Tino Contreras - El Jazz Mexicano

El baterista mexicano, Tino Contreras, (3 de abril de 1924, Chihuahua, México – 9 de septiembre de 2021, Ciudad de México, México), es en su país y en el mundo del jazz latino una verdadera leyenda.  Creador y compositor, durante cinco décadas ha dado renombre a México en todo el mundo. Ha grabado más de 40 discos en Argentina, España, Francia, Alemania, y por supuesto, México. En los años cuarenta forma su primera orquesta «Los cadetes del swing» en su ciudad natal, Juarez Chihuahua. Debuta con la orquesta de Luis Alcaráz a principio de los años cincuenta realizando su primera gira por Sudamérica y el Caribe.
Posteriormente forma lo que fue su primera orquesta en ciudad de México, destacándose como el baterista más importante de la época. En 1954 graba el disco «Jazz en México» y desde entonces, su discografía es prolífica y fueron muy destacados los siguientes trabajos: «Jazz Tropical» (1962); «Misa en jazz» (1966); estrenada en el Palacio de Bellas Artes México, «Jazz mariachi» (1973); «Sinfonía Tarahumara Jazz» (1984); y «Betsabe Jazz fantasía» (2004) entre otras.

Su ingenio y gran creatividad le han llevado a fusionar infinidad de elementos e instrumentos musicales incluido diversos instrumentos prehispánicos. Se ha destacado a lo largo de su carrera no sólo como un extraordinario baterista y compositor, sino también como un interesante pianista, trompetista, y vocalista. Ha representado a México en importantes clubes y festivales de jazz en EE.UU., Europa, Asia y América del sur. Galardonado por su importante labor como difusor del jazz recientemente obtuvo premios como la distinción de «The Emmy Awards» en 1997 y «Bravo» en 1999.
Con motivo de sus cincuenta años de profesión, Tino Contreras ofreció un concierto conmemorativo el 9 de julio de 2004. Asimismo esa historia vivida intensamente por Tino Contreras ha sido recogida en sus libros ‘Mi amor al jazz’ o ‘La historia del jazz en México’.

Uno de los momentos cumbres en la carrera de Toni Contreras fue cuando Chico O´Farrill y él, se presentaron en octubre de 1962 y agosto de 1963, respectivamente, en el Palacio de Bellas Artes, el templo de la música clásica. O’Farrill ofreció su famosa «Aztec Suite» con Chilo Morán como solista,- una suite que él había escrito originalmente para Art Farmer, – mientras Contreras presentó: «Orfeo en los Tambores», acompañado por el Ballet de Cámara del Palacio._(apoloybaco)

Este recopilatorio, reeditado por el sello europeo JAZZMAN, presenta grabaciones de los años 50 y 60 de Tino Contreras, baterista, compositor y arreglista activo en México desde mediados del siglo XX. Esta colección muestra el trabajo de Contreras con una orquesta que abarca desde el jazz latino con influencias del hard bop hasta temas exóticos y poco conocidos con toques de mondo, pasando por el mambo neoyorquino. El enfoque desenfadado y sin restricciones, que refleja la delicada naturaleza de la interpretación de jazz y música latina en México, resulta sorprendentemente refrescante. ¡La selección de músicos es toda una revelación! Silvestre Mendes toca la batería en al menos dos temas, y el segundo, una malagueña, es sin duda su tumba. También aparece en otros temas con músicos desconocidos.

                                                                           

Tino Contreras - El Jazz Mexicano (2011)

Temas/musicos:

01. Orfeo En Los Tambores

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Editado por Typic (Francia)

02. La Malagueña

Tino Contreras (Batería)

Cuco Valtierra (Saxo barítono, saxo tenor)

Humberto Cané (Bajo)

Silvestre Méndez (Congas, bongó)

Al Zúñiga, Pedro Placensia (Piano)

Mario Contreras (Trompeta)

Publicado por Musart (México)

03. En El Viejo Estambul

Tino Contreras (Batería)

Leo Carillo (Bajo)

Tomás Rodríguez (Flauta)

Mario Contreras (Piano)

Adolfo Sahagún (Trompeta)

Fred Tatman (Vibráfono) 

Publicado por Musart (México)

04. Santo

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Lanzado por Musart (México)

05. Safo “La Sacerdotiza Del Amor

Tino Contreras (Batería)

Mike Bravo (Saxo alto, flauta)

Víctor Ruiz Pasos (Bajo)

Enrique Orozco (Piano)

Adolfo Sahagún (Trompeta)

Publicado por Musart (México)

06. Credo

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Lanzado por Musart (México)

07. Poinciana

Tino Contreras (Batería)

Cuco Valtierra (Saxo barítono, Saxo tenor)

Humberto Cané (Bajo)

Silvestre Méndez (Congas, bongó)

Al Zúñiga, Pedro Placensia (Piano)

Mario Contreras (Trompeta)

08. El Hombre Del Brazo De Oro

Tino Contreras (Batería)

Humberto Cané (Bajo)

Al Zúñiga (Piano)

Mario Contreras (Trompeta)

Publicado por Musart (México)

09. Jazz En El Cairo

Tino Contreras (Batería)

Mike Bravo (Saxo alto, flauta)

Víctor Ruiz Pasos (Bajo)

Enrique Orozco (Piano)

Adolfo Sahagún (Trompeta)

Publicado por Musart (México)

10. What Is This Thing Called Love

Tino Contreras (Batería)

Al Zúñiga (Piano)

Humberto Cané (Trompeta)

Otro personal desconocido

Publicado por Capitol (EE. UU.)

11. Visnu

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Editado por Berta (España)

12. Gloria

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Lanzado por Musart (México)

13. Rescate

Tino Contreras (Batería)

Leo Carrillo (Bajo)

Enrique Orozco (Piano)

Tomás Rodríguez (Saxo tenor, flauta)

Adolfo Sahagún (Trompeta)

Publicado por Musart (México)

14. Kyrie

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Lanzado por Musart (México)

15. Orbita

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Lanzado por TENA (México)

16. Ravi Shankar

Tino Contreras (Batería)

Otros músicos desconocidos

Grabación en directo

Mount Everest - Latin Blue

Mount Everest fue un grupo de jazz sueco formado en 1972 en Gotemburgo.

