martes, 23 de septiembre de 2014

Lino Borges - Grandes Boleros



Lino Borges. Fue una de las voces grandes del bolero cubano, un fruto de Batabanó que cantó durante más de medio siglo.

Severo Alberto Borges Abreu, de extracción campesina, nació en Batabanò, Cuba, el martes 8 de agosto de 1933. Se desempeñaba como recogedor de berro y en los descansos, sus compañeros de faena le pedían que los complaciera con sus interpretaciones.

A los 16 años de edad lo haría ya como profesional con la orquesta de J. R. González, en la que estuvo varios años. Después cantó con los conjuntos Universal, de Melena del Sur, Casablanca, Casino, Rumbavana y Saratoga. Con este último conjunto permaneció durante 20 años, antes de convertirse en solista.

Lino Borges, bolerista por antonomasia, fue sepultado en su natal Batabanó, una pequeña localidad situada a 52 kilómetros de la capital cubana, localidad a la que siempre guardó fidelidad, por lo que su sepelio constituyó una sobrecogedora expresión de duelo popular. Sus últimas presentaciones fueron en el Salón Bolero (Dos Gardenias), en cuya programación era una figura estelar.

Cuando falleció Lino Borges, como era el nombre artístico por el que se conocía universalmente, se dijo “se nos fue Lino Borges, la voz del bolero. Cuba había perdido una de las figuras emblemáticas entre los cantantes de boleros de la isla, que interpretó como nadie temas como “Vida consentida” y “Corazón de cristal”, dos de sus emblemáticos y más grandes éxitos.

Lino Borges, falleció los 71 años de edad. precisamente el 23 de agosto de 2003 en un hospital de La Habana, a causa de una afección pulmonar y fue enterrado en la intimidad familiar en su pueblo natal de Batabanó.

El cantante, quien desde hacía varios años actuaba en centros nocturnos, estaba preparando una gira por República Dominicana, que comenzaría en semanas cercanas a la fecha de su deceso. Algunos reconocidos artistas cubanos, como el cantante Ibrahim Ferrer, integrante del famoso proyecto musical “Buena Vista Social Club”, o la directora de orquesta Zenaida Romeu, manifestaron su pesar por la muerte de Lino Borges.

Musicólogos de la isla reconocen a Borges como uno de los más importantes cantantes masculinos del bolero en Cuba, junto a figuras como Vicentico Valdés, Abelardo Barroso, Pacho Alonso, René Cabell, Tito Gómez, Ñico Membiela, Fernando Alvarez, Orlando Contreras, Orlando Vallejo, José Tejedor y Roberto Sánchez, entre tantos buenos interpretes que dio la isla cubana.

Para los venezolanos este insigne bolerista constituyó toda una leyenda durante los años 1960 - 1970, pues fue el interprete de una de las canciones mas bellas dedicadas a lo más intimo del romance, compuesta por un venezolano, el Dr. Homero Parra, como lo es “Vida Consentida”, convirtiéndose en todo un éxito en latinoamerica y demás paises donde igualmente se habla el idioma castellano, elevando la condición de ídolo que incipientemente ya se veía en Lino Borges como cantante de boleros, ya que esa preciosa composición le sirvió de bandera para abrir sus presentaciones personales, amén de las cuantiosas ventas que de su grabación se hicieron, lo que le valió recorrer el mundo del espectáculo como toda una estrella deslumbrante del canto romántico.

