Ernán López-Nussa sobresaliente pianista y compositor, nacido el 10 de septiembre de 1958. Este músico tuvo una rigurosa formación académica, estudió en el Conservatorio Amadeo Roldán y en el Instituto Superior de Arte. Ernán López-Nussa tiene la excepcional capacidad de fusionar elementos distintos del complejo espectro sonoro de la música universal a través de un lenguaje contemporáneo. Su musicalidad se extiende desde los clásicos de la academia, lo popular nacional y el latin jazz. Desde 1977 es pianista de Afrocuba, agrupación cubana que acompañó durante varios años a Silvio Rodríguez. Desde ése entonces ha sido parte de múltiples proyectos al lado de Bobby Carcasses y otros. Además ha hecho parte de trabajos con Síntesis, Elena Burke, Alina Sánchez, Maraca, Cuarto Espacio, Tata Güines, Angá, Merceditas Valdés, entre otros. Ernán participó en dos álbumes de Amaury Pérez y el tributo a Emiliano Salvador, “A Puerto Padre”, el cual fue laureado con el premio Cubadisco 2001. También hizo parte de los homenajes a Bach y Cervantes con la Camarata Romeu. Ernán López-Nussa estuvo galardonado en concursos nacionales e internacionales como pianista y compositor, además de ser participante en numerosos festivales y giras en países de Europa, Asia y América. Ha ofrecido conciertos en el Ronnie Scott´s de Londres, New Morning de París, Teatro Municipal de Río de Janeiro, Teresa Carreño de Caracas, Luna Park de Buenos Aires, el New Morning de Ginebra, el Jazz a la Martinique de Fort de France, el Fujiyama Jazz Festival de Japón, Festival de Jazz Dinamarca y Festival Jazz plaza de la Habana, entre otros. Desde mediados de los años 90s hasta el 2000, Ernán López-Nussa se desempeñó como embajador de la UNICEF en Cuba. Sus discos son “Figuraciones”, “Delirium” (2000), “From Havana To Río” (con músicos cubanos y brasileros), “Habana Report” (2001) y “Mano de Obra” (2004) Legendaria agrupación cubana que fue ideada por el famoso pianista cubano Ernán López-Nussa. En Habana Report se fusionan elementos populares, clásicos y jazzísticos con un componente esencial: el sabor. Este proyecto cuyo marco conceptual se centra en exaltar los vínculos originales entre la música tradicional cubana con la de New Orleans, ha contado con excelentes músicos y leyendas de la música cubana como el fallecido Tata Güines, Pancho Terry y el gran Changuito.
Ernán López-Nussa - Habana Report (2003) Temas: 01.Amén 02.Esto No Tiene Nombre 03.Bye Bye Blackbird 04.Mack The Knife 05.Tin Tin Deo 06.Wendy´s Blues 07.Blues De Marieta 08.Tierra Mía (Jazz De La Tierra) 09.Archipiélago Musicos: Ernán López-Nussa (Piano, Director, Areglista, coros) Tata Guines (Tumbas) Changuito (Timbales, batería) Pancho Terry (percusion afrocubana. Voz en Tierra mía) Alexander Brown (Trompeta) Jorge Alexander "Sagua" (contrabajo) Musicos invitados: Julio Padrón (Trompeta en tierra mía) Joaquin Oliveros(Flauta en Amen) Orlando Sanchez (clarinete en Mack the knife) Haydee Milanes, Eduardo Ramos (coros) Grabado y mezclado en Estudio Abdala, La habana 2001
Mario Bauza, trompetista, arreglista y compositor cubano nacido en La Habana el 28 de abril de 1911. Viajo en 1926 a Nueva York con la orquesta de Antonio María Romeu, luego regreso en 1930 para quedarse definitivamente a Estados Unidos. Toco la trompetista en el cuarteto de Antonio Machín. Trabajó con Cass Carr, Noble Sissle, Sam Wooding, Chick Webb, Don Redman, Fletcher Henderson y Cab Calloway. En diciembre de 1940, debutó como director artístico y arreglista de los Afro-Cubans, la Orquesta del gran Machito en el Park Plaza, En los años cuarenta, Mario desarrolló el sonido y el estilo del Latin Jazz, o Jazz Afrocubano, la labor de Mario Bauza en la orquesta de Machito fue fundamental en el surgimiento de dicho estilo musical; permaneció por 25 años al lado de Machito y Big Band. Mario Bauzá murió el 11 de junio de 1993. Mas información relacionada
Temas: 01. El Manisero 02. Mambo Ricon 03. Guateque De Chombo(feat.Graciela) 04. Night In Tunisia 05. Mambo 06. Chucho 07. Azulito 08. Son Cubano 09. Biri Bi Kum Bi 10. Cubauza 11. Canto Lucumi 12. La Vida Es Un Sueño 13. Ve De La Ya Ya 14. Paz Profundo 15. Heatwave 16. Somos Novios (Impossible) 17. Jack The Knife 18. Chano
Conjunto Los Naranjos. Septeto que tiene en su repertorio trabaja la línea del son y también la canción tradicional, el bolero y otros géneros de la música popular cubana. Fue fundado en Cienfuegos, Cuba el 3 de abril de 1926. Integrado por Casimiro Soriano Zayas, director y claves; Carlos Sarduy, tres; Pedro Soriano, guitarra; Herminio Estrada, bongó; Elisecto González, marímbula, y Rosendo Ramírez, cantante. En 1927 Estanislao Giménez sustituye a Sarduy en el tres, entró Fermín Avilés, tres, acompañante (en función de guitarra), y Pedro Soriano pasó a tocar las maracas. En 1930 ingresó en el conjunto Alejandro Losa, trompeta, y Elisecto González sustituyó la marímbula por el contrabajo. En 1942 el Conjunto Los Naranjos estaba integrado por Herminio Beltrán, Benjamín Cuellar, Pedro Soriano, Gumersindo Soriano, Ricardo Ordóñez, Oscar Estrada y Elisecto González. En 1956, con el apogeo de las jazzbands.
