Steven Kroon – El Mas Alla (Beyond)

Steven Kroon ha sido un músico profesional por más de 35 años. Nació en Harlem, y vivió allí hasta la edad de nueve años, cuando se trasladó a St. Albans, en Queens en 1957. Su experiencia que empezó a desarrollar en Queens fue muy importante. En esos días, había muchos grandes artistas del jazz y el R&B viviendo alrededor del vecindario. En casa, a menudo escuchaba las producciones de su padre, incluyendo a Tito Puente, Tito Rodríguez y Machito. Cuando visitaba a sus amigos, el podía escuchar a todos los grandes artistas de jazz. Justo en su vecindario estaban Lester Young, Eddie "Lockjaw" Davis, Count Basie y muchos más. También una gran influencia sobre Steve fue el gran productor Henry Glover, que vivía justo en su esquina. Con toda esa diversidad y estilos, fue que su apreciación musical comenzó a temprana edad. En esa temprana etapa de su carrera musical el progresó a tocar las percusiones. Junto a su hermano Bobby practicaron desde el principio con las grabaciones de todos esos grandes artistas y Steve progresó con los estudios llevados a cabo con varios maestros de música. Grandes influencias sobre Steve fueron las lecciones de conga con el gran Sr. Tommy López, y el percusionista Dom Um Romao. 
Steve empezó a trabajar con grandes de la talla de Luther Van Dross de 1981 a 2001, apareciendo en siete discos de platino y quince giras mundiales, que incluyeron dos videos de presentaciones en vivo. También tocó en varias shows de televisión como The Tonight Show de David Letterman, el de Jay Leno, así como durante los premios Grammy. También estuvo trabajando con Ron Carter de 1987 a 2004, con grandes giras por la Unión Americana, Japón y Brasil, así como la conocida escena del Jazz en NY. Algunos de los lugares donde ha interpretado su música son “The Village Van Guard”,”The Irriidium”, y “The Blue Note chain from the U.S. to Japan” . El también grabó con muchos personajes de leyenda –los “Quién es Quién”- en el negocio de la música, como Ron Carter, Roberta Flack, Bill Cosby, Aretha Franklin, Diana Krall, por mencionar algunos.
En los últimos cinco años Steve Kroon ha trabajando en su carrera de solista, incluyendo cuatro CDs, "In My Path”,”Senor Kroon”, “El Mas Allá” y la producción recién lanzada “Without A Doubt”, todos bajo su sello discográfico llamado "Kroonatune Records, LLC". Ahora el está disfrutando de los frutos de su trabajo mediante presentaciones en diversos clubes, festivales y salas de concierto por todo el país. _(jazztimes)

Crecido en Queens, Nueva York, el percusionista Steven Kroon se penetró de los sonidos latinos, el jazz y la música R & B que bañaban su barrio. La influencia de tal ambiente musical tan diverso le ayudó a formar a su estilo personalizado, captando la atención de los artistas de renombre dentro del pop y jazz como Luther Vandross y Ron Carter. Además de ser un gran músico de soporte de primer nivel en las percusiones, Kroon es también un líder de banda genial, como lo demuestra en su tercer producción como solista: “El Mas Alla (Beyond)” , una realización brillante de Jazz-Latino con arreglos de primera calidad realizados con un grupo de veteranos experimentados de Nueva York. 
La composición contagiosa "Bo Bo's Blues" abre la sesión con una absorbente atmósfera de Jazz-Latino que recuerda a las grabaciones tradicionales de Cal Tjader. La excitante participación con solos de piano a cargo de Igor Atalita, el vibráfono de Bryan Carrott, la flauta a cargo de Craig Rivers y el saxofón tenor de Roger Byam. Carrott, Rívers y Byam son los principales solistas de todo el disco, en concordancia con el sentimiento agradable de Kroon. Las intervenciones de Invitados como el vocalista Freddy Cole ("I Wish You Love"), la violinista Regina Carter ("Superwoman/Where Were You") y el saxofonista Steve Wilson ("Don Ramón") le dan un toque extra a la tertulia musical. 
Los acompañantes en el ritmo de Kroon son todos adeptos al dialecto musical Afro-Cubano. El pianista Oscar Hernández destella con las teclas en su propia composición "Precious One", bajo un fuerte ritmo de cha-cha-cha. El bajista Rubén Rodríguez se mantiene con sus propios impactos vigorosos, y sus solos convincente en el tema clásico de Jaco Pastorius "Used to Be a Cha-Cha". Los bateristas Vince Cherico y Diego López se turnan en el juego colectivo, al estilo impetuoso de Kroon.
Todo en torno a actuaciones excepcionales, junto con una mezcla bien programada de originales y versiones, hacen de El Mas Alla (Beyond) una escucha muy entretenida._ John Barron (allaboutjazz)
                                                                               

                                                                                      

Steven Kroon – El Mas Alla (Beyond) (2008)

Temas:
01. Bo Bo's Blues
02. Matana
03. Precious One
04. Brazilian Sugar
05. I Wish You Love
06. Used To Be A Cha-Cha
07. Steppin
08. Superwoman/Where Were You
09. Don Ramon
10. Minha Saudade 

Musicos: 

Steven Kroon (Congas, percusión)

Igor Atalita (Piano, teclados)

Oscar Hernandez (Piano)

John Di Martino (Piano)

Bryan Carrott (Vibráfono)

Craig Rivers (Flauta)

Roger Byam (Saxo tenor)

Steve Wilson (Saxo soprano)

Rubén Rodriguez (Bajo)

Vince Cherico (Batería)

Diego López (Batería)

Regina Carter (Violín /8)

Freddy Cole (Voz /5)

Kenny Barron & The Brazilian Knights

Kenny Barron, comienza a dar lecciones de piano a los doce años y en 1957 logra su primera participación en una orquesta. Tras un breve paso por las formaciones de Philly Joe Jones y Yusef Lateef (1960), se instala en Nueva York, donde trabaja con Ted Curson y, luego con James Moody, Lee Morgan, Lou Donaldson (1961).