Es pues para nosotros un especial acto de reconocimiento para quien hizo méritos más que suficientes para ganarse nuestro aprecio y por siempre considerarlo uno de los cantantes románticos más completos de su época, además de que a ello estamos obligados como venezolanos por haber logrado convertir la canción de don Homero Parra en todo un éxito internacional. Como especie de anécdota se ha escrito, y así lo hemos conseguido en inserto en Internet, que en 1960, el conocido empresario disquero José Pagès, dueño del sello disquero Velvet, luego de analizar diferentes voces interpretes del bolero con el objeto de observar quien de los que tenia dentro de su apreciable colección podía interpretar la canción de acuerdo con los arreglos que de ella se habían hecho, y que fue de esa forma como se decidió hacerle llegar a Lino Borges la grabación de Vida consentida, de Homero Parra, compuesta originalmente en tiempo de vals venezolano, pero arreglada para que la cantara como bolero, por considerar que se adaptaba perfectamente bien a su voz. El tiempo le dio la razón a don Jose Pagès, ya que el tema, una vez que saliò a la venta grabado en la voz de Lino Borges se convirtió en su primer gran éxito, trascendiendo fronteras e imponiéndose como un verdadero hit en varios países latinoamericano. Fue tal el impacto causado por tan bella canción que la misma le abrió las puertas para firmar un contrato para actuar en el Cabaret Nacional (San Rafael y Prado). Luego le siguieron Corazón de cristal, de Enrique Pessino; Moriré de amor, de Leopoldo Ulloa; y otros éxito._ecured




Lino Borges - Grandes Boleros (Egrem-3824)

Temas:
01. Vida Consentida 
02. Vuelve Sin Saber 
03. Mi Vida Eres Tu 
04. Que Te Apartes De Mi 
05. Lo Hice Para Ti 
06. Si Me Pudieras Querer 
07. Quiero Un Instante 
08. Morir Soñando 
09. Cual Fue El Motivo 
10. Este Amor Salvaje

Información cedida por Osvaldo M. 


