Steve Turre - Sanctified Shells (1993)

Uno de los mejores trombonistas de los años 80 y 90, Steve Turre también introdujo las conchas de conchas al jazz. Después de un breve período en el violín, cambió a trombón cuando tenía diez años. Turre trabajó localmente desde los 13 años, jugó con Rahsaan Roland Kirk una y otra vez desde 1968, grabó con Santana en 1970 y en 1972 estuvo de gira con Ray Charles. Turre tuvo muchas experiencias musicales diversas en los años 70, incluyendo giras con Jazz Messengers de Art Blakey y la Orquesta Thad Jones / Mel Lewis (ambas en 1973), una oportunidad de tocar trombón y bajo eléctrico regularmente con Chico Hamilton (1974-1976), y grabando con Woody Shaw y Rahsaan Roland Kirk. Kirk inspiró a Turre para jugar cáscaras exóticas, y su capacidad para obtener una amplia gama de tonos claros es bastante impresionante. 
Después de ese tiempo, Turre realizó una gira con McCoy Tyner, Dexter Gordon, Slide Hampton, Poncho Sánchez, Hilton Ruiz y Tito Puente, entre otros. En 1987, se unió a la Orquesta de las Naciones Unidas de Dizzy Gillespie, y también jugó regularmente con Lester Bowie's Brass Fantasy, The Leaders, y The Timeless All-Stars. Turre tocó con sus Sanctified Shells (un grupo que presenta a cuatro trombonistas doblando conchas, el trompetista E.J. Allen, bajo, batería y varios percusionistas) en el Monterey Jazz Festival de 1995 y ha grabado como líder de Stash, Antilles, Verve y Telarc. Rainbow People, grabado en 2007 en Knoop Studios en Nueva Jersey, apareció en 2008 en Highnote Records. Delicious y Delightful le siguieron en 2010. A principios de 2012, Turre se dio cuenta de su antigua ambición de rendir tributo al fallecido Woody Shaw, cuyo camino y bandas de grabación con las que había tocado durante ocho años, entre 1981 y 1989. El álbum, Woody's Delight, presentó el talento de los trompetistas alternativos Wallace Roney, Jon Faddis, Alfredo "Chocolate" Armenteros y Claudio Roditi; también introdujo una nueva estrella en el cuerno, Freddie Hendrix de 23 años. En el verano de 2013, Turre lanzó The Bones of Art, un álbum que mostraba una primera línea de trombón compuesta por él mismo, Frank Lacy, Robin Eubanks y Steve Davis.

La interpretación de trombón de Steve Turre deja atrás su trabajo con las conchas en este CD. Acompañado por Robin Eubanks y Reynaldo Jorge en proyectiles adicionales, Turre escribió o co-escribió las diez selecciones. Hay una presentación de OK por parte de Dizzy Gillespie en "Toreador" y lugares valiosos para el trompetista Charlie Sepúlveda, el trombonista Clifton Anderson y varios percusionistas, junto con las buenas contribuciones del bajista Andy Gonzalez y el baterista Herlin Riley. ~ Scott Yanow (allmusic)

Steve Turre - Sanctified Shells (1993)


Temas:
01. Exploration
02. Gumbo
03. Africian Shells: First Interlude-Strength
04. Macho (Para Machito)
05. Africian Shells: Second Interlude-The Dream
06. Beautiful India
07. Toreador
08. African Shells: Third Interlude-Happiiness
09. Sanctified Shells
10. Spirit Man

Musicos:
Steve Turre-Trombone, Shells, Kudu Horn, Shaker, Horn, Bells
Douglas Purviance-Trombone, Trombone (Bass)
Dadal Roy-Tabla
Carmen Turre-Castanets
Clinton Anderson-Trombone
Milton Cardona-Percussion, Conga, Claves, Shaker, Guitarron, Guiro, Shakere
Herlin Riley-Drums, Shells, Cowbell
Clifton Anderson-Trombone
Badal Roy-Tabla
Ignacio Berroa-Drums, Timbales, Bells
Kimati Dinizulu-Percussion, Djembe, Gome, Sankofa Akyene, Krin
Andy Gonzalez-Bass, Claves
Andrew Gonzalez-Bass
Renaldo Jorge-Trombone, Maracas, Shells
Robin Eubanks-Trombone, Shells
Dizzy Gillespie-Trumpet
Charlie Sepulveda-Trumpet

Bet.E - B. Coming

¡Qué alegría es la de testimoniar el devenir de un artista-el proceso singular de un talento en desarrollo, al borde de un gran avance. Una voz de maduración en aumento a través de la maraña que son influencias fantasma, las colaboraciones pasadas, y las decisiones artísticas a veces no concluyentes que viene con el aprendizaje y tratar de avanzar en la carrera.

En su camino es la francesa Bet.E cantante canadiense (nacida en Elizabeth Provencher), el primero que llamó la atención como la mitad de Bet.E & Stef, la de Montreal, con sede en Canadá Neo Bossa Nova unidad de co-dirigido con el guitarrista y cantante Stephane Carreau. Dos discos con Carreau-el último de los cuales fue lanzado bajo el prestigioso sello Verve la división cantante plácida a finales de 2003 para lanzar su carrera en solitario. Ella regresa con b.coming, un récord diversificada mostrando su elegante estilo vocal suave, pero que sin pedir disculpas rompe el molde de la bossa nova con poppier contemporáneo, pistas de sonido.

Con su jazz, Bruce Hornsby-recuerda siento ", omigod" es una de las pistas donde su fraseo sensual y tono de abrazar una funky tangente. Otras composiciones como "Encore", una radio AC típica canción de amistad, así como el groovy, todos lírica francesa "Les Histoires", también se inclinan hacia formatos abiertamente comercial-que siguen siendo una dirección futura, no es impensable para el carismático cantante.

De hecho, esta incursión en géneros comerciales hace que algunos problemas de producción menores (Provencher producido la totalidad grabarse a sí mismo en casa), la secuencia es la más obvia. Más, estéticamente desplaza foco lejos de los muchos momentos deliciosos, como el entretenido "Eu Quero Um Samba" y la flauta llena de "Femenina", con su nylon magnífico solo de guitarra de cuerdas. En los casos en que llega a la estética que combina en una única producción, como en Baden Powell "Canto De Ossanha"-el resultado final se consideró que no disgustar a todos, aunque un poco alejado de espectáculos más clásicos.

