Chucho Valdés - Chucho Valdés

Dionisio Jesús Valdés Rodríguez, más conocido como Chucho Valdés (Quivicán, Cuba, 9 de octubre de 1941),​ es un pianista cubano de jazz afrocubano, fundador del grupo Irakere.
Su padre fue el también pianista de jazz afrocubano Bebo Valdés (1918-2013). Ambos nacieron un 9 de octubre en la misma ciudad, Quivicán.
Ganador de doce GRAMMY's; siete GRAMMYs y cinco Latin GRAMMYs y el Premio a La Excelencia Musical de La Academia Latina de Artes y Ciencias de la Grabación™ y también fue iniciado en el Salón de la Fama de los Compositores Latinos (Latin Songwriters Hall of Fame), Dionisio Jesús «Chucho» Valdés Rodríguez es natural de Quivicán, provincia de La Habana, Cuba.

Nacido en 1941, el pianista, compositor, profesor de música, arreglista musical y director de grupo comenzó su formación musical en la infancia, en su casa, bajo la influencia de su padre "el gran Bebo Valdés", y su madre, Pilar Rodríguez, profesora de piano y cantante. A la edad de 3 años ya tocaba al piano las melodías que escuchaba en la radio, de oído, con las dos manos, en cualquier tono. El ambiente musical de la familia le permitió adentrarse con soltura en el conocimiento de los más diversos estilos y géneros de la música. Casado con Lorena Salcedo desde 2009. Chucho Valdés tiene seis hijos : Chuchito Valdés Cortes, Emilio Valdés Cortes, Yousi Valdés Torres, Leyanis Valdés Reyes, Jessie Valdés Reyes, Julian Valdés Salcedo..._(wikipedia)

                                                                        

Chucho Valdés - Chucho Valdés (1970, Areito LDA-3345)

Temas:

A1. El Manisero ( Moisés Simons)

A2. Dos Perlas Y Un Dolor (Osvaldo Urrutia)

A3. La Sombra (Chucho Valdés)    

A4. Preludio Nº1 En D (Chucho Valdés)

A5. Me Faltabas Tú (José A. Méndez)

A6. Canción De La Tarde (D.R.)

B1. Canción De Un Festival (César Portillo De La Luz)

B2. Sony (D.R.)     

B3. Realidad Y Fantasía (César Portillo De La Luz)    

B4. Novia Mía (José A. Méndez)

B5. Tú, Mi Delirio (César Portillo De La Luz)    

B6. Invento Nº4 (Chucho, Pla, Cachaíto)

Musicos:

Chucho Valdés (Piano)

Orlando "Cachaíto" López (Contrabajo en temas #2 a 12)

Enrique Plá (Batería en temas #2 a 12)

Producido y Distribuido por EGREM Habana-Cuba (Curva RIAA)

Alexis y su Sabor Habanero - Mi Tumbao

                    

Alexis y Su Sabor Habanero es una agrupación del género salsa, originaria de La Habana, Cuba, pero en la actualidad reside en Miami, Florida, Estados Unidos. Grupo Climax trabaja con la compañía discográfica Lubrillante Record desde el año 2009. El primer álbum de la agrupación fue "Mi tumbao", el cual ha vendido miles de copias en todo el mundo. El álbum incluye éxitos como: "Mi música", “Para mí Cuba”, “No sé lo que nos pasó”, “Después de ti”, “Mi vecina” y "La vecina".
Alexis Llerena es cubano de nacimiento, pero desde temprana edad estuvo radicado en Miami. En 1993, Alexis comenzó su carrera musical con el grupo Son y Salsa, como director, destacándose también en el trombón y piano. Al poco tiempo pasó a formar parte de la orquesta La Monumental, la cual abandonó tiempo después.
Tras su paso por La Monumental, Alexis tuvo un historial largo antes de formar su propio grupo. Entre las bandas en que participó se encuentran: Juan Carlos Alfonso y su Dan Den, Enrique Alvarez y Charanga Latina, LM Sobredosis, Denis y su Swing y Hermanos Morenos, todas radicadas en la ciudad de Nueva York. Además Alexis Llerena tuvo pequeñas participaciones a comienzo de la década del 2000 con bandas como: Chico Alvarez, Raulin Rosendo, Lisandro y su Tratado y la famosa Tropicana All Stars, entre otras.

En 2009, Alexis Llerena formó su propia agrupación, Alexis y Su Sabor Habanero, destacándose por su sonido muy peculiar ya que posee matices de agrupaciones por las que pasó antes de crearla. La misma banda ha dicho que su música “esta echa para el bailador, con una cadencia irresistible que te hará mover los pies sin parar”.
Para finales de 2009, Alexis y Su Sabor Habanero, se encontraba trabajando para lanzar su primera producción musical con un sonido pesando para los amantes de la música Cubana. Durante este tiempo comenzaron a realizar algunas presentaciones en vivo, para algunos establecimientos.

Las canciones de Alexis y Su Sabor Habanero son del género salsa. A su vez, siempre fusionan varios ritmos musicales cubanos como el son tradicional, changui y timba contemporánea para crear una sonoridad única, la cual los hace diferentes a todas las bandas existentes en Miami del género tropical. Algunos espectadores indican que la agrupación es la mezcla perfecta entre la timba cubana y la salsa de Nueva York.

Alexis y Su Sabor Habanero tiene Influencias de agrupaciones como Elio Reve, Juan Carlos Alfonso y Su Dan Den y Cubanoson. Los instrumentos musicales que se destacan en la agrupación son: teclado, bombo, percusiones y trompeta, siempre acompañado de coros musicales..._(buenamusica)

                                                                       

                                                                  

Alexis y su Sabor Habanero - Mi Tumbao (2009)

Temas:

01. Tema Sabor Habanero

02. Mi Música

03. Para Mi Cuba

04. No Se Lo Que Nos Paso

05. Después De Ti

06. Mi Tumbao

07. Mi Vecina

08. Aprendí De La Vida

09. El Paralitico

10. Que Pasa Loco

11. Deja Esa Locura

Musicos:

Alexis Llenera (Trombón, piano)

Guillermo Coviellas (Trombón)

Mauricio Marrero (Trombón)

Richey Leyva (Bajo)

Yorday Llenera (Percusión)

Vladimir Caro (Voz)

Alfredo Lugo (Voz)

Información cedida por Andres Davila

Enrique Bonne Y Sus Tambores - Tambores De Enrique Bonne

Enrique Alberto Bonne Castillo (San Luis, 15 de junio de 1926 - 13 de enero de 2024, Santiago de Cuba) fue un músico popular cubano, creador de ritmos, autor de varios temas musicales que fueron éxitos en la música popular cubana, interpretados por su grupo y por diferentes agrupaciones, con una vasta trayectoria musical, dentro y fuera del ámbito nacional.
Fue el creador del ritmo Pilón, uno de los más populares en la década de 1960, interpretado por Pacho Alonso.
Hijo de José Bonne Moirano (puntista azucarero y autor musical) y de Engracia Castillo Griñan, profesora de piano, representante del conservatorio Orbón en San Luis y Palma Soriano. Vivió en San Luis, Palma Soriano y reside (2010) en Santiago de Cuba.