domingo, 21 de septiembre de 2014

Paquito D'Rivera - Este Camino Largo




Para los que se "estrenaron" con el saxofonista cubano Paquito D'Rivera en "The Iost sessions", como suponemos que haya quedado con más ganas de escucharlo, ahora se lo servimos en bandeja de oro en su etapa como fundador de la legendaría banda Irakere, para que pueda disfrutarlo a fondo ya sea en plan de abierto protagonismo o cerrando filas con el fabuloso team de metales de Irakere. 
Grabaciones de los años 76 y 78 (a partír del 79 instaló su residencia en los E.E.U.U.) cuando algunos grupos habían lanzado al mundo las formidables propuestas de fusión estilo los"Sangre, Sudor y Lágrimas", o "Tierra, viento y ruego" con la irrupción del beat (léase la fusión del swing con otros ritmos no jazzísticos). 
Pero faltaba la adición de un fuerte sabor que vendría proveniente de la mayor de las Antillas y que llegaría para quedarse: los ritmos afrocubanos, los cantos rituales, los tambores batá, las tumbadoras incorporadas a este formato de banda ya propuesto poraquellos grupos: una sección de dos saxofones (alto, tenor), 2 trompetas, drums bajo eléctríco, guitarra eléctrica piano y teclados que daría por resultado una nueva sonoridad en ese género naciente que de una manera totalmente desprejuiciada y gracias ingenio creativo de Chucho Valdés, más los aportes delos virtuosos de su banda, asombrarían al mundo con el arrollador sonido Irakere (no nos olvidemos que en lengua yoruba Irakere significa selva). 
Aquí usted se podrá dar "banquete" con un Paquito de múltiples aristas: cual de ellas más interesante y sobre todo diferentes, donde sale a relucir el músico culto, de amplio espectro,  
lo que queda ampliamente demostrada en su lección magistral del Adagio del Concierto original para clarinete en  La Mayor de W.A. Mozart en una sensacional versión para saxo soprano, 
sí como también en Preludio No.3 del gran compositor brasileño Heítor Villalobos donde recrea esta pieza en un dúo de flautas con Carlos Averhoff y junto a ese "monstruo" de la música  
de la Isla, Leo Brouwer, secundando a este último en la formidable versión del concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo con su improvisación al saxo soprano en el segmento final de la obra. 
Y en yuxtaposición a estas re-creaoiones de los clásicos nos propone temas firmemente insertados en la corriente de fusión "a lo Irakere" oomo Juana 1600 Chekere son y esa obra mayor, digna de una antología del género: Misa Negra del maestro Chuoho Valdés. 
Una demostraoción fehaciente de que los oídos más atentos y mejor informados de la palestra musical de aquellos 70s, no dejarían pasar por alto aquel fenómeno Irakere que irrumpia oon aquella pegada irresistible, lo es el hecho de que el maestro Leo Brouwer invitara a esta banda a compartir el escenario en un memorable concierto que ofrecieran en septiembre de 1978 en el teatro Karl Marx y del cual el Adagio de Mozart, Aranjuez, Preludio No.3 Misa Negra y Ragtime, son testimonio. 
Un criterio totalmente coinoidente por parte de Brouwer, Chuoho Valdés y los músicos de su banda, respecto a que en las tendencias de la música "de concierto" a de aquel presente tenían total validez el legado de los clásicos así como los cantos rituales, los rítmos afrocubanos el swing y todo aquello que viniera al caso, es la razón por la cual músicos quese desenvolvían en diferentes esferas unieran sus faenas en una lid de este tipo. Si a alguien se le puede atribuir ser pionero en esto de la fusión y los conceptos post-modernistas (acuñados más tarde) aplicados a la música, es a Leo Brouwer y a Chucho Valdés con su banda Irakere. 
Entre los primeros cortes del disco aparece como segundo el ragtime El Animador de Scott Joplin. Todavía recuerdo la delicia que sentimos los asistentes a aquel concierto, ante aquella versión que evocaba a aquellas primeras bandas de jazz compuestas por clarinete fotuto. cornetin, banjo y el «abuelo" del drums. Con ese sentido los muchachos de Irakere secundan a Brouwer en esta versión pero evocando el timbre y la dicción del clarinete, que era el instrumento característico de aquellos momentos. Imposible pedir más con la total y lograda intención de aquel swing de las primeras décadas del siglo XX.
La versión del Adagio de Mozart (junto al solo de Misa Negra) es el plato fuerte para calibrar a Paquíto D'Rivera en cualquier sentido. 
Ahi tiene usted al instrumentista culto,al clarinetista virtuoso que se conoce al derecho y al revés esta obra. La ortodoxia clásica en el enunciado del tema, las "citas" de la cadenza y de aires del tercer movimiento del concierto nos confirman que tiene perfectamente digerida la obra original. A ello le suma la improvisación en swing que le devolverá con una sonrisa de 
aprobación la artística travesura. 
