Este es un disco divertido que muestra un alto nivel musical y un fuerte sentido del humor. Impulsado por el fogoso trabajo de guitarra de Richie Zellon y fuertes dosis de percusión, Metal Caribe ofrece ingeniosas composiciones originales e interpretaciones eléctricas de latin-jazz de temas pop, rock y clásicos. Richie Zellon es un guitarrista nacido en Perú que actualmente reside en EE.UU. El libreto del CD proclama que Zellon es «el Frank Zappa del jazz latino», y aunque esta descripción es válida en ocasiones, sólo cuenta una parte de la historia. La música de Zellon puede ser salvaje y alocada, pero también muy lírica. (Eche un vistazo a la preciosa «Tel Aviv Blue»). Todos los temas de Metal Caribe son agradables, pero mis favoritos incluyen la versión cha-cha de «Sunshine of Your Love» de Cream, un complejo tema afrocubano llamado «Blue Whale Street», una versión cubano-jazz de «Smoke on the Water» de Deep Purple, y una improbable pero maravillosa pieza merengue-meets-klezmer llamada «Rabbi Merrenguewiz». El CD también ofrece versiones extravagantes de «The Twilight Zone» y «Peter and the Wolf» de Prokofiev, así como varios números originales que muestran una impresionante variedad de estilos de jazz latino, desde la samba hasta el festejo y el mambo.
El elenco incluye a Dave Samuels al vibráfono, Alex Acuña a la batería, Dave Liebman y Jerry Bergonzi a los saxos, Edward Simon al piano, Orlando Sánchez a la percusión y Oscar Stagnaro al bajo. Las vibraciones oscilan entre el sutil jazz latino y la fusión de guitarras a todo volumen.
Metal Caribe es ese raro CD que consigue mezclar estilos pop y jazz complicado de forma divertida e interesante. Debería gustar a todos los aficionados al jazz latino eléctrico y a la fusión sin prisas._Ed Kopp (allaboutjazz)
Luis Diego Bonilla (12 de octubre de 1965) es un trombonista de jazz estadounidense de ascendencia costarricense. También es productor, compositor y educador. Si a un artista se le puede llamar pulpo, ése es Luis Bonilla. Este trombonista, compositor y arreglista costarricense criado en California ha buscado, adoptado y dominado una increíble variedad de estilos musicales. Su éxito como músico de acompañamiento de grandes como McCoy Tyner, Dizzy Gillespie, Lester Bowie, Tom Harrell, Freddie Hubbard, Astrud Gilberto, Willie Colon y Toshiko Akiyoshi da fe no sólo de la habilidad y variedad del talento de Bonilla, sino también de una mente inquieta y comprometida con la exploración de algunas de las músicas más complejas y exigentes de nuestro tiempo. Sin embargo, la experiencia de Bonilla no tiene nada de enrarecida. Ha trabajado como músico de estudio con Tony Bennett, Marc Anthony, La India y Mary J. Blige, y entiende y explota tanto la vivacidad del pop como el vaivén rítmico y la pegada del jazz latino. Actualmente es miembro de la Vanguard Jazz Orchestra, la Afro-Latin Jazz Orchestra bajo la dirección de Arturo O'Farrill (ambas ganadoras del Grammy 2009) y el último grupo de Dave Douglas (Dave Douglas & Brass Ecstasy), Bonilla es uno de esos raros artistas cuyo trabajo está siempre en expansión, abarcando más y más sin dejar de ser singular y centrado: "Bonilla puede ser un trombonista acostumbrado a manejar esa cosa grande y larga que se desliza, pero cuando se trata de la ejecución de sus ideas, no deja escapar nada" (All About Jazz). ¡La crítica alabó sus dos primeros álbumes en el sello Candid, Pasos Gigantes (1998) e iEscucha! (2000), reconociendo la capacidad de Bonilla para dar voz a sensibilidades musicales radicalmente distintas con una facilidad y una fluidez que contradicen el rigor y la sofisticación de la música. Pasos Gigantes entró en la lista de los diez mejores discos latinos de Jazziz en 1998. Ya en estos dos primeros álbumes, los críticos destacaron el liderazgo de Bonilla y su sofisticado uso de los colores tonales.