Alcanzó los primeros conocimientos musicales con su madre y luego con los maestros Oliván y Ventura Calzado..._ (ecured)

Un tambor es una fiesta, un espíritu, un llamado. Los tambores llevan consigo algo ancestral, algo indescifrable. Traen en sus cueros el ardor de los seres y en sus toques, el aliento de la gente que sueña, que sufre, que desanda, que goza por las calles.

Enrique Alberto Bonne Castillo (San Luis, Santiago de Cuba, 15 de junio de 1926) es creador del ritmo pilón y un compositor de leyenda. Acaba de recibir el flamante Premio Nacional de Música, que hace mucho merecía. En sus andares por la Isla como representante de firmas disqueras y agrupaciones musicales, se hacía acompañar a finales de los cincuenta de “un piquete” con siete integrantes.

Aquel pequeño grupo se convirtió en su laboratorio creativo. Se amplió y se recompuso una y otra vez… hasta llegar a la impresionante cifra de 54 miembros. La corneta china vino a agregar su vibra, y el chekeré (güiro cubierto por una red tejida llena de abalorios), saltó de la religiosidad afrocubana a la “música profana”.

Cuentan que el bautizo definitivo de Los Tambores de Enrique Bonne tomó  por escenario el patio de Andrés Sandó, tocador de bocú de Los Hoyos. Nada más congruente con el humilde origen de sus integrantes, tocadores de congas del afamado carnaval santiaguero. El almanaque marcaba el 15 de septiembre de 1961. Nacía la agrupación más numerosa de la música popular cubana.

Su participación en los años sesenta en el carnaval de La Habana y el cabaret Tropicana, devino “escándalo”. Jamás se había visto algo similar en esos entornos. Santiago de Cuba, emporio de la tradición, tocaba con sus ritmos a la nación, la despertaba.

Durante los años siguientes trabajaron en fiestas populares, teatros, programas de televisión, galas deportivas, actos conmemorativos. Su presencia en el carnaval y el Festival de Varadero fue habitual. En diferentes momentos lograron compartir escena con grandes figuras  de la escena  nacional e internacional.

Sin embargo, se impone una precisión. Los Tambores de Enrique Bonne no conforman una conga ni una agrupación bailable per se, sino un grupo de concierto de percusión. Y quien crea que de la conjunción de tumbadoras, campanas, chekerés, bocúes, catá, corneta china… puede emerger una sonoridad limitada, se equivoca. Basta escuchar la última producción disquera sobre la obra de este maestro, nombrada también Los Tambores de Enrique Bonne (BisMusic, 2016).

El formato de la agrupación será singular, pero casi puede “olerse” la marca tímbrica de los instrumentos habituales, porque la agrupación suena como una orquesta. Sus integrantes son capaces de explotar todos los recursos percutivos, todos los matices hasta extraerle el zumo.

El tiempo, naturalmente, requiere ajustes. Un apasionado intérprete de la corneta china, Joaquín Solórzano, funge como director; aunque el maestro fundador sigue activo. Una veintena de integrantes vuelve a sonar y Los Tambores de Enrique Bonne se han coloreado con un vigor especial.

La selección de esta propuesta ha sido cuidadosa para que no falten números  antológicos de su repertorio. Cada pieza pone lo suyo: ora la marca profunda del catá (tronco ahuecado tocado con palillos); ora el desborde de la corneta china, el arrastre del chekeré, el desequilibrante repicar de la campana. Improvisaciones y estribillos bordan la atmósfera sonora. Las voces resultan tan brillantes como los cueros.

Una pieza redonda como “Hay un caracol en el mar” es el pórtico. Nada mejor. El rejuego rítmico-textual de “La cometa y el pesca'o” resulta exquisito. Para demostrar la versatilidad del colectivo, aquí está su versión de “Lamento borincano”, de Rafael Hernández.

El final sobreviene con la conga “Manigueta”, inspiración del propio Enrique Bonne. No hay quien resista semejante descarga, la invitación al baile es inequívoca. “Monta, que te deja el tren”, repite el estribillo. ¿Te atreves?_Reinaldo Cedeño Pineda (lajiribilla)

                                                                           

                                                                                 

Enrique Bonne Y Sus Tambores - Tambores De Enrique Bonne (1983)

Temas:

01. Fea La Jicotea / Son (Enrique Bonne)

02. Como Arrullos De Palma / Guajira criolla (Ernesto Lecuona)

03. La Tragedia De Sabor / Poema rítmico (Enrique Bonne)

04. Vereda Tropical / Canción tropical (Agustin Lara)

05. Marino Y Marina / Conga oriental (Enrique Bonne)

06. Manigueta / Conga oriental (Enrique Bonne)

07. Negro CarabalÍ - Burundanga / Carabalí (D.R.)

08. Lamento Borincano / Bolero canción (Rafael Hernández)

09. Clavelito / Pasodoble (D.R.)

10. La Cometa Y El Pescado / Merengue conga (Enrique Bonne)

Información cedida por Osvaldo M.

Babatunde Lea - Soul Pools

Babatunde Lea (nacido Michael Wayne Lea; 18 de febrero de 1948) es un percusionista estadounidense que toca jazz afrocubano y worldbeat. Tomó su nombre del batería nigeriano Babatunde Olatunji.

