Grupo De Experimentacion Sonora Del Icaic

Grupo musical que nada tenía en común con esas agrupaciones tan frecuentes que a ratos aparecen para luego eclipsarse con la misma celeridad, el Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC reunía artistas jóvenes (y otros no tan jóvenes) empeñados en hacer «otro tipo de música». Experimentación de la más auténtica, creatividad y lejanía de los facilismos, esos eran los preceptos del GES, dedicado a buscar caminos nada trillados en la música, a crear y experimentar con novedosas sonoridades.
Creado en 1969 por Alfredo Guevara, presidente del ICAIC, en sus inicios el GES estuvo integrado por Silvio Rodríguez, Pablo Milanés, Noel Nicola Sergio Vitier, Eduardo Ramos, Emiliano Salvador, Leonardo Acosta y Genaro Caturla. Posteriormente se les unirían Sara González y Pablo Menéndez. El director era Leo Brouwer quien ya, a esas alturas, había compuesto música para cine, así como música popular y de concierto.
El grupo surgió con la petición concreta de hacer música para el cine cubano y a su cargo estaría la musicalización de los filmes de ficción, documentales y noticieros que se realizaban en el Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC). Pero en la práctica el Grupo de Experimentación Sonora se convirtió en una auténtica escuela formadora de grandes músicos, de creadores en toda la extensión de la palabra.

Era la génesis de lo que pocos años después conoceríamos como Movimiento de la Nueva Trova, con sus canciones de compromiso político y letras en su mayor parte de protesta, implicadas con el quehacer revolucionario del mundo y de su tiempo. Sin embargo, desde el punto de vista musical no dejaban a un lado las influencias de la mejor música, fundamentalmente de Latinoamérica y el Caribe, pasando por el rock, el bossa nova, el jazz o de la más pura escuela norteamericana. El GES tenía la capacidad de interpretar cualquier tipo de música, desde bailable hasta sinfónica, y las canciones surgidas de sus trovadores pasarían a ser parte de lo más significativo del cancionero cubano.
Uno de los primeros directores en utilizar la música del GES en sus largometrajes fue Manuel Octavio Gómez, quien en La primera carga al machete utilizó canciones compuestas especialmente para este filme por Pablo Milanés.
No obstante el GES no tenía una difusión regular, no era programado por la televisión o la radio, y sus interpretaciones podían escucharse únicamente en las pantallas de cine, o en algún que otro concierto en el cine de la Cinemateca de Cuba, la mayoría de las veces únicamente para trabajadores del ICAIC.
Luego de un impasse en su trabajo, el grupo se reestructuró bajo la dirección de Eduardo Ramos y todavía son memorables sus actuaciones en el Teatro Amadeo Roldan con repertorios de Silvio, Noel, Vitier, Pablo y Sara.
El Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC apenas grabó discos, si acaso dos o tres acetatos que hoy son tesoro de coleccionistas, y solo gracias al apoyo invaluable de Haydée Santamaría y la EGREM, pero su música se escuchaba semanalmente en las salas de cine en los noticieros de Santiago Álvarez, en los documentales de la época y en la mayoría de los filmes cubanos. Las composiciones de sus integrantes, mayormente músicos muy jóvenes, pasó a formar parte de la historia de la música cubana junto con los grandes de todos los tiempos.

El trabajo del GES dejó una huella indeleble, tanto en el cine cubano de la época como en el Movimiento de la Nueva Trova constituido en Manzanillo, en 1972, y es, así mismo, innegable su influencia en los grupos musicales que surgieron posteriormente, independientemente del género musical que interpretaran.
El Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC fue modelo y estímulo a la experimentación, a la música comprometida y a la innovación permanente.

*El espacio Nuestra América publicará diversos textos dedicados al Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC, por su importancia y trascendencia dentro y fuera de Cuba._ (ipscuba)

                                                                                    

Grupo De Experimentacion Sonora Del Icaic (1974)

Temas:

01. Granma (Sergio Vitier/Pablo Milanés/Silvio Rodríguez) 

02. Danzaría (Sergio Vitier)

03. La Contradanza (Emiliano Salvador)

04. La Oveja Negra (Silvio Rodríguez) 

05. Canción Con Todos (Eduardo Ramos) 

06. Grifo (animal mitológico) (Pablo Menéndez)

Dirección musical: Leo Brouwer y Juan Márquez Lacasa

Arreglos musical: Sergio Vitier, Emiliano Salvador, Silvio Rodríguez, Eduardo Ramos y Pablo Menéndez.

Grabado en La Habana en 1972, en los Estudios de grabación de EGREM

Arthur Maia - O Tempo E A Música

Ya sea por sus maravillosas pistas, por los grupos y artistas con los que ha tocado, o incluso por sus solos brasileños de buen gusto, el bajista Arthur Maia ha tenido una carrera sobresaliente.
Nacido el 9 de abril de 1962 en Río de Janeiro, Maia comenzó su carrera tocando la batería hasta que a los 17 años tuvo su primer bajo eléctrico. El bajo ya estaba en sus venas, ya que el artista es sobrino del gran bajista Luizão Maia -mano derecha de Elis Regina-, de quien aprendió sus primeras técnicas de bajo y de quien heredó la sensibilidad que desarrolló al tocar el instrumento.
En la escena nacional, su nombre es prioritario en las bandas de renombre del país, habiendo tocado junto a Ivan Lins, Luiz Melodia y Márcio Montarroyos, a quien Arthur acompañó a partir de 1976. Entre los diversos grupos de música instrumental de los que ha formado parte se encuentran «Garage», «Varanda», «Pulsar» y la «Banda Black Rio». Su particular forma de hacer música le llevó también a la escena internacional, cuando trabajó con Ernie Watts, Sheila E., Pat Metheny, Carlos Santana y George Benson.