Al año siguiente toca con Roy Haynes, antes de reemplazar (por recomendación de James Moody) a Lalo Schiffrin en el quinteto de Dizzy Gillespie, donde se da a conocer y que abandona en 1966 para tocar con Freddie Hubbard y Stanley Turrentine. En marzo de 1970 se incorpora al cuarteto de Yusef Lateef; trabaja luego con Milt Jackson, Jimmy Heath, Stan Getz (1974-1975) y posteriormente inicia una duradera colaboración con Ron Carter (1976-1980). En 1981, es junto al saxofonista Charlie Rouse, uno de los fundadores de Sphere, grupo al que permanecerá fiel hasta su disolución además de trabajar, a partir de 1984, con Bobby Hutcherson y de acompañar a numerosos músicos en grabaciones o giras (como por ejemplo a Stan Getz en su gira europea de verano de 1987). En 1972 da clases de piano en el Jazzmobile Workshop y, desde1973, de practica y teoría musical

El estilo y la trayectoria de Kenny Barron guardan cierta similitud con los de Tommy Flanagan y Hank Jones: ha acompañado a muchos músicos, ha sabido adaptarse a cada contexto con un oficio impresionante. Verdadero estilista del bebop, a principios de los años ochenta se convierte en una especie de depositario de determinada tradición del piano-jazz moderno: trabaja especialmente la sonoridad, un desarrollo armónico refinado y formulas rítmicas inexploradas, todo ello sin abandonar jamás su profundo arraigo en el swing._apoloybaco


El pianista Kenny Barron es un amante de la música brasileña no es noticia. Se le ocurrió en los años 60-y con Dizzy Gillespie, por el amor de Dios. Caballeros de Brasil , con Barron y un sexteto de Brasil, en una sesión de 2012 en Rio das Ostras, es su tercer disco de larga duración de esa música, un esfuerzo típicamente magistral que brilla una luz en impecable toque rítmico de la pianista.

De hecho, desde el primer momento de su improvisación en la apertura "Rapaz De Bem," Barron pone en evidencia una comprensión completa de ranuras brasileños. Todo lo que necesita es un motivo de siete notas que se repite en todas partes, en varias permutaciones rítmicas. Ese conocimiento es profundo: Él utiliza su solo de recomponer prácticamente "Só Por Amor" de Baden Powell (con la ayuda de empatía del bajista Sergio Barrozo y el baterista Rafael Barata), y se entierra tan profundamente en el ritmo que parece ser el complemento guitarrista Lula Galvão en "Triste", cuando en realidad es al revés.


Eso también habla de los dones de Galvão: Podía compartir fácilmente la facturación superior a Barron, con las líneas delicadas pero rica resonancia de su guitarra acústica. La alegría tranquila que lleva a "Curta Metragem" trae aún más la vida con la música alegre, y los intrincados detalles de su trabajo en "Tristeza de Nós Dois" hacer lo mejor puesta a punto por no hablar del álbum su comping sensible pero de pie firme en todas partes. Otros dos solistas del álbum, el saxofonista Idriss Boudrioua y armonicista Maurício Einhorn, también funcionan bien; cascadas densamente establecidos de Einhorn en "Chorinho Carioca" son particularmente excelentes. (Claudio Roditi hace una breve aparición, lamentablemente, tocando la trompeta y el fliscorno, tanto en "Só Por Amor"). Caballeros de Brasil es una grabación de alta calidad de un músico cuya calidad alta es inevitable._Michael J. West (jazztimes)





Kenny Barron & The Brazilian Knights (2013)

Temas:
01. Rapaz De Bem 
02. Já Era 
03. Ilusäo á Toa  
04. Só Por Amor 
05. Curta Metragem 
06. Nós 
07. Triste  
08. Sonia Braga 
09. Tristeza De Nós Dois 
10. Chorinho Carioca  
11. Säo Conrado

Musicos:
Kenny Barron (piano)
Sérgio Barrozo (bajo)
Rafael Barata (batería)
Lula Galväo (guitarra acústica 1,2,3,4,5,6,7,9,1,11,12)
Maurício Einhorn (armónica 2,5,9,10,11)
Idriss Boudrioua (saxofón contralto 1,2,3,6,8,9,10,12,13)
Claudio Roditi (flugelhorn 4)

Julio Barreto Cuban Quartet - Iyabó

Julio César Barreto Penié nació el 19 de septiembre de 1967 en Guanabacoa / La Habana / Cuba como quinto hijo de su familia. Gracias a sus hermanos mayores y a sus talentosos tíos (Justo Barreto Rodrigues / pianista de Louis Armstrong; Alberto Barreto / compositor de Benny More) comenzó a tocar la percusión afrocubana a la edad de siete años. Con doce años ya tocaba en diferentes eventos privados y oficiales. En 1983 Julio Barreto asistió a cursos en la Escuela Nacional de Arte. Después de seis años logró terminar los nueve años de estudios de música clásica en la Academia de "Amadeo Roldan".

Mientras estudiaba, Julio Barreto tocaba la batería en diferentes grupos de música cubana como Kiki Corona y Roberto Poveda. Paralelamente también tocó Jazz en numerosos festivales nacionales con Babel, dirigida por Carlos Puig; y Cause, dirigida por José Carlos Acosta. Con Laurindo Almeida de Brasil jugó en Duo.

Después de sus estudios, Julio Barreto comenzó a tocar con varios cantantes famosos de la música popular cubana en teatros y festivales, por ejemplo con Xiomara Laugart y Alfredo Rodríguez.

Antes de que Julio Barreto se uniera al grupo de Gonzalo Rubalcaba en enero de 1991, estuvo tocando durante un año Jazz con el grupo "Cuarto Espacio" dirigido por Omar Hernández.

Durante siete años, Julio Barreto y Gonzalo Rubalcaba han viajado con éxito por todo el mundo en Trío y Cuarteto. Julio Barreto fue miembro de ambos grupos. El Trío estaba formado por Gonzalo Rubalcaba (p), Julio Barreto (dr), Ron Carter (b), Charlie Haden (b), Miroslav Vitous (b), John Patitucci (b) o Buster Williams (b). El Cuarteto estuvo formado por Gonzalo Rubalcaba (p), Julio Barreto (dr), Felipe Cabrera (b), Reynaldo Melian (tp).