Michael Lea se crió en Englewood, Nueva Jersey, mientras se desplazaba regularmente a la calle 116 y Amsterdam de Nueva York, donde vivía el resto de su familia tras mudarse de su ciudad natal, Danville, Virginia. Su tía fue una de las primeras mujeres en tocar en una banda de música. Empezó a tocar el tambor a los 11 años, cuando, sin experiencia en ello, ayudó a una línea de tambores a conseguir un ritmo correcto. Ese mismo año, su primo le llevó a ver a Babatunde Olatunji y su «Drums of Passion», y la influencia de Olatunji fue tan grande que Michael adoptó su nombre de pila. A los 16 años, participó por primera vez en una sesión de grabación profesional con Ed Townsend. En 1968, se trasladó a San Francisco, donde se unió a Bata Koto, dirigida por Bill Summers. Se unió a una banda llamada Juju, que se trasladó a Richmond, Virginia, a principios de la década de 1970..._(wikipedia)

El maestro percusionista y batería Babatunde Lea ha convocado el espíritu del ritmo en compañía de algunas de las mayores luminarias del jazz y las músicas del mundo. En Soul Pools, Lea lidera un nuevo equipo de estrellas que incluye a John Benítez al bajo, Kevin Jones a la percusión, Ku-umba Frank Lacy a los vientos y la voz, Hilton Ruiz al piano y Mario Rivera al saxo y la flauta. Su asombroso debut para Motema Music muestra su exhaustivo trabajo de batería y percusión, emocionante, estimulante y espiritual. Brillante solista, Lea está sensacional en «Jackie and The Beanstalk» de Kenny Garrett. Su solo está lleno de pasión, profundidad y la musicalidad adquirida tras años de viajes, formación y trabajo con músicos afines. Además de los grandes artistas de músicas del mundo y jazz instrumental que actuarán en este programa, Babatunde Lea ha invitado a la vocalista Jana Herzen a interpretar su composición original cargada de blues titulada «Round The World». 

Su sensual voz de contralto adquiere mayor dimensión gracias a los excelentes solos de acompañamiento de Raul Midon a la guitarra y Frank Lacy al trombón. En general, el arte sin concesiones de Babatunde Lea está bien respaldado a lo largo de este esfuerzo estelar. La mejor apuesta: «Soul Pools» por su belleza intrínseca, sus magníficos arreglos de trompa y su naturalidad lírica. Este CD es imprescindible para los entusiastas de las músicas del mundo y del jazz que disfrutan con los compases dinámicos, el ritmo y la síncopa de los maestros de la batería y la percusión._Paula Edelstein (allmusic)

                                                                                

                                                                          

Babatunde Lea - Soul Pools (2002)

Temas:

01. Confrontation (Babatunde Lea)

02. Jackie And The Beanstalk (Kenny Garrett)

03. Isabella (Frank Lacy)

04. Round The World (Jana Herzen)

05. Whoa Baba! (Babatunde Lea)

06. 1055 (Raul Midón)

07. Ejercito Moreno (Babatunde Lea)

08. Yerba Buena (Raul Midón)

09. Outlyer (Babatunde Lea)

10. Soul Pools (Babatunde Lea)

11. Carolyn's Dance (Frank Lacy)

12. "Live At Rasselas" Footprints (Wayne Shorter)

Musicos:

Babatunde Lea (Batería, percusión)

Ku-umba Frank Lacy (Trombón, trompeta, fliscorno, voz)

Hilton Ruiz (Piano)

John Benitez (Bajo)

Mario Rivera (Saxo soprano, saxo tenor, flauta travesera)

Kevin Jones (Percusión)

Artistas invitados

Jana Herzen (Voz)

Raul Midon (Guitarra, voz trompeta, coros)

Grabado en Showplace Studios, Dover, NJ.

Ernán López-Nussa - Sacrilegio

El álbum Sacrilegio, del laureado pianista y compositor Ernán López-Nussa, obtuvo el Gran Premio Cubadisco 2014. El CD-DVD, publicado por la disquera Colibrí, establece universos paralelos entre las obras de Bach, Beethoven, Scarlatti, Lecuona y  Cervantes y expande de una manera ingeniosa los límites entre el jazz y la llamada música culta.
Tras ganar el Gran  Premio Cubadisco en el 2003 y 2012 con los fonogramas From Havana To Rio y Veinte Pianos respectivamente, Ernán se vuelve a alzar con el premio mayor de la discografía cubana con un álbum doble conformado por los discos Rondó y Molto vivo, que revela casi  todas las dimensiones creativas de este instrumentista empeñado en tributar a la expansión de la música cubana con originales lenguajes que marcan importantes pautas en el ámbito sonoro local.

“Este material es una intervención a la música clásica, en gran medida lo que yo estudié, incluso hay repertorio de cuando era estudiante de nivel medio. Tocaba esas obras en conciertos. En un principio, ejecuto las piezas tal y como fueron escritas y empiezan a ocurrir cosas a partir de la música cubana y el jazz”, señaló a la prensa López-Nussa.
Acompañado del baterista Enrique Plá, el contrabajista Gastón Joya, y el percusionista Ruy Adrián López-Nussa, Ernán puso en juego este álbum que incluye un tercer disco con  un material audiovisual a cargo del realizador Rolando Almirante y recorre piezas del barroco y de notables músicos contemporáneos como Leo Brouwer.
Precisamente Brouwer fue uno de los que colocó la mirada sobre Sacrilegio. “Ernán López-Nussa vuelve a sorprendernos con ‘ejercicios de estilo’ de un acabado artístico tan creativo como grande. Ha tomado clásicos como Beethoven o Bach, White o Cer­vantes y los devuelve como ‘arte de la variación’… con el trabajo de la Sonata Patética de Beethoven para gozar uno de los más altos niveles de calidad en imaginación y en perfecto pianismo clásico. Sacrilegio es un disco para oír muchas veces”, dijo el autor de Elogio de la danza.
En el disco, galardonado también en las categorías de jazz, CD-DVD y grabación,  intervinieron

como invitados los percusionistas Ramsés Rodríguez, Changuito Quintana, Pancho Terry, Dreiser Durruthy y Adel Gon­zález, el flautista Orlando Valle (Maraca), el trovador Kelvis Ochoa y la soprano María Felicia Pérez. Una amplia lista de músicos que se acoplaron de forma original a los conceptos de un álbum pensado también desde la trasgresión.  