Los Naranjos se convirtieron en un conjunto orquestal, y sus miembros eran: Gumersindo Soriano, director y cantante Tomás Sierra, piano Eloy Frías, trompetas Alejandro Losa, trompetas Martín Flores, trompetas Ernesto Suárez, contrabajo Carlos Lay, tumbadora Tiburcio Cabrera, bongó Daniel Fonseca, guitarra Francisco Sarría Juan de la Cruz, cantantes
Después de 1959 volvió a adoptar la estructura de septeto, y en 1965 estaba integrado por: Mario Santa Cruz, Raimundo Rodríguez, Tomás Castellanos, Urbano Aday, Clemente Sarría, Gumersindo Soriano, Eloy Frías Por Los Naranjos pasaron en diversas etapas, Miguel Enríquez Reyes, Humberto Gaínza, Pablo Jústiz, Humberto Rodríguez, Osvaldo Abreu y Lutgarda Ordaz, cantantes; José Sánchez, maracas; Ramón Pérez, contrabajo y José Hernández, director y trompeta. Además de participar en los festivales de son y otras celebraciones musicales, el conjunto Los Naranjos ha tenido una amplia proyección en el extranjero, sobre todo en México —particularmente el programa Sabor, sabor, que trasmite Radio Educación, radioemisora cultural— y en el Caribe. ~ (ecured)
Mac Gollehonno es el primer nombre que me viene a la mente cuando se considera la trompeta o el trombón; ni siquiera está entre los primeros cinco que me vienen a la mente, pero debería estarlo. El Sr. Gollehon es uno de los intérpretes más talentosos de ambos instrumentos. También se encuentra entre los músicos más conmovedores de cualquier instrumento.
Su disco, La Fama, lo demuestra más allá de toda duda. Por qué el Sr. Gollehon y su música son tan poco conocidos a pesar de que fue elogiado por Miles Davis desafía la lógica. Por qué un músico que tocó con un amplio espectro de grandes músicos desde Ray Barretto y Héctor Lavoe hasta Doc Cheatham y Lester Bowie es aún más incrédulo. Quizás todo esto pueda cambiar ahora que el Sr. Gollehon ha lanzado este disco; una colección de gráficos de los años 70 y 80. Este disco casi completamente en el dialecto del jazz latino es un complemento apropiado para su grabación de 2010, Mac Straight Ahead, otro disco magistral. En ambos discos, el Sr. Gollehon muestra que es un virtuoso trompetista del más alto nivel. Técnicamente supremo, el Sr. Gollehon es también un intérprete tremendamente dotado de casi cualquier tipo de música, que lee y toca lo que hace con el corazón y el alma de alguien hecho casi completamente de música y la mente de un poeta metafísico. Cuando Mac Gollehon pone sus labios en la boquilla de su trompeta o su trombón, el paisaje interior de alguien nacido del espíritu cobra vida. Ese bronce es una extensión de su cuerpo hace que el Sr. Gollehon sea alguien como Charlie Parker, John Coltrane, Sonny Rollins; así como músicos como Charles Mingus para todos los cuales los instrumentos que tocaban parecían un miembro extra. Hay algo más que es especial en el Sr. Gollehon: su voz musical está llena de expresiones humanas: gruñidos, manchas, balbuceos, lamentos y, lo mejor de todo, graciosos suspiros y secretos susurros. Mientras toca cualquiera de los cuernos, mezcla los sonidos humanos, parecidos al habla, arrastrando las palabras como un borracho; llorando como un niño herido, gorgoteando a un herido agonizante o incluso chillando con la pura alegría de volver a vivir. Sus líneas están llenas de sorpresas. Pueden interrumpir melodías voltear medidas lineales de adentro hacia afuera o esparcir las notas en medio de un coro al viento y recordar las notas a medida que caen hacia él, barajando cada una de ellas al revés. Su forma de tocar es a menudo sesgada, como la de Thelonious Monk y cuando este tipo de música se encuentra acurrucada con un ritmo latino, meciéndose con congas y timbales, hay algo místico y mágico en ella. Con su aliento ardiente y ardiente, el Sr. Gollehon aviva las llamas de cada una de las maravillosas pistas que motean este impresionante disco. como la de Thelonious Monk's y cuando este tipo de música se encuentra acurrucada con un ritmo latino, meciéndose con congas y timbales, hay algo místico y mágico en ella. Con su aliento ardiente y ardiente, el Sr. Gollehon aviva las llamas de cada una de las maravillosas pistas que motean este impresionante disco. como la de Thelonious Monk's y cuando este tipo de música se encuentra acurrucada con un ritmo latino, meciéndose con congas y timbales, hay algo místico y mágico en ella. Con su aliento ardiente y ardiente, el Sr. Gollehon aviva las llamas de cada una de las maravillosas pistas que motean este impresionante disco. Los gráficos, casi todos escritos por el Sr. Gollehon, se recopilan de varias épocas entre 1979 y 1987 o incluso más tarde. Muchos de estos han sido escritos para honrar algunas de las piedras de toque en su larga e ilustre carrera en el mundo de la música latina. “La Fama” fue escrita originalmente para una cita con Héctor Lavoe, pero la estrella no pudo llegar a la cita, por lo que se convirtió en un homenaje instrumental al Sr. Lavoe. “Donde Lo Hace Duelen” fue escrito y grabado después de pasar algún tiempo jugando con Miles Davis. Sea cual sea el ímpetu, la música tiene un carácter extraordinario. Ya sea que se toque en un formato de conjunto pequeño o de banda grande, la música suena espectacular. Mucho de esto tiene que ver con la interpretación del Sr. Gollehon, quien hace solos en trompeta y trombón; pero hay otra razón importante para la soberbia naturaleza de la música. Esto tiene que ver con la formación estelar que incluye a los pianistas Charlie Palmieri y Hilton Ruiz; percusionistas Frankie Malaby, SA Davis, Eddie Montalvo y otros. “Fotos De Los Ochentas” presenta al extraordinario bajista, Ray Martinez; Nite Trax, también presenta un brillante trabajo de trompeta angular de Lester Bowie y Mr. Gollehon; “Conjunto Moods” tiene una interacción fascinante entre