Mount Everest fue fundado por Gilbert Holmström y sufrió muchas transformaciones. 

En el momento de la publicación de su primer álbum homónimo, Mount Everest era una banda de ocho miembros, entre los que se encontraba el pianista Lars Jansson, y tocaba una especie de jazz rock, pero posteriormente se redujo a un trío formado por Holmström, Kjell Jansson y Conny Sjökvist. En su segundo álbum, Waves from Albert Ayler, este trío tocaba free jazz al estilo de Albert Ayler. Para el tercer álbum se reclutó a Ronny Johansson, Matz Nilsson y Anders Kjellberg, ambos antiguos miembros de Soffgruppen. El tercer álbum contiene jazz rock y el grupo recibió el premio Jazz i Sverige en 1979. Al año siguiente, Kjellberg fue sustituido por Michael Andersson, lo que dio al cuarto álbum del grupo, Latin Doll (1981), influencias latinas. Esto se hizo aún más evidente en el quinto y último álbum, Latin Blue (1983), cuando Arturo Trujillo se incorporó al grupo con las congas._(wikipedia)

                                                                               

                                                                                 

Mount Everest - Latin Blue (1983)

Temas:

01. Rollin' On The Amazon (Gilbert Holmström)

02. Fitzcaraldo (Gilbert Holmström)

03. Samba Regina (Gilbert Holmström)

04. Latin Blue (Gilbert Holmström)

05. Hammond Plate (Peter Almqvist)

Musicos:

Gilbert Holmström (Saxo tenor)

Peter Almqvist (Guitarra eléctrica)

Ben Besiakov (Piano de cola, teclados)

Yasuhito Mori (Bajo)

Michael Andersson (Batería)

Arturo Trujillo (Congas, percusión)

Grabado en Kungsälv, Suecia del 4 al 5 de septiembre de 1983 en Studio Bohus

Vince Guaraldi Trio - Jazz Impressions Of Black Orpheus

Vincent Anthony Dellaglio, conocido en el mundo profesional de la música como Vince Guaraldi

(17 de julio de 1928, San Francisco, California, Estados Unidos – 6 de febrero de 1976, Menlo Park, California, Estados Unidos), fue un pianista de jazz conocido principalmente por sus innovadoras composiciones, arreglos musicales y componer la música para la serie animada de televisión Charlie Brown. También alcanzó gran notoriedad como miembro de los grupos de Cal Tjader en los 50 y por una exitosa carrera en solitario.
Vince Guaraldi se graduó en la Lincoln High School de San Francisco, y más tarde amplío sus estudios en la Universidad Estatal de San Francisco. Su debut discográfico lo hizo con el trío del guitarrista, Cal Tjader en noviembre de 1953 y fue lanzado en formato LP con el título de «The Cal Tjader Trio». En 1955 Guaraldi formó su propio trío con Eddie Duran and Dean Reilly. En 1959 comenzaría una carrera en solitario para dedicarse a sus propios proyectos a tiempo completo.
Fantasy Records lanzó en 1962 el single «Samba de Orpheus» en un intento de engancharse a la ola de bossa nova que imperaba entonces pero fue la cara B con el tema de Guaraldi «Cast Your

Fate to the Wind» el que empezó a escucharse en las emisoras de radio. Por este tema, recibió en 1963 el premio Grammy a la mejor canción original de jazz.

Este mismo año, Guaraldi grabó un álbum titulado «Vince Guaraldi, Bola Sete and friends» con Bola Sete a la guitarra, Fred Marshall al bajo y Jerry Granelli en la batería. Aquí comenzó un periodo de colaboración con Bola Sete donde Vince experimentó con la bossa nova y el piano eléctrico. Poco tiempo después Guaraldi volvió a retomar su faceta de compositor y pianista para el coro de la catedral de San Francisco...._(apoloybaco) 

Una de las películas más notables y emocionantes vistas en Estados Unidos en los últimos años fue la ganadora del Gran Premio del Festival de Cannes de 1959, una narración visual lírica, evocadora y rapsódica de la leyenda de Orfeo, ambientada en el Carnaval de Río de Janeiro. Se tituló "Orfeo Negro" y, salvo raras excepciones, cautivó los corazones y la imaginación de quienes la vieron.

También cautivó sus oídos, pues contenía varias canciones hermosas, una gran cantidad de música de fondo cautivadora y todo ello con los ritmos maravillosamente vibrantes y llenos de energía propios de la peculiar fusión de melodía latina y ritmo africano que caracteriza la música brasileña contemporánea.

Dada la situación, era natural que los músicos de jazz se sintieran atraídos por esta música. 

No todas las interpretaciones de bandas sonoras de películas en clave de jazz han tenido éxito, pero "Orfeo Negro" fue diferente. En primer lugar, era auténtica: grabada en directo, no en un estudio, y esa autenticidad se mantuvo a lo largo de toda la película.

En segundo lugar, existe una correlación natural entre el jazz estadounidense y esta música: su influencia africana mutua. Así que, cuando Vince Guaraldi se sintió atraído por la música de "Orfeo Negro", era lógico e inevitable que la convirtiera en una parte fundamental de su repertorio.

Era igualmente lógico e inevitable que se convirtiera en una de las piezas más atractivas de ese repertorio. Desde la primera noche que interpretó "Samba" y "Generique", el público ha quedado impresionado por la fuerza de su mensaje musical.

Una de las cosas que hacen del jazz una música tan atractiva es la gran calidad de la comunicación emocional que genera. Así, hombres que fuera del escenario parecen más propios de un ring de boxeo o un campo de béisbol, pueden, a través de su música, expresar la gentileza, la humanidad y la sensibilidad hacia la belleza que son herencia natural de la humanidad. Para mí, esta es una de las cosas que hace que las interpretaciones de Vince Guaraldi de la música de Orfeo Negro sean tan efectivas. Otra es su capacidad para proyectar, a través del piano, el bajo y la batería, una impresión tan vívida del sonido gloriosamente brillante que caracterizó la música de la película, así como su conmovedora cualidad, ese tierno lirismo, que impregnaba muchas de las escenas.

Llevo meses escuchando las interpretaciones de Vince de esta música; en persona y en las cintas de este álbum. Siempre me han parecido conmovedoras, hermosas y una experiencia gratificante.

