viernes, 19 de abril de 2019

Armando Garzón y El Quinteto Oriente-Boleros



Una de las voces nuevas más emocionantes de la música cubana es cantar baladas tradicionales, como "Quiereme Mucho" y "Dos Gardenias". Armando Garzón, apodado "El ángel negro con la voz de terciopelo" por la prensa mexicana, es un contratenador que realiza interpretaciones de repuesto de los clásicos con rara sensibilidad y franqueza emocional. Con el respaldo de una banda acústica, el Quinteto Oriente, Garzon logra un sonido profundamente tradicional y contemporáneo. Su voz es inusualmente alta, subiendo las octavas al final de las melodías. Su capacidad para cantar canciones sentimentales sin que suene sentimental también parece novedosa en un género dominado por los gustos de Luis Miguel y Julio Iglesias.

Garzón nació en 1948 en Santiago de Cuba, donde aún vive. Casi todos los miembros de su familia cantaron, especialmente su abuela y su tía abuela, quienes lo acompañaron con canciones tradicionales cubanas. Mientras estudiaba ingeniería en la Universidad de Oriente, Garzón cantó como solista principal en el coro universitario, donde creció para admirar la música europea de los siglos XVI y XVII, compositores como Giovanni Pierluigi da Palestrina, Orlando di Lasso y John Dowland. En 1978, Garzón se unió al Orfeon de Santiago, uno de los grandes coros de Cuba, recorriendo Rusia, Europa del Este y el Caribe. Luego, Garzon grabó un álbum de baladas populares, que incluía los éxitos de Simon y Garfunkel y los Beatles, y solo se lanzó en Cuba. Garzon buscó inspiración para el contratenista inglés Alfred Deler y otros que cantaron baladas irlandesas y canciones tradicionales; Entonces decidió cantar los estándares cubanos de la misma manera. A fines del 2000, Corason Records lanzó un álbum de música romántica con base en Cuba titulada Escalando._Spencer Harrington (allmusic)





Armando Garzón y El Quinteto Oriente-Boleros (1996)

Temas:
01. Dos Gardenias (Isolina Carrillo)
02. Pensamiento (Rafael Gómez)
03. Sublime Ilusión (Salvador Adams)
04. Reclamo Místico (Miguel Matamoros)
05. Quiéreme Mucho (Gonzalo Roig)
06. Si Llego A Besarte (Luis Casas Romero)
07. Miénteme Más (Mario Molina Montes)
08. Y Tú Que Has Hecho (Eusebio Delfín)
09. Contigo En La Distancia (Cesar Portillo De La Luz)
10. La Puerta (Luis Demetrio Traconis)
11. Juramento (Miguel Matamoros)
12. Chan Chan (Francisco Repilado)
13. Se Te Olvida (Alvaro Carrillo)
14. Si Me Pudieras Querer (Ignacio Villa)

Musicos:
Armando Garzón Sola: Voz
Juan Ramón Alvarez: Contrabajo
Alejandro Enis Almenares Sánchez: Guitarra primera
Nicolás 'Omar' Corrales Larduet: Guitarra segunda
Manuel Téllez Gutiérrez: Bongos, coros 
Félix Dupuy Bell: Percusión menor, Coros

sábado, 13 de abril de 2019

Orlando Guerra "Cascarita" - Pruebe y Compare




Orlando Guerra Soa (Camagüey, 14 de septiembre 1920-México, 1975). Conocido durante muchos años en el ambiente artístico cubano como “Cascarita” y “El guarachero de Cuba” impuso un original estilo de interpretación que influyó decisivamente en cantantes que le sucedieron. Según Bebo Valdés fue “el mejor cantante de mambos que dio Cuba”.

Muy joven debutó profesionalmente en la ciudad de Santa Clara como cantante en la emisora CMHI de los magnates tabacaleros de los Hermanos Trinidad, que luego daría origen a la estación RHC Cadena Azul, en La Habana.