Mr. Gollehon, Doc Cheatham y el trompetista Ray Maldonado. Ambas listas tienen destacadas actuaciones en batá de SA Davis. El disco también está agraciado por la sección rítmica de Gollehon del bajista Bernard Edwards y el baterista Tony Thompson. Por supuesto, es la sensacional interpretación de Mac Gollehon tanto en la trompeta como en el trombón lo que hace de este disco una isla desierta esencial. Eddie Montalvo y otros. “Fotos De Los Ochentas” presenta al extraordinario bajista, Ray Martinez; Nite Trax, también presenta un brillante trabajo de trompeta angular de Lester Bowie y Mr. Gollehon; “Conjunto Moods” tiene una interacción fascinante entre Mr. Gollehon, Doc Cheatham y el trompetista Ray Maldonado. Ambas listas tienen destacadas actuaciones en batá de SA Davis. El disco también está agraciado por la sección rítmica de Gollehon del bajista Bernard Edwards y el baterista Tony Thompson. Por supuesto, es la sensacional interpretación de Mac Gollehon tanto en la trompeta como en el trombón lo que hace de este disco una isla desierta esencial. Eddie Montalvo y otros. “Fotos De Los Ochentas” presenta al extraordinario bajista, Ray Martinez; Nite Trax, también presenta un brillante trabajo de trompeta angular de Lester Bowie y Mr. Gollehon; “Conjunto Moods” tiene una interacción fascinante entre Mr. Gollehon, Doc Cheatham y el trompetista Ray Maldonado. Ambas listas tienen destacadas actuaciones en batá de SA Davis. El disco también está agraciado por la sección rítmica de Gollehon del bajista Bernard Edwards y el baterista Tony Thompson. Por supuesto, es la sensacional interpretación de Mac Gollehon tanto en la trompeta como en el trombón lo que hace de este disco una isla desierta esencial. “Conjunto Moods” tiene una interacción fascinante entre Mr. Gollehon, Doc Cheatham y el trompetista Ray Maldonado. Ambas listas tienen destacadas actuaciones en batá de SA Davis. El disco también está agraciado por la sección rítmica de Gollehon del bajista Bernard Edwards y el baterista Tony Thompson. Por supuesto, es la sensacional interpretación de Mac Gollehon tanto en la trompeta como en el trombón lo que hace de este disco una isla desierta esencial. “Conjunto Moods” tiene una interacción fascinante entre Mr. Gollehon, Doc Cheatham y el trompetista Ray Maldonado. Ambas listas tienen destacadas actuaciones en batá de SA Davis. El disco también está agraciado por la sección rítmica de Gollehon del bajista Bernard Edwards y el baterista Tony Thompson. Por supuesto, es la sensacional interpretación de Mac Gollehon tanto en la trompeta como en el trombón lo que hace de este disco una isla desierta esencial. ~ Raul da Gama (latinjazznet) Mac Gollehon - La Fama (2012) Temas:
01. La Fama
02. New Mac City
03. Introspection
04. Voices
05. Casino
06. Fried Neck Bones
07. Donde Lo Hace Duelen
08. Fotos De Los Ochentas
09. Conjunto Moods
10. Nite Trax
11. A Night in Tunisia
Musicos:
Mac Gollehon (Trompeta, trombón)
Robert Arron (Flauta, flautín)
Mauricio Smith (Flauta)
Baron Raymonde (Saxo alto)
José Febles, Pedro "Puchi" Boulong, Doc Cheatham, Ray Maldonado, Lester Bowie (Trompeta)
Harry d'Aguiar, Michael Gray, José Rodríguez, Barry Rogers (Trombón)
Hilton Ruiz, Larry Harlow (Piano, órgano)
Alon Nechushten (Piano, órgano Wurlitzer)
Gliberto "El Pulpo" Colón (Piano)
Charlie Palmieri (Órgano)
AJ Mantas (Vibráfono)
Tony Thompson (Batería);
Frankie Malable, Sa Davis (Congas, bata)
Patato Valdez, Eddie Montalvo (Congas)
Pablo Rosario (Bongos)
Sammy Pagan (Bata)
Francisco "Kako" Bastar, Poncho Ramon, Nicky Marrero (Timbales)
En la década de los años 40 la música popular americana se vio sacudida por el fructífero y muy saludable matrimonio de la música cubana con el jazz americano; el encuentro entre estas dos ramificaciones de la ancestral raíz común africana produjo resultados de un potencial rítmico y de una belleza irrepetibles. Uno de 105 principales artífices de esta fusión fue Frank Grillo Machito, al frente de su legendaria banda, los Afrocubans: él es uno de los indiscutibles padres del Cubop, Jazz Afrocubano D, más genéricamente, Jazz Latino. Machito, cuyo auténtico nombre era Francisco Pérez Gutiérrez, nació el 16 de Febrero de 1912 (según otras fuentes, 1908,1909 Ó 1910) en Tampa, Florida, aunque se crio en La Habana. Su padre dirigía en la isla una fábrica de tabaco, en la que Machito cantaba improvisadamente con sus empleados, mientras que aprendía a tocar el bongó y la tumbadora en los ambientes populares de La Habana. Como cantante, sus más destacadas experiencias en Cuba se produjeron con María Teresa Vera e Ignacio Piñeiro, interpretando son, y también realizó algunas interesantes grabaciones con el Cuarteto Caney del pianista Frank Valdés. A finales de los años 30 Machito puso rumbo a Nueva York, donde su encuentro con Mario Bauzá iba a ser determinante para la historia de la música latina. Prudencio Mario Bauzá (La Habana, 28 de Abril de 1911), fascinado por el jazz desde su primer viaje a Nueva York en 1926, se había instalado definitivamente en la ciudad de [os rascacielos en 1930. Allí, a instancias de Antonio Machín, aprendió a tocar la trompeta en el tiempo récord de dos semanas, acompañando a Machín como trompetista en su grabación de "El manisero"; durante los años 30 Bauzá desarrolló una labor fundamental en diversas orquestas de swing: en 1931-32 fue saxofonista de la orquesta de Noble Sissle; entre 1933 y 1938, fue uno de los puntales de la memorable banda del batería Chick Webb, siendo además parcialmente responsable del descubrimiento de Ella Fitzgerald; Y, entre 1938 y 1940, formó parte de la orquesta de Cab Calloway, en la que introdujo novedosas percusiones afrocubanas, además de lograr un puesto en la orquesta para un trompetista en el que por entonces muy pocos confiaban: Dizzy Gillespie.