Como complemento a la música de Black Orpheus, este álbum incluye cuatro temas adicionales. En todos ellos se aprecian muchas de las mismas cualidades que caracterizan la primera cara. En "Since I Fell for You", la magnífica canción de Buddy Johnson de hace algunos años, encuentro un conmovedor ejemplo de ese ambiente lírico del blues que armoniza directamente con el contenido emocional de la música de Black Orpheus y nos ofrece las virtudes del buen jazz: un profundo recorrido por la multifacética experiencia vital; tristeza, belleza, alegría y júbilo. Esta combinación de cualidades está presente en toda obra de arte exitosa y, sobre todo, en el jazz. _Ralph J. Gleason

                                                                               

                                                                          

Vince Guaraldi Trio - Jazz Impressions Of Black Orpheus (1962/1983)

Temas:

01. Samba De Orpheus (Jobim-Bonfa)

02. Manha De Carnaval (Jobim-Bonfa)

03. O Nusso Amor (Jobim-Bonfa)

04. Generique (Tradicional)

05. Cast Your Fate To The Wind (Vince Guaraldi)

06. Moon River (Henry Mancini)

07. Alma-Ville (Vince Guaraldi)

08. Since I Fell For You (Buddy Johnson)

Musicos:

Vince Guaraldi (Piano)

Monte Budwig (Bajo)

Colin Bailey (Batería)

Jeff Gardner - Noches Habaneras

Jeffrey Dana Gardner, más conocido como Jeff Gardner (Nueva York, 1960), es un pianista, compositor y educador estadounidense radicado en Brasil. Su discografía consta de 18 álbumes grabados, fruto de colaboraciones con artistas como Kenny Wheeler, Carlos Malta, Nivaldo Ornellas, Artur Maia, Alexandre Carvalho, Marcelo Martins, Jorge Helder y Marcos Suzano.
Gardner ha actuado en importantes festivales como el Festival de Niza, el Festival de Jazz de París, el Festival de San Rafael, la Maison de la Radio France, el Festival Jazz D'Or y el New Morning Jazz Festival, el Festival Madajazzcar y el Festival Mundial de Jazz de Lille.
Jeff, antiguo profesor de la Universidad de Nueva York, imparte cursos de jazz y música moderna por todo el mundo. También tiene una columna en la revista estadounidense «Keyboard Magazine», donde ha escrito artículos sobre jazz y música brasileña.
Gardner comenzó a estudiar piano clásico a los 5 años con una profesora judeoalemana llamada Ruth Schöntal Tcherepnin. Más tarde, estudió jazz con Jaki Byard, Banacos Charles, Don Friedman y John Lewis.

En 1979, Gardenr viajó a París para estudiar armonía con Nadia Boulanger. En Francia, tocó con músicos de renombre como el Cuarteto de Piano (con Martial Solal, Jaki Byard y Paul Bley), Freddie Hubbard, Eddie Harris, Steve Lacy, Kenny Wheeler, André Ceccarelli, Charlie Mariano, Lars Danielsson, Hein van de Geyn, Norma Winstone, Rick Margitza y Karim Ziad.
En 1985 creó el Cuarteto de Piano con Martial Solal, Jaki Byard y Paul Bley. Siempre abierto a nuevos sonidos, formó el dúo "Blind Data", mezclando jazz y "música nueva", con Andrew Schloss.

Su interés por la música brasileña se intensificó durante sus numerosas visitas a Brasil, donde tuvo la oportunidad de tocar junto a Hermeto Pascoal, Victor Assis Brasil, Paulo Moura, Hélio Delmiro, Dori Caymmi y Nelson Veras. En 2002, se mudó definitivamente a Brasil, donde reside hasta el día de hoy._(wikipedia)

Este CD es una instantánea de un día mágico en el estudio EGREM de La Habana con algunos de los mejores músicos de la isla: Orlando Valle “Maraca”, Miguel “Anga” Díaz, Julio Barreto, Diego Valdés y Felipe Cabrera. El CD fue grabado directamente a dos pistas por el legendario ingeniero Jerzy Belc. Julio y Felipe fueron compañeros de banda durante mucho tiempo en el cuarteto de Gonzalo Rubalcaba. Diego, Maraca y Anga surgieron del crisol de Irakere, la banda de Chucho Valdés. Todos ellos lideraron sus propias bandas y se consolidaron como figuras de renombre mundial en la escena del jazz y la música latina.

                                                                                    

                                                                                   

Jeff Gardner - Noches Habaneras (1993-R2008)

Temas:

01. Soaring

02. Trance Dance

03. The Calling

04. Yemanja

05. Noches Habaneras

06. Silent Dreams

07. Song for Gonzalo

08. Healing Song

09. Alfredo's Groove

Musicos:

Jeff Gardner (Piano)

Miguel Anga Díaz (Percusión)

Diego Valdés (Bajo en temas #1.#2.#3.#4.#5)

Felipe Cabrera (Bajo en temas #6.#7.#8.#99

Julio Barreto (Batería)

Orlando Maraca Valle (Flauta en tema #5) 

Antonio Adolfo - Hybrido - From Rio To Wayne Shorter

Antonio Adolfo Maurity Sabóia (Río de Janeiro, 10 de febrero de 1947) es un pianista, tecladista y compositor brasileño.
Hijo del compositor Ruy Maurity y Carol Saboya,​ una violinista de la Orquesta Sinfónica de Brasil, a los dieciséis años ya pertenecía al exclusivo club de la Bossa nova como pianista.

De regreso a Brasil, en 1977, fue pionero de la producción independiente al publicar el álbum Hecho en Casa, del sello Artezanal, comercializado ese mismo año de manera directa en las disquerías, iniciando así un movimiento de autogestión que motivaría la aparición de artistas que discrepaban con las leyes del mercado tradicional. Desde 1985 se ha dedicado a su escuela de música, el Centro Musical Antonio Adolfo, además de participar en eventos internacionales como músico y educador, sin dejar de lado su carrera como intérprete. Recibió dos Premios Sharp por sus trabajos Antonio Adolfo y Chiquinha con jazz, respectivamente..._(wikipedia)

Con más de treinta álbumes a su nombre, el compositor y pianista brasileño Antonio Adolfo ha creado un himno realmente atractivo al maestro saxofonista y compositor Wayne Shorter. La selección de temas es excelente, ya que demuestra claramente la importancia de Shorter para el jazz. No reproduce la colección de Blue Note de 1988, "The Best Of Wayne Shorter", pero sí incluye tres temas de ese álbum.