CD's publicados con Gonzalo Rubalcaba (Blue Note)

- Suite 4 y 20 (Cuarteto) (Gold Premium / Japón / 1991)

- Rapsodia (Cuarteto) (nominado al Grammy 1995)

- Diz (Trio) - Imagine (Trio y Quartet) (Premium / USA / 1996)

- Antiguo (Cuarteto) (nominado al Grammy 2000)

A fines del año 1995, Julio Barreto formó el grupo JULIO BARRETO TRIO con músicos cubanos: Julio Barreto (ds), Antonio Pérez (p), Manuel Orza (b). Desde 1997 también tiene un Cuarteto, llamado JULIO BARRETO CUBAN QUARTET: Julio Barreto (ds), Carlos Puig (tp / keyb), Dany Martinez (g), Manuel Orza (b). En septiembre del 99 salió el CD "Iyabó" con el invitado especial JULIO BARRETO CUBAN QUARTET: RAVI COLTRANE.

Desde 1997 Julio Barreto se incorpora al grupo Crisol all Stars de Roy Hargrove. En abril del 98 grabaron un nuevo disco. La mayor parte del tiempo Julio Barreto está de gira con el CUARTETO CUBANO JULIO BARRETO. El resto de su tiempo, realiza conciertos con diversos músicos nacionales e internacionales (Sophia Domancich, David Sanchez, Chucho Valdés, Steve Coleman, Ravi Coltrane y muchos más), también grabó en 10 CD's más.

Julio Barreto firmó convenios internacionales de artistas con SONOR, ZILDIJAN, REMO y REGAL.

Julio vive ahora en Suiza y es profesor en la Jazzschool Basel._ (drummerworld)

                                                                          

                                                                                      

Julio Barreto Cuban Quartet - Iyabó (1999)

Temas:

01. Latineo

02. Spider Strings

03. Cantar Bueno

04. Coming Home Baby

05. Countdown

06. Lulla Baby

07. X-Bono

08. Iyabó

09. Donna Lee

10. Third Stone From The Sun

Musicos:

Julio Barreto (Batería, percusión, voz

Carlos Puig (Trompeta, teclados, voz)

Manuel Orza (Bajo, voz)

Dany Martinez (Guitarra, voz)

Invitado especial:

Ravi Coltrane (Saxo tenor y soprano)

Ricardo Pons y Causacomun – Segundapiel

Ricardo Pons es un flautista de Puerto Rico, saxofonista, arreglista y compositor. Él ha tenido una experiencia de rendimiento de ancho, con artistas como Chick Corea, Tito Puente, Eddie Palmieri, Mario Bauzá, Willie Colón, Celia Cruz, Jimmy Heath, Ron Carter, Los Pleneros de la 21, el Teatro Pregones y otros, y ha llevado a cabo en el prestigiosos Chicago Jazz Festival y el Charlie Parker Festival en Nueva York. Ricardo fue a la escuela en el City College de Nueva York y tiene una Maestría en Interpretación de Jazz y Composición en el Conservatorio de Aaron Copland en el Queens College, donde estudió con el maestro saxofonista / compositor Jimmy Heath. En la actualidad es profesor de Composición de Jazz, Armonía y Saxofón en la Universidad Interamericana de Puerto Rico. Este joven talento de Puerto Rico está comprometida con el desarrollo de la música derivada de la música folklórica puertorriqueña como la bomba, la plena y Danzas. Una de sus composiciones, Vieques si, ha sido incluido en el "Libro de Jazz Todo real" (música Sher), siendo el primer compositor de Puerto Rico joven para ser incluido en esa publicación. Su debut como productor en 1998, "De Puerto Rico al Mundo" con su banda Viento de Agua es una fusión de la tradicional Bomba y Plena, con una especia de Jazz y fue aclamado por el New York Times como uno de los 10 mejores grabaciones hechas en Nueva York en 1998. Su grabación más reciente, Ricardo Pons y Plena del Sol, producida por su propio sello, Musaboricua, fue en gran medida aclamada por el público.





Ricardo Pons y Causacomun – Segundapiel (2006)

Temas:
01.Eshu L'ona
02.El Lider
03.A Degree of Equilibrium
04.Scherzo
05.Sunrise in Hato Rey
06.Fantasia
07.Tesoros
08.Lo Cietro Que Es Lo Incierto
09.Blues For My Friends
10.Melanconico
11.El Sueno De Obatala

Musicos:
Ricardo Pons - Saxofon, flauta, percusión y compositor
Raúl Romero - Guitarra
Gabriel Rodríguez - Bajo
Efraín Martínez - Bateria
Paoli Mejías - Congas y percusión

Robert Navarro - Caminando Vol.1

Robert Navarro nació en la ciudad de Nueva York, donde comenzó su carrera como pianista, arreglista, productor y especialista en recreación terapéutica. Robert se graduó de la universidad de la ciudad con una Licenciatura en Bellas Artes (BFA) en la música. Robert asistió a la Escuela de Música de Manners (División de Extensión de Estudios de Jazz), y la Manhattan School of Music
(Estudios Clásicos) durante sus años de estudiante. Más tarde recibió un Master of Arts (MA) de la Universidad de Nueva York. Robert estudió en privado con el gran músico de jazz, Jackie Byrd (piano jazz y Big Band de la organización), así como Harold Danko, John Lewis, Caper Valerie, Ed Summerlin (jazz arreglos florales), Ron Carter (la improvisación del jazz). Estudió piano clásico con "La Sra. Bagger ", donde aprendió el repertorio del compositor de piano" Liszt ". Ingeniería de Robert de educación se logró mediante el estudio en dos de los ingenieros más respetados en el negocio de la música, John Fausty y el Alto de Kurt. En 1982, Robert formó la banda de Grupo Fascinación con Johnny Rivera y Tito Gonzales como cantantes principales. Grupo Fascinación grabó tres discos de larga duración bajo el sello Rico...Seguir leyendo