Más tarde, Arthur se unió a un grupo más orientado al pop, fundando la banda «Egotrip». Pero fue el grupo «Cama de Gato», con un sonido más orientado al jazz, del que Arthur era bajista, el que dio un impulso especial a su carrera.
«Maia» fue su primer álbum en solitario, grabado en 1991 y publicado en Brasil y Europa, con una importante aceptación en el mercado. Un año después, fue galardonado con el Premio Sharp a la revelación instrumental.
Su segundo CD, «Sonora», fue lanzado en un concierto en el Canecão en 1996, con entradas agotadas y gran éxito de crítica, lo que llevó a la grabación del especial «Na Corte do Rei Arthur» para SBTVE y, posteriormente, a actuaciones del músico en seis países europeos, Estados Unidos y Japón. En septiembre de ese mismo año, actuó en el Town Hall de Nueva York, en el marco del Festival Brasil / Nueva York.
En 1999, Arthur lanzó el CD «Arthur Maia e Hiram Bullok ao Vivo» en el sello Niterói Discos. Grabado en Mistura Fina a principios de 1998, este disco reúne lo mejor del bajista brasileño con el sonido de un japonés criado en EE.UU., Hiram Bullock, músico que empezó tocando el saxo, pero que ha tocado con una lista de músicos de jazz y pop, como Miles Davis, James Brown, Barbra Streisand, Burt Bacharach, Billy Joel, David Sanborn, Paul Simon y Eric Clapton.
En 2002, también en el sello Niterói Discos, Arthur Maia grabó el álbum «Planeta Música», en el que participaron Paquito D'Rivera, Mike Stern, Marcos Suzano y otros artistas conocidos. En diciembre del mismo año, ofreció el concierto «Arthur Maia Convida» en la Marina da Glória de Río, al que asistieron más de 2.500 oyentes.
A raíz de una entrevista concedida al Programa Jô en 2002, la agenda del artista estuvo especialmente apretada ese año, con invitaciones para participar en conciertos y talleres en Brasil y en el extranjero. Fue entonces cuando Arthur fue invitado a dirigir el Grammy Latino y el musical «Canto das Três Raças», y a actuar en «Utópica Marcenaria» y en los SESC de São Carlos y São José do Rio Preto.
A lo largo de los años, además de dedicarse a su trabajo en solitario, Arthur también ha trabajado con nombres como Caetano Veloso, Djavan, João Bosco, Lulu Santos, Milton Nascimento, Ney Matogrosso, Plácido Domingos, Ricardo Silveira y Gilberto Gil. El bajista trabaja con Gil desde principios de los años 90, habiendo participado en las giras nacionales e internacionales de varios espectáculos del cantante, como «Quanta», «Eu,Tu, Eles» y «Kaya N'Gandaya».
De 2013 a 2016, Arthur Maia se involucró directamente en la política, como Secretario de Cultura de Niterói durante el primer mandato del alcalde Rodrigo Neves.
En abril de 2015, grabó el DVD «O Tempo e a Música» en el Centro de Artes UFF, junto a artistas como Mart'nália, Seu Jorge e Ivan Lins. El álbum fue publicado por Selo Niterói Discos en 2010.

«[...] El verano pasado, paseaba por las maravillosas arenas del Lago Mayor, cerca de Lugano, en Suiza, cuando conocí a Paquito D'Rivera,... que también estaba allí para actuar con su grupo en el Festival de Jazz. Me preguntó si Arthur Maia era la misma persona que había tocado con Djavan. Sí, le dije. Este tipo es uno de los mejores del mundo. Queridos oyentes, este disco es el primer CD publicado por uno de los mejores bajistas del mundo de su generación, Arturzinho Maia, de Río de Janeiro. Se trata de una grabación que trae raros fragmentos de música que, con inteligencia y fluidez, reproduce lo mejor que él tiene para ofrecer». (Gilberto Gil, en 1996)_ (culturaniteroi)

Falleció el 15 de diciembre de 2018 por problemas cardiacos. 

                                                                            

                                                                          

Arthur Maia - O Tempo E A Música (2007-R.2011 Biscoito Fino)

Temas:

01. Abismo De Rosas (Dilermando Reis)

02. Forró Em Havana

03. Macabú

04. Brejeiro (Ernesto Nazareth)

05. Um Abraço No João (Gilberto Gil)

06. Tuca

07. Montains (Kiko Continentino)

08. Minha Palhoça (J. Cascata)

09. Frevo Do Compadre (Arthur Maia, Fernando Caneca)

10. To Nico

11. O Tempo E A Música (Arthur Maia, Clauber Fabre, César Beleny, Di Stéffano)

Musicos:

Arthur Maia (Bajo, bajo sin trastes, bajo acústico, voz, marimba, percusión, productor, dirección artística, escritos)

Heitor Pereira (Guitarra acústica)

Carlos Malta (Saxo barítono, Saxo soprano)

Ademir Junior (Clarinete)

Di Stéffano (Batería, triángulo, timbales, programado por, repinique, co-productor)

Carlos Bala (Batería)

Scott Henderson (Guitarra)