A pesar de su falta de enfoque y la visibilidad de vez en cuando, b.coming sigue siendo una salida probable para ser disfrutados por amantes de la música y el público en general. ~ Martin Gladu


Bet.E - B. Coming (2009)

Temas:
01- E Preciso Perdoar
02- Sky Is Falling
03- Canto De Ossanha
04- Omigod
05- Parts We Hide
06- Eu Quero Um Samba
07- A Mon Reveil
08- You'd Be So Nice To Come Home To
09- Lucky
10- Les Histoires
11- By My Side
12- Feminina
13- Encore

Musicos:
Bet.E-vocals, cuica
Paul Audy-guitar
Al Baculis-bass
David Robitaille-trumpet, flugelhorn
David Lepage-drums
Daniel Bellegarde-percussions
Jean-Philippe Parent-percussions
Samuel Cournoyer-bass
Andre Martin-percussions
Richard Beaudet-flute, alto sax, baritone sax
Aron Doyle-trumpet
Richard Gagnon-trombone
Jean-Francois Ouellet-tenor sax, baritone sax
Jean-Nicolas Trottier-trombone.

George Benson & Joe Farrell-Benson & Farrell

George Benson (Pittsburgh, 22 de marzo de 1943) es un guitarrista estadounidense de jazz; ha hecho también algunas exitosas aportaciones al jazz vocal (su voz es grave y su canto similar en su manierismo al de artistas como Stevie Wonder y Donny Hathaway). Se trata de uno de los artistas de jazz más populares de las últimas décadas, habiendo recibido además encendidos elogios por parte de la crítica.

Niño virtuoso de la guitarra, grabó su primer single "It should have been me" a la edad de los 10 años. Su música ha abarcado tanto el swing y el bop como el hard bop, el quiet storm y la fusión del jazz con el pop y el soul; en Benson se pueden reconocer las influencias de Charlie Christian y Wes Montgomery. Es un guitarrista con un gran dominio de la velocidad de ejecución y del swing.

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Joe Farrell nació en Chicago Heights, Illinois, Estados Unidos. En la década de 1960, Farrell jugó con la Thad Jones / Mel Lewis Orchestra. También grabó con Charles Mingus, Andrew Hill, Jaki Byard, la Asociación de Jugadores y Elvin Jones. Con el grupo Fuse One, ha lanzado dos discos en 1980 y 1982. También se puede escuchar en las grabaciones de pop de Hall & Oates tocar el oboe y el saxofón soprano. Farrell realiza con el percusionista brasileño Airto esposa de Airto y Flora Purim en el álbum "Three-Way Mirror". Un mensaje en la tapa del CD se dedica el álbum de 1987 de Farrell y los estados que contiene sus grabaciones final. Farrell, murió de cáncer de hueso en Los Angeles, California el 10 de enero de 1986 a la edad de 48. En 2008, la hija de Farrell Kathleen Firrantello presentó una demanda contra los raperos Kanye West, Method Man, Redman y común, y sus sellos discográficos por supuestamente utilizar partes de la composición musical de 1974 de Farrell "Upon This Rock" en sus canciones sin su aprobación. Firrantello solicita una indemnización punitiva de los EE.UU. por lo menos $ 1 millón y pidió que no más copias de las canciones se hizo, que se vende o ejecutado.

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Esta grabación poco conocida de CTI partidos guitarrista George Benson y Joe Farrell, un multi-musico de caña que en su mayoría se adhiere a la flauta. Acompañados por una sección de ritmo y grandes a veces dos flautistas (incluyendo Eddie Daniels), Benson y Farrell jugar cuatro originales por el arreglista período de Dave Matthews, además de la norma "Old Devil Moon". Este atractivo, si no todos instrumentales de esa fecha memorable fue grabado justo después de Breezin Benson "(y antes de su lanzamiento), que termina el derecho del guitarrista CTI período antes de convertirse en una estrella vocal. ~ Scott Yanow, All Music Guide

George Benson & Joe Farrell-Benson & Farrell (1976)

Temas:
01- Flute Song
02- Beyond The Ozone
03- Camel Hump
04- Rolling Home
05- Old Devil Moon

Musicos:
George Benson- Guitar
Joe Farrell- Flute, Flute (Bass), Horn, Sax (Soprano), Sax (Tenor)
Sonny Bravo- Piano
Michael Collaza- Percussion, Timbales
Eddie Daniels- Flute, Flute (Alto), Saxophone
David Tofani- Flute, Flute (Alto)
Eric Gale- Guitar
Don Grolnick- Piano, Keyboards
Steve Khan- Guitar
Gary King- Bass
Will Lee- Bass
Jose Madera- Percussion, Conductor, Conga
Nicky Marrero- Percussion
Andy Newmark- Drums

Bobby Sanabria - Kenya Revisited Live!!!

Los conciertos de jazz que rinden homenaje al repertorio general de un artista en particular no
son infrecuentes, pero los conciertos de jazz que rinden homenaje a un álbum específicamente no son muy abundantes. Este CD de 72 minutos documenta un concierto del 1 de abril de 2008 que encontró al percusionista Bobby Sanabria uniendo fuerzas con la Orquesta Afrocubana de Jazz de la Escuela de Música de Manhattan para rendir homenaje a la sesión de Machito en Kenia en 1957. Kenya Revisited no se enfoca en otros álbumes El gran catálogo de Machito, solo Kenia, que se realiza en su totalidad. Los resultados tienden a ser algo predecibles, pero de una manera agradable, y aunque las nuevas versiones generalmente no son desviaciones radicales de los arreglos originales de 1957, tampoco son réplicas exactas. En "Oyeme", por ejemplo, se incorporan las progresiones de acordes de los "Pasos Gigantes" de John Coltrane, que se está tomando un poco de libertad con "Oyeme", porque aunque Coltrane era bien conocido en 1957, no grabó "Gigante". 

Pasos "hasta 1959. Y en" Tururato ", Sanabria está influenciado por un estilo que realmente no existía en 1957: funk (James Brown era un nombre importante en R & B en 1957, pero no fue hasta los años 60 que The Godfather of Soul reveló el estilo que llegó a conocerse como funk: hubo un montón de funky jazz, funky R & B y funky blues en 1957, pero el funk llegó más tarde). Sanabria recrea "Tururato", ya que el jazz afrocubano se encuentra con el soul-jazz, y funciona. Así que aunque Kenya Revisited es generalmente fiel al espíritu del hard bop latino como existió en los años 50 y 60, nadie puede acusar a este concierto de ser una recreación de nota por nota del álbum de Machito en Kenia. En pocas palabras: aunque Kenya Revisited no reinventa la rueda, documenta un sólido concierto en la ciudad de Nueva York que los fanáticos del jazz afrocubano clásico de la gran banda apreciarán. ~ Alex Henderson (allmusic)





Bobby Sanabria - Kenya Revisited Live!!! (2009)

Temas:
0-Intro
02-Frenzy
03-Congo Mulence
04-Kenya
05-Oyeme
06-Holiday
07-Cannonology
08-Wild Jungle
09-Blues a la Machito
10-Conversation
11-Theme and Variations on Tin Tin Deo
12-Tin Tin Deo
13-Minor Rama
14-Tururato