En 1940, Bauzá abandona la orquesta de Calloway y se pone a las órdenes de su amigo y cuñado Machito en la fundación de los Afroeubans; con la ayuda de los arreglistas de las orquestas de Webb y Calloway (John Bartee), Bauzá y Machito fusionan las desenfrenadas percusiones cubanas con las innovaciones armónicas del naciente be-bop, produciendo un sonido completamente inédito que en muy poco tiempo iba a revolucionar el ambiente musical neoyorquino. Con una formación inicial de tres saxofones¡ dos trompetas, piano (René Hernández, el mejor arreglista latino del momento en Nueva York), contrabajo, bongo y timbales, la banda de Machito y sus Afrocubans lanzan en 1941 su primera grabación, en la que se incluía un auténtico breviario de las innovadoras intenciones de Machito y Bauzá: "Sopa de pichón".
"Sopa de pichón 11 se convirtió de inmediato en un gran éxito; Bauzá, con más de diez años a sus espaldas de trabajo en el ambiente del jazz, utiliza sus contactos con grandes músicos, promotores y responsables de clubs nocturnos para asegurar una adecuada difusión de la buena nueva que traía la banda: el nacimiento del Jazz Afrocubano. Durante lo que resta de la década, y hasta el triunfo de un nuevo estilo, el Mambo, a mediados de los años 50, la banda de Machito y sus Afrocubans, reforzada en 1943 con la incorporación de la hermana de Machito, la cantante Graciela, se mantuvo en una posición de privilegio en la vanguardia de la música afrocubana; además, jugó un papel esencial en la latinización del discurso de jazzmen tan significativos como Charlie Parker (que grabó varios temas con la banda en 1948) o Stan Kenton, y en sus grabaciones participaron otros grandes músicos americanos como Ella Fitzgerald, Zoot Sims o Quincy Jones. Mención aparte merece la relación de Dizzy Gillespie con Machito y los Afrocubans; desde el momento en que conoció a Bauzá, en la época con Calloway, Gillespie se lanzó a estudiar la música cubana, y en 1948 y a instancias de Bauzá, se produjo su breve pero muy fructífera colaboración con el mítico percusionista Chano Pozo, asesinado a finales de ese mismo año. Gillespie, que compuso varios temas para los Afrocubans, participó también en varias de sus grabaciones, entre ellas el histórico álbum Afrocuban Jazz Moods (1975), el último proyecto común de Machito y Bauzá. Machito falleció pocos años después, concretamente el 15 de Abril de 1984 en Londres, mientras que Mario Bauzá continuó realizando grabaciones al frente de su propia banda hasta su muerte, el 11 de Junio de 1993, en la que fue su casa en Nueva York durante 50 años._ Luis Linares
Pianista, organista, compositor e instrumentista, Chucho Valdés es considerado uno de los mejores pianistas del mundo y desde luego la figura jazzistica más importante en la actualidad de Cuba. Desde niño comenzó a tocar piano guiado por su padre, el también pianista, Bebo Valdés, y los 14 años inicia su actividad profesional en la orquesta Sabor de Cuba, dirigida por su padre. Fue alumno del Conservatorio Municipal de La Habana, donde trabajó con Ángela Quintana y más tarde fue discípulo de Zenaida Romeu y Rosario Franco, cuyas influencias considera importantes en su formación musical, graduándose de la Universidad de las Artes de la Habana. Antes de los veinte años ya era un afamado pianista, decidiendo luego integrarse a grupos de jazz. En los inicios de los años sesenta formó parte de la orquesta del Teatro Musical de La Habana, donde coincidió en la actividad profesional con Leo Brouwer, Federico Smith y Alberto Alonso. Integró después la Orquesta Cubana de Música Moderna, fundando posteriormente el proyecto del grupo Irakere, junto con el guitarrista Carlos Emilio Morales. Con esta agrupación, desarrolla una significativa labor de rescate de las raíces de la música cubana, manejadas con nuevos elementos expresivos. Su revelación mundial como importante exponente del movimiento jazzistico internacional ocurre en el Festival Jazz Jamboree de Varsovia en 1970, donde fue ubicado por la crítica entre los mejores pianistas de jazz de ese momento, como renovador del Latin Jazz o Afrocuban Jazz y exponente del mensaje jazzistico cubano. Su calidad interpretativa ha sido reconocida internacionalmente con el otorgamiento de la condición de Doctor Honoris Causa por la Universidad de Victoria de Canadá, y por la de la Habana y las entregas de la Medalla Félix Varela de Cuba, las llaves de las ciudades de San Francisco, Los Ángeles, Madison y Nevilly en Estados Unidos y la de Ponce en Puerto Rico. Maestro en todos los géneros, tanto jazz, música clásica y música popular bailable, ha impartido conferencias magistrales en la Universidad de Banff en Canadá, la Real Academia de Música de Londres, Centro de Altos Estudios de los Ángeles y San Francisco en el estado norteamericano de California. Ha recibido cuatro premios Grammy: en 1978 con Misa Negra interpretada con el Grupo Irakere; en 1996 con Havana , disco coprotagonizado con el trompetista Roy Hargrove y una banda cubano-americana-portorriqueña, en el año 2001 por Live at the Vanguard Village, y en 2002 por el CD Canciones Inéditas, producido por el sello cubano Egrem que obtuvo la categoría del Premio Grammy Latino como Mejor Álbum Instrumental Pop. Entre sus composiciones más famosas figuran Mercy cha, Niña, Por la libre, Valle Picadura (danzón), Misa Negra (para piano), Juana 1600, Calzada del Cerro, Las Margaritas y Mambo Influenciado, entre otras. Sus instrumentaciones originalísimas a piezas populares, son consideradas un aporte de gran significado para el desarrollo musical cubano._apoloybaco.com