En Santa Clara pasó por varias orquestas con las cuales interpretaba sones, danzonetes y guarachas de moda. Fue contratado por el trompetista Julio Cueva para integrar la agrupación Montecarlo, nombre que recibió en 1939 la orquesta Cuban Boys de Amado Trinidad.

Cascarita estrenó algunos números de Cueva, luego muy populares, como Tingo Talango, Rascando siempre rascando y El marañón, pero la Montecarlo tuvo vida efímera pues los hermanos Trinidad no renovaron su contrato.

En 1941 Cascarita realizó, con la orquesta Hermanos Palau, sus primeras grabaciones entre las que se cuentan las guarachas y sones de Julio Cueva Pobrecitas las mujeres, Qué caló, En tiempo de mangos y Dos cosas pa’ tomá con leche, además de las ya mencionadas.

En 1942 Cascarita viajó a Puerto Rico y realizó grabaciones con la orquesta de Pepito Torres para RCA Victor. Desde entonces Orlando Guerra perfilaba los rasgos de un estilo sarcástico, salpicado de palabras de la jerga callejera, que burlonamente deslizaba en el ritmo, las frases melódicas y la armonía. Sin poseer un instrumento vocal de gran extensión sabía sacarle buen partido a sus posibilidades, impostando la voz con sentido humorístico, intercalando trabalenguas e inesperadas interjecciones. Poseía un admirable sentido del ritmo del cual hacía gala en sus interpretaciones, aunque fuera un número sencillo, que en voz de otro cantante hubiera pasado inadvertido.

En su estancia con los Hermanos Palau –que contaban por esa época (primeros años de la década de 1940) con otros buenos cantantes como Reinaldo Valdés “El jabao” y Manolo Manrique “El Morito”–, Cascarita grabó la mayoría de los números que le reportaron mayor popularidad a la orquesta como Yo estoy aprendiendo inglés y Majarete, de Facundo Rivero; Recuerden la ola marina, de Virgilio González; Gumpampiro, de Chano Pozo; Puntillita, de Félix Cárdenas; La araña y la mosca, Como se baila la suiza, de Pablo Cairo; y Ta bueno ya, Yo como gente, Ciriaco y Perro huevero, de Pedro Guida, saxofonista de la agrupación.
En 1944 Julio Cueva organizó su propia orquesta, con Cascarita como cantante estrella, aunque el intérprete continuó haciendo grabaciones con los Palau hasta 1949.

Para los Hermanos Palau (y para la orquesta de Cueva) escribieron arreglos por esa época los pianistas Bebo Valdés y René Hernández, trabajos que se consideran como antecedentes del mambo, desarrollado por Dámaso Pérez Prado, como se puede advertir, por ejemplo, en Baltazar tiene un pollo, de Pepé Delgado; Rosas del pensil, de Rosendo Ruiz; Tú verá que tú va a vé, de Reemberto Béquer; Rareza del siglo, de Bebo Valdés y Ñenguere ñengue, de Julio Cueva.

En junio de 1945 Liduvino Pereira, director de la Orquesta Casino de la Playa, contrató a Cascarita para realizar grabaciones con esa agrupación que, aunque aún gozaba de renombre (sobre todo como acompañante de cantantes), había decaído en la preferencia del público tras las bajas causadas por Miguelito Valdés y el pianista-arreglista Anselmo Sacasas a inicios de la década.

Los primeros discos de la Casino de la Playa con Cascarita resultaron éxitos comerciales: Consuélate, de Silvestre Méndez; Vive regalá, de Hermenegildo Cárdenas; El cuá cuá, de Jesús Guerra (de quien cantaría muchas guarachas a lo largo de su carrera); Coge pa la cola, de Iván Fernández; Esto es lo último, de Rafael Blanco Suazo; y Yo pico un pan, Quiero un sombrero y Se murió Panchita, de Félix Cárdenas.

El estudioso de la discografía cubana Cristóbal Díaz Ayala ha señalado que tal fue el éxito alcanzado por el cantante con la Casino de la Playa que en los discos editados en 1946 comenzó a aparecer el nombre de Cascarita por encima del de la orquesta.