Ernán no se detiene. Luego de llevarse los lauros con Sacrilegio, el autor de From Havana To Rio sigue trabajando en el nuevo álbum de su carrera, llamado Invención Lekszycki, un título que seguramente volverá a dar pelea en la música cubana._Michel Hernández (granma.cu/cultura)

                                                                                        

                                                                                

Ernán López-Nussa - Sacrilegio (2013)

Temas:

CD I (Rondó):

01. Danzón en el Vaticano (sobre el concierto italiano, 1 mov de J. S. Bach)

02. Avant-aprés (sobre el preludio y fuga Cm de J. S. Bach)

03. La Perla del Edén (sobre La Bella Cubana de J. White)

04. Los Cuatrocientos Golpes (sobre Los Tres Golpes de I. Cervantes)

05. Líaison sobre la Danza Amistad de I. Cervantes)

06. Qué Melancolía (sobre el Adagio de la Sonata Patética de L. V. Beethoven

07. Danzón Patético (sobre el Rondó de la Sonata Patética de L. V. Beethoven

08. Danzón en el Vaticano III (sobre Concierto Italiano, 3er movimiento de J. S. Bach)

CD II (Molto Vivo):

01. Madre Scarlatti (sobre Sonata en Dm de D. Scarlatti)

02. Boceto #1 (Leo Brouwer)

03. A la antigua (Ernesto Lecuona)

04. Afro Scarlati (sobre Sonata en Dm de D. Scarlatti)

05. Vals (sobre el Vals en Ab de F. Chopin)

06. Scarlatti Jam (sobre Sonata in Bm de D. Scarlatti)

07. Reverie (sobre Ensueño del Album de la Juventud de Schumann)

08. Molto Vivo (sobre el estudio Fa mayor opus 299 de K. Czerny)

09. Intimando con Cervantes (sobre la Danza Intima de I. Cervantes)

10.Madre Scarlatti (toma 2)

11. Boceto #1 (toma 2)

12. A la antigua (toma 2)

13. Reverie (toma 2)

14. Intimando con Cervantes (toma 2)

Septeto Son De Nipe - Abriendo Caminos

Son de Nipe. Septeto musical nacido en el municipio de Antilla, irrumpió en el mundo cultural con un disco del sello In Situ de la Productora Discográfica Colibrí. Conforman la agrupación antiguos músicos de la orquesta Brisas de Nipe de este municipio.
Este proyecto nace de las manos de Porfirio Núñez Cruz (Firo) que como Instructor de Arte en la Casa de Cultura Adelaida del Mármol de Antilla había experimentado con otros grupos de aficionados, pero no con los mismos resultados, pues los integrantes no tenían la formación musical necesaria
El disco Abriendo Caminos recoge 14 temas, de ellos 10 pertenecen a autores antillanos.”La valía de Abriendo Caminos está también en el hecho de que auxilia a compositores y arreglistas antillanos a una apertura hacia el reconocimiento de su obra y maneras de hacer”. Del cantante y percusión menor del septeto Son de Nipe, Alejandro Arencibia aparece la guaracha Esa muchacha quiere bailar y el son, Honor al Guayabero; de Edalio Espinosa Alayo (Pupi), ex integrante de la orquesta Brisas de Nipe el son, Es caliente como el sol. Los temas A mi Antilla (bolero-son) y, Y no me niegues el beso ( son) de José James Pinder, cantante del septeto. De Oscar Fernández, ex cantante de la Orquesta Brisas de Nipe el disco ofrece los temas Rebozo de amor( guaracha) y el son Que lástima. Del director del septeto Son de Nipe Porfirio Núñez Cruz, Mi son tradicional. Y la guaracha Olvídate de esa nena del compositor antillano Nemesio Palacio.
Los cuatro restantes números musicales son; De que callada manera de Nicolás Guillén y Pablo Milanes, Culpable de Pepe Delgado, Rabo de nube de Silvio Rodríguez y Una alborada de amor de Ariel Dotres Zaldivar, estos temas fueron arreglados por Porfirio Núñez Cruz. En el disco del septeto Son de Nipe Abriendo Caminos “se retoma con originalidad la guaracha, el bolero, el bolero-son y el genuino son notoriamente revalorizado”. Esto último se debe a que el criterio musical que siguió su director fue el respeto a la música tradicional, su profundo conocimiento, pero impregnándole matices muy contemporáneos lo que da como resultado un sello que distingue al septeto Son de Nipe.”Utilizamos el son, pero más actualizado porque le hacemos innovaciones, armonizándolo de manera más actual, sin dejar de perder la raíz”.
La selección de los temas que conformaron la placa Abriendo Caminos estuvo a cargo de la dirección del septeto, pues la Casa Discográfica Colibrí pretendía originalidad y la exposición auténtica del trabajo que con la música tradicional se viene desarrollando en la parte oriental del país.
La imagen gráfica del disco, trabajada en colores sepia y negro fundamentalmente logran ambientar con sabor añejo la atmósfera que se nos ofrece e invita a escuchar esos 14 temas cargados de tradición y contemporaneidad.
“Será deleite para el oyente y el bailador, la buena función del tres en sus solos y “entregas”, las bellas e ingeniosas introducciones, la exquisita mixtura entre texto y música de los boleros, los patrones armónicos soneros que no por convencionales desisten de un acabado significativo, sin descuidar, en ocasiones, las voces supliendo a instrumentos de viento”.

La selección de los integrantes fue minuciosa. Porfirio tenía a su favor el prestigio que poseía y el poder de convocatoria entre sus antiguos compañeros de la Orquesta Brisas de Nipe, tal es así que en la nómina de su agrupación proyectaba incluir a Reyes Cástulo Urgellés Fáez, más conocido por Lulú como bajista y a José James Pinder (Joseíto) como cantante, ambos jubilados de la Orquesta Brisas de Nipe y vinculados a la Casa de Cultura en actividades ocasionales.
Aún faltaba completar el septeto con una pieza clave, el tres, para ellos se cito al prestigioso Mario Arencibia Rodríguez, uno de los mejores treseros de Antilla. En la familia Arencibia abundan los músicos, por eso con ellos se completó el grupo: Alejandro, cantante y Rafael en la tumbadora.
Alejandro y Mario habían integrado por más de 20 años un grupo de aficionados denominado Renovación Antillana, muy famoso en su época y donde se formaron gran cantidad de aficionados. Alejandro en ocasiones tocaba el tres en otras agrupaciones, pero en Son de Nipe se mantenía como cantante, el también tenía un vínculo laboral que no le permitía dedicarse por entero a la música; su sobrino formado en la Casa de Cultura y bajo el influjo musical de la familia había asumido las tumbadoras por lo que Rafael Arencibia era el más joven de la agrupación, apenas tenía 25 años y a esta corta edad ya había incursionado en varios grupos de aficionados y sacado de apuros a la orquesta Brisa de Nipe, por la ausencia inesperada de su percusionista.