Como profesor de la Universidad de Temple y de la Manhattan School of Music, Bonilla tiene un sentido intuitivo para sacar lo mejor de quiene s trabajan con él. Escuche cualquiera de sus discos y percibirá un extraordinario nivel de confianza e inspiración en la forma de tocar de cada miembro de la banda. Como señaló el crítico de All About Jazz, "Bonilla da a sus colegas amplio espacio para respirar, añadiendo impulso al flujo de sus ideas compositivas". Su siguiente álbum, Terminal Clarity, de 2007, fue una celebración, reflexión y extensión estética de sus años de trabajo con Lester Bowie. Aunque conserva las descaradas estructuras armónicas de la obra de su mentor, desde Brass Fantasy hasta su anterior y justamente famoso trabajo con el Art Ensemble de Chicago, Bonilla añade una "exuberancia contagiosa" (revista Jazzwise) que está en el corazón de su visión artística.
Sin desmerecer en absoluto la audacia de Bowie, Bonilla consigue equilibrar "lo cerebral y lo sucio" (Jazz Times), dando "pasos audaces para fusionar géneros latinos, free jazz y una variedad de otras influencias" (Latin Jazz Corner). ¡En su último álbum, I Talking Now! (2009), insiste aún más en estas disyunciones, exigiendo educadamente que sintamos las conexiones entre estilos musicales salvajemente dispares. Una embriagadora mezcla de swing, rock, free jazz, funk, bandas sonoras de películas, ruido vanguardista y baladas, I Talking Now, a pesar de toda su diversidad musical, habla con una sola voz. Es una visión claramente americana, una suave locura que sugiere que todos y cada uno de los sonidos pueden coexistir si seguimos aceptando más y más. Luis Bonilla se mueve en direcciones que amplían nuestras nociones del jazz y nos conducen a nuevos y sorprendentes reinos con "notable creatividad y versatilidad" (Newsday)._ (allaboutjazz)
Este disco te atrapa justo donde menos te lo esperabas. Una joven encantadora, con un vestido de muselina por encima, que puede ajustar su arco al tiempo que canta himnos de África Occidental. Al principio, uno piensa que lo que caracteriza a Ochumare es su virtuosismo. Y luego, en dos segundos abrasadores, esta diva habanera afincada en Suiza muestra sus dientes afilados. De un salto atraviesa recuerdos de Chapín, de Chucho Valdés, del jazz neoyorquino, de la imperiosa audacia de las ceremonias de santería. Nada es bonito en esta música; todo es urgente.
Yilian Cañizares nació no hace mucho, en La Habana. Muy pronto, sobre pieles de tambor, aprendió los ritmos complejos, los espacios oníricos, un África reescrita en la gloriosa insularidad de un país que también importó maestros de Rusia. Yilian es fruto de varias historias. Sabe tocar sonatas de Bach con un violín de precisión matemática. Puede producir un swing de Nueva Orleans. También puede - todo un logro - despertar a las divinidades yoruba. Y en particular a la diosa Oshun, el alma del agua dulce, que mejor corresponde a su naturaleza fluida.
Yilian, niña prodigio, estudió en casa, en una capital que es una encrucijada. Luego partió hacia Caracas: la orquesta, las sinfonías, aprendiendo meticulosamente un instrumento al que le gusta rebelarse. Se labró su propio destino, lejos de su pueblo, y acabó en Suiza para perfeccionar sus arpegios. Curiosamente, fue aquí, en plena Europa protestante, donde fundó un cuarteto que lleva el nombre de una divinidad yoruba: Ochumare. Desde entonces, hacen todo lo posible por reaccionar ante la potencia híbrida del jazz latino, mezclando todo lo que, directa o indirectamente, ha pasado por sus manos.
Un percusionista de Lausana, Cyril Regamey, del que todo el mundo cree que debe ocultar sus orígenes caribeños. Un pianista cubano, Abel Marcel, admirado por Chucho Valdés, que reúne en una cadencia herencias extraídas del impresionismo francés y de los brujos negros. Un bajista venezolano, David Brito, que ha puesto nombre de mujer a su instrumento; ancla el grupo con su sed de síncopas. Y en medio de estos tres tipos, imperturbable, Yilian Cañizares no se contenta con dispensar dulzura y luz. Ella enciende fuegos fatuos, mambos incandescentes, con el dominio absoluto de un repertorio que toma de todos sin devolver nada a nadie.
Canta 'Oshun Edé', un homenaje a su diosa personal, como si hubiera visto el río de ese nombre, sombrío y lleno de oráculos, que atraviesa Nigeria. Nada demostrativo, sólo la conciencia de que esta poesía se ha transmitido durante siglos, a pesar de los océanos que se interpusieron. En "Pirulisme" conjura ángeles acrobáticos, fuelles de lirismo aplastado, que vuelan a toda velocidad. Hilvana perfectos cha-cha-chás de manual, pulsaciones estridentes que parecen salidas de los viejos cabarets de la época en que La Habana aún no había sido conquistada por los turistas que viven de lo exótico (magnífico solo en "Papito"). Incluso cuando murmura estribillos sagrados ('Aso Kara Luwé') en un idioma que antaño se transmitía clandestinamente, Yilian lo relaciona con su propia realidad cosmopolita. La de una mujer que ha visto mundo.