Musicos:
Bobby Sanabria- Conductor, drums, timbales, vocals
Candido- Congas
Justin Janer, Vince Nero- Saxophone
Pawan Benjamin- Saxophone
Michael Davenport- Saxophone
Michael Sherman- Saxophone
Michael Taylor- Trumpet
Jimmie "J.J." Kirkpatrick- Trumpet
Anthony Stanco- Trumpet
Jonathan Barnes- Trumpet
Timothy Vaughn- Trombone
Felix Fromm- Trombone
Nate Adkins- Trombone
Timothy "T.J." Robinson- Bass trombone
Billy Norris- Acoustic, electric bass
Christian Sylvester Sands- Piano
Norman Edwards- Drums, bongo
Giancarlo Anderson- Bongo, clave, coro
Jake Golblas- Congas, claves, timbales, coro
Cristian Rivera- Congas, shekere, guiro
Obanilú Allende- Güiro, bongo/cenerro, congas
Andrew Neesley-Arranger
Danny Rivera-Arranger
Joe Fiedler-Arranger

Conjunto Rumbavana - Conjunto Rumbavana

Durante el reinado de los conjuntos de sones a partir de 1940 tres patrones quedaron bien establecidos en la escena musical cubana: Arsenio Rodríguez, Sonora Matancera y conjunto Casino. Bajo la influencia de este último -en el mes de septiembre de 1956- el percusionista Ricardo Ferro fundó su conjunto Rumbavana. Más adelante -durante los sesenta- cuando alcanzan su etapa de mayor brillo, asumen además elementos estilísticos del genial trompetista Félix Chappotín (sustituto de Arsenio Rodríguez en los escenarios desde 1950).
Para la segunda mitad de la década del 50 del pasado siglo el desarrollo de la industria fonográfica en Cuba favoreció la aparición de numerosas etiquetas discográficas. Muchas de estas casas comerciales ofrecieron en muchos casos las primeras grandes oportunidades a agrupaciones que iban despuntando en los escenarios por esa época. las primeras grabaciones que efectuó el conjunto Rumbavana para los sellos Corona y Duarte fueron reveladoras.
Poco después sus integrantes conquistaban el aplauso de los bailadores dentro y fuera de la isla. En su nómina desfilaron en diferentes etapas notables vocalistas entre los que recordamos a Nelo Sosa, Orlando Reyes, Guido Soto, Juanito Bermúdez, Fernando González, Orestes Macías y su gran sonero estrella: Raúl Planas.
los arreglos de su director musical por muchos años, Joseíto González, fieles a la tradición de los conjuntos típicos de sanes, permitieron que la sonoridad del Rumbavana mantuviera durante poco más de treinta años un sello muy característico, distinguiéndolo además entre las agrupaciones de su tipo. Aunque la fuerte influencia de la electrónica en el sonido de las agrupaciones cubanas durante las décadas del70 y 80 del siglo pasado, lastró la sonoridad de muchas de ellas, la calidez del estilo Rumbavana se mantuvo incólume. A la altura de este nuevo siglo volver a escuchar al original conjunto Rumbavana sigue siendo una insuperable lección de excelencia sonera.~René Espí

Conjunto Rumbavana - Conjunto Rumbavana (2008)

Temas:
01-Tumbayaya
02-Quiéreme mucho Caridad
03-Descarga corazón
04-Con la espuela
05-Así quiero corazón
06-Te traigo mi son cubano
07-Tasca, tasca
08-Sobre un tema triste
09-El son de Adalberto
10-Negro de sociedad
I11-Que baile sola el son
12-Soy tu amor, soy tu castigo
13-En casa de Pedro el cojo
14-Que se fuñan
15-Lo mismo que a Usted
16-No me llores
17-Mi son, mi son, mi son
18-Qué le pasa a esa mujer

Musicos:
1ra. Etapa:
Direcoón: Ricardo Ferro
Piano: Joselto González
Bajo: Cuco
Trompetas: Rigoberto Calderón, Jorge Puig, Manuel "El Burro" y Gilberto Alcuy
Congas: Ricardo Ferro
Bongó: Rolito Soto y Tino Alonso "Papa Gofio"
Voces: Guido Solo, Orestes Maclas, Fernando González y Raúl Planas

2da.Etapa:
Direcoón: Josello González
Bajo: Silvio Vergara
Piano: Joseíto González
Bongoes: Comado Poey
Congas: Rolando Sigler"Pica pica"
Pailas: Vitico
Trompetas: Rigoberto Calderón, Gilberto Azcuy, Eloy Abreu y Jorge Puig
Voces: Raúl Planas, Orestes Macías, Onelio Pérez, Guido Soto y Ricardito Rivera

Arturo O'Farrill and The Afro-Latin Jazz Orchestra - Song for Chico

                                                                           

Arturo O'Farrill (nacido el 22 de junio de 1960) es un músico de jazz , hijo del músico, arreglistay director de banda de jazz latino Chico O'Farrill , y pianista, compositor y director de la Afro Latin Jazz Orchestra. Es mejor conocido por sus contribuciones al jazz latino contemporáneo (más específicamente el jazz afrocubano ), habiendo recibido premios Grammy y nominaciones, aunque se ha entrenado en otras formas como el free jazz y experimentado brevemente con el hip hop. Arturo O'Farrill nació en la Ciudad de México , México, hijo de Lupe Valero y Chico O'Farrill el 22 de junio de 1960. Su madre Lupe era una cantante de México, y su padre Chico era un trompetista de jazz y compositor originario de La Habana , Cuba. La familia vivió en México hasta 1965, cuando se mudaron a la ciudad de Nueva York. Aquí, su padre Chico encontró trabajo como director musical para el programa de CBS "Festival of Lively Arts", donde estableció relaciones con los músicos de jazz Count Basie , Dizzy Gillespie , Gerry Mulligan y Stan Getz . Sin embargo, Chico también trabajó con muchosArtistas de la música latina como Tito Puente , Machito , Celia Cruz y La Lupe , que, para su hijo Arturo, lo llevaron a una "educación psicótica" en la que no estaba seguro de su propia identidad cultural. A la edad de seis años, O'Farrill comenzó a tomar lecciones de piano a instancias de sus padres, inicialmente no les gustaban mucho antes de acostumbrarse al instrumento y decidir alrededor de los 12 que quería ser un músico de carrera.