Irakere es un grupo de jazz cubano. La orquesta reunió un sólido puñado de músicos donde el dominio instrumental permite innovaciones atrevidas e improvisaciones destacadas. Los arreglos modernos, al estilo del latin jazz, utilizan los instrumentos eléctricos, pero se articulan sobre bases afrocubanas más familiares.
Irakere se conforma como tal en 1967 pero había empezado a trabajar mucho antes; en ese año precisamente van a una selección convocada en La Habana para organizar con los mejores músicos de entonces la Orquesta Cubana de Música Moderna; ya en 1972 se acercaban a lo que actualmente producen decidiendo en 1973 llamarle Irakere, que en lengua Yoruba quiere decir Vegetación y es así como partiendo de su nombre trabajan con base en las raíces musicales afrocubanas. De esta manera, a través de la combinación, mezcla e interrelación de lo clásico, el impresionismo, el jazz, el rock y varias técnicas de composición logran pasearse por todos los estilos tales como la música bailable, la de concierto, la tradicional y la actual cubana.
Gracias al impulso del pianista Chucho Valdés, el grupo cubano Irakere levantó vuelo en 1973, nutrido del bop de Thelonious Monk.
Agregaron al conjunto instrumentos como tambores batá, tambores abacuá, tambores arará, chequerés, erikundis, maracas, claves, cencerros, bongó, tumbadoras, güiro, etc., que han dado a la rítmica cubana ese sabor inconfundible, aspecto este que le da el toque de originalidad al grupo. A esto se añaden los contrastes vocales, bien sea en coro o en forma individual, utilizando giros dialectales afroides recogiendo aquella tradición que le ha legado a la música cubana uno de sus principales atractivos.
El grupo Irakere ha estado integrado por muchos músicos durante su larga existencia como agrupación, entre los que cabe destacar a Armando Cuervo (Percusión), Fran Padilla (Percusión), Chucho Valdés (Vocal y Percusión), Jorge Alfonso "El niño" (Congas), Enrique Plá (Batería), Carlos del Puerto (Bajo), Jorge Varona, Arturo Sandoval , Juan Munguía, (Manuel Machado ), ( Adalberto Lara ) (Trompeta), Carlos Averhoff (Saxo tenor), Paquito D´Rivera (Saxo alto), Germán Velazco (Saxo alto y soprano), José Luis Cortes (Saxo barítono y flauta), Orlando Valle Maraca (flauta), Carlos Emilio Morales (Guitarra) y Cesar Lopez (Saxo)._wikipedia.org
Chucho Valdes – Estrellas de Cuba: Chucho Valdes & Irakere (2013) Temas: 01.Que Se Sepa, Yo Soy de la Habana 02.Los Caramelos 03.Dile a Catalina 04.De Una Manera espantosa 05.Homenaje a Benny More 06.Por Culpa del Güao 07.Chorrino 08.Yemaya 09.La Explosion 10.San Francisco 11.Feliz Cumpleanos 12.Descarga
Arturo Sandoval (Artemisa, 6 de noviembre de 1949) es un trompetista y pianista cubano de jazz. Sandoval ha recibido 9 premios Grammy y ha sido nominado 17 veces. El tambien ha ganado 6 premios Billboard y un premio Emmy. Sandoval comenzó a estudiar música a la edad de 13 años. Tras probar suerte con varios instrumentos musicales, finalmente se decidió por la trompeta. Después de su servicio militar ayudó a fundar el grupo Irakere con el saxofonista Paquito D'Rivera y el pianista Chucho Valdés, y se convirtió en el conjunto de jazz más importante de Cuba. Tuvieron un gran éxito mundial y su presentación en 1978 en el Festival de Jazz de Newport en Nueva York los introdujo al público americano. Tras este éxito, huyó de Cuba y vivió autoexiliado en Miami, donde se convirtió en profesor de la Universidad Internacional de Florida y pronto grabó su primer disco en EE. UU. con el título: "Flight to Freedom" para el sello GRP. El gran talento musical de Sandoval ha sido asociado con muchos músicos, pero sin duda el más importante sería Dizzy Gillespie a quien Sandoval considera su padre espiritual. Gillespie es considerado como uno de los grandes difusores de la música afro-cubana, y fue determinante en la posterior carrera de Sandoval. Los dos músicos se conocieron en Cuba en 1977 cuando Gillespie hacía actuaciones improvisadas por el Caribe con el saxofonista Stan Getz. Debido a la situación política, Cuba había estado aislada de los músicos americanos durante varios años. Gillespie quería saber qué clase de música se hacía allí, entre otras su guaguancó. Sandoval se ofreció de particular cicerone musical, y posteriormente le confesaría que él mismo también era músico. Arturo Sandoval en el Hard Rock Cafe, de Times Square, NYC. Además de su larga trayectoria en el mundo jazzístico, Arturo Sandoval tiene también una carrera musical como intérprete clásico. Su grabación "The Classical Álbum", contiene conciertos para trompeta de Hummel y Mozart así como su propio Concierto Para Trompeta y Orquesta. Sandoval ha participado como compositor e interprete en varias bandas sonoras de cine, como "Vampiros en La Habana I", "La Familia Pérez", "Los Reyes del Mambo" y "La Habana". La propia vida de Sandoval también fue llevada al cine en el año 2000 e interpretada por Andy García, con el título "For Love or Country: The Arturo Sandoval Story". Este drama biográfico fue producido por HBO.