Por esa época Cascarita propició que el joven pianista y arreglista Dámaso Pérez Prado ingresara en la agrupación a la que aportó un lenguaje novedoso en las orquestaciones y un original estilo en sus solos de piano.

En este período Cascarita grabó, entre otras piezas: Azúcar pa un amargao, de Bienvenido Julián Gutiérrez; La pelotica y Son los bobitos, de Enrique González “La Pulga”; Estoy acabando, de Horacio Jiménez; Llora, de Chano Pozo; Tártara, de Rubén Amat; Un meneíto, de Jesús Guerra; La última noche, de Bobby Collazo; Ay qué jelengue y Pa que te dure, de José Antonio Méndez.

De Pérez Prado, Cascarita con la Casino de la Playa llevó al disco comercial a inicios de 1949 la guaracha Kandela, poco antes de que el pianista marchara a México. Grabó también con una orquesta que Prado formó en La Habana por esos días lo que se suponen fueron los primeros mambos; pero aquellos registros no fueron editados nunca.

Hacia 1948 fue contratado por la emisora CMQ para presentarse diariamente en un show nocturno que animaba Germán Pinelli, con quien Cascarita formaba un dúo humorístico chispeante. Lo acompañaba una estupenda orquesta dirigida por Carlos Ansa, con Cándido Camero (tumbadora), Bruno Guijarro (saxo alto) y Wifredo Gelabert (clarinete), entre otros. En fecha reciente algunas de sus actuaciones en ese programa han sido editadas en disco compacto lo que ha hecho reconsiderar positivamente su lugar en la música popular cubana.

En 1950 hizo grabaciones con la orquesta de Bebo Valdés (entre ellas El nuevo Be-Bop, de Jorge Zamora y A la United Café de Ángel Duarte), y con la orquesta de Orestes Santos en 1952.

Según los estudiosos de la música cubana, la avasalladora popularidad que comenzó a alcanzar Benny Moré a través de sus discos grabados en México fue factor determinante para que el público relegase a Cascarita, de quien Moré, sobre todo en sus primeros tiempos, tomó elementos que incorporó a su estilo, no sólo musicalmente, también en la manera excéntrica de vestir y comportarse en el escenario.

Tras presentarse en cabarets de segunda, escenarios de provincias y actuar con conjuntos y otros grupos que en realidad no se encontraban a su altura, Cascarita se radicó en México hacia 1960.

Ese año realizó algunas grabaciones con la orquesta de Bebo Valdés en La Habana y meses más tarde, al parecer, en la capital mexicana.

En 1968 hizo su última incursión importante en discos respaldado por la orquesta del pianista mexicano Memo Salamanca. Su voz y el gracejo de sus interpretaciones continuaban intactos. Realizó giras por Colombia, Panamá, Puerto Rico y Venezuela.(ecured)

Más información relacionada





Orlando Guerra "Cascarita" - Pruebe y Compare (1995)

Temas:
01. Presentación del Programa Cascarita y Pinelli
02. La Mueca
03. Pancho Tabaco
04. Rumba en Pueblo Nuevo
05. Pinelli y Cascarita
06. Arrimate Cariñito
07. Pruebe y Compare
08. Hay Que Dejarse de Cuento
09. Pinelli y Cascarita, Pt. 2
10. Tu Solo Tu
11. Rumba en el Patio
12. A La United Cafe
13. Llegaste Tarde
14. Pinelli y Cascarita, Pt. 3
15. Mambo Pa'Los Pollos
16. Gandio
17. El Caiman
18. Pinelli y Cascarita, Pt. 4
19. Que Te Pasa Jose
20. Despedida del Programa