Este álbum es de una riqueza inagotable. Se entra en él como se entra en el eufórico laberinto de las culturas caribeñas. Todo vale, siempre que no tomes nada como base", decía el compositor estadounidense John Cage. Cualquier cosa vale, siempre que lo uses todo, le responde Yilian. El jazz moderno de los años sesenta precursores. Las contredanses francesas del siglo XIX. Los ritmos del son cubano. Las plegarias indestructibles de los hijos de los esclavos. Ochumare es un dios del arco iris, una serpiente mítica que actúa como cordón umbilical del mundo que gira. En medio de la profusión de los senderos que nutren este disco, Yilian Cañizares revela una búsqueda íntima. Cómo encontrar el propio camino a través de la enmarañada red de los orígenes._Arnaud Robert
Pianista, compositor y arreglista, Simón Bolzinger es un apasionado de las músicas tradicionales, muchas de las cuales ha transcripto al piano así también como las ha reescrito para orquesta, con estricto respeto por la tradición, y buscando siempre la autenticidad de las mismas. De formación clásica y jazz se interesa principalmente por las culturas de América del Sur y del Caribe. Director artístico de la Asociación PICANTE en Marsella, organiza cada año, el Encuentro ”Tambor y Tango” sobre las músicas tradicionales, al igual que varios intercambios internacionales que luego conllevarán a la producción de espectáculos y grabaciones. De formación clásica, es por el canto coral que descubre América del Sur, integrándose a los coros universitarios de Caracas, bajo la dirección de Alberto Grau y de María Guinand. Habiendo pasado dos años en Venezuela (1989-1990) se inicia en la salsa y otros polyritmos afro-venezolanos. Obtiene la “Medalla de Oro de la clase de Jazz del Conservatorio de Marsella, bajo la dirección de Guy Longnon (1992).
Al final de sus estudios de Ingeniero en Física y de un doctorado en Acústica (1995), bajo la dirección del compositor Jean-Claude Risset, Bolzinger opta por la carrera de músico profesional y funda el grupo de salsa ZUMBAO que cosechó quince años de giras y de reconocimiento internacional, coronado en la apertura de la Feria de Cali-Colombia, (2006). Fino conocedor de las músicas tradicionales venezolanas, estudia tambien la tradición cubana y conoce a la cantante Martha Galarraga, con quien fundan juntos “Galarumba”(2003). Mas adelante, crea y organiza los reencuentros anuales “Tambor y Canto” en la Cité de la Musique de Marsella (2005) continuando con la presentación de todas las músicas de América del Sur. Le encontraremos también como compositor de voces conjuntas en”Voix de Strass”de Strasbourg, o como arreglador y acompañador para canciones mestizas en espectáculos tales como: “Nougarotrement” con Jean-Phillippe Trotobas,, “Waya’j”con Elsy Fleriag, “Barbara Jazz” con Katy Bolide, “Hispano América”con El Tchoune y Sylvie Paz, “Cabaret Eldorado”con Gil Aniorte, ”Aqua” con Regina Celia, así como también con las cantantes Michele Fernandez y Corinne Vangysel.
He aquí nueve de mis ritmos favoritos, tan apreciados como las canciones, que me gusta tocar al piano o en mi cabeza. Porque llevan en sí la identidad de una región, de un país, de un pueblo o de una música. Los descubrí en los "Encuentros Tambor y Canto" de la Ciudad de la Música de Marsella. Luego empecé a domarlos, colándome con mi teclado entre percusionistas y cantantes. Luego me los llevé a casa, y se los enseñé a mis amigos del jazz... Mis "ritmos queridos" seguramente habrán cambiado desde el principio del viaje, pero qué más da, mientras escuchar a este trío te lleve en un viaje musical a Sudamérica, la tierra de los llaneros, boleristas o candomberos, donde la música es danza, danzón, côco o huayno._Simon Bolzinger(assospicante)
Simon Bolzinger - Ritmos Queridos (2020) Temas: 01. Quitapesares 02. Mambo de Machaguay 03. Montuno en Olinda 04. La Pomeña 05. Como Llora un Estrella 06. Beau Soir & Dindi 07. Danzón para Oxúm 08. Baile de los Morenos 09. El Ciego Musicos: Simon Bolzinger (piano) Willy Quiko (Contrabajo, bajo) Luca Scalambrino (Batería) Invitado:
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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