Esta vez con la flauta, a dúo con Carlos Averhoff, secunda a Brouwer (en la guitarra) en Preludio No. 3 de Villalobos. Nuevamente nos asombramos ante el desdoblamiento de Paquito luego del enuncíado riguroso de la obra, en el segmento siguiente, en una improvisación que roza el aleatorismo y donde demuestra estar a la altura del gran compositor cubano para poderl o seguir en un lenguaje que aborda las técnicas de composición de vanguardia del siglo XX en la música llamada 'culta". y para cerrar este bloque de recreaciones de los clásicos, Brouwer y Valdés nos entregan una versión firmada a cuatro manos del celebérrimo concierto de Aranjuez, en el cual luego de exponer en el primer segmento el tema "quasi tal cual" entran en un segundo en tiempo beato donde Paquíto se luce en una improvisación con el soprano que denota una intención de total ruptura con lo anterior, y hasta desliza entonaciones bien claras de los diseños que suele hacer la corneta china en las congas del carnaval santiaguero. 
Un paréntesis en el disco para que disfrutemos a las anchas de un buen bolero, sin mas intenciones que justamente esas: y me refiero al disfrute de él, consigo mismo, en Este 
camino largo donde volvemos al Paquito de los boleros de The lost sessions: respetuoso del género, intimista, sensual y con mucha bomba. 
( Con mucha bomba: suele expresarse en Cuba a lo interpetrado con mucho sentimiento. Bomba como sinónimo de corazón.)
En una cuerda fusión desde su intención original, aborda un título de Carlos Puebla que ha dado la vuelta al mundo: Hasta siempre, comandante, que entra rápidamente en una improvisación de latin jazz. Nótese la fusión del tiempo de bolero en las tumbas, con los diseños beat del drums. E igualmente el concepto ímprovísatorío, tanto de Chucho Valdés en el piano como de Carlos del Puerto en el bajo eléctrico, así como del propio Paquíto, denotan estar muy en sintonía con un discurso bien instaurado por los grupos de fusión de los 70's (Weather Report, Earth, Wind and FIRE, y el propio Irakere) donde no se improvisa en un puro estilo de swing, sino que se introducen otras acentuaciones, otros giros melódicos y otros elementos como lo es el sentido de la improvisación del son cubano que tuvo figuras legendarias que dejaron muy bien sentado este lenguaje como el tresero Arsenio Rodriguez, el "cieguito maravilloso"; el pianista de su conjunto Luis"Lili" Martinez, y el trompetista de la misma formación, Félix Chapottin. 
Todos estos elementos interrelacionados constituyen precisamente los aportes de la banda Irakere al naciente género de la fusión y al latín jazz en los tempranas 70s y de la cual Hasta siempre es un ejemplo elocuente.
En una tónica "más bolero" nos ofrece su versión de una ronda infantil: La canción de los niños, de Tania Castellanos, muy conocida y cantada en Cuba en los 60s y los 70s y que por la belleza de su tema fue muy abordado por los jazzistas cubanos a manera de balada y como bolero, en este caso. 
Conservando el mismo ambiente de ternura e inocencia del tema original, Paquito lo asume en la primera parte de una forma tranquila, suave, con un discurso de swing en el que lo secundan Chucho y Del Puerto en sus breves pero convincentes intervenciones. Reserva sus energías acostumbradas para la coda en la que levanta "presión" en un estilo "más Paquito", con sus diseños y notas agudas que constituyen una especie de autógrafo de este virtuoso. 
El otro gran bloque del disco lo forman Chekeré Son, Juana 1600 y Misa Negra, piezas todas muy fusión, con todos los elementos arriba mencionados, donde se superponen bloques de metales con un tratamiento en la tendencia que introdujeron los "Sangre, Sudor y Lágrimas" y/o los "Tierra, Viento y Fuego, con una sección rítmica debajo con ritmos afrocubanos, como ocurre en Juana 1600, o secuencias alternadas de ritmo beat más el chekeré (con la curiosa combinación tímbrica de la flauta con el saxo barítono, ambas tocadas por el propio Paquito) con los segmentos de improvisación de Chucho, Paquito (en el barítono) y Carlos Emilio conservando como soporte la base rítmica inicialmente establecida en Chekeré Son. 
Espacio aparte merece Misa Negra, composición de los tempranas 70s del maestro Chucho Valdés que constituyó la carta de presentación de Irakere, diríamos que con "misiles" por tierra, mar y aire para que no quedara ningún escéptico y que resulta una especie de rapsodia para banda con introducción de efectos tímbricos que sugieren la agreste selva africana, inmediatamente un can tus firmus (a la manera de los cantos gregorianos) seguidamente un largo y espléndido solo de Paquito en el saxo alto que muestra su arista más seria y sólida, conscientemente heredera del patrimonio cedido al mundo por los "monstruos": Coltrane, Charlie Parker 
y otros, más su propia aportación a lo jazzístico de lo esencialmente latino que está presente en ideas, acentuaciones y énfasis que un norteño nunca podrá emitir coherentemente. Sin embargo todo esto está felizmente cristalizado en un estilo "Paquito" (y no por gusto Misa Negra aparece como último corbe del disco). 
Después de escuchar este registro usted comprenderá por qué pudo ir a bailar Ha casa del trompo" y lograrlo, ser reconocido en Estados Unidos y en los circuitos jazzísticos internacionales, ser el músico escogido por Fernando Trueba para abrir su formidable documental Calle 54. El suyo es un tipo de talento sui generis, irrepetible e inconfundible. Creo que después de escuchar y disfrutar este disco me dará la razón. MUCHAS GRACIAS._ Maria Elena Mendiola. La Habana Cuba.Mayo 2002. Directora huésped de La Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba. Profesora del Instituto Superior de Arte de La Habana.  