Bueno, crujiente, balanceando instrumental "Jazz Tropical" por el nacido en Nueva York el pianista Roberto Navarro. Se ha unido en esta fecha por los venezolanos Richard Bravo en la percusión y su hermano Jerry Bravo en el bajo. Solos de Niza por todas partes, y las disposiciones de la diversión de clásicos como "Watermelon Man" y "Night in Tunisia". Varias personas con talento se suman a los procedimientos, la posición de salida es de Pedro Alfonso en el violín. Alfonso trae una sensación de swing jazz gitano 'juguetón, casi a la conducción original, Navarro "Caminando" - un gran comienzo para un álbum sólido. Invitado el guitarrista Rainer Marín añade un poco de guitarra eléctrica chillando a la América estándar "Sabroso", me recuerda a la banda de Santana, en sus días de fusión mediados de los años 70. Formación clásica de Navarro es evidente en el danzón-descendido "Campanitas de Cristal" por el influyente compositor Rafael Hernández, y una canción de Cole Porter añade un tono desenfadado, jazz en el procedimiento de "You’d Be Nice To Come Home To". ~Pablo Yglesias
                                                                 

                                                                               

Robert Navarro - Caminando Vol.1 (2009)

Temas:

01.Caminando (Robert Navarro)

02.Night In Tunisia  (John "Dizzie" Gillespie & Frank Pararelli)

03.Campanitas De Cristal (Rafael Hernandez)

04.Llegue (D.R.)

05.Watermelon Man (Herbert Hancock)

06.You'd Be So Nice To Come Come To (Cole Porter)

07.Sabroso (D.R.)

08.All The Things You Are (Oscar Hammerstein & Jerome Kern)

Musicos:

Robert Navarro (Piano)

Richard Bravo (Batería, percusión)

Jerry Bravo (Bajo)

Alex Duque (Bajo)

Rainer Marin (Guitarra)

Pedro Alfonso (Violín)

Edwin Torrez (Timbales)

Paul Desmond - Bridge Over Troubled Water (Remaster)

Francisco Polytechnic y en el State College donde consiguió diplomarse en el clarinete, un instrumento que siempre la había fascinado. Fue en 1950 cuando decidió adoptar el saxo alto como su instrumento definitivo y con el que tuvo sus primeros escarceos con la música profesional en el seno del grupo de Jack Fina.

Influenciado por el maestro, Johnny Hodges y sobre todo por el sonido del saxo de Pete Brown, saltó a la diez años mas tarde cuando el pianista, Dave Brubeck, con quien permaneció la friolera de diecisiete años y al que conocía desde 1943, lo llamó para formar parte en 1951 de su cuarteto. En ese grupo, Paul Desmond era el músico con mas talento de todos y contribuyó esencialmente en el éxito del combo con su característico estilo melódico, de gran pureza y lleno de vigor y dulzura al mismo tiempo. Su aportación a los grandes discos de Dave Brubeck, especialmente en el extraordinario tema: "Take Five" para Columbia grabado en el año 1962 con el álbum "Time Out" fue extraordinaria y a partir de entonces, Desmond fue reconocido como el alma máter del cuarteto de Brubeck. Fuera del contexto del grupo de Brubeck, Paul Desmond grabó, no sin cierto disgusto de Brubeck, algunos discos extraordinarios con el saxo barítono, Gerry Mulligan, y con el guitarrista, Jim Hall. también grabó varios discos a su nombre fundamentalmente cuando se disolvió el cuarteto.

En los setenta, Paul Desmond casi desaparece de la escena musical del jazz debido a sus endémicos ataques de pereza, sus problemas con el alcohol y también por la aparición de los primeros síntomas de la enfermedad que le quitaría la vida: un cáncer de pulmón. En 1972 reaparece efímeramente al lado de Dave Brubeck en el Festival de jazz de Newport. Decidió escribir su propia autobiografía pero otra vez la pereza le impidió pasar del primer capitulo. En 1974 se instala en el famoso "Half Note" de New York con su propio cuarteto donde noche tras noche deleitaba a sus numerosos seguidores. Saxofonista infravalorado hasta hace muy poco, hoy la critica le reconoce lo que le negó en vida: ser uno de los grandes músicos de jazz de toda la Costa Oeste de los Estados Unidos y un maestro en el arte de la improvisación, siendo su sonido reconocible desde las primeras notas.

Dotado de un fino humor, (el seudónimo de Desmond, lo buscó en una guía de teléfono), dejó todo su dinero a la Cruz Roja, su piano Steinway al club Bradley's y especificó en su testamento que su cuerpo fuese cremado porque, textualmente, no quería ser un monumento camino del aeropuerto. En New York, las autopistas que conducen a los distintos aeropuertos, pasan por delante de varios cementerios.


Simon and Garfunkel's Bridge Over Troubled Water fue el disco más caliente en la tierra en 1970, y Paul Simon, que las melodías de sus álbumes anteriores y encontrar un defensor inesperado agradable en Paul Desmond. Contra todo pronóstico, determinado por bopsters, Desmond encuentra algo hermoso, nostálgico, y / o maliciosa que decir en cada una de estas diez canciones, respaldado por Rhodes Herbie Hancock, piano eléctrico y un conjunto de encantadora, a veces exagerado (como en "América") orquestaciones de Don Sebesky. "The 59th Street Bridge Song" se da una versión alegre y despreocupada, adaptándose muy bien a un tratamiento de jazz (después de todo, viejo compañero de Desmond en la Brubeck cuarteto de Joe Morello tocó la batería en el registro original de S & G) y Desmond incluso hace algunas cascada overdubs en su solo parte. "Cecilia" es una samba rápida, Desmond inteligentemente las obras de su edad "Blues Sagrado" en el solo de "El Cóndor Pasa", y la canción tiene un desvanecimiento impresionantemente bonita. Solos Hancock reflejan a menudo donde fue personalmente en en 1970, con ideas trasladado de su sexteto eléctrico progresivo. Esta es una producción de Creed Taylor en todos sino nombre, el sonido, la edición de pistas, y los valores de producción están en línea con la línea de A & M CTI, pero Sebesky aparece como productor, Taylor que recientemente rompió sus lazos con A & M para formar su propio sello . ~ Richard S. Ginell, All Music Guide