"Deluge" ofrece una cálida invocación, dirigida por un conjunto, de este cautivador tema de Ju Ju. También hay una versión relajada del clásico de Shorter, "Footprints", embellecida por la voz sin palabras de Zé Renato. "Prince of Darkness", del álbum de Miles Davis de 1967, Sorcerer, es exquisitamente rica en percusión (incluyendo una profunda introducción de percusión de Baião similar a la tabla). "Black Nile", del álbum Night Dreamer de 1964, es una interpretación satisfactoria del original con el brillante piano de Adolfo.

La elegancia de "La Bella y la Bestia" se resume en su mezcla de bossa y samba (Adolfo la llama SamBossa) y es uno de los dos temas del álbum "Native Dancer" de Shorter, grabado con Milton Nascimento. El tema principal de "Speak No Evil" es un ejemplo de majestuosidad, con su tema musical majestuoso y memorable y el rico solo de tenor de Marcelo Martins, mientras que la elegante "Ana María", también de "Native Dancer", luce la ágil guitarra de Lula Galvão.

Para concluir el set, Adolfo incluye una pieza solista de su propia autoría, "Afosamba", un ejemplo perfecto de su excepcional talento como compositor. Los arreglos son sólidos y, para quienes conocen todos los temas de Shorter, les otorgan una nueva y vibrante dimensión. Para quienes no estén familiarizados con los temas, el álbum servirá como una excelente y atractiva introducción, antes de probar el material original. También es un oportuno recordatorio de la importancia de Shorter en su ilustre catálogo de composiciones._Roger Farbey (allaboutjazz)

                                                                       

                                                                            

Antonio Adolfo - Hybrido - From Rio To Wayne Shorter (2017)

Temas:

01. Deluge

02. Footprints

03. Beauty And The Beast

04. Prince Of Darkness

05. Black Nile

06. Speak No Evil

07. E.S.P.

08. Ana Maria

09. Afosamba

Musicos:

Antonio Adolfo (piano)

Lula Galvão (Guitarra eléctrica)

Jorge Helder (Contrabajo)

Rafael Barata (Batería, percsión)

André Siqueira (Percusión)

Jessé Sadoc (Trompeta)

Marcelo Martins (Saxos tenor y soprano, flauta #3)

Trombón Serginho (Trombón)

Zé Renato (Voz #2)

Claudio Spiewak (Guitarra acústica #3)

Todas las composiciones de Wayne Shorter, excepto "Afrosamba", de Antonio Adolfo

Grabado en Río, diciembre de 2016

Stone Alliance - Con Amigos

Stone Alliance es un grupo compuesto, principalmente, por el saxofonista Steve Grossman, el bajista Gene Perla y el baterista/percusionista Don Alias. Al igual que Weather Report, Lifetime y Return to Forever, Stone Alliance siguió la tendencia de los "supergrupos" de los años 70. La génesis de Stone Alliance comenzó en 1964 cuando Gene Perla se unió a Los Muchachos de Boston, de los cuales Don Alias ​​era miembro. Más tarde, en la ciudad de Nueva York, durante sus numerosos ensayos en el loft, conocieron al saxofonista Steve Grossman y, con él, formaron la primera versión de Stone Alliance. El trío grabó juntos por primera vez en el debut en solitario de Grossman, Some Shapes to Come, de 1973. Grossman y Alias ​​habían pasado mucho tiempo grabando y girando juntos en la banda de Miles Davis. El trío lanzó un álbum homónimo en 1975 (el pianista Jan Hammer, quien apareció con el trío en el debut de Grossman, ayudó a la ingeniería de Stone Alliance). Fue lanzado en P.M. Records, fundada por Perla. El álbum incluía "Sweetie Pie", famosamente sampleada por el grupo de rap Original Flavor para su éxito

"Blowin' Up da Spot". Stone Alliance era conocido por su mezcla de ritmos afrocubanos y funk con elementos de rock y pop, además de los solos, a menudo frenéticos, de Grossman. La banda grabó cuatro álbumes de estudio entre 1976 y 1980 y lanzó cuatro álbumes en vivo. Tras una gira europea, el grupo se disolvió, pero pronto fue reagrupado por Alias ​​y Perla. Otros miembros incluían a los tecladistas Mark Gray, Kenny Kirkland y Kenny Werner, y a los saxofonistas Jerry Bergonzi y Bob Mintzer. Tras un largo paréntesis, Stone Alliance se reunió a mediados de los 90 como un trío formado por Alias, Perla y el guitarrista Mitch Stein._Vincent Thomas (allmusic)

                                                                                            

Stone Alliance - Con Amigos (1977)

Temas:
01. I'll Tell You Tomorrow (Santiago Giacobbe)
02. Mujeres Sud Americanas (Don Alias)
03. Miss T. (Gene Perla)
04. Graciela (Steve Grossman)
05. Amigos (Don Alias, José Maria Loriente)
06. Taking a Good Long Look (Gene Perla)

Musicos:
Steve Grossman (Saxo tenor)
Gene Perla (Bajo, sintetizador, guitarra)
Don Alias (Batería, percusión)
Santiago Giacobbe (Piano eléctrico, piano)
Daniel Binelli (Bandoneón)
José María Loriente (Congas)

Roberto Valencia (Percusión)

Line Kruse Orchestra - Hidden Stone

La violinista y compositora danesa Line Kruse ha explorado constantemente los límites de la música. Adoptada por la comunidad de músicos sudamericanos a su llegada a París, su nombre se asocia con las trayectorias del percusionista argentino Minino Garay, los cubanos de Sabor a Son y el Proyecto Gotan.
Line Kruselidera dos conjuntos de 19 integrantes: el septeto Dansk7 y el conjunto BowLines de 14 cuerdas. También adaptó su repertorio a grupos más pequeños, desde septeto hasta quinteto. Su trabajo con grandes bandas comenzó con el álbum Dancing on Air (2012), compuesto principalmente para violín y Jazz Octet, que permitió al bajista sueco Lars Danielsson conocer al baterista argentino Minino Garay y al percusionista afroperuano Miguel Ballumbrosio.
En 2017 se alcanzó un hito con la creación de la Orquesta Line Kruse, que combina la nítida línea del violín con la potencia de una big jazz band dirigida al arco.