Rafael Arencibia Rodríguez se sumó al proyecto con entusiasmo a pesar de que el género y el estilo del repertorio no eran los acostumbrados por los grupos de aficionados de sus contemporáneos.Firo había conseguido los músicos deseados, pero le faltaba escalar un gran peldaño, sus músicos no eran profesionales, todos tenían compromisos de trabajo y el necesitaba preparar el proyecto para el día indicado..._(ecured)

                                                                 

                                                                     

Septeto Son De Nipe - Abriendo Caminos (2006)

Temas: 

01. Esa Muchacha Quiere Bailar (Alejandro Arencibia)

02. Es Caliente Como El Sol (Edalio Espinosa Adayo)

03. A Mi Antilla (José James Pinder)

04. Rebozo De Amor (Oscar Fernández Paz)

05. De Qué Callada Manera (N. Gillén / Pablo Milanés)

06. Honor Al Guayabero (Alejandro Arencibia)

07. Culpable (Pepe Delgado)

08. Mi Son Tradicional (Porfirio Núñez Cruz)

09. Y No Me Niegues el Beso (José James Pinder)

10. Clodomiro (Oscar Fernández Paz)

11. Rabo De Nube (Silvio Rodríguez)

12. Qué Lástima (Oscar Fernández Paz)

13. Una Alborada De Amor (Ariel Dotres Zaldívar)

14. Olvídate De Esa Nena (Nemecio Palacio)

Información cedida por Lalo Lalona

Frank Morgan - Frank Morgan

Frank Morgan (Minneapolis, 23 de diciembre de 1933 – Minneapolis, 14 de diciembre de 2007), es un superviviente de la era bop. De una época en la que todos los músicos quisieron tocar como Charlie Parker y todos ellos erraron al creer que para hacerlo había que vivir como Parker, y eso significaba, por supuesto, drogarse como Parker. Muchos jóvenes músicos de esta época consumieron su vida en este afán, dejándonos breves muestras de su potencial creativo, frustrado por su letal adicción. Unos pocos sobrevivieron, más bien maltrechos, transformados en yonkis con habitación reservada en las más selectas penitenciarías del país. Algunos incluso lograron emerger tras largos años de infierno de ese profundo abismo. Entre esos pocos se cuentan músicos como Red Rodney, Art Pepper o Frank Morgan.
Sí, Frank Morgan consiguió regresar, pero no sin esfuerzos. Baste decir que entre su primera grabación en 1.955 (Frank Morgan – GNP Crescendo) y la siguiente, transcurrieron mas de treinta años. Casi media vida perdida en esos años de oscuridad. Morgan es, por tanto, una leyenda viviente. Uno de esas leyendas que tanta veneración generan entre los aficionados al Jazz, frente a las que ni el afilado bisturí del crítico, puede desentrañar la confusa frontera entre el músico y el mito.

Tal vez no deba siquiera intentarlo. Por eso, lo único verdaderamente cierto es que cuando Frank Morgan, a sus setenta años  y con un ictus cerebral sufrido hace algunos años, se presenta ante el público neoyorkino en el club Jazz Standard, es capaz, con unas pocas frases, de emocionar. ¿Por que?. Quizás por todo aquello que Morgan sabe. Porque su música es capaz de transmitir experiencias y sentimientos, y porque el Jazz es precisamente eso y la carencia de aquellos no la puede suplir la técnica portentosa de algunos, que a menudo no es más que vacua verborrea.
Frank Morgan regresa repasando magistralmente algunos de esos maravillosos standards eternos como Polka, Dots and Moonbeams, Old Folks, Georgia o Summertime, cuatro temas para rememorar a Miles: Tune Up, All Blues, Nefertiti y Footprints  y otros tres para recordar a Coltrane, Impressions, Equinox y Bessie’s Blues, sin olvidar a Monk con dos clásicos del pianista, Round Midnight y I mean You ni a Ellington con los temas In a Sentimental Mood y Don´t Get Around Much Anymore.  Y como colofón, un fabuloso Cherokee que interpreta con todo el orgullo de su origen indio-americano. Todo un universo temático, una mera excusa para demostrar la polivalencia de su lenguaje esencialmente moderno, pero sin transgresiones.
Pero Frank Morgan no está solo en el escenario. Al piano se encuentra George Cables, que ya
acompañó en el pasado a otras figuras míticas como Art Pepper o Dexter Gordon. 

Uno de los grandes pianistas del jazz moderno que además de su brillante trabajo como sideman, ha desarrollado una destacada carrera como líder. Es un viejo conocido de Morgan a quien ya respaldó en su grabación de 1.990 A Lovesome Thing. A la batería se encuentra Billy Hart, acompañante de incontables figuras del jazz desde los años sesenta, es hoy reclamado incluso por los músicos mas jóvenes. Batería flexible que es capaz de todo: desde el mas ortodoxo acompañamiento en un entorno mainstream hasta la polirritmia del hard bop mas avanzado. Finalmente Curtis Lundy al bajo. Una rítmica formidable que, casi literalmente, sin ensayos aporta esencialmente seguridad, una sólida base para las improvisaciones de Morgan con la garantía de que todo va a funcionar sobre ruedas.

Frank Morgan ya no quiere ser Parker, es Frank Morgan, un hombre que ha vivido y que desde la serenidad de su madurez, nos ofrece un discurso que aún cuando aparentemente tranquilo y relajado, transmite intensidad y emoción. Frank Morgan no trae revolución._(apoloybaco)

Cuando el contralto Frank Morgan grabó su debut como líder en 1955, se le anunciaba como «el nuevo Bird». Por desgracia, siguió los pasos de Charlie Parker, sobre todo convirtiéndose en un drogadicto irresponsable. Pasados 30 años, grabó su segundo álbum e inició seriamente su exitoso regreso. Este álbum de GNP presenta a Morgan de vuelta al principio, interpretando cuatro números con la sección rítmica de Machito y otras seis canciones con un septeto que también incluye al saxofonista tenor Wardell Gray (escuchado en sus últimas grabaciones). El trompetista Conte Candoli es una baza importante en estas dos citas, mientras que Morgan demuestra por qué se le valoraba tanto en este momento de su carrera._Scott Yanow (allmusic)

                                        

                                                                                  

Frank Morgan - Frank Morgan (1991)

Temas:

01. Bernie's Tune (Miller)

02. My Old Flame (Coslow-Johnston)

03. I'll Remember April (Raye-DePaul-Johnston)

04. Neil's Blues (Morgan)

05. The Champ (Gillespie)

06. Chooch (Morgan)

07. The Nearness of You (Carmichael-Washington)

08. Whippet (Morgan

09. Milt's Tune (Jackson)

10. Get Happy (Arlen-Koehler)

11. Crescendo Blues (Sheldon)

12. "Huh!"