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Paul Desmond - Bridge Over Troubled Water (Remaster) (1969)

Temas:
01. El Condor Pasa
02. So Long, Frank Lloyd Wright
03. The 59th Street Bridge Song (Feelin' Groovy)
04. Mrs. Robinson
05. Old Friends
06. America
07. For Emily, Whenever I May Find Her
08. Scarborough Fair Canticle
09. Cecilia
10. Bridge Over Troubled Water

Musicos:
Saxophone (Alto) - Paul Desmond
Piano (Electric) - Herbie Hancock
Guitar - Gene Bertomcinni , Sam Brown (2)
Bass (Fender) - Jerry Jemmott
Bass (String) - Ron Carter
Drums - Airto Moreira , Bill Lavorgna , Joao Palma

Cal Tjader - Verve Jazz Masters 39

La mejor vista de un solo disco de Cal Tjader años de The Verve, esta colección en realidad hace tiempo el vibrafonista ha pasado en la etiqueta parece más gratificante de lo que realmente fue.Mientras que con Fantasy Records, Tjader por lo general se pasaba el tiempo de corte duro álbumes de jazz latino o la liberación de soberbia en pequeños grupos, sesiones cool bop-teñido de jazz. Sin embargo, bajo la dirección de Creed Taylor, la mayoría de las sesiones de Tjader Verve poner un brillo suave en su estilo latino, y casi por completo caso omiso de su talento muy real para el jazz mainstream en pequeños grupos. 
Eso no quiere decir que sus años Verve no se llena de música excelente, porque eran, es sólo que registró menos música de grupo para Verve, así que es genial ver que la buena música tanto aparece aquí. Cada pista es un ganador, pero el CD incluye destaca como el pop sorpresa Tjader éxito "Soul Sauce", una lectura hermosa balada de "The Way You Look Tonight", la grabación de big band increíblemente frenético de la melodía Horace Silver "Blues Tokio" y una versión hip-temblor de "Moanin '" que ha Herbie Hancock y Ron Carter sesión pulg A juzgar por esta colección solo, uno pensaría período Tjader Verve fue la unión perfecta del jazz de alta calidad y los principales instintos comerciales. Si sólo "selling out" siempre sonaba tan bien. Tal vez haya más sesiones Verve Cal Tjader de que parecía existir en el momento. ~ Nick Dedina (allmusic)


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Cal Tjader - Verve Jazz Masters 39 (1994)

Temas:
01.Soul Sauce (Guachi Guaro) (Aka Guachi Guaro)
02.Cura?ao
03.China Nights (Shina No Yoru)
04.The Whiffenpoof Song
05.Triste
06.Soul Bird (Tin Tin Deo) (Aka Tin Tin Deo)
07.The Way You Look Tonight
08.Daddy Wong Legs
09.Tokyo Blues
10.Cuchy Frito Man
11.The Prophet
12.Borneo
13.Leyte
14.Hip Vibrations
15.Cal's Bluedo
16.Moanin'

Musicos:
Cal Tjader-Vibraphone
Jose Mangual-Timbales
Charles McCracken-Cello
Bob Northern-French Horn
Victor Pantoja-Percussion
Alan Raph-Trombone (Bass)
Bobby Rosengarden-Percussion
Carlos "Patato" Valdes-Conga
Irving Horowitz-Oboe
Alberto Valdés-Percussion
Emanuel Vardi-Violin
Stanley Webb-Woodwind
Robert Maxwell-Harp
George Duvivier-Bass
Johnny Rae-Drums
George Berg-Bassoon, Clarinet (Bass)
Patricia Brown-Piano
Don Butterfield-Tuba
Clark Terry-Trumpet
Léon Cohen-Oboe
Chick Corea-Piano
Jack del Rio-Conga, Tambourine
Arnold Eidus-Violin
Paul Griffin-Flute, Sax (Alto)
Lonnie Hewitt-Piano
John Hilliard-Bass
J.J. Johnson-Trombone
Phil Kraus-Woodwind

Ron Carter - Dear Miles

                                                                       

Ron Carter (Ferndale, Míchigan, 4 de mayo de 1937) es un contrabajista estadounidense de jazz.

Su contribución en más de 3500 álbumes[cita requerida] hacen de él uno de los contrabajistas con más grabaciones en la historia del jazz, junto a Milt Hinton, Ray Brown y Leroy Vinnegar. Carter es también un aclamado chelista que ha participado en numerosas grabaciones tocando el chelo en abundantes obras de música clásica.También ha contribuido en la música para bandas sonoras de películas..._(wikipedia)

Olvídese por un momento que Ron Carter tocó en la banda de jazz más importante de la segunda mitad del siglo XX, el quinteto clásico de los 60 de Miles Davis, donde se desempeñó como el encargado del ritmo de la línea de bajo, el creador de melodías de gama baja y instigador de la improvisación en la banda que fue pionera en un conjunto de aventuras de exploración y sorpresa. Pero para los novatos del jazz, muchos historiadores del jazz e incluso algunos críticos de jazz, la permanencia de Ron con Miles es su único derecho a la fama.

No tan. Después de que Carter dejó el empleo de Miles en 1968, se puso en camino para explorar su propia voz, figurando de manera prominente como líder y ancla en el lanzamiento de sellos como CTI y Milestone, además de colaborar con una amplia gama de artistas. A pesar de que es un maestro de jazz de la NEA y el campeón indiscutible del bajista de grabación, Carter, que cumplió 70 años en mayo, no se ha dormido en los laureles, ni se ha movido robóticamente. Lidera su impresionante Striker Trio con el pianista Mulgrew Miller y el guitarrista Russell Malone, pilota su subestimado nonet de cámara con cuatro violonchelistas, y últimamente ha resucitado su colaboración en dúo con el guitarrista Jim Hall.