Con Hidden Stone, "increíble y sorprendente por su exuberancia" (Jazz Mag), Line Kruse jugó con timbres y convenciones, e incorporó los polirritmos e instrumentos de las tradiciones afroperuanas y andinas en el contexto de la composición para una gran colaboración. Para France Musique, "Hidden Stone revive el arte de la big band al incorporar ritmos tradicionales latinoamericanos a la estética del jazz escandinavo". El violín encaja allí en la sección con los metales, en el ritmo o como solista. Numerosos invitados, solistas y en general, completan un elenco excepcional, que combina generaciones y nacionalidades. "Un verdadero talento para los arreglos, una grata sorpresa", comenta Jazz at FIP.

En 2019, la creación del álbum Invitation debe considerarse una extensión de la investigación musical de Line Kruse sobre los compositores rusos de finales del siglo XIX, en relación con el jazz y la música latina. Para lograrlo, los propios músicos debían provenir de la Escuela Rusa y su entorno, y ser capaces de comprender el folclore tradicional sin academicismo. Fue en Cuba, con los músicos del trío de Harold Lopez Nussa, y en París con su propio conjunto BowLines, donde Line Kruse logró el singular y delicado equilibrio entre estas dos fuerzas. El programa Invitation, y el grupo homónimo, aspira a ser una tierra de contrastes, con lirismo contenido, donde las rupturas rítmicas serían las formas del terreno. Y toda la elegancia lúdica para interpretar un Montuno en 7/8 contra todo pronóstico._(linekruse)

                                                                                  

                                                                            

Line Kruse Orchestra - Hidden Stone (2017)

Temas:

01. Festejo

02. Hidden Stone

03. Tango "La jalouse"

04. Dream

05. Bearded

06. Flores para Nini

07. Kleine's Nachtmusik

08. Comme Bach

09. Haut de Gagnes (Arr. by Line Kruse)

Musicos:

Line Kruse (Violín, compositor y arreglista)

Gerard Presencer (Trompeta solista, fliscorno)

Pierre Bertrand (Flautas, saxos)

Stéphane Chausse (Clarinete, flautas, saxos)

Philippe Slominski (Trompeta, fliscorno)

Hervé Michelet (Trompeta, fliscorno)

Denis Leloup (Trombón)

Steen Nikolaj Hansen (Trombón)

Vladimir Dubois (Trompa)

Louis Winsberg (Guitarra en #2,#4,#5,#6,#9)

Hervé Samb(Guitarra en #1,#3,#7,#8)

Jean-Yves Jung (Piano)

Jérôme Regard (Bajo)

Lukmil Pérez Herrera (Batería)

Minino Garay (Batería, percusión)

Abraham Mansfarroll (Percusión)

Sección de cuerdas para tema Dream:

Sylvain Rabourdin, Joachim Beaumerder (Violín)

Emmanuel Blanc (Viola)

Jean Philippe Audin, Yann Garac (Violonchelo)

Toda la música compuesta y arreglada por Line Kruse, excepto Haut De Cagnes compuesta por Pierre Bertrand, arreglada por Line Kruse

Grabado por Frédéric Magnier en Studio de Meudon, Studio El Gaucho y L'Ame Son Studio

Matias Pizarro - Pelo de Rata

«¡¡Oye, hay un chico nuevo que toca como Herbie Hancock!!». Cuando el pianista chileno Matías Pizarro llegó a Argentina huyendo de la dictadura de Pinochet, la noticia corrió como la pólvora en la escena del jazz local.
En los dos cortos años que Pizarro pasó en Buenos Aires, se convirtió en un tercio del proyecto Viejas Raíces junto a los héroes del jazz local. Jorge López Ruiz y Pocho Lapouble, grabaron con el famoso trompetista italiano Enrico Rava y lanzaron su propio álbum en solitario, Pelo de Rata («Pelo de rata»).
Sin embargo, Pizarro no era un principiante. Mientras estuvo en Chile, ya había participado en varios proyectos musicales y trabajado como productor y arreglista para el sello IRT, y estuvo conectado con bandas influyentes como Los Jaivas y Blops. También estudió en Berklee School of Music, donde no solo conoció y convivió con la flor y nata de una nueva ola emergente de músicos, sino que también tuvo la oportunidad de asistir a presentaciones en vivo de gigantes como Miles Davis o Thelonious Monk.
En la grabación de Pelo de Rata Pizarro se une al también chileno Alejandro Rivera (Sacros, Grupo Sol) en quena y charango, el bajista sueco Bo Gathu en el bajo, el saxofonista uruguayo Finito Bingert y un impresionante equipo de percusión con Pocho Lapouble, «El Zurdo «Roizner y el poderoso Domingo Cura. El álbum bebe de las corrientes de jazz fusión estadounidense de la época (piense en Chick Corea y Miles Davies), añadiendo un innegable carácter latinoamericano, todo proyectado a través del propio prisma musical de Pizarro que muestra su agudo sentido de la armonía y una intimidad musical que recuerda a aquellos Momentos sinceros y de ensueño en Viejas Raíces.

El folleto de 8 páginas que acompaña a la edición en vinilo le dará una visión más profunda de la historia de Matías Pizarro, con fotografías y notas inéditas del periodista argentino Humphrey Hinzillo (La Nación, Rolling Stone Argentina)._(guerssen)

Matías Pizarro Baldrich fue un revolucionario músico aparecido por generación espontánea en la escena del jazz chileno de fines de los años '60. Alrededor suyo se movió toda una partida de nombres vinculados a las corrientes vanguardistas de la época que llegaban desde Nueva York y Chicago a través de discos y libros. Pianista, compositor e improvisador, en una década de acción antes de radicarse en Francia en 1977, puso su nombre en la historia del jazz moderno, también a través del pionero grupo Fusión. Ya instalado en Europa, y siempre como una enigmática figura de la música chilena, Pizarro sería reconocido en el circuito mundial, tanto por su creación propia como por sus colaboraciones. Entre ellas se cuentan grabaciones junto al rockero Antonio Smith (en el proyecto Sol de Chile), el trío experimental Skuas y el cantautor Ángel Parra.