Acompañado por la Orq. Trinidad Y Hermanos.
Dirigida por Carlos Ansa.
Grabado en CMQ Radio.
Fecha de grabación 1949 y 1950

viernes, 5 de abril de 2019

Martin Denny - Afro-Desia


Martin Denny (n. En Nueva York el 10 de abril de 1911 - f. En Honolulu el 2 de marzo de 2005) fue un músico estadounidense, intérprete de piano y compositor, mejor conocido como el "padre de la música exótica". Su trayectoria artística se prolongó hasta la década de 1980, viajó por casi todo el mundo, popularizando su estilo musical, el cual fue enriquecido por percusiones especiales (exóticas, al menos para la escucha norteamericana) y arreglos imaginativos para canciones populares de su época. Dichos temas fueron el inicio de la llamada Cultura Tiki. De las filas de su agrupación surgieron dos geniales instrumentistas con una acentuada influencia de Denny: Julius Wechter de Baja Marimba Band y el notable percusionista y músico Arthur Lyman._(wikipedia)

Después de haber explorado con tanto éxito los extremos exóticos del Pacífico en sus excursiones musicales anteriores (Exotica, Volúmenes I y II, Forbidden Island, Primitiva y Hypnotique), el sonido de Martin Dermy ahora se dirige al almacén más rico de la tierra, África, para Su última inspiración.
Tomando los diversos modismos nativos y traduciéndolos en viñetas increíblemente atrayentes, una vez más, el Sr. Denny estimula el paladar hastiado de la civilización cotidiana con música que es puro escape.
Al escuchar las sutiles combinaciones de ritmos y voces tanto humanas (los cantantes de Randy Van Horne) como instrumentales, en Afro-Desia, uno siente que se le está permitiendo esa rara visión de otras culturas ... otras habitaciones. Nos convertimos en viajeros de sillón con nuestra alfombra mágica, nuestro equipo de alta fidelidad (o estéreo) y este álbum. Vemos y sentimos el brillo abrasador ... los alcances de la jungla ... una fiesta de iniciación tribal y una belleza que abarca.
Aquí, con toda honestidad, se ha recreado ese maravilloso universo perdido de fantasía, completamente atractivo, impecable en su sabor y, típicamente, ¡Martín Denny!

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Martin Denny - Afro-Desia (1959)

Temas:
01. Tsetse Fly (Martin Denny)
02. Ma'chumba 
03. Jungle Drums (Ernesto Lecuona)
04. Cubano Chant (Ray Bryant)
05. Baia (Ary Barroso)
06. Swamp Fire (Harold Mooney)
07. Temptation (Nacio Herb Brown)
08. Simba (Les Baxter)
09. Mumba
10. Aku Aku (Julius Wechter)
11. Raftero
12. Siboney (Ernesto Lecuona)

Musicos:
Martin Denny (piano, celeste & arrangements)
Julius Wechter (vibes, marimbas, percussion)
Augie Colon (bongos, congas, bird calls, percussion)
Harvey Ragsdale (string bass, marimbula)
Randy Van Horne (chorus)

Grabado por Don Gallese en Liberty Studios, Hollywood, California, 1959

sábado, 30 de marzo de 2019

El Gran Fellove - Goza Mi Ritmo



Francisco Fellove Valdés (7 de octubre de 1923 - 15 de febrero de 2013), también conocido como El Gran Fellove , fue un compositor y cantante cubano. Un prolífico compositor de la generación de sentimientos , es bien conocido por su estilo particular de canto scat conocido como chua chua. Es el autor de la famosa guaracha - pregón "Mango mangüé", grabada por Machito y Celia Cruz entre otros. Era primo del baterista de conga Carlos "Patato" Valdés . 

Fellove nació el 7 de octubre de 1923 en el barrio de Colón, La Habana , Cuba . Comenzó su carrera musical como compositor, principalmente de guarachas , pero también de boleros como "Dos caminos", que escribió para Olga Guillot . Junto con otros autores de boleros, sones , canciones y guarachas, se convirtió en parte del llamado movimiento filin , donde comenzó a desarrollarse el formato de descarga . Pronto, varias de sus guarachas se hicieron muy populares, especialmente "Para que tú lo bailes", "Sea como sea" y "Mango mangué". 
Este último, que compuso cuando tenía solo 17 años, fue grabado por numerosos artistas, entre ellos Miguelito Valdés , Machito y sus afro-cubanos con Charlie Parker , Celia Cruz con La Sonora Matancera , Tito Puente y Johnny Pacheco , así como el propio Fellove. Basado en el rápido ritmo de sus guarachas, que denominó "chua chua", Fellove desarrolló una técnica de canto scat junto con su vocalista Dandy Crawford.