Pero la banda más antigua de Carter es su cuarteto, con el pianista Stephen Scott (veterano de unos 15 años), el baterista Payton Crossley (en el estadio de béisbol de 10 años) y el recién llegado, el percusionista Rolando Morales-Matos, quien reemplazó a Roger Squitero. La banda es una fuente de gran orgullo para Carter, quien dice: "La industria discográfica hace que sea difícil mantener unida a una banda en funcionamiento con el mismo personal. Creen que cuanto más variado es el personal de un CD a otro, mayor llegarás a la audiencia. Esa nunca ha sido mi opinión. Mira todas las bandas en la historia del jazz: John Coltrane con Elvin, McCoy y Jimmy; Dave Brubeck con Paul, Gene y Joe; Cannonball con Nat, Sam y Louis. Todos hicieron grandes discos porque eran una banda activa ".

Esa filosofía impulsó la decisión de Carter de documentar a la banda (con Squitero a la percusión) en el estudio de grabación, lo que produce Dear Miles, el guiño de 10 canciones vigorizante, dinámico y juguetonamente impredecible al exjefe y mentor del bajista.

"Me habría sentido ofendido hace 10 años si alguien me pidiera que hiciera un álbum tributo a Miles", dice Carter, quien mientras disfruta de la gloria de su asociación integral con Davis, también ha mantenido legítima y respetuosamente su distancia del pasado. "Pero resulta que varias de las canciones de la biblioteca de mi cuarteto también son del cancionero de Miles. Por lo tanto, tenía sentido rendir homenaje a él y a mi banda al mismo tiempo. La mayoría de los proyectos de tributo terminan con artistas imitando y perdiendo ellos mismos en el proceso. A pesar de que he estado involucrado en proyectos como Four Generations of Miles y VSOP, no estaba listo para hacer un álbum como este antes por temor a ser absorbido por el aura tributo a Miles ".

Lo que distingue a Dear Miles de otros proyectos de tributo es la capacidad de Carter para

establecer firmemente la personalidad de su cuarteto mientras aprovecha la esencia de la música de Davis. Ya anticipa las inevitables críticas. "La gente puede decir, 'Oh, otro disco tributo; pero yo digo,' Míralo"; dice Carter. "Escucharán cómo esta banda se mantiene sola en su sonido y en su biblioteca, mientras también rinde homenaje".

Después de tres días de ensayos, Carter y compañía. reunidos en Avatar Studios en Nueva York, y en el transcurso de una mañana, grabó 10 primeras tomas que le dan a Dear Miles, una vibra viva en vivo. "No me gusta grabar 25 tomas", dice Carter. "Me propuse mantener un nivel de entusiasmo y concentración. No quería que las mentes divagaran o los solos deambularan. Hay una oportunidad de hacer bien cada canción. Y eso se basa en todas las otras veces que tocamos en la biblioteca donde arreglamos lo que salió mal en el siguiente coro, el siguiente set o la noche siguiente ".

El repertorio es variado, comenzando con un swing entusiasta a través de "Gone" de Gil Evans (de su colaboración de Porgy & Bess con Miles), continuando con un cambio de tempo a través de "Seven Steps to Heaven" (del desvanecimiento final, Carter dice que hay "tanta carne hasta el hueso" de esta melodía que podría haber durado 12 minutos), y concluyendo con un original de Carter, "595", que se suma a "So What". En el camino, el cuarteto revisualiza en su propio estilo distintivo clásicos asociados a Miles como "Stella by Starlight", "My Funny Valentine", "Bye Bye Blackbird" y "Someday My Prince Will Come", y se suma a una melodía que no es de Davis, un salto alegre a través de "As Time Goes By", que, explica Carter," honrra la asombrosa habilidad encuentra una canción que nadie más haya probado y, como 'Bye Bye Blackbird', hacer que sea esencial para el cancionero de jazz".

Al escuchar Dear Miles, sobre todo, céntrese en el virtuosismo del bajo de Carter, desde sus solos en el momento apoyados armónicamente por su cuarteto hasta sus líneas de bajo siempre cambiantes y nunca estáticas. No lleva el tiempo; él lo crea. No dicta; él sugiere. No juega a lo seguro; él se arriesga. Como dice en broma sobre sus compañeros de banda, "no solo son grandes tipos, sino que son buenas personas con quienes cometer un error".

Sin embargo, debo añadir, te reto a encontrar alguna._ Dan Ouellette (Down Beat,Billboard,y autor de la próxima biografía de ArtistShare autorizada por Ron Carter.

                                                 

                                                                     

Ron Carter - Dear Miles (2006)

Temas:

01. Gone (B.Evans) 

02. Seven Steps To Heaven ( Miles Davis- Victor Feldman) 

03. My Funny Valentine (Lorenz Hart-Richard Rodgers) 

04. Bag's Groove (MiltJackson) 

05. Someday My Prince Will Come (Larry Morey-Frank Churchill) 

06. Cut And Paste (RonCarter)  

07. Stella By Starlight (Ned Washington-Victor Young) 

08. As Time Goes By (Herman Hupfield-arreglos de Robert Freedman)) 

09. Bye Bye Blackbird (Mort Dixon-Ray Henderson) 

10. 595 (Ron Carter) 

Musicos:

Ron Carter (Bajo)

Stephen Scott (Piano)

Roger Squitero (Percusión)

Payton Crossley (Batería)

              

Stanley Turrentine - Sugar

                                                                     

Stanley Turrentine (Pittsburgh, 5 de abril de 1934-Nueva York, 12 de septiembre de 2000) fue un músico estadounidense de jazz, saxofonista tenor.

Figura legendaria de su instrumento, el estilo de Turrentine abarca el hard bop y la jazz fusion. Su manera de tocar se caracteriza por un sonido barroco, denso, enraizado en el blues, y por una constante imaginación y sensibilidad en la improvisación. Su obra más característica son sus sesiones de soul jazz para Blue Note en los años sesenta y una popular aproximación a la fusión a comienzos de los setenta.