13. Autumn Leaves (Kosma-Mercer-Prevert)

14. Well, You Needn't (Monk)

15. B.T. (Timmons)

Musicos:

Frank Morgan (Saxo alto)

Conte Candoli (trompeta en #1-10), 

Jack Sheldon (trompeta en #11-15)

Wardell Gray (Saxo tenor en #2,4,5,7,9,10)

James Clay (Saxo tenor, flauta en #11-15)

Wild Bill Davis (Órgano en #1,3,6,8)

Carl Perkins (piano en #2,4,5,7,9,10)

Bobby Timmons (piano en #11-15)

Howard Roberts (Guitarra en #2,4,5,7,9,10)

Robert Rodriguez (Bajo en #1,3,6,8)

Leroy Vinnegar (Bajo en #2,4,5,7,9,10)

Jimmy Bond (Bajo en #11-15)

Lawrence Marable (Batería, percusión en #2,4,5,7,9-15)

Rafael Miranda (Congas en #1,3,6,8)

Jose Mangual (Bongos en #1,3,6,8)

Ubaldo Nieto (Timbales en #1,3,6,8)

Grabado en Capitol Studios, Los Angeles, CA el 29 de enero de 1955 (temas #1-4) y el 31 de marzo de 1955 (temas #5-10) y en directo en The Crescendo, Los Angeles, CA el 11 de agosto de 1956 (temas #11-15)

Orquesta America - Charangueando

La Orquesta América es una orquesta de charanga cubana fundada en La Habana en 1942 y con sede posteriormente en Ciudad de México y California. La orquesta fue pionera del cha-cha-chá en 1953.

El grupo fue fundado en 1942 por el cantante Ninón Mondéjar con Alex Sosa (piano), Enrique Jorrín, Antonio Sánchez y Félix Reina (violines), Juan Ramos (flauta) y otros. Mondéjar y Sosa se fueron a México, y más tarde resucitaron la Orquesta América en California. El éxito en Cuba llegó en 1953 con la grabación por la Orquesta América de «La engañadora» de Jorrín, en el sello Panart. Sin embargo, el éxito de la banda llevó a Mondéjar y Jorrín a discutir sobre si el director de la banda o el compositor debían atribuirse el mérito de la invención del cha-cha-chá. 

La banda se separó durante una gira por México en diciembre de 1954 y Ramos regresó a La Habana con la mitad de la banda para formar la Orquesta América del '55 en 1955. Durante ese mismo año Juanito Ramos fue reemplazado por Rolando Lozano flautista (anteriormente de la Orquesta Aragón) y su hermano Clemente Lozano también flautista. En la década de 1990 la dirección de la Orquesta América pasó a Jorge Machado Durán. Ninón Mondéjar falleció en La Habana en 2006._(wikipedia)

A todos los músicos charangueros que han puesto amor y música a lo largo de tantos años. A los insignes maestros que me acompañaron en este proyecto, Félix Reina, Antonio Sánchez "Musiquita", Juaquin "El Jilguero", Miguelito O'Farrill, Richard Egües, Cachaito, Pancho Amat, Pedrito Hernández, Tata Güines. Para las valiosas voces que dijeron "si" y llenaron de música y color este disco, Omara Portuondo, Manolo del Valle, Beatríz Márquez, Alfredo Martínez, Emilia Morales, Pepe y Javier Olmos.

Un especial reconocimiento a Joseíto González con quien tuve la dicha de compartir la producción musical, y nos entregó su nombre y su talento. A María Elena por los consejos y a Ornar Vázquez por su lápiz. A mi "Padrino" Néstor Proveyer, por sus ideas y algo más. A Eusebio Dominguez, amigo y profesional. A los músicos de la Orquesta América que revivieron con su esfuerzo gloria pasada.

A mi Cuba siempre musical._Jorge Machado

                                                                                       

                                                                               

Orquesta America - Charangueando (1997)

Temas:

1. Popurit De Cha Cha Cha (Enrique Jorrin/Rosendo Ruíz/Ninón Mondejar)

2. Si Llego A Besarte (Luis Carrasco Romero, canta: Manolo del Valle)

3. Cha Cha Cha Para Un Flautista (Jorge Machado Durán)

4. La Rosa Oriental (Ramón Espigul, canta: Omara Portuondo) 

5. Un Pasado Que Murio (Jorge Machado Durán)

6. Yo Soy El Que Busca (Juan Formell)

7. Espontaneamente (René Márquez, canta: Beatríz Márquez)  

8. Para Un Tresero (Virgilio Diago)

9. Alarde Na' Ma' (Jorge Machado Durán)

10. Mi Rival (Agustin Lara, canta: Alfredo Martínez)

11. Canto A Mi Habana Vieja (Jorge Machado Durán)

12. Solamente Una Vez / Piel Canela (Agustin Lara / Bobby Capó, canta: Emilia morales)

13. Diciendote Adios (Rolando Vergara)

14. Perdon (Pedro Flores, cantan: Pepe Olmo y Javier Olmo)

15. Almendra (Abelardo Valdés)

16. Homenaje A Los Charangueros (Jorge Machado Durán, texto impovisación: Néstor Proveyer y Gustavo Cabañas; Cantan: Manolo del Valle, Omara Portuondo, Beatríz Márquez , emilia Morales, Pepe Olmo, Javier Olmo, Tamayo y Héctor Anderson)

Musicos Orquesta América:

Jorge Machado Durán (Bajo y director)

Francisco Droeshout Hernández (Piano)

Mariuel Sánchez Wambrug (Flauta) 

Luis Rodríguez Macias (Tumbadora) 

Moisés Cáredenas Hierro (Güiro) 

Osvaldo Ruiz Valdés (Paila y bongó) 

Lázaro Hernández Lorenzo (Violín) 