En 1952, Fellove participó en algunas de las descargas (jam session) dirigidas por Julio Gutiérrez en los Estudios Panart en La Habana (lanzados en 1956). En diciembre de 1955 se mudó a México con el compositor filinista José Antonio Méndez y se unió al grupo cha-cha-cha Conjunto Batamba. En 1956 conoció al promotor y jefe mexicano de RCA Victor en México Mariano Rivera Conde, quien le dio el apodo de "El Gran Fellove", iniciando su carrera en solitario. Entre sus primeras grabaciones en solitario para RCA Victor estuvieron "Mango mangüé", "El jamaiquino" de Niño Rivera y " Azul pintado de azul ", respaldado por Lobo y Melón . En 1957, RCA Victor lanzó un LP de las grabaciones de Fellove titulado El Gran Fellove .


En la década de 1960, Fellove cambió de RCA Victor a Musart , lanzando Watusi en 1966. Fellove continuó grabando y actuando en México, Estados Unidos y en toda América Latina. Jugó con Tito Puente y Machito en la ciudad de Nueva York . En 1979 lanzó su último álbum como líder con su Conjunto Habana con Niño Rivera en tres . En 2002 grabó una versión de " Walking on the Moon ".

Fellove murió el 15 de febrero de 2013, en la Ciudad de México._(wikipedia)





El Gran Fellove - Goza Mi Ritmo (1982)

Temas:
01. La Bola
02. Rapido Chachacha
03. Quiereme Y Veras
04. Chachacha En La Roqueta
05. Baila Mi Guapacha
06. Goza Mi Ritmo
07. La Circunstancia
08. Cha Cha Chica
09. Parlez Vous Francais
10. Nostros Los Hombres

viernes, 22 de marzo de 2019

Marta Valdés-La Música de Marta Valdés


Marta Emilia Valdés González (6 de julio de 1934). Compositora, guitarrista e intérprete cubana. La creación bolerística de Marta Valdés refleja un trabajo artístico acabado que le ha permitido viajar con el tiempo. Su armonía —en estrecha interrelación con el carácter de la melodía y el sentido del texto— desempeña un papel fundamental en este logro, que le ha permitido trascender las referencias o pautas de comportamiento establecidas durante la década de 1950. Marta Valdés se convierte en la figura más sobresaliente de una segunda generación del movimiento filin, e inicia una decantación de la sonoridad dominante hasta entonces en el marco de la tendencia. Así, su obra se convierte en un puente hacia la aparición de una nueva canción en Cuba. Y no sólo en el orden de la estricta estética musical, sino también en el ámbito poético. Composiciones como "Por si vuelves" y "Yo me quedo", son piezas claves en la búsqueda de nuevas sonoridades y también en el replanteo de la poesía amorosa en la canción.


Realizó sus estudios de música con dos destacadas pedagogas de la guitarra: Francisqueta Vallalta, 1945, y Leopoldina Núñez, 1957; con Aida Teseiro estudió solfeo y teoría, 1962. En 1963 se incorpora a los cursos que por entonces se impartían en el Seminario de Música Popular, dirigido por el pianista y musicólogo Odilio Urfé, y con un profesorado integrado por Vicente González Rubiera (Guyún), Alejo Carpentier, Manuel Moreno Fraginals y Alfredo Diez Nieto, entre otros; los completó, a partir de 1971, con el compositor Harold Gramatges.

Debuta, en 1958, en la radio como intérprete de sus canciones, y en 1959, lo hace en la televisión. En 1963 participa, junto a otros compositores, en el Forum del Feeling efectuado en la Biblioteca Nacional José Martí, y donde Alejo Carpentier dictara una importante conferencia sobre esta modalidad de la canción cubana. En 1964 comienza a trabajar en el Grupo Teatro Estudio como asesora musical; en 1967 participa en el Encuentro de la Canción Protesta, auspiciado por la Casa de las Américas.