Fernando Caneca (Guitarra, guitarra acústica)

Gabriel Grossi (Armónica)

Kiko Continentino (Teclados)

Sérgio Chiavazzolli (Mandolina)

Cesinha, Gustavo Di Dalva, Macaco Branco, Thiago da Serrinha (Percusión)

Claudio Andrade (Piano)

Josué Lopez (Saxo tenor)

Marcelo Martins (Saxo tenor, flauta)

Bruno Santos, Chico Oliveira (Trompeta)

Mart'Nália (Invitado #8,#10)

Gilberto Gil (Invitado #5)

Bobby Valentín - Young Man With A Horn

Roberto Valentín Fret, conocido como Bobby Valentín (Orocovis, 9 de junio de 1941), es un arreglista, bajista y director de orquesta puertorriqueño de Salsa y Latin Jazz.

Roberto Valentín Fred, nacido en 1941 en la localidad puertorriqueña de Orocovis, comenzó de niño a tocar la guitarra y a la edad de 11 años ganó un concurso con una banda que dirigía el mismo. Comienza sus estudios de trompeta los 15 años, poco antes de mudarse con su familia a Nueva York, donde continua sus estudios bajo la dirección de Carmina Caruso. En 1958 comienza su carrera profesional con la orquesta de Joe Quijano. Valentin pasa los años siguientes trabajando como trompetista, guitarrista, bajista o arreglista para artistas como Willie Rosario, Charlie Palmieri, Ray Barreto, Tito Rodríguez o Willie Bobo, hasta que en 1965 debuta con una orquesta a su nombre editando dos discos, uno de ellos bajo el sello Fania de Johnny Pacheco.​ 

Durante los años siguientes Valentin siguió editando discos a su nombre bajo el sello de Pacheco, pero también comenzó a grabar y realizar arreglos para la banda propia del sello, la legendaria Fania All Stars por donde pasarían figuras tan importantes como Rubén Blades, Celia Cruz, Willie Colon, Eddie Palmieri, Papo Lucca o Mongo Santamaría, entre otros muchos. En 1975 comienza a grabar para su propio sello, pero su trabajo con la Fania All Stars continua hasta hoy día.​ Desde entonces el músico sigue actuando con su orquesta por los más importantes festivales de salsa y jazz de todo el mundo, además de seguir editando álbumes para su propio sello, el último de los cuales vio la luz en 2016 bajo el nombre "Mi Ritmo es bueno"._(wikipedia)

Bobby Valentin es un auténtico talento que, a lo largo de su carrera musical, a demostrado un sorprendente dominio de los instrumentos que tocaba, entre ellos el bajo, la guitarra, el saxofón y la trompeta. También se hizo un nombre como consumado arreglista. Estas cualidades fueron reconocidas por Johnny Pacheco, que en aquel momento era el director y productor de Fania Records. Pacheco decidió fichar a Valentín, convirtiéndolo en el primer acto que firmaría. Este fichaje convirtió a Bobby Valentín en un miembro destacado de la familia Fania.

Desde las primeras etapas de su carrera, su reputación como músico excepcional cimentó su posición en el sector. Artistas como Joe Quijano, Willie Rosario, Tito Rodríguez y el propio Johnny Pacheco le confiaron sus arreglos musicales, a los que a menudo contribuía también como músico.

¡Su álbum seminal Young Man With A Horn se presenta aquí con una transferencia digital totalmente nueva!

El híbrido de R&B y salsa conocido como boogaloo fue muy popular a finales de los 60 y principios de los 70, y la mayoría de las canciones aquí incluidas así lo reflejan. La inclusión de temas con sabor a boogaloo con números tradicionales de salsa y boleros de tempo lento hacen que este álbum sea muy interesante.

Un gran trabajo del gran Bobby Valentin, su primer álbum, ¡editado cuando era un trompetista de jazz! El disco ofrece "lo mejor del boogaloo", como reza la portada, y presenta una mezcla muy moderna de temas que realmente captan la energía mestiza de la escena del Harlem español de finales de los 60. Destacan "Batman's Boogaloo", una reelaboración del tema de "Batman"; un remake del éxito "Good Lovin", que realmente expone sus raíces latinas; una descarga llamada "The Gate"; un remake en latin jazz de "Song For My Father"; y el tema "Geronimo", super-hip, super-swingin -- ¡un ganador del soul latino hasta el final!

                                                                 

                                                                          

Bobby Valentín - Young Man With A Horn (1965)

Temas:

01. Que Pollito (Joe Pastrana) 

02. Maina (Bobby Valentín)

03. Batman's Bugaloo (Neal Hefti) 

04. Amor Ciego (Rafael Hernández)

05. The Gate (Bobby Valentín) 

06. Que Buena la Rumba (Bobby Valentín)  

07. Song For My Father (Horace Silver)

08. Óyeme Bien (Bobby Valentín) 

09. Geronimo (Bobby Valentín) 

10. La Rumba Te Espera (Bobby Valentín) 

11. Good Lovin' (Arthur Resnick, Rudy Clark) 

Musicos:

Bobby Valentin (Trompeta)

Humberto Del Valle (Bajo)

Joey Pastrana (Timbales)

Tony Fuentes (Bongos)

Willie Pastrana (Congas)

Rudy Martin (Piano)

Cookie Mattero (Saxo)

Joe Orange (Trombón)

Marcelino "Junior" Morales (Voz)