Evitando el estilo musical de su padre, O'Farrill optó por centrarse en otras formas de jazz, escuchando a artistas como Bud Powell y Chick Corea . También comenzó a recibir una educación musical formal en esta época, graduándose de LaGuardia High School for Music and Art y luego estudiando en la Manhattan School of Music , el Conservatorio de Música en Brooklyn College (de la cual recibió el premio Distinguished Alumnus Medal), y la Escuela de Música Aaron Copland en Queens College. A diferencia de su padre, cuya música era innegablemente de naturaleza afrocubana, Arturo O'Farrill's proyecta una red más amplia, capturando sonidos de toda América Latina. Reflejo de las tradiciones de las big band en Haití , República Dominicana , México y otros lugares, su música es descrita como estilísticamente "panlatina" por el crítico Dan Bilawsky. Philip Booth de JazzTimes escribe que el récord de 2011 de la Afro Latin Jazz Orchestra 40 Acres and a Burro "tiene a la big band profundizando más que nunca en las texturas y ritmos de América del Sur y el Caribe ". O'Farrill vive en la ciudad de Nueva York con su esposa Alison Deane, una pianista clásica entrenada, y sus hijos Zachary (baterista) y Adam O'Farrill (trompetista), quienes formaron la O'Farrill Brothers Band. El 14 de agosto de 2015, O'Farrill estuvo entre los invitados a presenciar el momento en que se izó la bandera de Estados Unidos sobre una embajada estadounidense reabierta en Cuba por primera vez en 54 años... ~ (wikipedia)

Arturo O'Farrill continúa en la tradición de su difunto padre, Chico O'Farrill, con estaemocionante sesión de big band afrolatinos. La "Caravana" de Juan Tizol, un elemento básico del repertorio de Duke Ellington y una de las favoritas de los músicos de jazz, se transforma con la contagiosa carta de Papo Vázquez, agregando un piano oscuro y una conga prominente, con una pieza central improvisada que chisporrotea con el tenorista Ivan Renta, el trompetista Michael Rodríguez, y el trombonista Renaldo Jorge. El líder de la banda contribuyó con "Such Love", dedicado al difunto saxofonista Sam Furnace, un pilar de la banda de Chico que dio todo (a pesar del dolor de una enfermedad terminal) en su última aparición con la banda. La dramática introducción prepara un vehículo afrocubano de cocina impulsado por los timbales de Jimmy Delgado, agregando el trombón abrasador de Luis Bonilla y la trompeta abrasadora de Jim Seeley. Arturo regresa a las composiciones de su padre, incluyendo un breve pero contagioso "Cuban Blues" (usando la tabla original) y su propio y sincero escenario de la cálida balada "The Journey". La manzana no cae lejos del árbol, ya que Chico O'Farrill estaría muy complacido con esta fecha destacada de su talentoso hijo Arturo. ~ Ken Dryden (allmusic)

 Mas información relacionada                                       

                                                                                  

Arturo O'Farrill and The Afro-Latin Jazz Orchestra - Song for Chico (2008)

Temas:
01. Caravan
02. Such Love
03. Picadillo
04. Song for Chico
05. Starry Nights
06. Cuban Blues
07. Humility
08. The Journey

Musicos:

Arturo O'Farrill (Piano, Mezcla, Dirección Musical, Arreglista, Productor)

Ruben Rodriguez (Bajo Eléctrico), Ampeg Baby Bass)

Jimmy Delgado (Bongos, Timbales, Campanas)

Tony Rosa (Tumbadora)

Vince Cherico-Drums, Timbales

Douglas Purviance (Tromboón Bajo)

Gary Valente (Trombón)

Bobby Porcelli (Saxo Alto), Director)

Jim Seeley (Trompeta, arreglista)

Renaldo Jorge (Trombón)

Ivan Renta (Saxo Tenor)

John A. Walsh (Trompeta)

Mario Mártires Rivera (Sax Tenor)

Erica Von kleist (Sax Alto)

Luis Bonilla (Trombón)

Michael Mossman (Trompeta)

Michael Rodríguez (Trompeta)

Pablo Calogero (Saxo barítono)

Barrio Candela - ...Se Queeema!

Barrio Candela es un proyecto musical enérgico, formado en Barcelona a comienzos del 2007. La originalidad de su sonido tiene raíz en las aportaciones musicales que nutren esta banda: de Guatemala, guitarra y voz indómita del “Dr. Sativo” (Juan M); de los andes chilenos “El A-Vuelo” (Tomás Feres) liderando en la batería y “Tatán” Sebastián Gonzáles en la trompeta y teclados; de la legión guaraní, el paraguayo “Osakar” (Oscar Frutos) prendiendo mecha en el contrabajo; de México, sinaloense-tapatío “El Comandante” (Antonio Velázquez) repicando en la percusión y sus gaitas Colombianas; y del valle azteca, “El Mito” (Gonzalo Zetina) al mando del saxo y sonidos ad líbitum. El sonido de sus canciones es una ráfaga de energía, entusiasmo y ritmo que detonan el baile; el contenido de sus letras manifiesta una constante reflexión sobre lo cotidiano y, a su vez, la necesidad de reconexión con la esencia y la conciencia. En su primer disco, homónimo, se aprecia la fuerza y el ímpetu de la banda en clásicos como Candela, Guatemaya, o —la ya legendaria— Cumbia del Guay. Ejemplo de ello son las más de 30,000 copias vendidas en Europa. Con su segundo álbum, BarrioCandela…se queeema! la banda irrumpe con un sonido más desarrollado, trascendiendo en una amalgama musical que abarca desde el Hiphop-Reggae (en Volveré) Cumbia-ton (en El Mero-Mero) o el Latin-Afrobeat (en Assesú Yemayá) BarrioCandela ha escalado diversos escenarios del circuito musical barcelonés y europeo: desde bares, salas de concierto, fiestas mayores, e incluso puntos de música en calle y eventos particulares. Ha realizado también participaciones en radio, televisión y documentales. Esta constante actividad le ha abierto caminos y participaciones en festivales internacionales, en países como Alemania, Francia, España y Holanda.





Barrio Candela - ...Se Queeema! (2008)

Temas:
01-Assesú Yemayá
02-Aché Eleguá
03-La Cubana
04-Miren Quién LLegó
05-Zion
06-Dónde (feat. Tal Ben Ari)
07-Pa'l Viento Sentir
08-Volveré
09-El Mero Mero
10-Zion Remix
11-Pa'l Viento Sentir (Dub Version)

Musicos:
Gonzalo Zetina “El Mito” - Saxos y groovebox 
Oscar Frutos “Osakar” - Contrabajo 
Juan M. “Dr. Sativo” - Guitarra y voz 
Tomás Feres “El A-Vuelo” - Bateria y cajón 
Antonio Velázquez “El Comandante” - Gaitas y percusiones 

Musicos invitados:
" El niño de la Salsa" - Piano y acordeón 
Oriol Mangas y Hector Casero - tambores bata 
Wili Nova -Trombón 
Aneider Sandoval - Trompeta 
Mateo de "Madei in Barcelona - Saxo

Maurice El Medioni & Roberto Rodriguez-Descarga Oriental

Maurice El Medioni ha pasado toda su vida ignorando los límites. El judío argelino comenzó a tocar canciones populares francesas de oreja en piano cuando era niño, antes de aprender boogie-woogie y música latina de soldados estadounidenses durante la Segunda Guerra Mundial, e introducir el teclado al Rai argelino, solo un pequeño rango, entonces. Con Descarga Oriental, reúne todos los aspectos de esa larga carrera con gran estilo, combinándolo con el percusionista cubano Roberto Rodríguez y una banda de primer nivel de músicos latinos radicados en Nueva York.
Destacando las raíces de la rumba de Raï, repletas de improvisaciones de El Médioni y ritmos afro-orientales-latinos, y todo tiene mucho sentido, esta versión PIRANHA especialmente encargada, grabada en Nueva York, es un clásico instantáneo. Oye!