Lanzado originalmente en pequeñas cantidades en 1975 por el sello Promusica, Pelo de Rata fue el debut de Matías Pizarro, un talento considerable del jazz sudamericano. Pianista y compositor de gran talento y talento, su producción lamentablemente está lejos de la altura de alguien que exhibe una habilidad natural para crear un estilo de jazz tan idiosincrásico, repleto de melodías reflexivas pero sencillas y ritmos vibrantes.

                                                                

                                                                                

Matias Pizarro - Pelo de Rata (1975-R.2022)

Temas:

01. Pelo De Rata

02. Anamlor

03. Perro Que Ladra No Muerde

04. Una Flor Tras La Montaña

05. Secuencia

06. Nordeste

07. Do y Sol

Musicos:

Matías Pizarro (Piano, piano eléctrico, voz)

Héctor “Finito” Bingert (Saxo)

Alejandro Rivera(Guitarra, voz, charango, quena)

Bo Gathu (Bajo)

Pocho Lapouble (Batería)

Domingo Cura (Percusión)

Enrique "Zurdo" Roizner (Percusión)

Grabado en 1975 en ION Studios, Buenos Aires, Argentina.

Se lanzó el 18 de noviembre de 2022 

Duduka Da Fonseca - Samba Jazz Fantasia

Nací en Río de Janeiro en 1951. Crecer en Ipanema fue fantástico. Sus playas eran hermosas y puras. Ipanema era un barrio compuesto principalmente por casas familiares, con muy pocos edificios  y coches. Jugábamos al fútbol en las calles y trepábamos a los árboles. Era muy tranquilo.
Tuve la suerte de que a mis padres, João Luiz y Norma, les gustaba la buena música. Crecí escuchando a Frank Sinatra con Nelson Riddle, Julie London con Barney Kessel, Louis Armstrong, Nat King Cole, Chet Baker, Ray Charles y, por supuesto, Antonio Carlos Jobim, Dorival Caymmi, João Gilberto, Luiz Bonfá, Silvio Caldas y muchos otros.
Los años 50 fueron una década maravillosa para Brasil. Teníamos un presidente democrático, Juscelino Kubitschek, que fundó la nueva capital, Brasilia, y era querido por la mayoría de la gente. Brasil ganó el Campeonato Mundial de Fútbol por primera vez en 1958. Durante esta época, nació la bossa nova. No hay nada mejor que eso.
Para mi decimotercer cumpleaños, pedí una caja. Mi madre y mi hermano Miguel fueron al centro de Río en busca de mi regalo. Era el 31 de marzo de 1964, casualmente el día en que los militares tomaron el control de Brasil (comenzando un período de 20 años de dictadura). Había mucha agitación en el centro, pero finalmente pudieron volver a casa con mi tambor. El futuro presidente, el general Castelo Branco, vivía justo enfrente de nuestra casa, en la Rua Nascimento Silva. Esa noche, su casa estaba rodeada por policías y militares que la custodiaban. Toqué mi tambor toda la noche. Quizás pensaron que estaba celebrando la revolución. Qué equivocados estaban.

Menos de un mes después, conseguí mi primera batería. Poco después, mi hermano Miguel empezó a tocar el bajo y formamos un trío de bossa nova con un amigo pianista. Actuamos por todo Río y aparecimos en programas de televisión. La bossa nova era muy popular en Brasil. Nuestro vecino, el gran baterista Joao Palma, ya era un músico profesional muy conocido en aquella época. Tocó con Roberto Menescal y más tarde con Sergio Mendes y Brasil '66. También tocó en mis álbumes favoritos de Antonio Carlos Jobim: Tide, Stone Flower, Matita Pere y Urubu. Su hermano menor, nuestro buen amigo Marcos, también era baterista. Su casa era un lugar de reunión para músicos increíbles: los bateristas Edison Machado, Dom Um Romao y Milton Banana; los trombonistas Raul de Souza y Edison Maciel; el pianista Tenório Jr., el guitarrista y compositor Dori Caymmi, entre otros. Solíamos escuchar a Art Blakey, Bill Evans, Miles Davis, John Coltrane, Wynton Kelly, Wes Montgomery, Horace Silver, Thelonious Monk y muchos otros.
Como nunca recibí una educación musical formal, mi forma de aprender era observar a esos fabulosos músicos y tocar junto con sus álbumes. Al mismo tiempo que la bossa nova de Jobim-Gilberto era un gran éxito, esos fantásticos músicos tocaban «Samba Jazz», samba instrumental con ese «toque de nota azul». Me enamoré de esta forma de arte de inmediato, y eso es lo que he estado tocando y desarrollando desde entonces.
En Brasil, nunca fue fácil ganarse la vida tocando música instrumental. Los años de la bossa nova fueron muy prolíficos para el jazz instrumental brasileño. Pero en los años 70, toda la escena musical brasileña, con algunas excepciones, dio un giro al revés. La bossa nova y el samba jazz quedaron abandonados. Quizás fuera un reflejo de la dictadura represiva de la época. La gente quería olvidar sus propias raíces. Encontrar trabajo se hacía cada vez más difícil. La única opción y salida que veía era el aeropuerto.
Desde los años 50, grandes músicos estadounidenses han abrazado la forma artística del samba

jazz: Dizzy Gillespie, Charlie Byrd, Stan Getz, Herbie Mann, Paul Winter, Cannonball Adderley, Miles Davis con Gil Evans, Joe Henderson, Bud Shank, Gerry Mulligan, Frank Sinatra, Sarah Vaughan, Phil Woods, Herbie Hancock, Wayne Shorter, Ron Carter, Lee Konitz, Joanne Brackeen, Stanley Turrentine, Coleman Hawkins, Quincy Jones, Chick Corea, Tom Harrell, Kenny Barran, John Patitucci, Harry Allen, Dennis lrwin, Eddie Gomez, Pat Metheny y muchos otros.
En diciembre de 1975, me mudé a Nueva York para perseguir mi sueño de tocar con músicos de jazz estadounidenses y fusionar estas dos hermosas culturas. Dos meses después de llegar a Nueva York, me llamaron para participar en una sesión de grabación en Los Ángeles. Toqué con el difunto y gran trombonista Frank Rosolino, Raúl de Souza, e interpreté un «dúo de batería» con Harvey Masan. Pensé: «Vaya, esto es el sueño americano». Regresé a Nueva York y me gasté todo mi dinero. Compré una preciosa batería Gretsch, otro sueño hecho realidad. Y entonces, todo cambió. Durante más de un año, apenas hubo trabajo. Aunque fueron tiempos muy difíciles, volvería a hacerlo todo de nuevo. Ha sido una gran experiencia de aprendizaje y un viaje fantástico. Estoy
muy orgulloso de ser uno de los pocos músicos que a finales de los 70 ayudó a revivir la escena del jazz brasileño en la ciudad de Nueva York. He tenido la suerte de tocar, grabar y hacer amistad con muchos músicos maravillosos.