Paquito D'Rivera - Este Camino Largo (2002)

Temas:
01.Este Camino Largo
02.Hasta Siempre
03.La Cancion De Los Ninos
04.Ragtime
05.Adagio Del Concierto En La Mayor
06.Concierto De Aranjuez
07.Chekere - Son
08.Juana 1600
09.Preludio No 3
10.Misa Negra 

Milton Cardona fallecido Viernes 19 Septiembre 2014



Fallece el percusionista Milton Cardona en New York 19 Sept. 2014 New York. Milton John Cardona Cuevas, "Tito" como lo llamaban en su casa, nació en el barrio San Sebastián de Mayagüez, Puerto Rico, el 21 de noviembre de 1944 y falleció en N.Y. 19 de sep. 2014
El percusionista y vocalista Milton Cardona no parece estar particularmente impresionado con el hecho de que ha realizado 703 grabaciones en su carrera. "Lo que es impresionante", dice, "¡es que las tengo todas!". La diversa discografía de Cardona abarca varias décadas y destaca por álbumes con Cachao, Larry Harlow, Eddie Palmieri, Johnny Colón, Willie Colón, David Byrne, Celia Cruz, Steve Turre, J.J. Johnson, la cantante de jazz Marlena Shaw, y el ensamble de jazz con influencia árabe de Rabih Abou-Khalil.
Entre los proyectos recientes de Cardona están la banda sonora de la película de Spike Lee, Get on the Bus, y el disco de Paul Simon Music from The Capeman. (Cardona también interpretó dos papeles importantes en el escenario durante la producción de Broadway de Capeman). Recientemente completó un álbum con el ensamble europeo de percusión Mega Drums, y en los próximos meses estará de gira por Japón con el bajista Jack Bruce, y por Europa con el clarinetista de jazz Don Byron. Además, está trabajando duro en un álbum propio: el tentativamente intitulado Cambucha presentará música original de Cardona (que va desde religioso hasta doo-wop) y un ensamble de 12 instrumentos -11 de los cuales tocará él mismo.
Cardona estudió violín durante 7 años en su niñez, después tocó el bajo profesionalmente hasta que las improvisaciones callejeras de Nueva York lo atrajeron a la percusión. La música de Mongo Santamaría tiene una fuerte influencia sobre su interpretación.
Todavía tiene su primer instrumento de LP, una conga de fibra de vidrio. "Las congas de fibra de vidrio de LP suenan lo más parecido posible a tambores de madera. El sonido es bueno, el cuero es bueno, y el peso del tambor es el preciso. "Yo confío en LP -en el estudio y en las giras"._Radio-Musical

Más información relacionada



Gracias Milton Cardona, por todo el legado que nos dejas, siempre estarás en nuestros corazones.

sábado, 20 de septiembre de 2014

John Pizzarelli - Bossa Nova



John Pizzarelli (Paterson, 6 de abril de 1960), cantante y guitarrista estadounidense de jazz. Poseedor de una voz cálida y suave, y de una presencia elegante, Pizzarelli es uno de los principales representantes del neotradicionalismo jazzístico aplicado al canto.
Hijo del guitarrista Bucky Pizzarelli, John empezó a cantar con su padre a los 20 años e hizo su grabación de debut en 1983 con I'm Hip -- Please Don't Tell My Father. Como guitarrista, manifiesta influencias de Les Paul y Django Reinhardt.
En 1993 el John Pizzarelli Trio hizo de telonero en una de las últimas giras de Frank Sinatra, llegando a participar en la celebración del 80 cumpleaños de este en el Carnegie Hall. En 1997 participó en la producción de Broadway Dream, un homenaje al compositor Johnny Mercer. Su disco de 1998 Meets the Beatles, le presenta reinterpretando canciones clásicas del grupo de Liverpool, y al año siguiente rindió homenaje a una de sus más grandes influencias, Nat King Cole, con P.S. Mr. Cole. Pizzarelli firmó en 1999 con el sello Telarc y grabó dos discos de estándares, Kisses in the Rain y Let There Be Love, en 2000.
Desde entonces, ha grabado un disco con el pianista George Shearing y ha celebrado sus diez años de música con su trío grabando un disco en directo Live at Birdland en 2003. Apartándose por un momento del swing, Pizzarelli grabó Bossa Nova en 2004, cantando composiciones de Antonio Carlos Jobim como "The Girl from Ipanema" y "Aguas de Marco". En 2005 presentó nuevos estándares en Knowing You y, respaldado por la Clayton-Hamilton Jazz Orchestra, le ha rendido homenaje a Sinatra en 2006 con Dear Mr. Sinatra._wikipedia