Sobre Maurice El Médioni
Maurice El Médioni creció en Argelia, en el puerto mediterráneo de Orán, donde vivió con su familia en el barrio judío en la década de 1930. La vida de Médioni dio un giro drástico cuando su hermano compró un viejo piano en el mercado de pulgas y lo trajo a casa. En pocos días, Maurice, de nueve años, aprendió a sí mismo, sin la guía de un maestro, a tocar canciones populares francesas que había escuchado en la radio. Como las influencias en su vida cambiaron también lo hizo su estilo musical. Cuando Argelia fue liberada de los franceses en 1942, Maurice estaba tocando el piano para las tropas estadounidenses en el Bar de la Cruz Roja de las Fuerzas Armadas de los Estados Unidos en Orán. Con el permiso de Maurice, los soldados usaron su piano para tocar los populares números de jazz y boogie-woogie. Al observar los dedos bailarines de los soldados aprendió rápidamente a tocar estos estilos musicales y los incorporó a su estilo único. Para satisfacer las peticiones de los soldados, recogió boogie-woogie y números latinos. Más tarde, al hacerse amigo de tres cantantes de Rai de Argelia, ingresó en la cultura musical andaluza, donde introdujo el piano en la música Rai. Maurice ganó popularidad en su área y pronto se convirtió en el respetado pianista de "l'Opéra" en Orán, uniéndose a talentosos músicos de diferentes partes del norte de África, así como a otros artistas judíos como Lillie Boniche y Lili Labassi.

En 1962, después de 8 años de guerra civil, Argelia se independizó de Francia y la mayoría de los judíos argelinos, incluidos Maurice y su familia, fueron forzados al exilio: "La vida era buena en Argelia, pero cuando nos fuimos tuvimos que vivir de la mano . Es muy difícil ser expulsado de su país cuando no quiere irse. No es como ser un emigrante en busca de una vida mejor.

Después de sus muchos años en la cima de la escena musical en su tierra natal, Maurice se adaptó rápidamente y nuevamente alcanzó el estrellato en París, donde permaneció por muchos años. Más tarde, el estilo musical único de Maurice fue reconocido internacionalmente y su carrera se disparó al aumentar la demanda. Hoy, a la madura edad de 77 años, reside en Marsella. Todavía cautiva a los espectadores, usando su mano izquierda para formar los sonidos eclécticos de Boogie, Jazz y ritmos cubanos y su mano derecha dando forma a un estilo árabe único.

Para su nuevo lanzamiento de PIRANHA Descarga Oriental. The New York Sessions se asoció con el súper baterista latino Roberto Rodríguez para realizar su gran sueño de una interpretación cubana de su música.



Maurice El Medioni & Roberto Rodriguez-Descarga Oriental -The New York Sessions (2006)

Temas:
01- Oran Oran
02-Je n'aime que toi
03-Ana Ouana
04-Oh! Ma belle
05-Tu n'aurais jamais du
06-Moi, je t'aime toujours
07-Malika
08-Comme tu as change
09-C'etait il y a longtemps 

Musicos:
Maurice El Médioni-piano, organ , vocals
Roberto Rodriguez -drums, percussion
Natalie Michan-vocals
Jennifer Vincent-bass
Ben Lapidus-tres
Oscar Onoz-trumpet 
Nir Z-darbuka

John Santos and the Machete Ensemble - Machetazo! (10 Years On The Edge)

John Santos. 1 de noviembre de l955, San Francisco, California, EE. UU. De padres mixtos

puertorriqueños y caboverdianos, Santos se crió en el hervidero artístico y musical del Área de la Bahía de San Francisco. Como uno de los principales exponentes del jazz afrolatino, es un respetado maestro, historiador y escritor sobre el tema y miembro del Comité asesor del jazz latino de la Smithsonian Institution, así como un innovador percusionista, arreglista, productor y compositor. . Sus estudios de la música han llevado a numerosos viajes a Puerto Rico, Cuba, Brasil y Colombia. Ha sido líder de tres grupos: la Orquesta Típica Cienfuegos (l976-1980), la Orquesta Batachanga (1981-1985) y el Machete Ensemble, que formó en 1985 (conocido por los dos primeros años como el Afro-Cuban Jazz Ensemble) )

Santos también ha tocado y grabado con muchos de los grandes nombres del jazz (incluyendo a Dizzy Gillespie, Max Roach, Bobby Hutcherson) y gigantes de la escena latina (Israel 'Cachao' López, Tito Puente, Eddie Palmieri, Irakere, Santana, Cal Tjader ), y formó una sociedad dinámica con el pianista cubano Omar Sosa. Santos ha grabado numerosos álbumes con Machete Ensemble, incluyendo África: ¡Volumen 1, Machetazo! Diez años al límite y tributo a los maestros. Este último está dedicado tanto a los grandes del jazz (con versiones cubiertas de forma imaginativa de piezas de Gillespie, Miles Davis, Charlie 'Bird' Parker y John Coltrane) como a todos los involucrados en mantener viva la cultura afro-latina, que forman la inspiración para el embrague de Santos originales._(allmusic)

Machetazo! tiene 11 representaciones de varias versiones del Machete Ensemble de John Santos, grabado durante 1991-1994 y 1996-1997. Hay algunos cantos / piezas vocales, pero el énfasis está en los solistas fuertes de Santos incluyendo Melecio Magdaluyo (en soprano, tenor y alto), trombonistas Wayne Wallace y Jeff Cressman, Ron Stallings (en soprano y flauta) y percusionista Santos . Las melodías incluyen originales de Santos, piezas tradicionales, "Chango Pachanga" de Arsenio Rodríguez, "Huellas" de Wayne Shorter y "Caravana". (allmusic)

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John Santos and the Machete Ensemble - Machetazo! (10 Years On The Edge)-(1998)

Temas:
01-Elegua Ago
02-Health Is Our Only Wealth
03-Zaire
04-El Mago Vilato
05-Modupue
06-Iracuba
07-Media Luna
08-Iya
09-La Patria Del Son
10-Machete
11-Sueño de la Misión