La realización de mi primer álbum en solitario fue posible gracias a la colaboración de 21 excelentes músicos, amigos míos (con los que he grabado y tocado a lo largo de los años), que aceptaron mi invitación para participar. Es fantástico que entre ellos se encuentren músicos brasileños y estadounidenses de segunda y tercera generación que continúan con el legado del samba jazz. El año anterior a entrar en el estudio, comencé a planificar el álbum. Organicé las canciones en diferentes formatos (tríos, cuartetos, quintetos, sextetos, etc.) para presentar diversos enfoques y texturas. Empecé a pensar qué canciones y configuraciones se adaptarían mejor a cada músico, y traté de crear un entorno ideal para que cada artista expresara su musicalidad única. Qué suerte tuve de que todos estuvieran disponibles y dispuestos a trabajar en un agitado calendario de grabación de dos días. El tercer día de grabación lo dediqué a añadir percusión y voces.
Aquí está, pues, el resultado de la sinceridad y la diligencia.

Me gustaría dedicar este álbum al gran maestro de la percusión brasileña, Edison Machado (1934-1990), que revolucionó el concepto del instrumento y allanó el camino para muchos de nosotros._Samba Jazz Always, Duduka Da Fonseca

                                                                         

                                                                                    

Duduka Da Fonseca - Samba Jazz Fantasia (2008)

Temas:

01. Partido Out (Chico Adnet - Duduka Da Fonseca)

02. Terrestris (Tom Harrell)

03. Sco's Bossa (John Scofield)

04. Bala Com Bala (Joao Bosco)

05. Pedra Bonita (Mario Adnet)

06. Dona Maria (Duduka Da Fonseca)

07. Saveiros (Dori Caymmi - Nelson Motta)

08. Song for Claudio (Helio Alves)

09. Berimbau Fantasia (Duduka Da Fonseca)

10. Pro Flavio (Romero Lubambo)

11. Fotographia (Antonio Carlos Jobim)

12. Manhattan Style (Duduka Da Fonseca)

Musicos:

Duduka Da Fonseca (Batería y Cuica)

Jay Ashby (Trombón)

Claudio Roditi (Fliscorno, trompeta)

Tom Harrell (Cuerno de flugel)

Billy Drewes (Saxo tenor, saxo soprano)

Joe Lovano (Saxo tenor)

Richard Perry (Saxo tenor)

David Sánchez (Saxo tenor)

Helio Alves (Piano)

Dom Salvador (Piano) 

Marc Copland (Piano)

Kenny Werner (Piano)

Nilson Matta (Bajo)

Eddie Gómez (Bajo)

Dennis Irwin (Bajo)

Romero Lubambo (Guitarra Acústica)

John Scofield (Guitarra)

Valtinho Anastacio (Percusión)

Maucha Adnet, Alana Da Fonseca, Isobella Adnet Da Fonseca y Lisa Ono (Voces)

Grabado en Nueva York entre el 9 de febrero y el 6 de marzo de 2000. Mezclado el 13 y 14 de abril de 2000 

Dave Carpenter, Luis Conte & David Garfield - The Latin Jazz Trio

Luis Conte es el percusionista de algunos de los nombres más importantes de la música comercial, como James Taylor, Phil Collins, Jackson Browne, Madonna, Sergio Méndez, Ray Charles, Pat Metheny, Beck, Shakira, Sade y Herp Albert. En esta primera grabación latina en HD-Audio, su talento, el del pianista David Garfield y el del bajista David Carpenter, fallecido recientemente, cobra vida gracias a la magia del sonido envolvente de 96 kHz/24 bits y 5.1 canales. La música se mezcla para maximizar los timbres y las líneas musicales individuales. Bob Stuart, fundador y presidente de Meridian Audio, describió el sonido como "increíble" y añadió que esta era una de las mejores grabaciones que había escuchado. La diferencia radica en el uso de nueva tecnología, una estricta adherencia a la pureza de la señal y la disposición a experimentar con la colocación de los instrumentos. Por fin, la oportunidad de escuchar auténtico HD-Audio con intérpretes que saben crear música maravillosa.
Nacido en Santiago de Cuba, Luis pasó los primeros 15 años de su vida absorbiendo la rica herencia musical del Son y el Carnaval. "La vida en Cuba se trata de disfrutarla, y la música es fundamental en ese estilo de vida", dice Luis. "La música es casi como la comida para los cubanos". Inmerso en la música de su Cuba natal, Luis también desarrolló una pasión por el rock & roll, el R&B soul, el jazz y los Beatles.

A los 15 años, en busca de libertad, Luis emigró a Madrid, España. Pronto tuvo otra oportunidad de viajar, esta vez a Hollywood. En California, Luis se alojó con un primo y asistió a la Hollywood High School, donde tocó la guitarra en numerosas bandas de rock durante su adolescencia.
Después de la secundaria, Luis conoció a John Monteallegre, quien lo reencontró con la batería cubana en el LA City College. A los 18 años, Luis sentía un gran interés por la batería y aprovechaba cada oportunidad para tocar y aprender, inspirándose en una profunda fuente de ritmo que absorbió durante su juventud en Cuba.
La misión de David Garfield es "Hago música". Y "hago música" es lo que hace, como teclista, productor y compositor de renombre mundial. Ya sea jazz, rock, funk o world beat, es la fuerza creativa detrás de la producción de numerosas grabaciones aclamadas internacionalmente.
Tras estudiar música en la Universidad Estatal de Ohio, el difunto Dave Carpenter inició su carrera profesional tocando con tres gigantes del jazz: Buddy Rich, Maynard Ferguson y Woody Herman. Recientemente, Carpenter formó parte del trío del baterista Peter Erskine, que también incluía al pianista Alan Pasqua. Veterano de las big bands de Woody Herman y Bill Holman, también trabajó con Bill Perkins, Jack Nimitz, Herb Geller, Herbie Hancock, Jack Sheldon, Al Jarreau, Bill Cunliffe, Jan Lundgren, Terry Gibbs, Buddy DeFranco y Richard Stoltzman, entre otros.
Tan solicitado en los estudios de Los Ángeles como en los clubes, Carpenter tiene una larga lista de créditos discográficos. Participó en más de doscientas grabaciones y compuso docenas de temas y bandas sonoras para televisión y cine.
Lamentablemente, Dave falleció de un infarto en junio de 2008. El mundo de la música perdió a un músico y persona verdaderamente maravillosos. Los DVD-Audio/Video premium de AIX Records tienen dos caras: una es un disco DVD-Video interactivo y la otra es un disco DVD-Audio (que requiere un equipo compatible con DVD-Audio para su reproducción).

