El término progresivo realmente no creo que exista en el latin Jazz; más bien creo que la palabra correcta es innovación o desarollo y, Timbalaye cae perfectamente en esta categoria. No sabemos cual es el secreto detrás de Timbalaye, pues otras bandas de Latin Jazz tambien cuentan con distinguidos músicos y arreglistas, y se desenvuelven en características similares a ésta, pero el sonido logrado es algo único y distintivo; de pronto los jóvenes talentos que Irizarry incorporo a esta producción, o tal vez el genio creativo de Ralph Irizarry, su director quién conjugo intensamente los talentos de Roberto Quintero, Luis Perdomo y Alex Norris para producir este sonido tan característico y agresivo.
De Timbalaye podría decir que su latin jazz es fácil de digerir, muy rico en percusión y vientos. Cuando escuchas a Timbalaye te montas en una montaña rusa que te pasea con mucha velocidad y precisión por los ritmos caribeños.
Esta producción es la segunda de las ya tres grabaciones (hasta Agosto 2006) de Timbalaye, todas con éxito, pero queremos destacar ésta especialmente, pues contiene un elemento característico en todos sus cortes… agresividad.
Basta escuchar Amanecer en el Barrio, Mision Accomplished o Meztiso; para que tengan una idea de lo que estoy hablando; la armonia y el balance que se logra en las secciones de metales y percusión son realmente maravillosas, siempre tenemos una sensación de balance instrumental en cada uno de sus cortes pues los solos no son exageradamente largos ni tristemente cortos.
Solo quiero decirles que disfruten este trabajo y de esta banda pues considero a Timbalaye como la mejor banda de latin jazz de Nueva York.~RM
Miguel Zenón (nacido en San Juan, Puerto Rico el 30 de diciembre de 1976) es un saxofonista alto, compositor, líder de banda, productor musical y educador puertorriqueño. Él es un nominado al premio Grammy múltiple, y ha recibido una beca Guggenheim y una beca MacArthur. Zenón ha lanzado muchos álbumes como líder de banda y apareció en más de 70 grabaciones como acompañante. Zenón se crió en Residencial Luis Llorens Torres, el proyecto de vivienda más grande de la Isla. Aunque no creció en una familia de músicos, estuvo expuesto a varios estilos de música desde una edad muy temprana. A los 10 años recibió sus primeras lecciones de solfeo y solfeo de manos de Ernesto Vigoreaux, un señor mayor que viajaba desde el vecino barrio de Villa Palmeras a Llorens Torres todos los días para trabajar con jóvenes desfavorecidos de la comunidad. Zenón eventualmente sería admitido en la Escuela Libre de Música, una escuela secundaria y preparatoria de artes escénicas donde fue entrenado durante seis años en saxofón clásico por Ángel Marrero. En el undécimo grado, algunos de sus amigos de la escuela lo expusieron a la música jazz y se interesó mucho en el concepto de improvisación y en la música del saxofonista de jazz Charlie Parker. Aunque siempre había mostrado interés por las ciencias naturales, rechazó una beca de ingeniería del Recinto Universitario de Mayagüez (la principal institución de ingeniería de la isla) y decidió seguir una carrera en la música. Después de un año y medio de esfuerzos para reunir fondos suficientes en becas y ayuda financiera, Zenón se mudó a Boston en la primavera de 1996 para comenzar sus estudios en Berklee College of Music..._wikipedia
Con el lanzamiento relativamente simultáneo de la nueva grabación en vivo de Wayne Shorter, Beyond the Sound Barrier, y Jíbaro del saxofonista alto Miguel Zenón, seguramente habrá comparaciones. Al igual que Shorter, Zenón es un pensador profundo, capaz de tomar las melodías populares puertorriqueñas más simples, la base de Jìbaro, y ubicarlas en contextos más armónica y rítmicamente complejos. También como Shorter, la música cerebral de Zenón requiere un enfoque intenso que exige considerables exigencias tanto a los músicos que la tocan como a los oyentes que la experimentan. Y es posible que Zenón finalmente logre el mismo grado de importancia que Shorter. Después de todo, es todavía joven, pero tiene una concepción notablemente centrada que distingue tanto su interpretación como su escritura.