Musicos:
John Santos-Arranger, Director, Maracas, Vocals, Multi Instruments, Caxixi, Producer, Chekere, Axatse, Kata Drum, Rattles, Hand Percussion, Gankogui, Talking Drum, Wood Block, Guiro, Shaker, Coro, Cajon, Bata, Liner Notes, Main Performer, Vibraslap, Repique, Bells, Whistle (Human), Timbales, Bongos, Conga
Melecio Magdaluyo-Flute, Sax (Alto), Sax (Baritone), Sax (Soprano), Multi Instruments
Rebeca Mauleón-Piano 
Bill Ortiz-Trumpet, 
Rev. Ron Stallings-Flute, Multi Instruments, Sax (Tenor), Sax (Soprano)
David Belove-Bass
John Calloway-Flute, Piano, Arranger, Sax (Tenor), Multi Instruments 
Anthony Carrillo-Bongos, Bells 
José "Cochi" Claussell-Bells
Jeff Cressman-Trombone, Engineer 
Orestes Vilató-Timbales 
Wayne Wallace-Piano, Arranger, Adaptation, Trombone
Paul VanWageningen-Drums 
Paoli Mejias-Conga 
Ismael Rodríguez-Vocals, Coro, Vocals (Background)
Ramon Estevez-Vocals, Coro
Lichi Fuentes-Vocals

Gal Costa Canta Tom Jobim

                                                                               

Maria da Graça Costa Penna Burgos (Salvador de Bahía, 26 de septiembre de 1945-São Paulo, 9 de noviembre de 2022),​ conocida por su nombre artístico Gal Costa (pron. AFI portugués [ɡaw ˈkɔs ta] ( escuchar)), fue una cantante brasileña.​ Entre los temas más representativos de su carrera se encuentran «Baby», «Vapor Barato» y «Meu Nome é Gal». Es particularmente recordada en Hispanoamérica por su canción «Festa do interior», que llegó a ser versionada en español por artistas de la talla de Paloma San Basilio o Yuri.

Fue hija de Arnaldo Burgos y Mariah Costa Pena. Su madre, fallecida en 1993, que fue su gran motivación, dijo que durante el embarazo dedicó horas a escuchar música clásica a manera de ritual, con la intención expresa de crear una fuerte motivación musical en ella. Nunca conoció a su padre, que murió cuando ella tenía unos quince años.

En 1955 conoció a Sandra y Dedé (Andreia) Gadelha, las futuras esposas de los compositores Gilberto Gil y Caetano Veloso, respectivamente. En 1959 escuchó por primera vez en la radio a João Gilberto cantando «Chega de saudade» de Tom Jobim y Vinícius de Moraes.

En 1963 Dedé Gadelha le presentó a Caetano Veloso. A partir de este encuentro surgió una gran amistad y profunda admiración mutua que continuó hasta el fallecimiento de Gal.

Gal Costa era bisexual y estuvo relacionada sentimentalmente con Marina Lima...~ (wikipedia)

En este doble álbum en directo, Gal Costa, en la cima de sus experimentadas cualidades vocales y expresivas, rinde homenaje a Tom Jobim, versionando un gran número de sus clásicos, ayudada por excelentes músicos y orquesta. Parece que su principal preocupación era evitar alguna inferencia retro-bossa, y los arreglos y orquestaciones intentan, siempre que es posible, evitar la clásica batería bossa de Milton Banana y otros síntomas -- pero algunos arreglos son bastante iguales, como la clásica introducción de flauta para "Chega de Saudade" (No Más Blues, con participación masiva del público). Es difícil decir algo nuevo en estas canciones, a no ser que se trate de una deconstrucción, porque casi todas ellas son enormemente populares y han recibido innumerables versiones en todo el mundo, y a Costa, un cantante convencional, no le va la modernidad y prefiere ceñirse a las versiones fieles. El álbum es una excelente opción para los fans de Jobim y Costa, pero carece de calidad innovadora.~ Alvaro Neder (allmusic)

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Gal Costa Canta Tom Jobim (1999)

Temas:

CD-1:

01. Fotografia

02. Por Causa de Voce

03. Garota de Ipanema

04. Derradeira Primavera

05. Wave

06. Estrada Do Sol

07. Brigas Nunca Mais / Discussao

08. Piano Na Mangueira

09. Esquecendo Voce

10. Todos Fossem Iguais a Voce

11. Chega de Saudade

12. Samba Do Avaio

CD-2:

01. Anos Dourados

02. Desfinado

03. Corcovado

04. Ligia

05. Tema de Amor de Gabriela

06. Janelas Abertas

07. Bonita

08. Triste

09. Chovendo Na Roseira

10. Falando de Amor

11. A Felicidade

12. Frevo

Musicos:

Gal Costa (Voz)

Cristóvão Bastos (Piano, director musical, arreglos)

Andre Neiva-Bass (Bajo eléctrico, bajo)

Zé Canuto (Saxofón Alto, Saxofón Soprano, Flauta)

Jurim Moreira (Batería)

Sidinho Moreira (Percusión)

Bernie Williams - Moving Forward

Críticamente aclamado guitarrista / compositor, el famoso Yankee Bernie Williams se ha fijado para su segundo álbum AVANZANDO. El nativo de Puerto Rico, clásicamente entrenado músico desarrolló su amor por tocar la guitarra junto con el béisbol, mientras se escucha la salsa, el merengue y el rock 80. Williams jugó sus 16 años de carrera con los Yankees de Nueva York donde fue Campeón de la Serie Mundial de 4x y 5x un All Star (también entre los Yankees de todos los tiempos en cada uno de los principales líderes de bateo de la categoría). Este álbum características originales instrumentales escrito / realizada por Williams, tocando junto a músicos como Dave Weckl (batería), Mike Stern (guitarra), Scott Henderson (guitarra), Dave Koz (saxo), Giovanni Hidalgo (percusión). Una especial colaboración con Jon Secada y una pista con Bruce Springsteen, Patti Scialfa y Bernie realizar días de gloria están incluidos. AVANZANDO es co-producido por Loren Harriet Williams y - que también Helmed Bernie aclamado debut de 2003 de El Viaje Dentro, que debutó en Billboard Chart Álbum de Jazz Contemporáneo, en Heatseekers, sin dejar de ser el mejor vendedor del 11 en Nueva York ese año .