John Pizzarelli historia de amor con la bossa nova se remontaba más de dos décadas previas a la realización de este CD, que es su saludo a la legendaria João Gilberto . Acompañado de su grupo habitual (pianista Ray Kennedy y el bajista Martin Pizzarelli ) y aumentada por el batería Paulinho Braga y el percusionista Jim Saporito , junto con varios otros en pistas seleccionadas, Pizzarelli suaves, voces swinging y fuerte, pero la guitarra subestimado trabajar su magia en todo el sesión. Si bien la mayoría de las piezas son obras brasileñas, hay excepciones. Gershwin "Fascinatin' Rhythm" se adapta fácilmente en un bossa nova, añadiendo coros y el saxo tenor potente de Harry Allen . Rocker James Taylor beneficios "Your Smiling Face" de la configuración más enérgica y un coro flauta respaldo Pizzarelli . 
Broadway compositor Stephen Sondheim "I Remember", añade Don Sebesky arreglo de cuerdas, llenando cuidadosamente los antecedentes en esta balada maravillosamente cantado. Por supuesto, varias canciones se dedican a las composiciones atemporales de Antonio Carlos Jobim . Los cinco presentes en esta fecha se han registrado con tanta frecuencia que sería difícil para llegar a interpretaciones históricas, pero Pizzarelli y la compañía de hacer justicia a todos ellos. También vale la pena investigar son dos originales del líder, el balanceo "Francesca" y la brisa "Soares Samba." El sonido íntimo lo largo de esta grabación es un bono adicional._Ken Dryden (allmusic)





John Pizzarelli - Bossa Nova (2004)

Temas:
01. One Note Samba 
02. Fascinatin' Rhythm 
03. The Girl From Ipanema 
04. Your Smiling Face 
05. Estate 
06. Desafinado (Off Key) 
07. Aquelas Coisas Todas (All Those Things) 
08. I Remember 
09. Francesca 
10. Love Dance 
11. So Danso Samba 
12. Aguas De Marco (Waters Of March) 
13. Soares Samba

Musicos: 
John Pizzarelli: Guitar and Vocals
Ray Kennedy: Piano
Martin Pizzarelli: Bass
Paulinha Braga: Drums
Jim Saporito: Percussion
Cesar Camargo Mariano: Piano
Harry Allen: Tenor Sax
Daniel Jobim: Background Vocals 
Chiara Civello: Background Vocals
with String Quartet, Flute Quartet

jueves, 18 de septiembre de 2014

Danilo Perez - Panama 500



Danilo Pérez es uno de nuestros mejores pianistas de jazz contemporáneo y educadores. Más recientemente, ha grabado y realizado giras con la innovadora Wayne Shorter Quartet. Que residen en el área de Boston, Pérez mantiene estrechos vínculos con su país natal, Panamá y ha iniciado programas de educación de jazz y festivales allí. En este álbum, dedicado a sus orígenes culturales, se convierte en el creador de una suite musical multidimensional en la celebración del 500 aniversario de Balboa explorador español que cruza el istmo de Panamá. 