En abril de 2006, Arturo Sandoval abrió un local musical en Miami Beach con el nombre de The Arturo Sandoval Jazz Club. Por su escenario han pasado desde artistas locales hasta figuras internacionales del mundo del jazz como Joshua Redman, Roberta Flack, Roy Haynes, Omar Sosa, The Bad Plus, Moe Goldstein y Danilo Pérez o el mismo Sandoval. En Cuba, Sandoval, aunque recordado con cariño por las generaciones mayores, ha recibido numerosas críticas por su fuerte oposición al concierto que ofreció el cantante Juanes en La Habana._wikipedia.org
Nacido el 22 de octubre de 1928 en Durand, Michigan, Clare Fischer es un músico extraordinariamente versátil, un maestro con muchas musas. Formado en los clásicos, inspirado por artistas de jazz, curado por los ritmos de la música latina y brasileña, su sonido ecléctico encuentra expresión en cada tabla e instrumento que toca.
Músico de estudio veterano y compositor de calidad excepcional, Fischer comenzó sus estudios en Grand Rapids, Michigan, en South High School con el director de música Glenn Litton. Después de obtener su maestría en composición de la Universidad Estatal de Michigan, donde estudió con el Dr. H. Owen Reed, viajó extensamente con "The Hi-Lo's" como pianista y director durante 5 años. Casi al mismo tiempo, su ascenso musical comenzó con sus arreglos aclamados por la crítica para "A Portrait of Duke Ellington" de Dizzy Gillespie. Las influencias de Fischer, absorbidas en el camino, son tan distintas como su música: Stravinsky y Shostakovich, Bartok y Berg, Dutilleux, el pianista de boogie-woogie Meade Lux Lewis, Nat “King” Cole, Duke Ellington, Bud Powell y los primeros Lee Konitz - Fischer la autoexpresión no conoce fronteras.
“Me identifico con todo”, explica. “No soy solo jazz, música latina o clásica. Realmente soy una fusión de todos esos, no la fusión de hoy, sino mi fusión ".
En 1983, el concertista clásico Richard Stoltzman encargó a Fischer que escribiera una obra sinfónica utilizando temas de Duke Ellington y Billy Strayhorn. La composición resultante, "The Duke, Swee’pea and Me", presenta a Stoltzman al clarinete y se interpreta con orquestas sinfónicas de todo el mundo. Más recientemente, Stoltzman le encargó a Fischer que escribiera una “Sonatina para clarinete y piano” en tres movimientos, que ha grabado con RCA en su álbum “American Clarinet” y que está siendo publicada por Advance Music en Alemania.
En 1986, Clare ganó su segundo premio Grammy, este por su álbum, "Free Fall", el primero lo ganó en 1981 por su álbum, "Salsa Picante plus 2 + 2". Desde entonces, ha pasado más tiempo como educador de jazz, realizando conciertos de piano solo y dirigiendo clínicas y clases magistrales en universidades y conservatorios de música en Escandinavia, Europa y en todo Estados Unidos.
En los últimos años, Clare ha actuado en París, Suiza, Croacia, Finlandia, Noruega, Alemania con la WDR Big Band, Holanda con la Metropole Orchestra, Austria en Graz y en la Konzerthaus de Viena y en la Ciudad de México en la Sala de Conciertos Ollin Yolítzli. en un concierto conmemorativo de la música de Antonio Carlos Jobim en el aniversario de su muerte en diciembre de 1996. En 1998 también actuó en el Festival del Choro con Hélio Delmiro en Sáo Paulo, Brasil y regresó en julio de 2000 para una gira por tres ciudades. en ese país con Delmiro.
Además de Dizzie Gillespie, Fischer ha escrito para Cal Tjader, George Shearing, Diane Schuur, Natalie Cole, Prince, Chaka Khan y Rufus, The Jacksons, Earl Klugh, Prince, Robert Palmer, Paul McCartney, Michael Jackson, Spike Lee, João Gilberto, Paula Abdul y, más recientemente, Brian McKnight, Regina Belle, J. Spencer, Norman Whitfield, Branford Marsalis, Tori Amos, un grupo francés - "Charts", un grupo japonés - "Sing Like Talking", Vanessa Williams, Brandy, Tony! ¡Toni! ¡Tono! y muchos otros. Sus arreglos para cuerdas son verdaderamente una revelación.