Jorge Padilla Cortiñas (Viola)

Alfredo Caballero Campas (Cantante) 

Diógenes Ramirez Samón (Cantante)

Músicos invitados: 

Félix Reina (Violín)

Pedrito Hernández (Violín)

Antonio Sánchez "Musiquita" (Violín) 

Juan Carlos Albelo Zamora (Violín) 

Richard Egües (Flauta)

Miguel O'Farrill (Flauta)

Joaquín Olivera "El Jilguero" (Flauta) 

Pancho Amat (Tres)

Joseíto González (Piano)

Orlando López Vergara "Cachaito" (Bajo) 

Federico Arístides Soto "Tata Güines (Tumbadora)

Cantantes invitados:

Beatriz Márquez 

Manolo del Valle 

Alfredo Martínez 

Pepe Olmo 

Javier Olmo

Omara Portuondo 

Emilia Morales 

Alberto Tamayo

Héctor Wedderwaun Anderson

 

Estudios de Grabaciones EGREM, Ciudad de La Habana, Cuba (1996)

Cesare Mecca - Afro Cuban

Cesare Mecca, nacido en 1996, se apasionó por la música a una edad temprana y comenzó a estudiar trompeta con Roberto Ferro a los siete años, en la Filarmonica Bosconerese (dirigida por el Maestro Pietro Marchetti), donde actualmente toca la 1ª trompeta.
A los 11 años comenzó a estudiar trompeta clásica en el Conservatorio G. Verdi de Turín bajo la dirección del Maestro Paolo Russo. Fue seleccionado para la final del 'Premio Abbado 2015', sección de trompeta clásica (ex. Premio Nacional de las Artes).
Obtuvo su diploma de trompeta a los 18 años y, al mismo tiempo, la Maturità scientifica en el Liceo A. Volta de Turín. Actualmente cursa el máster de trompeta de jazz en el 'Conservatorium van Amsterdam' - Holanda.
Paralelamente a sus estudios en el Conservatorio, estudia trompeta jazz en la Filarmonica Jazz Band de Pianezza (To) con el maestro Sergio Chiricosta y piano jazz con el maestro Guido Canavese, gracias al cual, a los 12 años, pudo conocer y tocar con Marcello Rosa, Alfredo Ponissi, Mauro Battisti y Flavio Boltro.
Actualmente está matriculado en el primer año de Composición en el Conservatorio G. Verdi de Torio con el Maestro Giuseppe Elos.
Colaboraciones con orquestas: Orchestra Sinfonica del Conservatorio G. Verdi di Torino (dirigida por M° Giuseppe Ratti y -en una producción- por M° Donato Renzetti); Brass Band del Conservatorio G. Verdi di Torino (dirigida por M° Lorenzo Della Fonte); Participación en la primera interpretación nacional de la Sinfonía nº 3 de Kchachaturian con la Orchestra Vivaldi di Sondrio dirigida por M° Lorenzo Passerini.

Tocó en el Festival de Jazz de Turín y Andora Jazz con la Orquesta Gatsby de Alessandro Muner.
Durante el Festival de Jazz de Turín en 2016 actuó en el escenario principal en Piazza Castello seleccionado durante el taller de la Juilliard School.
Tras su participación en los talleres Juilliard, como parte de la colaboración entre la Juilliard School y el Departamento de Jazz del Conservatorio de Turín (basado en un proyecto del maestro Emanuele Cisi), tuvo la oportunidad de pasar una semana en el Lincoln Centre de Nueva York como invitado de la Juilliard School.
Tocó como invitado del trío manouche Accordi Disaccordi.
Ha actuado en los Festivales de Jazz de Ivrea y Novara.
Actualmente colabora en dos cuartetos de jazz con el baterista Alessandro Minetto y en un septeto con Fabio Giachino, Luca Begonia, Gianni Virone, Paolo Porta, Ruben Bellavia y Davide Liberti.

En verano de 2016 participó en los Umbria Jazz Clinics, donde obtuvo una beca para la Berklee School of Music de Boston y fue seleccionado para abrir el Orvieto Jazz Winter 2016._(countbasie)

El segundo álbum del trompetista de jazz italiano de rápido ascenso, Cesare Mecca, es un bello y misterioso mundo de jazz afrocubano, ¡con trompetas románticas llenas de notas peligrosas!

                                                                                      

                                                                                  

Cesare Mecca - Afro Cuban (2024)

Temas:

01. Rumbola (Dizzy Gillespie)

02. Beautiful Maria Of My Soul (Robert Kraft)

03. Marianela (Arturo Sandoval)

04. Tin Tin Deo (Dizzy Gillespie)

05. Sabor A Mi (Alvaro Carrillo)

06. Historia De Un Amor (Carlos Eleta Almarán)

07. Feelings (Morris Albert)

08. Mambo Inn (Mario Bauzá)

09. Until We Meet Again (Herb Alpert)

Musicos:

Cesare Mecca (Trompeta)

Massimo Faraò (Piano)

Nicola Barbon (Bajo)

Davide Palladin (Guitarra)

Byron Landham (Batería)

Ernesttico (Percusión)

Claudia Zannoni (Voz) 

Paula Morelenbaum - Telecoteco

Regina Paula Martins Morelenbaum nació el 31 de julio de 1962 en Río de Janeiro (Brasil). Es una cantante brasileña.

Junto a su marido Jaques Morelenbaum, destacado chelista y principal arreglista de Caetano Veloso, formó parte fundamental de la banda de Antônio Carlos Jobim entre los años 1984 y 1994,​ en giras por casi todo el planeta. También participó en varias grabaciones de Jobim, como Passarim, Antonio Brasileiro, Tom canta Vinicius.

Además, Paula Morelenbaum fue parte del Quarteto Jobim-Morelenbaum, con su marido Jaques y el hijo y el nieto de Jobim Paulo y Daniel respectivamente.

A comienzos de la década de 1980 destacó en el grupo vocal Céu da boca. Posteriormente, formó el trío Morelenbaum2/Sakamoto, junto a su marido y al compositor y pianista japonés Ryuichi Sakamoto.