Pérez combina panameña, Europea, América hispana, y nativo de Centroamérica estilos americanos en una fiesta musical muy coherente, utilizando dos tríos emblemáticos del jazz, cuerdas, percusión, e instrumentos autóctonos, cantos y narraciones para transmitir imágenes e historias de la mitología panameña, el folklore y la memoria personal. El resultado es magia musical y la maravilla, evocadora de los mundos interior y exterior. En este sentido, se convierte en parte del repertorio de poemas de tono impresionista, como la de Debussy La Mer , o, más cerca de casa, Villa Lobos Bachianas Brasileiras . Mientras que el álbum tiene quince temas, cada uno compuesto de su propio desarrollo musical, que surge como una composición unificada que se escucha mejor en su totalidad. 

Tres de las pistas ilustrará cómo Pérez entreteje varios conjuntos y diversas influencias musicales. (Una descripción detallada de todas las pistas, con comentarios de Pérez, está disponible en la avenida Mack Registros). 

"Rediscovery of the South Sea" es un preludio que toma el oyente al lugar de los primeros encuentros de Balboa. Una mezcla de sonidos lacónica es seguido por una secuencia como si estuviera bailando con el ritmo suministrada por cuerdas pulsadas, palos, claves, y los tambores de la mano evocadores de los bosques cálidos y playas. Román Díaz entra brevemente como un narrador de historias. El primer trío, formado por Pérez, el bajista Ben calle , y el baterista Adam Cruz enmarca la música. "Redescubrimiento" es sugestivo de imágenes secuenciales como de Mussorgsky Cuadros de una exposición , en este caso un paseo en una isla paradisíaca. Violines refuerzan la imaginería con la sugestionabilidad colorido e impresionista, con Pérez jugando grupos acorde reflectantes. Los violines vuelven con una secuencia de baile-rumba como con la ayuda de la percusión, y Díaz recapitula su narrativa. 

"Panama 500" es sostenido por el ritmo continuo de La Denesa, una danza folclórica tradicional panameña. El segundo trío de John Pattitucci , Brian Blade y Pérez forma la sección rítmica. El ambiente festivo se hace por violines y pulsos rítmicos y sensuales. Aquí, el piano de Pérez recuerda vagamente de Erik Satie's Gymnopedies con su ligereza límbico. A lo largo del álbum, Pérez negocia sin problemas y con imaginación entre las influencias latinoamericanas clásicas y variadas de Europa. 

"Reflections On The South Sea" (es decir, el Océano Pacífico, que mira hacia el sur de Panamá como los giros istmo entre dos continentes) abre reflexivamente con un elegante contrapunto intercambio entre el piano y el violoncelo. El ritmo se desarrolla una tensión y la acentuación-tango como, como si la influencia de Astor Piazzola. A lo largo del álbum, hay alusiones a Brasil, Argentina, y otros países de América del Sur y lenguajes musicales del Caribe. Pérez establece un triángulo fascinante entre el jazz trío, variaciones clásicas europeas, y una mezcla de influencias latino-hispana. Al mismo tiempo, los gestos africanos históricos panameños y profundos nativos celebrar la música en un lugar seguro, al igual que los pilotes en una casa elevada playa. Cuando vas a este lugar de la invención de Pérez, tendrá que quedarse._Victor L. Schermer 

Más información relacionada





Danilo Perez - Panama 500 (2014)

Temas:
01.Rediscovery of the South Sea
02.Panama 500
03.Reflections on the South Sea
04.Abita Yale (America)
05.Gratitude
06.The Canal Suite: Land of Hope
07.The Canal Suite
08.Premonition in Rhythm
09.The Canal Suite: Melting Pot (Chocolate)
10.The Expedition
11.Narration to Reflections on the South Sea
12.Panama Viejo
13.Celebration of Our Land