Desde el comienzo de su carrera profesional, Fischer ha grabado más de 45 álbumes como líder y ha arreglado, compuesto y / o tocado en otros 100 álbumes para otros artistas. Su discografía se lee como un "Quién es quién" de la industria discográfica. Los lanzamientos recientes incluyen "Clare Fischer’s Jazz Corps", un álbum de big band compuesto por 20 metales, 6 instrumentos de viento de madera más ritmo; y “Symbiosis”, grabada con Hélio Delmiro en guitarra brasileña sin amplificación y Clare en piano digital. En enero de 2001, Fischer produjo su primer CD clásico, “After the Rain”, compuesto íntegramente por sus propias obras sinfónicas. A esto le siguieron sus últimas grabaciones, "On a Turquoise Cloud", en 2002 con un coro de clarinete completo, "Introspectivo", una grabación para piano solo en 2005, y en 2006 su última grabación para coro de clarinete, "A Family Affair".
En diciembre de 1999, la Escuela de Música de la Universidad Estatal de Michigan otorgó un Doctorado Honorario en Bellas Artes a Clare en reconocimiento a su "creatividad y excelencia como compositor, arreglista e intérprete de jazz".
Clare tiene tres hijos mayores; Lee, Brent y Tahlia. De los tres, es Brent quien se ha convertido en el compositor para continuar con la tradición de escritura de su padre, y también es el bajista habitual de Clare y su manager.
En cuanto a este álbum en particular, Clare escribe: “Cuando la mayoría de la gente piensa en Latin-Jazz, invariablemente se refieren a ritmos de Cuba. Igualmente importantes son los de Brasil que componen una gran parte de este álbum. Sin embargo, no considero que toco música “cubana” o “brasileña”, sino que uso el sentimiento de ambos para mis propios fines. A la luz de este enfoque personal, encontrará música en escenarios inusuales. “Considero que 'Clare Fischer y sus amigos' (seis cantantes y todos los músicos) son parte de un grupo. Este no se considera un grupo de cantantes con músicos de respaldo, todos somos uno. Este es un disco de jazz y las voces se convierten en instrumentos en relación al grupo.
“Espero que disfrutes de esta música. Pasé un tiempo maravilloso armándolo".
El 8 de enero de 2012, Fischer sufrió un paro cardíaco en Los Ángeles, luego de una cirugía menor unos días antes. Su esposa de 18 años, Donna, estaba a su lado y le practicaba RCP. Permaneció en la UCI con soporte vital y murió el 26 de enero de 2012. Le sobrevive su esposa; tres hijos, Lee, Brent y Tahlia; y dos hijastros, Lisa y Bill Bachman._Clare Fischer
El tecladista y compositor siempre creativo Clare Fischer está de vuelta con otro gran tema de inspiración latina, llena de melodías fuertes y ritmos infecciosos. La sesión incluye seis cantantes que se aplican las voces-como-los instrumentos de la Hi-Lo de sonido a los gráficos originales y éxitos de jazz. Inventivo Fischer fusión de "Take the ATrain" con una canción brasileña "O Pato" que tiene los mismos cambios de apertura crea un surco alegre en "O Pato Takes A Train". La canción se juega en cubano de 6/4, mientras que la norma "Speak Low" se da una firma 3/2. Cada pista es una celebración jubilosa de la música latina, con las notas del trazador de líneas de Fischer proporcionar una guía para escuchar valioso. Sexteto La sesión incluye Don Shelton, anteriormente con el Hi-Lo y Singers Unlimited, que tanto canta y toca cañas, hijo de Fischer, Brent, en el bajo eléctrico, el guitarrista John Pisano y percusionistas Walfredo Reyes y Michito Sanchez.__Patricia Myers (jazztimes)
Clare Fischer desarrolló una variada carrera como teclista, compositora, arreglista y directora de orquesta. Compositor de dos estándares, "Pensativa" y "Morning", Fischer se interesó durante mucho tiempo por los ritmos latinos. Tras licenciarse en la Universidad Estatal de Michigan, se trasladó a Los Ángeles en 1957, donde trabajó como acompañante y arreglista de los Hi-Lo's. Escribió para un disco de Dizzy en 1960. Escribió para un álbum de Dizzy Gillespie de 1960 (A Portrait of Duke Ellington) y grabó bossa nova ya en 1962; ese mismo año grabó dos conjuntos de trío y al año siguiente dirigió su primera cita con una big band. Fischer, que alternó ambos formatos a lo largo de los años, grabó en una gran variedad de escenarios, desde piano solo hasta liderar un grupo latino dominado por la voz, Salsa Picante. Afincado en Los Ángeles, Fischer (que también es un eficaz organista y un gran teclista eléctrico) ha grabado numerosos discos para sellos como Pacific Jazz/World Pacific, Revelation, Discovery, MPS y Concord. En 2003, produjo su primer CD de música clásica, After the Rain. Clare Fischer falleció el 26 de enero de 2012 en un hospital de Burbank, California, tras sufrir un infarto dos semanas antes. Tenía 83 años.~ Scott Yanow Más información relacionada Clare Fischer & Salsa Picante - Crazy Bird (1984) Temas:
01. Bernie's Tune
02. Where Are the Children? (Ay, los Pequeños)
03. Serenidade
04. La Mucura
05. Crazy Bird (Pájaro Loco)
06. Solar Patrol (Patrulla Solar)
07. Canto Africano
08. Pavillon
Musicos:
Clare Fischer (Órgano, notas de fondo, piano eléctrico)
Brent Fischer (Percusión, bajo eléctrico), marimba, vibráfono)