Brownout - Homenaje

La música de Brownout, un contundente grupo de funk y rock latino de ocho miembros, es una extensión directa del crisol de sonidos que los miembros de la banda escucharon en el suroeste de Estados Unidos, desde el norteño y el conjunto hasta el hard rock, el blues y el deep funk y R&B. Un proyecto de crecimiento/alter ego de Grupo Fantasma, sus grabaciones altamente originales dan un giro latino creativo a los álbumes de música de Black Sabbath (Brown Sabbath) y otros artistas.
Movimiento Popular. Los guitarristas de Grupo Fantasma Adrián Quesada y Beto Martínez, el bajista Greg González, el trompetista Gilbert Elorreaga, el saxofonista Josh Levy, el trombonista Leo Gauna, el baterista Johnny López y el conguero Matthew "Sweet Lou" Holmes estaban todos en una banda funk de Austin, Texas llamada The Blimp. . En 2003, poco antes de que saliera Movimiento Popular de Grupo, Quesada sugirió montar un grupo de funk con la intención de simplemente tocar versiones y divertirse.

Inspirándose en grupos como Santana, Earth, Wind & Fire y P-Funk, y llamándose a sí mismos Brownout, los miembros del octeto se dieron cuenta de que sonaban lo suficientemente bien como para lanzar un 7" en 2005 en Freestyle Records de Inglaterra, un sencillo que terminó siendo así. bueno, y obtuvo tantas solicitudes de seguimiento, que pronto también se emitió un 12 ". Todo esto fue suficiente para convencer a los amigos de que Brownout debería ser algo serio, y su debut de larga duración, Homenaje, fue lanzado en enero de 2008. Ese mismo año, Brownout ganó un Austin Music Award a la Mejor Banda Latina Contemporánea (superando a sí mismos , como Grupo Fantasma, por el honor) e hizo apariciones en el festival anual SXSW.

Águilas y Cobras. Un segundo álbum, Aguilas and Cobras, apareció en 2009, seguido de una versión remix del álbum en 2010. Oozy llegó en 2012, mientras que un EP con versiones funk de melodías de Black Sabbath, Brownout Presents Brown Sabbath, fue lanzado a principios de 2014 y seguido de un segundo volumen dos años después. En 2018, la banda publicó Fear of a Brown Planet. Un tributo deslumbrante a Public Enemy, cuyo innovador e influyente Fear of a Black Planet se publicó en 1990, musicalmente fue un álbum instrumental que recordaba descaradamente el estilo de los años 70, empapado de cuernos, golpes de bajo, wah-wah. Funk alámbrico y sin cortes._(allmusic)

Este proyecto paralelo predominantemente instrumental del Grupo Fantasma de Austin aumenta el funk y agrega un toque fresco y soñador ocasional para hacer que el colectivo latino irónicamente llamado Brownout sea casi tan irresistible como su pariente musical más establecido. El ocho integrantes cuenta con una sección de vientos de tres hombres que aporta un toque de jazz a la ya candente mezcla de salsa y funk. Las cosas comienzan de manera prometedora con la sensual "Brown Wind and Fire", que suena como la banda sonora de una escena de amor de una película de blaxploitation de los años 70, pero sienta las bases de lo que sigue. La calidad fílmica de esta música permanece intacta a medida que avanza el álbum, pero la intensidad aumenta, alcanzando su punto máximo con una versión de "African Battle" de Manu Dibango que estalla con percusión afrocubana y la sección de vientos desgarra la melodía con pasión, calor y... - como el resto del disco - arreglos nítidos. Las referencias a Santana son inevitables, pero esta es más auténtica y menos guitarrera, con mayor énfasis en una dinámica de grupo. Estos muchachos obviamente se están divirtiendo mucho tocando música que claramente aman y el sentimiento es contagioso, como en el cierre "Chafa Khan Artistry", un jam que captura toda la emoción y la alegría colaborativa de clavar un ritmo por diversión. Todas las selecciones, excepto la pista de Dibango, son originales y comparten el trasfondo de los años 70, a pesar de que el enfoque de

Brownout es poco tímidamente retro. Pero dado que el título del álbum se traduce como "homenaje", el grupo evidentemente tiene la intención de rendir homenaje a sus influencias. Algunas melodías ahumadas y siniestras, como la psicodélica wah-wah basada en la guitarra, "They Don't Know", una de las únicas pistas del disco que incluye voces, y la trepidante "You Ready Are" alteran el estado de ánimo vibrante, pero básicamente esto es una fiesta alegre que hace girar la percusión y los cuernos para una alegre erupción de jazz-funk latino tocado con destreza y entusiasmo crepitante. Es tan vital como Grupo Fantasma y uno de los pocos casos en los que la rama de una banda se registra con tanta creatividad e invención como el conjunto original._Hal Horowitz (allmusic)

                                                                      

                                                                          

Brownout - Homenaje (2007)

Temas:

01. Brown Wind And Fire (F.H. Martinez)

02. Homenaje (F.H. Martinez)

03. Laredo 77 (A. Quesada)

04. African Battle (M. Dibango)

05. Con El Brownout Ne Se Juega (A. Quesada)

06. Latin Asscape (F.H. Martinez)

07. Barretta (G. Gonzalez)

08. Chema's Contraband (G. Gonzalez)

09. They Don't Know (F.H. Martinez)

10. The Sexican (A. Quesada)

11. El Narco (F.H. Martinez)

12. You Already Are (F.H. Martinez)

13. Chafka Kahn (F.H. Martinez)

Musicos :