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Bernie Williams - Moving Forward

Temas:
01. Moving Forward
02. Ritmo De Otono
03. Songo
04. Addicted To You
05. Just Another Day
06. He Reigns
07. Lullaby For Beatriz
08. Go For It
09. Que Rico El Mambo
10. African Blues
11. Chillin In The West
12. Take Me Out To The Ball Game
13. Otro Dia Mas Sin Verte
14. Glory Days

Musicos:
Bernie Williams-Acoustic guitar, Electric guitar
Shawn Pelton-Drums
Tim Pierce-Guitar (Acoustic), Guitar (Rhythm)
David Sanchez-Saxophone
Dave Weckl-Drums
Wayman Tisdale-Bass, Engineer
Fred Walcott-Percussion
Leland Sklar-Bass
T-Bone Wolk-Bass
Christian Nieves-Cuatro
Chris Clark-Piano, Keyboards, Strings
¡Luis Bonilla-Trombone
Jeff Golub-Guitar (Electric)
Giovanni Hidalgo-Conga
David Sancious-Piano, Keyboards, Strings
Bill Champlin-Organ (Hammond)
Jon Secada-Vocals, Vocals (Background)
Patti Scialfa-Tambourine, Vocals (Background)
Kenny Aronoff-Drums
Bashiri Johnson-Percussion
Richie Cannata-Saxophone, Horn Arrangements
Luis Conte-Percussion
Abraham Laboriel-Bass
Bruce Springsteen-Guitar (Acoustic), Guitar (Rhythm), Vocals
Dave Koz-Sax (Soprano), Sax (Tenor)
Matt Rollings-Piano
Mike Stern-Guitar (Electric), Guitar (Rhythm)

Julio Cueva y su Orquesta - Desintegrando

Julio Cueva Diaz, nació en Trinidad el 1 de abril de 1897, hijo y nieto de músicos. Su padre tocaba el violín y el güiro y su abuela dirigía una de las primitivas orquestas típicas, estas antecedentes no bastaran para ilusionar al pequeño Julio con los quehaceres musicales en los primeros años de su existencia. Julio, con apenas 5 años, debió afrontar momentos muy difíciles para un niño por el abandono del hogar que hizo su padre, quedando bajo la tutela de su madre y su abuela. En 1908, ingresó en la recién fundada Escuela Municipal de Música de Trinidad, que estaba dirigida par las hermanas Buenaventura y Rafael Dávila, allí estudió solfeo con el primero de ellos y a pesar de sus deseos de ejercitarse en el dominio del piano, las dificultades económicas condicioban el presupuesto que solo alcanzaba para tomar clases de cornetín con el maestro José Manuel Lambido. Su abuela adquirió para Julio el único cornetín disponible en Trinidad, sus progresos musicales eran evidentes y en 1910 fue uno de los fundadores de la Banda Infantíl de Trinidad, por ese tiempo cobró su primer dinero proveniente de la música, al tocar en un baile de la Sociedad El liceo.
En 1913 se integró a la orquesta de su abuelo y en 1915 se presentó a exámen para cubrir la plaza de cornetín solista en la Banda Municipal de Santa Clara, ganada la convocatoria y ante el disgusto de su abuela se radicó en Santa Clara. Con el primer suelda trasladó a su familia a su lado, consiguiendo la tranquilidad que le permitió afrontar 8 años de ininterrumpida labor con la Banda. Durante este tiempo conoció a Felicia que se convirtió en su esposa y profesionalmente fué cimentando un sólido prestigio, realizó tres giras can la Compañía de Arquímides Paus y una cuarta con la Compañía de la actriz mexicana Esperanza Iris. Posteriormente, Julio formó parte de las bandas municipales de Cienfuegos y Trinidad, alternando esta labor con la formación de su propia orquesta típica, de esos años datan sus primeras composiciones, en su mayoría danzones que con el tiempo transformó en guarochas.
En 1928, se trasladó con su mujer a La Habana donde fué contratado para integrar la orquesta del Teatro Campoamor, al cabo de unas semanas, el célebre compositor y director Moisés Simans lo convocó para formar parte de su agrupación, que se presentaba diariamente en el Roof Garden del Hotel Plaza, la tentadora oferta de 8 pesos por función desidió a Julia para aceptar el ofrecimiento que significaba su mejor sueldo hasta entonces. Corría 1930 cuando Dan Azpiazu le ofreció la plaza de trompeta solista de su orquesta, que actuaba en el Casino Nacional y estaba reputada como la más famosa del momento, el 23 de marzo de 1931, Julio viajó con sus nuevos compañeros a Estados Unidos, allí realizaron numerosa presentaciones durante 8 meses y participaron en la fiesta inaugural del Empire State Building. Tras una breve estancia en Cuba volvieron a salir esta vez can rumbo a Europa, después de 3 meses triunfales en el Casino de Montecarlo se trasladaron o Paris, en lo capital francesa inauguraron el célebre Cabaret Plantatión, de ambiente y decoración cubano, allí permanecieron por espacio de 3 meses. Colaboraron con el mítico Carlos Gardel en la película "Orquideos negras" o "Espérame" y después de triunfar sobre el escenario del Teatro Empire, viajaron a Bruselas para presentarse en el Hotel Palace y el Cabaret Pingouin, la gira europea finalizó en el Teatro leicester Square de londres. la arquesta de Don Azpiazu regresó a Cuba pero Julio decidió permanecer en Europa, con el fin de impulsor lo difu­sión de la música cubana que estaba teniendo buena acogida entre el público del viejo continente.