Guillermo Klein es un pianista talentoso y muy original y compositor de Argentina que es el más conocido por liderar su grupo Los Guachos. Nacido en 1970, empezó a tocar el piano cuando tenía 11 años, componiendo sus primeras canciones del año siguiente. Klein, quien considera Astor Piazzolla para ser su primera influencia, jugó a nivel local, y después de graduarse de la escuela secundaria, él tocó la guitarra en una banda de rock. En 1990 se trasladó a Boston para estudiar en el Berklee College of Music. Su intención original era estudiar y escribir la música clásica, pero pronto descubrió el jazz, sobre todo las grabaciones de Wayne Shorter. Además de Piazzolla y Menor, Klein está fuertemente influenciado por su patrimonio argentino en general, sobre todo en su escritura, que puede combinar boleros, barroca, jazz straightahead, tangos y ragas. En 1994 se formó una big band, Los Guachos, que jugó en el Small en una base semanal durante el período 1995-2000, además de realizar durante un tiempo en la galería de Jazz. Klein grabado tres CDs con Los Guachos de Sunnyside y Fresh Sound, que documenta su escritura única y piano colorido. También trabajó con Kurt Rosenwinkel y de vez en cuando llevó a su propio trío. En 2000, Klein regresó a Argentina y se estableció en Barcelona, ??España en 2002. Es profesor en San Sebastián, lleva a cabo a nivel local y todavía visita a los EE.UU. de forma ocasional. Klein actualmente lidera un septeto que cuenta con Jorge Rossy en los teclados y percusión, un saxofonista, cello, contrabajo, batería y cantante. -------------------------------------------------------------------------------------------------- La llegada del músico argentino Guillermo Klein en Barcelona en 2003 fue bien recibido por la comunidad de jazz de la ciudad. Esta recepción era bueno, sin embargo, no es sorprendente dado el prestigio que Guillermo disfrutado en Nueva York como compositor, arreglista y director de su banda Los Guachos. En Barcelona actualmente toca el piano con grupos como los de Giulia Valle y Joe Smith y ha creado su propia banda, que cuenta con Gorka Benítez, David Xirgu y Carme Canela, entre otros. En otoño de 2004, Guillermo volvió a Nueva York para realizar con Los Guachos. Dos monthes de tarde, fue invitado a tocar con Los Guachos en el Festival de Jazz de Barcelona 36a. Para una ocasión tan especial, Juan de la Cruz Urquiza y Richard Nant en avión desde Buenos Aires, Chris Cheek, Bill McHenry, Haskins Taylor, Tomasi Sandro, Jeff Ballard y Ben Monder vino de Nueva York y Fernando Huergo de Boston. Guachos Los unieron por dos artistas. regulares Fresh Sound New Talent, Gorka Benítez y Carme Canela. El resultado fue un concierto intenso y brillante que tuvo lugar en el ambiente acogedor de la sala Luz de Gas. Reseñas de prensa:
"Tejida con el colorido tapiz de una orquesta de jazz completa, esta grabación en vivo en Barcelona captura la música del pianista y compositor argentino Guillermo Klein, quien se destaca por su música cerebral, progresiva y culturalmente rica. El concierto fue capturado en un ambiente íntimo del Teatro-Sala Luz de Gas y transmite cercanía entre los músicos y un público entusiasta. Las composiciones altamente orquestadas van desde la apertura gauchoísta “Blues de Liz” hasta la vibra callejera de “Juana” y el romanticismo de “ Ojos Cerrados ”, con la vocalista Carme Canela. Klein utiliza su orquesta en todo su potencial. La música cambia a través de muchas formas, como a lo largo de las líneas surrealistas de “Intercambio Moral”, donde el piano y otros instrumentos proporcionan notas disonantes detrás de la melodía sombría. El ritmo de baile de "Child's Play" está mezclado con un riff de guitarra funky; “Chucaro”, cargado de complejos arreglos de trompa, hermoso trabajo de flauta y rica percusión. Las complejidades de las habilidades de escritura de Klein se capturan en "Richard", con su trabajo de trompeta en movimiento, adición de voz y patrones melódicos y solos detallados. Hay muchos esfuerzos individuales memorables, pero el acento está inequívocamente en la orquesta en su conjunto, que se da cuenta plenamente de su papel a través del ingenioso uso de la música y la interpretación de Klein para capturar la imaginación ". _ Mark F. Turner (freshsoundrecords)
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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Ernán López-Nussa sobresaliente pianista y compositor, nacido el 10 de septiembre de 1958. Este músico tuvo una rigurosa formación académica, estudió en el Conservatorio Amadeo Roldán y en el Instituto Superior de Arte. .jpg)
Ernán López-Nussa estuvo galardonado en concursos nacionales e internacionales como pianista y compositor, además de ser participante en numerosos festivales y giras en países de Europa, Asia y América. Ha ofrecido conciertos en el Ronnie Scott´s de Londres, New Morning de París, Teatro Municipal de Río de Janeiro, Teresa Carreño de Caracas, Luna Park de Buenos Aires, el New Morning de Ginebra, el Jazz a la Martinique de Fort de France, el Fujiyama Jazz Festival de Japón, Festival de Jazz Dinamarca y Festival Jazz plaza de la Habana, entre otros.
Legendaria agrupación cubana que fue ideada por el famoso pianista cubano Ernán López-Nussa. En Habana Report se fusionan elementos populares, clásicos y jazzísticos con un componente esencial: el sabor. Este proyecto cuyo marco conceptual se centra en exaltar los vínculos originales entre la música tradicional cubana con la de New Orleans, ha contado con excelentes músicos y leyendas de la música cubana como el fallecido Tata Güines, Pancho Terry y el gran Changuito.
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