Musicos:
Danilo Pérez: piano, cowbell
John Patitucci: electric bass (2); acoustic bass (3, 4, 9)
Brian Blade: drums (2 – 4, 9)
Ben Street: bass (1, 5, 8, 11)
Adam Cruz: drums (1, 5, 8, 11)
Alex Hargreaves: violin (1, 2, 8)
Sachi Patitucci: cello (3)
Román Díaz: percussion, chant (1)
Rogério Boccato: percussion (2, 3, 8)
Milagros Blades: ripcador (1, 7)caja, pujador (7)
Ricaurte Villareal: caja, güiro (1)
José Angel Colman: vocals in guna language (3)
Eulogio Olaideginia Benítez: gala bissu; gala ildi (4) (12)
José Antonio Hayans: Gammuburwi (12)
Marden Paniza: director and coordinator of guna musicians, author of the narration


lunes, 15 de septiembre de 2014

Ray Armando - Mallet Hands



Ray Armando ha aparecido en algunos de los mejores discos de jazz y latinos de todos los tiempos y ha tocado con Duke Ellington, Stan Getz, Antonio Carlos Jobim, Joao Gilberto, Nina Simone, Gato Barbieri, Tito Puente y Lionel Hampton, sólo para nombrar unos pocos . Después de todos estos años-que comenzaron su participación con la percusión latina a la edad de 8-por fin tiene un álbum propio.

Mallet Manos, producido por Bobby Matos, es una colección de nueve composiciones originales con jugadores de peso pesado Ben Clatworthy (saxo tenor), George Griffin y Theo Sanders (piano), Eddie Resto (bajo), Enzo Tolesco (batería) y Robertito Meléndez y José "Papo" Rodríguez (bongó). Estos músicos hacen un trabajo increíble. Los solos de tenor de Clatworthy son impresionantes, y su interacción con Griffin y Sanders es un golpe de gracia en la pista de cierre deliciosa, "Con Mi Guaguancó".

A pesar de todos los acompañantes con talento, sin embargo, su atención no está lejos de la pirotecnia de percusión impresionantes de Armando. Clásico "Take the 'A' Train", de Billy Strayhorn, por ejemplo, se transforma en una, samba balanceando infecciosa. Uso de Armando de una cuica brasileña es asombrosa.

Mallet Hands es un viaje en montaña rusa de ritmos._ Egidio Leitao (jazztimes)



Ray Armando - Mallet Hands (2000)

Temas:
01.Con Mi Guaguanco 
02.The Boxer 
03.Eighty One 
04.Mallet Hands 
05.Take The A Train 
06.Soko 
07.Elizete 
08.In Sid's Thing 
09.As We Were

Musicos:
Ray Armando-Congas, Percussion
Eddie Resto-Bass
Enzo Todesco-Drums
Jorge Valentin Gaffenito, Theo Saunders-Piano
Benn Clatworthy-Saxophone
Papo Rodriguez, Robertito Melendez-Bongos

domingo, 14 de septiembre de 2014

Los Papines & Rubén González- JazzCuba Vol.7




Durante la década de 1920, la escena musical cubana estaba en pleno florecimiento. Al mismo tiempo que se desarrollaba el jazz americano, particularmente en Nueva Orleáns, las primeras bandas empezaron a interpretar el jazz cubano o jazz latino en los clubes nocturnos y hoteles de la isla. El director de banda de jazz cubano más destacado, además de pionero entre los intérpretes de jazz, fue el maestro Armando Romeu, quien dirigió las famosas orquestas Bellamar y Tropicana.

La música de Cuba se basa en gran medida en sus orígenes culturales europeos y africanos. La llegada de miles de esclavos africanos a la isla en el transcurso de trescientos años dio como resultado una gran variedad de formas musicales nuevas. Profundamente arraigada en los ritmos africanos, la música distintiva del país le debe su poder melódico a su legado colonial español. La alegre y enérgica cadencia cubana ha ejercido una influencia significativa en los estilos musicales alrededor del mundo, incidencia que continúa en la actualidad. Con el tiempo, las formas singulares de danza, relacionadas con tipos específicos de música, se han influenciado mutuamente, creando nuevos estilos de expresión.

Más información relacionada





Los Papines & Rubén González- JazzCuba Vol.7 (2007)

Temas:
01.Esa me la Llevo Yo
02.Nostalgia
03.El bobito de Mi Cuadra
04.Salsa Criolla
05.Amo This Isla
06.Abuela No Se Puede Evitar
07.Amor en Festival
08.Popurrí Mexicano
09.Chacha blue10.Papines en Descarga