Gilbert Elorreaga (Trompeta)

Johnny López III (Batería, voz)

Greg Gonzalez (Bajo, guitarra, teclados, Vibráfono)

Adrián Quesada (Guitarra, bajo, teclados)

Matthew "Sweet Lou" Holmes (Congas)

Josh Levy Bari (Saxo)

Leo Gauna Trombón, glockenspiel, wurlitzer)

Humberto "Beto" Martinez (Guitarra, bajo, teclados)

José Galeano (Timbales) 

Travis Davis (Teclados)

Daniel Teiman (Teclados)

Gengee (Saxo alto)

Martín Perna (Shekere)

Mandrill - Composite Truth

Puede que Mandrill fuera demasiado bueno para su propio bien. El corazón de la banda eran los hermanos Wilson -Louis "Sweet Lou", Richard "Dr. Ric" y Carlos "Mad Dog"-, que crearon una sabrosa mezcla de soul, blues, rock, elementos afrolatinos y jazz. Era un sonido muy bailable, pero los ritmos a menudo complejos y los largos solos de la banda no se prestaban a reducir fácilmente una pieza a una versión más corta para su exposición en la radio. No obstante, Mandril! creó una gran música durante su década de tocar y componer. Aunque los Wilson eran la fuerza creativa más clara, contaban con la ayuda de Ornar Mesa, Claude "Coffee" Cave, Fudgie Kaem y Nettali Santiago. Entre todos tocaban más de 20 instrumentos. Los Wilson estaban en el instituto de Brooklyn, Nueva York, cuando se unieron a la banda del colegio. Después de adquirir más destreza con sus instrumentos, los tres hermanos empezaron a tocar en pequeños clubes de su barrio hasta que fueron reclutados por el ejército en los años 60. Uno de los Wilson, Ric, también asistió a la facultad de medicina y fue uno de los pocos médicos que dividió su tiempo entre la medicina y la música. Tras cumplir con sus obligaciones militares, los Wilson se dedicaron más en serio a la música. Al publicar un anuncio para buscar otros músicos en el "Village Voice" de

Nueva York, obtuvieron más de 200 respuestas. Entre ellas estaban el guitarrista Mesa y los demás miembros de la formación original de 1968. La mayoría de los integrantes eran músicos experimentados con diversos antecedentes e intereses musicales que ayudaron a definir el variado sonido de lo que los Wilson decidieron llamar Mandrill. En 1971, Mandrill firmó con Polydor Records. Su álbum de debut, "Mandrill" (Polydor 4050), se publicó a principios del 71. Aunque el álbum fue un éxito de ventas en el Top 50, los singles extraídos de él no se vendieron. Las cosas mejoraron con "Mandrill ls" (Polydor 5025), que salió en la primavera de 1972. Se vendió bien y también lo hizo el single "Get lt All" (Polydor 14142), que entró en el Top 40 de rhythm and blues de Billboard en otoño del 72. Mandrill tuvo su mayor éxito en la primavera de 1973 con "Fencewalk" (Polydor 14163), un single de R&B que entró en el Top 30 y no llegó al Top 50 de pop. "Composite Truth" (Polydor 5043), que dio lugar a "Fencewalk", fue un álbum que alcanzó el Top 30 y sería su lanzamiento más vendido. También contenía otro éxito en el Top 30 "Hang Loase" (Polydor 14187). Las ventas de sus discos se tradujeron en un apretado calendario de giras, lo que les pareció bien a los miembros de la banda. En una entrevista de 1973, Ric Wilson dijo que querían estar lo más ocupados posible. Carlos añadió: "Nuestra música es para la gente. Si no seguimos tocando, perdemos el contacto". Mandrill demostró que seguían en contacto con un cuarto álbum superventas - "Just Outside Of Town" (Polydor 5059)- en el otoño del 73. Contenía dos populares singles: "Mango Meat" (Polydor 14200) y "Lave Song" (Polydor 14214). En 1974 les fue mejor en las listas de singles,

especialmente con "Positive Thing" (Polydor 14235), que llegó al Top 30 de las listas de R&B. Aunque los tiempos habían cambiado para Mandrill, cuando estaban en su mejor momento la banda producía una sabrosa mezcla de estilos que podía ser un reto para los programadores de radio. Pero cualquiera que los viera en directo o escuchara sus álbumes captaba el mensaje de su música. Esta colección de sorna de sus mejores trabajos demuestra lo buenos que eran._Los números de las listas de Mark Marymont Bíllboard son cortesía de BPI Communícatíons y Joel Whítburn's Record Research.                                      

                                                                              

Mandrill - Composite Truth (1973)

Temas:

01. Hang Loose (Claude "Coffee" Cave)

02. Fencewalk (Wilson Bros)

03. Hágalo (Wilson Bros)

04. Don't Mess With People (Wilson Bros)

05. Polk Street Carnival (Wilson Bros)

06. Golden Stone (Omar Mesa)

07. Out With The Boys (Fudgie Kae)

08. Moroccan Nights (Wilson Bros)

Musicos:

Carlos Wilson (Trombón, flauta, saxofón alto, guitarra, timbales, batería, percusión, voz)

Louis Wilson (Trompeta, fliscorno,conas, percusión, voz)

Ricardo Wilson (Saxo tenor y alto, percusión, voz)