Turrentine comenzó su carrera tocando con diversos grupos de blues y de R&B, muy influido musicalmente por Illinois Jacquet. En 1950 y 1951, tocaba con Ray Charles en la banda del guitarrista de blues Lowell Fulson.​ Más tarde, se uniría a la banda liderada por Charles.​ En 1953 reemplazó a John Coltrane en la primera banda de jazz y R&B del altista Earl Bostic.​ Tras su paso por el servicio militar a mediados de los cincuenta, Turrentine se unió al grupo de Max Roach; conoció a la organista Shirley Scott, con quien se casó en 1960 y con la que grabaría frecuentemente en los más de 30 años que estuvieron juntos.

Tras trasladarse a Filadelfia, Turrentine consiguió buena química con otro organista, Jimmy Smith, al que acompañaría, entre otros discos, en su clásico de 1960 Back at the Chicken Shack. También en 1960, Turrentine empezó a grabar como director de banda para Blue Note, concentrándose preferentemente en pequeños grupos de soul jazz y tocando temas clásicos como That's Where It's At, pero también grabando con The Three Sounds (en el disco Blue Hour, de 1961) y experimentando con más amplios conjuntos a mediados de los 60. A comienzos de la década de 1970, Turrentine se convirtió en un popular puntal del nuevo sello del productor Creed Taylor, CTI,​ orientado a la jazz fusion; grabando cinco discos para el sello. Tuvieron una buena aceptación popular y fueran artísticamente valiosos, y la opinión crítica fue más favorable que la que recibió a finales de los setenta por su trabajo para Fantasy Records. Por lo demás, Turrentine siguió grabando con profusión y regresó al soul jazz en los 80 y en los 90.

Turrentine murió de un infarto en la ciudad de Nueva York el 12 de septiembre de 2000. Fue enterrado en el cementerio de Allegheny de Pittsburgh.~ (wikipedia)

Si alguna vez hubo un disco que encajara a la perfección y a la vez se saliera del sonido estable de CTI Records, ése es Sugar de Stanley Turrentine. Grabado en 1970, sólo tres temas aparecen en el álbum original (en la reedición hay una versión extra en directo del tema que da título al disco, que casi eclipsa al original y es un 50% más larga). Turrentine, un veterano de la escena soul-jazz desde los años 50, estuvo acompañado por un elenco de guitarristas George Benson, Lonnie Liston Smith al piano eléctrico, Freddie Hubbard a la trompeta, el bajista Ron Carter, el organista Butch Cornell y el batería Billy Kaye, entre otros. (La versión en directo añade a Airto, el flautista Hubert Laws, el batería Billy Cobham y el organista Johnny Hammond). El tema que da título al disco es un profundo ejercicio de soul blues con un ritmo de fondo oscilante y una sección rítmica que fluye con fluidez a través de cuatros y ochos, mientras Benson, Hubbard y Turrentine comienzan lentamente y van subiendo la temperatura, haciendo que el ritmo y el paso del corte hiervan a fuego lento y luego estallen, especialmente en el solo de Hubbard. 

Esto es realmente azul medianoche, y la fiesta está a punto de ponerse realmente seria o a punto de terminar. En el momento en que Benson toma su descanso, lleno de arpegios resbaladizos, brillantes y cálidos, las costuras están reventando y las parejas se están arrinconando. Sunshine Alley" de Butch Cornell es un groover sólido y funky, ritmado por el órgano y los dobles cuatros de Kaye. Turrentine y Hubbard entran a zancadas en la melodía y mantienen el vampiro en el bolsillo, superando la línea de blues en una etiqueta que sólo revoluciona la cosa aún más. Pero la gran sorpresa está en el tema final, uno de los más sólidos y emotivos paseos por el "Impressions" de John Coltrane. Turrentine está muy metido en su trompa, tocando en legato con todo lo que tiene, y es considerable. El bajo de Ron Carter fluye a través de los interludios modales, creando una base para la bella invención interválica de Benson y Smith, construyendo una serie de puentes armónicos a través del modo hasta los solos. Cuesta creer que sea Turrentine, pero no podría ser otro. Si los aficionados al jazz están interesados en Turrentine más allá del período de Blue Note -y deberían estarlo-, éste es un lugar increíble para escuchar en busca de satisfacción.~ Thom Jurek (allmusic)
                                                                     

                                                                            

Stanley Turrentine - Sugar (1971-R2002)

Temas:

01. Sugar

02. Sunshine Alley

03. Impressions

04. Gibraltar

05. Sugar (Live)

Musicos:

Stanley Turrentine (Saxo tenor)

Billy Kaye (Batería)

Butch Cornell (Órgano Hammond)

Lonnie Liston Smith,Jr (Piano eléctrico)

George Benson (Guitarra)

Freddie Hubbard (Trompeta)

Ron Carter (Bajo)

Richard "Pablo" Landrum (Conga)

Aitor Moreira (Percusión en pista #5)

Hubert Laws (Flauta en pista #5)

Billy Cobham (Batería en pista #5)

Jerry Gonzalez - Music for big band

                                                                       

Jerry González (Nueva York, 5 de junio de 1949-Madrid, 1 de octubre de 2018) fue un músico de jazz estadounidense de raíces puertorriqueñas. Trompetista y percusionista, es uno de los pioneros del jazz latino.

Jazzista con vocación de rumbero, o viceversa, Jerry González es uno de los músicos más

progresivos del jazz latino. Durante sus años de universitario, integra un quinteto de jazz latino con su hermano Andy y el trompeta Kenny Dorham. Conoce al batería Rashied Ali, su primer guía en la vanguardia. A partir de 1969, graba con importantes jazzistas, como George Benson, Dizzy Gillespie y Houston Person. Colabora con la orquesta Jazz Composers, de Clifford Thornton. A partir de 1974, participa en importantes sesiones latinas con los hermanos Palmieri, Bobby Paunetto y el Grupo Folklórico Experimental Nuevayorkino.
En 1979, Kip Narran le ofrece la oportunidad de grabar en solitario. A raíz de la grabación, surge la Fort Apache. La banda lleva por nombre el del problemático barrio hispano de Nueva York donde crece Jerry y donde brota esa música – desenfadada, intensa y sensual –que de manera imprevisible une a dos culturas distintas. Por su compromiso con la búsqueda de nuevas modalidades, los Apache se sitúan de inmediato en la vanguardia del jazz latino. Además de Monk, otras referencias de la banda son Miles Davis y sus discípulos Ron Carter y Wayne Shorter. De hecho, durante años, González suena como el fantasma de Davis en trompeta.
En 1981, participa en el debut norteamericano de Paquito D’Rivera; también, con Totico y sus rumberos. Colabora con McCoy Tyner, por primera vez, en 1982. Será el percusionista de su big band diez años más tarde. En 1983 aporta percusión a la vocalista Abbey Lincoln. Hace jazz punk con Jaco Pastorius. En años recientes, lo escuchamos con Dave Valentin, David Sanchez y la orquesta de Chico O’Farrill.