Desde el punto de vista musical, Marta Valdés se caracteriza en sus composiciones por salirse del cuadro convencional armónico de los acordes tonales y extratonales agrandados, muy arraigados en los compositores del filin, y empieza a confeccionar en profusión giros melódicos que en apariencia no son modulantes, porque modular no es difícil. En realidad, si se conocen las reglas que rigen en los tratados de armonía, no son verdaderas modulaciones, pues la modulación significa cambio de tonalidad; esta técnica, para reafirmarse, reclama su correspondiente paso cadencial. Nada de esto está presente en la obra de Marta Valdés. Cuando se escuchan algunas de sus canciones, parece que va a modular, pero con audacia se mueve hacia otra aparente nueva tónica en la cual no se detiene. Ella, con una manifiesta inquietud tonal, coquetea con los diversos tonos, pero sin entregarse a ellos. A esto pudiéra llamarse tonalizaciones.


Esa inquietud tonal presente en casi todas sus canciones es uno de los ingredientes más peculiares de ese nuevo estilo exclusivamente suyo. Su arte no cabe en ninguna de las escuelas conocidas. Sus canciones: "No hagas caso" y "Llora", son un fiel ejemplo del análisis acabado de hacer..._(ecured)






Marta Valdés - La Música de Marta Valdés (1999)

Temas:
01. Hay Mil Formas (Voz - Miriam Ramos) (Canción)
02. Y Con Tus Palabras (Voz - Marta Valdés) (Bolero)
03. En La Imaginación (Voz - Elena Burke) (Canción)
04. Tú No Sospechas (Voz - Ignacio Villa) (Canción)
05. Canción Sin Título (Voz - Miriam Ramos) (Canción)
06. No Te Empeñes Más (Voz - Pablo Milanés) (Bolero)
07. Como Un Río (Voz - Miriam Ramos) (Canción)
08. Llora, Llora (Voz - Elena Burke) (Bolero)
09. Aída (Voz - Pablo Milanés) (Bolero)
10. Ay, Plácido (Voz - Marta Valdés) (Bolero)
11. José Jacinto (Voz - Marta Valdés) (Canción)
12. Mascaya (Voz - Elena Burke) (Canción)
13. Por Si Vuelves (Voz - Pablo Milanés) (Bolero)
14. Aunque No Te Vi Llegar (Voz -  Miriam Ramos) (Criolla)
15. Canción Fácil (Voz - Miriam Ramos) (Canción)
16. Tengo (Voz - Elena Burke) (Canción)
17. Tú No Hagas Caso / Deja Que Siga Solo (Voz - Miguelito Cuní, Pablo Milanés) (Bolero)
18. La Canción (Voz - Elena Burke) (Canción)