En marzo de 1933, desde Londres volvió o Paris y se incorporó a la formación de jazz que dirigía el músico norteamericano de color Snow Fisher, con este conjunto colaboró 3 meses llegando a presentarse en el Cafe Explanade de Berna en Suizo. El espíritu viajero de Julio guió sus posos paro España, llegó o Madrid en compañía de su esposa y después de sortear algunos dificultades en lo obtención de su permiso de trabajo, permaneció activo hasta 1934 y regresó a Paris donde el conocido promotor Víctor Iolkh, conocido como "Elturquito", le ofreció la dirección de la orquesta del local "la Cueva", nombre elegido en honor de Julio. lo inauguración se celebró el 12 de junio de 1934, aquello formación contaba con Elisea Grenet como pianista y su hermano Ernesto en la batería. Una vez finalízado el contrato, Julio y su orquesta emprendieron una gira que comprendió Túnez, Trípoli, Beirut y lisboa. Después de regresar o Marsella y yo en 1935, Julio se despidió de sus músicos y aceptó uno oferta poro dirigir lo orquesta del Cabaret Casablanca de Madrid, también actuó en el Cabaret Satón. Realizó diversos actuaciones por lo península y de vuelta en Madrid, colaboró con una orquesta que acompañaba a las bailarinas Postora Imperio y "lo Argentinita" sobre el escenario del Teatro de lo Zarzuela.
En 1936, poco antes de estallar la Guerra Civil Española, Julio ingresó como militante del Partido Comunista Español y se alistó voluntario en el Ejército Republicano, donde obtuvo el grado de capitán de la Brigada Mixta y dirigió la Banda de Música de la 46 División. Finalizado el conflicto bélico, Julio, junto a muchos otros combatientes extranjeros fué enviado, en marzo de 1939, al campo de concentración francés de Argeles-sur-Mer, mientras su esposa Felicia perma­necía en Barcelona. Después de permanecer 78 dias padeciendo vejaciones, hambre y frío, el barco de bandera inglesa "Orbito" partió del puerto de la Pallice con 10 cubanos internacianalistas, entre los que estaban Julio y su esposa. llegaron a la Habano el 6 de mayo de 1939, al atracar el vapor, Julio de pie en la proa de la nave, inerpretó el himno nacional con su trompeta ante el silencio absoluto del numeroso público que acudió a recibirles y de los muchos policias que custodiaban la llegada. Al finalizar la interpretación del himno cubano, Julio entonó las notas de la Internacional, desconocido paro la mayoría de los presentes.
Instalado nuevamente en su Trinidad natal junto o su madre, hermano y una hija adoptiva, Julio, debido a su militancia comunista, se enfrentó a serios dificultades para obtener trabajo y su situación económica comenzó a ser precaria. En aquel momento surgió el apoyo de Amado Trinidad, propietario de la emisora CMHI de Santo Cloro, Amado vivía en Ranchuelo y allí tenía una orquesta conocida como la Cuban Boys of Amado Trinidad, también sabía que baja la dirección de Julio el éxito estaba asegurado y era el único comino para competir con las formaciones habaneras. Julio aceptó el trabajo y reorganizó la orquesta con el nombre de Montecarlo, contaba entre otros con el trompetista Remberto loro, Felo Bergaza en piano, Enemesio Giménez en saxo alto y Orlando Guerra "Cascarita" como cantante. Esta formación se hizo popular por todo el pais o través de los hondas de la CMHI, el éxito obtenido animó a Trinidad a comprar la RHC Cadena Azul de la Habana y una vez finalizado el contrato y cubiertos ampliamente los objetivos de Amado, la orquesta se disolvió. Julio y "Cascarita", posaron a formar parte de la orquesta de los Hermanos Palau, que actuó durante varios temporadas en el Cabaret Sans Souci y en los transmiciones diurnas de Radio Cadena Suaritos, de esta época datan los cambios que hizo de algunos de sus primeros composiciones en guarachas como el danzón "El marañón" o el "Golpe bibijagua".
En 1942, Julio decidió formar su propia orquesta y empezó a trabajar en la emisora Mil Diez, propiedad del Partido Socialista Popular, entre los músicos más destacados de esta nueva formación se contaban los saxos altos Maria Menéndez y Bruno Guijarro, Miguel Sánchez como saxo tenor, el trompetista "Platanito", René Hernández en el piano, Oscar Valdés en tumbad oro, el bongosero Marcelo González, Salvador Vivar en bajo e Israel "Ñaqui-Ñaqui" como baterista, los cantantes eran "Cascarita", René Márquez, Reinaldo Valdés "El Jabal", Juan Antonio Jo "El Fantasmita" y más tarde Manuel liceo "Puntillita". Muchos de los temas del repertorio tenían el carácter de canción protesta como "Costillas en el aire" o "Desintegrando". Esta formación tuvo un buen ritmo de trabajo y realizó numerosas grabaciones, que le permitieron o Julio solventar muchos problemas económicos familiares. El éxito alcanzado por lo orquesta a través de los emisiones radiofónicas de la Mil Diez, movilizaron a las emisoras de la competencia y en 1943, el empresario Plumarejo, propietario de la CMQ, le hizo a Julio una tentadora oferta para presentarse ante los micrófonos de su radio en los horarios nocturnos. El Director General de la Mil Diez, Ibrahín Urbino, consideró incompatible las actuaciones de la orquesta en otra emisora y Julio ante la presión de sus músicos aceptó la proposición de Plumarejo, provocando un incidente que se saldó con la cancelación del contrato con la Mil Diez.
En 1944, la orquesta de Julio fué considerada la mejor del pais por la ACRI, pero poco a poco la situación política del pais fué cambiando y en 1952, con la llegada al poder de Fulgencio Batista, la situación volvió a tornarse insostenible para Julio. Tuvo que disolver su formoción en 1953 y comenzaron las penurias económicas que lo llevaron al estremo de tener que empeñar su trompeta, diversos trabajos le permitieron sostener a su familia a duras penas, en 1958 falleció Felicia afectada de cirrosis hepática y casi al mismo tiempo su hija adoptiva contrajo matrimonio y se fué a vivir con su marido, Julio en poco tiempo quedó solo. Con el triunfo de lo Revolución Castrista y ya en 1960, fué nombrado archivero en el Departamento de Recibos del Instituto Cubano de Derechos Musicales, participó en diversas actividades que le permitieron vivir aquellos años.

En 1961, unió su vida a Fela y con ella se casó en 1962, durante ese tiempo reunió suficientes elementos de una interesante autobiografia. Entre 1960 y 1975, Julio vivió olvidado musicalmente y canalizó sus inquietudes artisticas escribiendo música que nunca llegó a estrenarse y permanece inédita. En 1975, tomó la desición de trasladarse con su esposa a Trinidad, donde pensaba pasar las últimos dias de su vida, también esta última voluntad se le negó a Julio, la impasibilidad de resolver algunas gestiones y convencer a su hija, que después de separarse volvió a su lado, truncaron el intento. La última tarea que realizó fué un mural para el Comité de Defensa de la Revolución, en el estuvo trabajando largas horas y haciendo esfuerzos que ya no podía realizar, el trágico resultado fué un infarto de miocardio que le produjo la muerte una semana más tarde en el Hospital Calixto García, el 30 de diciembre de 1975.

La edición de este CD debe servir de homenaje póstumo a este gran músico, que paseó su cubanismo por Estados Unidos y Europa, teniendo que vivir los últimos 15 años de su vida con un modesto retiro, sin el reconocimiento de los suyos y olvidado. Desde aquí y conscientes del tiempo transcurrido, pretendemos devolverle parte de lo que en vida se le negó, su justo y merecido reconocimiento artístico y humano.~ J. P.

Julio Cueva y su Orquesta - Desintegrando (1996)
Havana, 1944-1947

Temas:
01- Desintegrando
02- Figurina Del Solar
03- Sacando Boniato
04- En Tiempo De Mangos
05- El Pin-Pin
06- Piru, Piru, Pirulí
07.- No Tengo Tambó
08- Sabanimar
09- Ya T'a
10- Pasito Pa'lante
11- Castillitos En El Aire
12- Vivito Y Coleando
13- Por Que Llora La Vaquita
14- El Arpa Y La Orpa
15- Por Poquito Me Tumba
16- Dice Mi Gallo
17- Si La Fiesta Es Aquí Dentro
18- Oye Mi Bombó
19- Zapatero Remendón

Voces:
Orlando Guerra "Cascarita" (1 to 15 )
Manuel Lícea "Puntillita" ( 16 & 17 )
Reinaldo Valdés "El Jabao" ( 18 & 19)