Claude "Coffee" Cave (Órgano, vibráfono, clavinet, piano, sintetizador 'Moog', piano eléctrico 'Fender Rhodes', voz, percusión)

Frederick "Fudgie Kae" Solomon (Bajo, percusión, voz)

Omar Mesa (Guitarra, percusión, voz)

Neftali Santiago (Batería, percusión, voz)

Los Reyes '73 - Baila Mi Son

                                                                         

Los Reyes 73 de Cuba eran un grupo de gran inventiva que mezclaba la música tradicional afrocubana con el psych rock explosivo, el funk y el jazz. Fue un sonido rompedor que introdujeron en su debut homónimo de 1975, que es el tema central de esta reedición de 2024 del sello Mr. El álbum mostraba la desmesurada musicalidad del grupo, que en aquella época contaba con un puñado de algunos de los mejores instrumentistas, cantantes e improvisadores de La Habana, entre ellos el fundador y batería Santiago Reyes, el director musical y bajista Andrés Esteves, el pianista Eddy de Atmas, el bongosero Alberto Hernández, el trompetista Ovidio Guerra, el trombonista José A. Hernández, el percusionista Héctor Mon, el saxofonista y flautista Mariano Tena y el cantante Manuel Morejón. El sonido de la banda, al igual que el de su contemporáneo Irakere, se basaba en una amplia gama de influencias, tocando ritmos de baile afrocubanos, funk y pop latino lírico, junto con jazz y una fuerte dosis de rock psicodélico. Producido por Raúl Gómez, que dirigió sus propios álbumes híbridos de música disco cubana y jazz orquestal, Los Reyes 73 reúne todas las influencias y talentos de la banda en un conjunto de canciones contagiosas y bailables. 

La inicial «Grandes Amigos» recuerda el estilo guitarrero de Santana, mientras que cortes como «Ya Ves Te Quedaras» y «Si, Llego La Primavera» suenan como una versión cubana del soleado soul de Chicago y Blood, Sweat & Tears. Por lo demás, tenemos el afro-funk espaciado «Adeoey», el órgano a lo Doors «Finalizo un Amor» y el final «Baila Que Baila Mi Son», con sus ardientes líneas de viento. Parte del encanto de Los Reyes 73 reside en lo melódico y cancionero que es el álbum, que equilibra a la perfección los ganchos pop aptos para la radio con momentos de euforia instrumental prolongada de club de baile._Matt Collar (allmusic)
                                                                         

                                                                                   

Los Reyes '73 - Baila Mi Son (1975, 1981)

Temas:

01. Grandes Amigos (Miguel a. Rasalps)

02. Ya Ves Te Quedaras (Miguel a. Rasalps)

03. Necesito De Alguien Como Tu (Miguel a. Rasalps)

04. Si, LLego La Primavera (Miguel a. Rasalps / Mario Vazquez)

05. Adeoy (Miguel a. Rasalps)

06. Piensa Que No Has Cambiado (Mario Valdes)

07. Finalizo Un Amor (Miguel a. Rasalps)

08. Un Lamento Hecho Cancion (Gilberto Garcia)

09. Si LLegara Alli (Gilberto Garcia / Mario Vazquez)

10. Baila Que Baila Mi Son (Ovidio Guerra / Tomas Martinez)

Musicos:

Santiago Reyes (Batería, director)

Andrés Esteves (Bajo, director musical )

Eddy de Atmas (Piano eléctrico)

José A. Hernández (Trombón)

Ovidio Guerra (Trompeta)

Jorge Hernández (Trompeta)

Mariano Tena (Saxo, flauta)

Héctor Mon (Congas)

Alberto Hernández (Bongos)

Manuel Morejón (Voz)

Joe Bataan - Latin Funk Brother

Para citar a la Spanish Harlem Orchestra, es "un gran día en el barrio" ahora que el señor de Nueva York, Joe Bataan, está de vuelta con un nuevo álbum titulado Call My Name en Vampisoul Records. El primer motor de alma latina, co-fundador de Salsoul Records, y un pionero del rap en Español, Bataan lanzado el pasado un disco en los años 80. Pero ha estado llevando a cabo mucho más en la última década, y su influencia se ha extendido en consecuencia. "Durante mucho tiempo yo era conocido en Nueva York por el alma de América; en California fue una cosa oldies con los chicanos;. En Japón era 'La botella' [su versión de la canción de Gil Scott Heron] Ahora todo está empezando a unido con este álbum ".
Grabado en los estudios Dap-Tone de funky en Brooklyn, Call My Name tiene un vintage de los años 70 se sienten, pero luce un sonido increíblemente fresco anclado por inimitablemente conmovedores, voces clave fuera de  Bataan. Call My Name es esencialmente la visión de Daniel Collas (Trans Amor Airways) que entiende el entorno musical que Bataan viene, y ha sacado de muchas fases de la variada carrera de Bataan sin copiar cualquier sonido. La reunión se produjo por accidente.