sábado, 16 de marzo de 2019

Osmany Paredes & Menduvia


Osmany Paredes González es un pianista, compositor y arreglista cuyo estilo combina el jazz con su herencia rítmica afrocubana mediante el uso de una técnica derivada de años de educación clásica. Nacido en Santa Clara, Cuba, su padre comenzó la educación musical de Osmany a la edad de cinco años. Guillermo Paredes, percusionista de la Orquesta de Música Moderna de Santa Clara, fue su primer maestro e influencia primaria. Le enseñó sobre los diferentes ritmos y estilos afrocubanos. A la edad de ocho años, Osmany comenzó su educación formal en piano clásico en la Escuela de Artes Vocacionales Olga Alonso en Santa Clara, Cuba. Continuó estos estudios en la estimada Escuela Nacional de Música de La Habana y se graduó con honores en 1991. Mientras estudiaba los clásicos, continuó escuchando la mayor cantidad posible de grabaciones de jazz para incorporar ese estilo a su forma de tocar. 
Mientras estaba en la escuela, Osmany jugó con muchos grupos en Cuba, incluido el grupo de charanga Orquesta America. Este grupo le proporcionó su primera gira fuera de Cuba cuando fueron a Venezuela. Después de graduarse, se unió al grupo de jazz de Bobby Carcasses y luego al grupo de charanga Orquesta Enrique Jorrin. Estos tres grupos le dieron una educación invaluable en música cubana, jazz y performance. Después de mudarse a México en 1992, jugó con varios artistas y grupos, entre ellos Israel "Cachao" López, Jerry González, Celio González, alias de Diego "El Cigala" y "Patato" Valdés, Fellove Valdés entre otros. Osmany ha participado en el famoso Havana Jazz Plaza Festival, los festivales de jazz de Caracas y Trujillo, Venezuela; Festival Internacional de Jazz de Acapulco, Teatro de Bellas Artes, Festival Internacional Centro Histórico; Festival Internacional Homenaje a Agustín Lara (2001) como productor, director musical, arreglista y pianista; Festival Internacional del Caribe de Veracruz, el Festival Internacional Cervantino, México; y también ha participado en otros festivales en Austria, Alemania, España, Uruguay, Chile y Colombia. También apareció en varios programas de televisión mexicanos, actuando con su grupo Menduvia, Antonio Sanchez, la banda de Art 01 y Celio González. 
Enero de 1998 fue el año en que Osmany se convirtió en director musical, compositor y arreglista de su grupo Menduvia. Grabó su primer CD de Jazz latino en México titulado "Osmany Paredes con Menduvia", bajo el sello Fonosound / Universal Music Latino. Este CD ha sido distribuido ahora en los Estados Unidos y Puerto Rico. También grabó con Eugenia León, Joey Altruda, Francisco "Fellove" Valdés, Molotov, "Chocolate" Armenteros, Orquesta Enrique Jorrin, Celio González y Amaury Gutiérrez. Desde su llegada a los Estados Unidos en 2003, Osmany Paredes ha aparecido en muchos clubes conocidos; y ha actuado o grabado con David Murray, Richard Bona, Giovanni Hidalgo, Jeff "Tain" Watts, Roy Hargrove, Jane Bunnett y Issac Delgado entre otros. También ha aparecido en Zinc Bar, Jazz Gallery, Smoke, Jazz Standard y Dizzy's Club Coca Cola en Nueva York, Kimmel Center y Museum of Art en Filadelfia, Freihofer Jazz Festival en Saratoga Springs, Berklee Performance Center. y el Regattabar en Boston, Providende Sound Session 2005, 2006 y 2007, el Festival de Jazz de San José, el Festival de Jazz de San Francisco, la Panadería de Jazz en Los Ángeles, Yoshi's en Oakland, el Festival de Jazz Earshot en Seattle y el Arte del Jazz en Toronto
Osmany reside actualmente en la ciudad de Nueva York, donde tiene su propio Latin Jazz Group, además de impartir cursos y seminarios en diferentes partes del mundo._(osmanyparedes)





Osmany Paredes & Menduvia (2003)  

Temas:
01. Cha-Cha Frames (Cuadras Cha Cha)
02. Seven Steps to Heaven
03. Friends (Amigos)
04. Atomic (Atómico)
05. In Us (En Nosotros)
06. Vlady (Braulio Fernández)
07. Havana 4 (Habana 4)
08. Latin Encounter (Encuentro Latino)
09. Song at First Sight (Cancíon a Primera Vista)
10. Emiliano Sound (Sonido Emiliano)

Musicos:
Osmany Paredes: Arreglista, Compositor, Teclados, Liner Notes, Dirección Musical, Piano, Artista Principal, Productor, Voz
Braulio Fernández: Bajo (Eléctrico)
Ricardo Benítez: Flauta
Alfredo Pino: Flugelhorn, Trompeta
Fernando Acosta: Bongos, Percusión, Tenor (Vocal)
Coky Garcia: Bongos, Batería, Percusión, Timbales
Miguel A. Valdés: Congas, Percusión
Luis Gil: Masterización
Alejandro Rodriguez: Masterización, Ingeniero de Mezcla, Grabación
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???

A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados.
Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta.
Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio.
Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.

No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.

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