El sonido de esta grabación lleva a estos increíbles instrumentistas a tu espacio auditivo. Las mezclas envolventes de audio HD te sumergen en la interacción musical con una respuesta de frecuencia y dinámica de rango completo. ¡Descubre lo bien que puede sonar el jazz latino! Cuando me preguntan en ferias comerciales cuáles son mis discos favoritos, siempre incluyo a The Latin Jazz Trio._(aixrecords)

                                                                 

                                                                                                

Dave Carpenter, Luis Conte & David Garfield - The Latin Jazz Trio (2002-R2018)

Temas:

01. Luisongo

02. Doña Olga

03. Memories Of Rio

04. Mujaka

05. Song For My Father

06. Future Generations

07. Pools

08. Rumba Del Cielo

09. Kumbisa / Cuba

Musicos:

David Carpenter (Bajo)

Luis Conte (Percusión)

David Garfield (Piano)

Grabado en el Auditorio Zipper de la Escuela Colburn de Artes Escénicas, 2000

Astrud Gilberto - The Shadow Of Your Smile

Astrud Evangelina Weinert (Salvador, Bahía, Brasil, 29 de marzo de 1940-Filadelfia, Pensilvania, Estados Unidos, 5 de junio de 2023),​ conocida como Astrud Gilberto, fue una cantante de bossa nova, samba, jazz y pintora brasileña.
Su vinculación con el mundo de la música comenzó cuando se casó en 1959 con uno de los primeros guitarristas de bossa nova, João Gilberto. En 1963 estaba acompañando a su esposo en Nueva York mientras grababa con el pianista y compositor Antonio Carlos Jobim y con el saxofonista estadounidense Stan Getz un disco de fusión entre el jazz y la bossa nova. A instancias de su esposo (y no de Getz según otras versiones), cantó unas estrofas y gustó tanto su voz que, a pesar de no tener experiencia previa, grabó el disco Getz/Gilberto, aunque no figuró en los créditos del disco en la primera edición. Pocos años más tarde se divorció de João Gilberto, pero contrariamente al rumor de un amorío con Getz, fue por la relación del guitarrista con Miúcha, la hermana de Chico Buarque.

Su éxito cantando Garota de Ipanema la catapultó como una de las intérpretes más conocidas de una época de oro de la música brasileña a pesar de los intentos de Getz de atribuirse todos los méritos como había logrado con el sencillo de Desafinado de sus sesiones con Charlie Byrd. A partir de entonces emergió como nombre reconocible en todo el mundo y comenzó una larga carrera artística llegando a colaborar con Ennio Morricone, Chet Baker, George Michael, Toots Thielemans, Stanley Turrentine y James Last. Grabó en varios idiomas, entre ellos el español. Comenzó a escribir canciones en los años 70.
Fue también pintora y activista por los derechos de los animales.Recibió el premio "Latin Jazz USA Award for Lifetime Achievement" y fue inducida en 2002 al "International Latin Music Hall of Fame"._(wikipedia)

Para su segundo LP con Verve, Astrud Gilberto amplió su repertorio, pasando de una serie de estándares de Gilberto/Jobim a abarcar el amplio y obviamente abrumador catálogo del pop clásico estadounidense. Con arreglos de Don Sebesky y Claus Ogerman (además de dos de su compatriota João Donato), The Shadow of Your Smile no puede evitar poner de relieve la débil voz de Gilberto, especialmente cuando canta temas que anteriormente habían interpretado cantantes de la talla de Frank Sinatra o Sarah Vaughan. Incluso los arreglos íntimos y discretos de canciones como «Day by Day», la canción que da título al álbum, y «Fly Me to the Moon» eclipsan el limitado registro de la cantante. Las canciones brasileñas, como las cinco de Luiz Bonfá, son más agradables de escuchar, aunque el predominio de las flautas, las cuerdas y la trompeta con sordina en los arreglos es muy propio de mediados de los años 60, para bien y para mal. (Y la descripción de «O Ganso» en las notas como un «ejercicio de vocalización basado en los sonidos bah y dah» es más que generosa). Sin duda, ningún vocalista estadounidense podría aspirar a igualar la tortuosa sintaxis y las interpretaciones, en cierto modo entrañables, de estas canciones; aún así, Verve lo hizo mucho mejor con Gilberto más adelante, cuando le dieron canciones brasileñas alegres para cantar y no intentaron forzar la comparación con vocalistas estándar de jazz/pop._John Bush (allmusic)                                                

                                                                                

Astrud Gilberto - The Shadow Of Your Smile (1965)

Temas:
01. Love Theme From "The Sandpiper" (The Shadow Of Your Smile) 
02. (Take Me To) Aruanda
03. Manha De Carnaval
04. Fly Me To The Moon
05. The Gentle Rain
06. Non-Stop To Brazil
07. O Ganso
08. Who Can I Turn To
09. Day By Day
10. Tristeza
11. Funny World (Theme From "Malamondo")

Grabado en Nueva York.
Estudios RCA, 4 de febrero de 1965. Ingeniero de grabación: Bob Simpson.

Estudios A&R, 21 de octubre de 1964; 25 de mayo, 3 y 4 de junio de 1965. Ingeniero de grabación: Phil Ramone y Rudy Van Gelder