"Estaba tocando en SOB de en Nueva York, y me pregunté a cantar en su álbum. Normalmente hago la música para mi propia banda, pero pensé, '¿Por qué no darle una oportunidad? Yo sabía que Vampisoul fue reeditando una gran cantidad de mi producto de la [legendario sello salsa neoyorquina] catálogo de Fania, y lo siguiente que supe que teníamos un acuerdo ".
Después de 40 años en la música, Bataan está agradecida por los esfuerzos de Collas. "Tienes que entender lo que significa para un tipo como yo, era tan gratificante que alguien apreciar algo que has hecho. En mis últimos años, me hace sentir bien que por fin se escucha todo el espectro de mi música." _David Dacks (exclaim)

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Joe Bataan - Latin Funk Brother (2002)

Temas:
01.Gipsy Woman
02.So Fine
03.Chickie's Trombone
04.Too Much Lovin'
05.Subway Joe
06.Nuevo Jala Jala
07.Special Girl
08.Magic Rose
09.Chili Beans
10. Written-By – Joe Bataan
11.Make Me Smile
12.More Today Than Yersterday
13.It's A Good Feeling (Riot)
14.My Cloud
15.Ordinary Guy
16.Cry
17.I'm Satisfied
18.Johnny's No Good
19.Shaft

Pistas 1 a 4 tomado de "Gipsy Woman" (1967), las pistas 5-8 tomado de "Subway Joe" (1968), las pistas 9 a 12 tomado de "“Mr. New York And The East Side Kids"(1971), las pistas 13 a 15 tomado de" Riot "(1972), las pistas 16 a 19 tomado de" Sweet Soul "(1972).
Pistas 2, 6, 8, 10, 12, 14 no en la versión LP de esta compilación 

Gilles Peterson In Africa

Cuando Fela Kuti murió en 1997, probablemente no podría haber imaginado el interés de su muerte desencadenaría en la música popular africana. El mundo en general lo veía por el rabillo de su ojo en la mayor parte de su vida, la plena realización de lo que había perdido, cuando cientos de miles de personas se presentó en su funeral. Desde ese año, las etiquetas intrépidos reedición, DJs, y archiveros (no mencionar MCA / Universal) han saltado de cabeza en el mundo caleidoscópico de la música africana moderna, apareciendo cientos de grabaciones perdidas y poco conocidos. La excavación y la visualización de la vendimia Afropop ha sido un regalo para cualquier persona que le gusta un buen ritmo, sin embargo, y supongo que esto hace que la incursión de Gilles Peterson en África inevitable.

Peterson es un venerable DJ y propietario del sello, el campeón de una definición amplia de la música de baile, y algo así como un creador de tendencias, que, de acuerdo con los revestimientos de esta mezcla de dos discos, primero se metió en Fela y Manu Dibango en los años 80. Revestimientos de Gerry Lyseight también tratan de dar a entender sutilmente que el propio Peterson ha desenterrado las pistas Peter King y Letta Mbulu incluyen aquí, aunque yo apostaría Russ Dewbury tendría algo que decir al respecto. Lo más curioso de Gilles Peterson en África es qué tan lejos de la vanguardia que feels-- hay poco aquí, entre las pistas de época que no he oído antes, presentó más congruentemente en alguna otra versión, y algunos de los remixes que incluye en el segundo disco no son terriblemente interesante o incluso grosella pair.

Eso no quiere decir que Peterson no ha reunido un montón de pistas del asesino. Después de un breve "Intro" (que en realidad es mellado de la Unidad de "African Rhythms" de Juju), Peterson cae Oscar Sulley y asombrosa big band corte de funk del Uhuru Dance Band "Bukom Mashie", un tema de larga inédito que ha hecho merecidamente el rondas de compilaciones Afrobeat desde de Soundway Miles Cleret espolvoreadas si fuera poco hace unos años para Ghana Soundz. Es una destacada trayectoria con una línea de bajo de buceo de bombardeo y los cuernos de tamaño king, pero la presencia de la breve introducción extrañas nubes ligeramente su impacto.

La mayoría de Disco Uno, subtitulado "El alma", es sólida, con picos relativamente oscuros de Fela y Dibango-- "Ye Ye De Olor" es un stomper temprana Fela típico de la primera ola impresionante de África 70 grabaciones, de Dibango "New Bell "es dulce el funk makossa. Peterson tira de Peter King excelente "Ajo" de fuera de impresión AfricaFunk compilación Inofensivo "y cae en algunas de las grandes pistas de Sudáfrica extraídos de discos Club de África de manera similar no disponibles de Strut, Miriam Makeba de e impresionante pista Afro-alma de Letta Mbulu" Samba " "Mahlalela", un impresionante despliegue de virtuosismo vocal. Jazz sudafricano obtiene su día, así como con "¿Qué fue ese sonido" por Abdullah Ibrahim (también conocido como Marca de dólar), un paseo oscuro en acordes del piano de repuesto y platillo ride ostentoso.

Un par de pendientes pistas Ethio-jazz ocupan el centro de la disc-- e inventor del estilo y maestría Mulatu Astatke está representado en ambos. "Mulatu" se toma de su LP grabado por Estados Unidos 1972 Mulatu de Etiopía y se asemeja a una versión reducida de su canción más conocida, "Netsanet", mientras que "Asmarina" está curiosamente atribuye a Feqadu Amde-Mesqel, aunque su hogar original fue un LP llamado Yekatit \ xD0Ethio-Jazz, acreditado a Mulatu Astatke con Fekadu Amde Maskal. Amde-Mesqel es el autor de la canción y su impresionante juego flauta domina la pista, pero todavía cuestiona el crédito.