En el 2004, Paula hizo un homenaje a Vinicius de Moraes, bajo el nombre Berimbau.​ En 2008, publicó el disco Telecoteco, trabajo con arreglos nuevos de viejos clásicos de la música brasileña._ (wikipedia)

Como sugirió el poeta Vinicius de Moraes, la Bossa Nova era un estado de ánimo, una atmósfera, un estado mental. Pero, ¿cuál fue el camino recorrido por la música brasileña hasta adquirir la fuerza aportada por la Bossa Nova?
Telecoteco se presenta como una especie de ensayo libre sobre la música pop moderna en Brasil. Y digo esto porque el álbum parece moverse por la fuerza de una visión histórica, de puntos de vista críticos, de conceptos. Así, su repertorio surge como una propuesta sobre los fundamentos de la canción de autor brasileña: diversidad de estilos y nacionalidades con apertura a las influencias y a la modernización. En esencia, Telecoteco pone en primer plano la amplitud, el mestizaje, la invención, la sencillez, la sofisticación, lo popular junto a lo clásico y la pasión junto a la ironía.
Desde su título, Telecoteco, (la palabra hace referencia al sonido onomatopéyico de un determinado patrón de percusión) apunta a la samba y su carácter lúdico, inventado por un país urbano y moderno que encontró en este ritmo un lenguaje capaz de traducir su complejidad cultural. El repertorio, que abarca desde finales de los años treinta hasta principios de los sesenta, contiene canciones en las que brillan el carácter fácil de su poética y musicalidad.

La otra referencia fundamental de Telecoteco es la Bossa Nova. La mayoría de sus composiciones son anteriores a esta época y se anuncian como un conjunto de signos que anuncian este estilo musical que encarnará todo el proceso de modernización que vive la música popular de la época. La Bossa Nova de Telecoteco es un estado de ánimo, una atmósfera. Un claro ejemplo de ello es el tema con más sabor a Bossa Nova del disco, «Um cantinho e você», una Samba-Canção grabada originalmente por Dick Farney en 1948, diez años antes de que la Bossa Nova adquiriera su formato rompedor con la guitarra acústica y la voz de João Gilberto.
Telecoteco, con su inteligente y extremadamente bien estudiada selección de canciones, aporta a ambas una dimensión intelectual y conceptual poderosa, dándoles un tratamiento contemporáneo en el que la interpretación, los arreglos y la instrumentación elevan la frescura y la cualidad intemporal de la melodía, la armonía y la letra. Un buen ejemplo es el tratamiento abierto, dinámico y moderno aplicado a una melodía como «O samba e o tango», una deliciosa mezcla de estilos musicales grabada por Carmen Miranda en 1937 en 78 rpm que incorpora la samba, el tango y la bossa nova (el propio término «bossa» aparece en la letra), pero que salta directamente al ámbito de la música electrónica de la pista de baile.

Con vigor y belleza, Telecoteco entrelaza el Choro, el Tango y el Jazz americano (presente en la canción de Gershwin «Our Love is Here to Stay», teñida de latín, que muestra la influencia del musical americano en el vocabulario de los músicos brasileños) y algunas de las variaciones de la Samba: la ágil y delicada, la que va a toda pastilla y la Samba-Canção, que, hasta la aparición de la Bossa Nova, fue el factor modernizador de la composición de canciones de Música Popular.

En Telecoteco, de Paula Morelenbaum, todo viene de la Samba y vuelve a la Samba en términos de fusión y diálogo. Lo que se reafirma es exactamente el hecho de que es un compuesto de lo moderno, lo antiguo y lo contemporáneo, todo ello capaz de asimilar y pisar otros ritmos, lenguajes, modismos y actitudes._ Eucanaã Ferraz

                                                                                              

                                                                                   

Paula Morelenbaum - Telecoteco (2008)

Temas:

01. Manhã de Carnaval (Luiz Bonfá / Antonio Maria) 1959

02. Ñao Me Diga Adeus (Luiz Soberano / Paquito- João Correa da Silva) 1947

03. O Samba e o Tango ( Amado Régis)  1937

04. Love Is Here to Stay (George & Ira Gershwin) 1938

05. Um Cantinho e Voce (José Maria de Abreu / Jair Amorim) 1948

06. Ilusão à Toa ( Johnny Alf) 1961

07. Teleco-teco (Murilo Caldas / Marino Pinto) 1942

08. Sei Lá se Tá ( Alcyr Pires Vermelho / Walfrido Silva) 1940

09. O que / Vier Eu Traço (Alvaiade / Zé Maria) 1945 

10. Você Não Sabe Amar (Dorival Caymmi / Carlos Guinle / Hugo Lima) 1950

11. Ternura Antiga (J. Ribamar / Dolores Duran) 1960

12. Luar e Batucada (Antonio Carlos Jobim / Newton Mendonça)  

Musicos:

Paula Morelenbaum (Voz, coros)

Beto Villares (Bajo, guitarra, keyboards,rhythm programming, viola, voces, coro)

Jacques Morelenbaum (Violonchelo, arreglo coral)

Alexandre Moreira (Arreglista, mezcla, piano, programación rítmica)

Ryuichi Sakamoto, João Donato, David Feldman, Luciano Supervielle (Piano)

Marcos Valle (Voz, Fender Rhodes)

Marcos Cunha (Arreglista, bajo, teclados, programación rítmica, viola)

Nico Rezende, Pepe Cisneros (Fender Rhodes)

Antonella Pareschi, Bernardo Bessler, Daniel Guedes, Ricardo Amado (Violin)

Chico Pinheiro, Gabriel Improta, Jesuina Noronha Passaroto, Luciano Supervielle, Luis Galvão (Viola)

Leo Gandelman (Saxos, flauta, arreglos)

Lula Galvao (Guitarra acústica)

Serginho Machado (Batería)

Antônio Pinto (Bajo, batería, arreglista)

Alberto Continentino (Bajo)

Marcelo Bernardes (Clarinete, flauta)

Nahor Gomes (Fliscorno, trompeta)

Sidnei Borgani, Vittor Santos (Trombón)

Marcello Isdebski Salles, Marcio Eymard Malard (Violonchelo)

João Gaspar (Bandolím)

Juan Campodónico (Arreglista, programación rítmica)

Mauricio Alves, João Parahyba, Sidinho, Marcelo Costa, Sidinho Moreira (Percusión)

Dalmo Medeiros, Chico Adnet (Voces)

DJ Marcelinho da Lua (Arreglista, rogramación rítmica, scratching)

Grabado en Ambulante Estúdio (SP), Zaga Music, Estúdio Corredor 5 y Estúdio Plage (RJ) de junio de 2007 a enero de 2008.