Desde su llegada a España en 2001 ha grabado trabajos como Jerry González y los Piratas del Flamenco, y ha abierto una ventana a los flamencos para que estos dos lenguajes musicales se estimulen, se provoquen, se combinen y se seduzcan hasta doler.
González ha tocado en diferentes trabajos de Paco de Lucía, Enrique Morente, Martirio, El niño Josele, y un largo etc. de figuras del flamenco, lidera su propia banda de latin jazz.
Music for big band no solamente es la primera grabación realizada en España por Jerry González con una big band, es también el álbum que confirma el talento de arreglista de Miguel Blanco, el bajista de La Calle Caliente quien además ha dirigido y producido las sesiones. La relación musical de Blanco y González data de la grabación en 2002 de la composición Invitation que figura en el álbum Mozambique Soul de La Calle Caliente. “Este nuevo disco tiene que ver con la muerte sin pretenderlo” dice bromeando Blanco. “Fijámonos en los títulos: Goodbye Porkpie Hat es un tema por la muerte de Lester Young; Rumba p’a Kenny está dedicado al difunto Kenny Kirkland; Fall (¡Otoño!), Nightfall (¡Anochecer!) ¿Será que nos estamos riendo de la muerte? ¡Jerry lo hace! »
Music for Big Band tiene una real vocación mestiza. A lo largo del álbum Blanco recurre a una paleta de percusiones proveniente de diferentes culturas musicales, lo que da un carácter embrujador a todos los arreglos : cajón, bongo, congas, shekere, clave, timbales, catá, bendir, caxixis. Esta combinación nada clásica permite una mezcla de patrones afrocubanos en un género flamenco.
Aparte del trompetista la orquesta comprende solistas de primera línea como los pianistas Albert Sanz y Edu Tancredi, los saxofonistas Perico Sambeat y Gorka Benitez, el flautista Jorge Pardo, el trombonista Norman Hogue, los guitarristas Pep Mendoza y Dani Perez.
Según Fernando Trueba, conocido erudito del latin jazz, el mejor disco de big band grabado nunca.

Mas información relacionada

Jerry Gonzalez - Music for big band (2006)

Temas:

01. Fall (Wayne Shorter)

02. El Vito En El Congo (Miguel Blanco, Traditional)

03. Goodbye Porkpie Hat (Charles Mingus)

04. Nightfall (Larry Willis)

05. Grana (Enrique Granados, Miguel Blanco)

06. Duende Y Aché (Miguel Blanco)

07. Rumba Pa’Kenny (Jerry González, Miguel Blanco)

Musicos:
Jerry González - Congas, cajón, trompeta.
Miguel Blanco - Dirección musical y arreglos
Israel Sandoval – Guitarra
Mariano Diaz - Piano
Javier Colina - Contrabajo
Dani García - Batería
Jesús Catalá - Percusión
Fernando Hurtado - Trompeta 1
Raul Gil - Trompeta 2
Jonathan Badichi - Trompeta 3
Carlos Rossi - Trompeta 4
Norman Hogue- - Trombón 1
Roberto Pacheco - Trombón 2
Victor Correa - Trombón 3
José Pardal - Trombón 4
Patxi Pascual - Saxo Alto 1, clarinete, saxo soprano
KevinRobb - SaxoAlto 2, clarinete
Iñaki Araquistain - Saxo Tenor 1, Flauta
Jaime Muela - Saxo Tenor 2, flauta, saxo soprano
Sergio Bienzobas - Saxo Barítono, clarínete bajo

Ron Carter - When Skies Are Grey

Esta hermosa, América Latina y con temas del álbum por el bajo Ron Carter superpotencia puede estar de pie casi como en un escaparate Stephen Scott, para el joven pianista de brío y finura están en pruebas desde el principio hasta el final. Carter se reserva solo un montón de habitación (y una serie de declaraciones de la melodía) para sí mismo, sin embargo. El baterista Harvey Mason y el percusionista Steve Kroon trabajar juntos para crear un lujoso ambiente que fluye Latina que hace de cada canción un verdadero placer escuchar. Uno de relieve es la del grupo de lentos, polyrhythmic asumir Jobim de "Corcovado". Otro es una versión de ranurado Carter de "Cambio Suelto", una canción que apareció en una luz muy diferente sobre Joe Henderson del Estado de la Tenor álbum. Scott woos su bluesy con delicadeza sobre el tema "Que Pasa", otro original Carter, y de las fluctuaciones en exuberantly compañeros pianista Ray Bryant del "Cubano Chant". Carter de la breve cita de los "Siete pasos al cielo" durante el cierre original, "Mi Tempo, "es suficiente para hacer saltar un un latido del corazón. Cuando los cielos son grises no contiene nada ambicioso o salvajemente innovador-sólo
grandes, accesible música. Fans de Stephen Scott, en particular, no puede perder con esta. ~ David R. Adler, All Music Guide

Mas información relacionada

Ron Carter - When Skies Are Grey (2001)

Temas:
01-Loose Change
02-Besame Mucho
03-Caminando
04-Que’ Pasa
05-Corocuado
06-Cubano Chant
07-Mi Tiempo

Musicos:
Ron Carter-Bass
Harvey Mason, Sr.-Drums
Steve Kroon-Percussion
Stephen Scott-Piano