol Knowles (Voces, percusión)

Lenny White (Batería)

Paul Jackson (Bajo)

Victor Pantoja (Congas, voz)

Jules Rowell (Trombón)

Bill Courtial (Guitarra)

Murray Low (Teclados)

Melecio Magdaluyo (Flauta, Saxo)

Mario Gonzalez (Trompeta)

Alex Murzyn (Piccolo, Saxo)

Grabado en directo en The Key Club, Hollywood, Ca, 15 de septiembre de 2007