La partida hacia Disco dos ("El Espíritu"), las cosas son un poco menos incluso. OK, mucho menos. Me encanta lo Masters en el trabajo y Wunmi hacerlo en "ESTÓMAGO Caro (Homenaje a Fela)", mezclando las partes "Expensive Shit" groove y cuerno con la lectura apasionada de Wunmi de "Upside Down", brillante protesta de Fela de la imposición de patrinomic Europea sistemas sobre las poblaciones africanas locales. La ranura no es tan contundente en manos de los Maestros, pero el borde más suelta, más ligero juega mejor vocalista femenina que arremetida militarista del África 70. De lo contrario, "Lufuala Ndonga" Wrecking Crew congoleño Konono Nº 1 sigue siendo pesado como el infierno y muy emocionante, David Byrne y Thievery Corporation llegar muy bien funky en "El corazón es un cazador solitario" y el "High Life mix" de Dennis Ferrer de "Funu "funciona muy bien lo suficiente, pero eso es por lo que me sale en la segunda mitad de la serie. Honestamente, el remix de Carl Craig de "Angola" de Cesaria Evora no puede sostener la vela del cumpleaños de los niños a la original, y "Afrika" de Osborne tiene una bonita voz, pero un club ritmo totalmente de madera que no me dan ganas de bailar tan tanto como el simple línea de bajo de "Bukom Mashie".

En general, este un montón de buenas pistas colocado juntos en una manera que no valida la reputación de Peterson para la secuenciación impecable, y un par de pistas supuestamente en el espíritu Afrobeat que no miden exactamente a la cosa real. No hay valor aquí, sin duda, y si se siente como una pequeña excursión turística en la vendimia Afropop, el primer disco es una buena colección de buenas canciones antiguas, montado en un decididamente turístico manera \ xD0the hecho de que algunas de estas pistas (lea: "Mahlalela" y "Mulatu") son bastante difíciles de encontrar en otros lugares también ayuda. Si usted está realmente en busca de un sólido, introducción enfocada a la música popular de África, sin embargo, hay un montón de mejores opciones, incluyendo reediciones Fela del MCA, nada sobre Soundway o Strut (Strut cosas está fuera de impresión, pero está disponible si usted mira alrededor dura suficiente) y la serie Ethiopiques de Buda Musique._Joe Tangari (pitchfork)

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 Gilles Peterson In Africa (Varios Artistas) (2005)

Temas:
CD.1:
01.Intro (Gilles Peterson)
02.Bukom Mashie (Oscar Sulley)
03.Ajo (Peter King)
04.New Bell (Manu Dibango)
05.Ye Ye De Smell (Fela Ransome Kuti & Africa 70)
06.Indidment (Antibalas)
07.Asmarina (Feqadu Amdé-Mesqel )
08.Mulatu (Mulatu Astatke)
09.Samba (Miriam Makeba)
10.Mahlalela (Letta Mbulu)
11.Did You Hear That Sound (Toshia Matsuura Remix) (Abdullah Ibrahim)
           
CD.2:
01.MAW Expensive (A Tribute to Fela) (Masters At Work)
02.Afrika (Osborne)
03.Lufuala Ndonga (Konono No. 1)
04.Aso Kere (Ig Culture Mix) (Lekan Babalola)
05.Angola (Carl Craig Remix) (Cesaria Evora)
06.The Heart's a Lonely Hunter (Thievery Corporation)
07.Funu (Hi-Life Mix) (Dennis Ferrer)
08.Lump 4 Luv (Shelter Main Mix) (Blaze)

Rey Texidor And His Boogaloo Orchestra - "Let's Do It" Do What?

Sera aquí en Nueva York donde daría forma a esas ansias artísticas Rey Teixidor, se significó por su criollismo sabor en bordar los aires populares, esos que caracterizan a la gente humilde, al jibaro y al obrero, a la mujer y al niño pobre. Siempre fue acariciando la idea obsesionante, casi fanática, de tener su orquesta propia; la que interpretara sus ideas sobre la música y armonía. En fin, tener su orquesta, para cantar los ritmos populares, fielmente sin mixtificaciones de su tierra hermosa; de esa bella Quisqueya, cuna del ritmo que todos gustan bailar el merengue. De allí nos viene Rey Teixidor nacido en Las Vegas Santo Domingo y criado en Ponce, Puerto Rico. Su orquesta está compuesta de jóvenes puertorriqueños y dominicanos.
Si dejáramos que la música de Rey Teixidor, el modo particularismo de concebirla  y de interpretarla, con el apoyo musical a la vez, notable y original de su orquesta, es un estilo adelantado del futuro, es decir el estilo de la música del mañana, esa es la característica sobresaliente de Rey Teixidor y su Orquesta; que ustedes, fanáticos de la buena música para bailar y oír, pondrán apreciar en este L.P. de la compañía Rey Teixidor Record INC._ J. Del Rio
                                                                      

                                                                                  

Rey Texidor And His Boogaloo Orchestra-Let's Do It/Do What (1965)

Temas:

01. Let's Do It

02. Busca El Guardia

03. Ojos Negros

04. Atrevete

05. Dig It

06. Los 2 Son Mios

07. Recordando A Esa Mujer

08. Palabras No Mas

09. Camina Bagulle

10. Celos Del Pasado

11. Carmen

12. Mis Dos Seres

Musicos:

Sigfrido Chivas (Saxo alto)

Nelson Rodríguez (Saxo tenor)

Jose M. Cruz (Bajo)

Aldoin Ocasio (Congas)

Jimmy Bee (Piano)

Mariano Reyes (Trompeta)

Roberta Rivera (Trompeta)

Sammy Galarza (Voz)

"El Gran Cachito" (Voz)

Información cedida por Osvaldo M.