Pero también existen diferencias importantes. La música de Shorter, tan compleja como puede ser, siempre se basa en la experimentación audaz de su cuarteto, lo que garantiza la apertura y el deseo de dejar respirar incluso a las construcciones más desafiantes. El trabajo reciente de Shorter tiene un sentido primordial de descubrimiento colectivo que lo eleva más allá de las preocupaciones de organización, haciendo que cada actuación sea fresca y diferente. Y aunque la música de Shorter nunca está menos que bien pensada, nunca se siente demasiado considerada.
Zenón, por otro lado, no es nada si no se considera. En el comunicado de prensa de Jíbaro, afirma: "Dada mi tendencia a escribir a veces música que es demasiado difícil de tocar, fui sensible a llevar la música al punto en que era difícil, pero no imposible". Escribir música que desafíe a sus intérpretes a evolucionar y alcanzar niveles de rendimiento hasta ahora inalcanzables no es infrecuente ni intrínsecamente problemático; pero la música de Jíbaro parece demasiado seria, demasiado seria para su propio bien.
Además de Zenón, este cuarteto cuenta con el pianista Luis Perdomo, cuyo Focus Point fue uno de los éxitos durmientes del año pasado; el bajista Hans Glawischnig, quien se ha hecho un nombre por sí mismo apoyando a artistas como el guitarrista Ken Hatfield y la cantante Carolyn Leonhart; y el baterista Antonio Sánchez, quien tiene un cuerpo sorprendentemente grande de trabajo grabado para un jugador tan joven y ha mejorado su perfil en los últimos años a través de su asociación con el guitarrista Pat Metheny. Con un cuarteto tan bueno como este, uno esperaría que hubiera un espacio considerable para la expresión, pero Zenón mantiene un dominio demasiado estricto durante todo el proceso.
Abundan los cambios métricos complejos y los solos aparecen sobre secciones claramente delineadas. Si bien hay una cierta ingenuidad popular en algunas de las melodías en las que se basa Zenón, la sensación se pierde en los arreglos muy detallados, y solo la balada "Enramada" crea una sensación de espacio.
La belleza del grupo actual de Wayne Shorter es que aporta una calidad visceral a las embriagadoras listas de éxitos de Shorter; El grupo de Zenón tiene el mismo potencial para combinar la cabeza y el corazón. Desafortunadamente, eso simplemente no sucede en Jíbaro. Pero con tantas materias primas en la mano, puede que sea solo cuestión de tiempo y maduración antes de que Zenón se convierta en una fuerza verdaderamente importante._John Kelman (allaboutjazz)
Más información relacionada Miguel Zenón - Jíbaro (2005) Temas: 01. Seis Cinco 02. Fajardeno 03. Punto Cubano 04. Aguinaldo 05. Chorreao 06. Enramada 07. Villaran 08. Enramada 09. Marianda 10. Seis Cinco 11. Llanera 12. Punto Cubano 13. Chorreao 14. Jibaro Musicos:
Alí Bello presenta Connection Caracas-New York. Atrás quedó la extravagancia que marcó su forma de tocar cuando audicionó para la Orquesta Sinfónica de You Tube 2011, dirigida por Michael Tilson Thomas. El nerviosismo sigue ahí, pero la grandiosidad juvenil ha sido reemplazada por una madurez y una seducción inmensamente atractiva. Esto no solo se refleja en su forma de tocar, sino también en sus destacadas composiciones que aparecen en un disco marcado por una ejecución exquisita por parte de un elenco estelar de músicos profundamente inmersos en la maravillosa música. Y esto dice mucho de la veracidad del registro. Lo que recomienda la música tan completamente es la infusión de material folclórico en casi todo lo que el Sr. Bello toca en su violín, con los otros instrumentos siguiendo su ejemplo; sobre todo los extraordinarios percusionistas. Pero el campo está claramente liderado por el violinista sublimemente talentoso, quien es, sin duda, uno de los músicos más célebres surgidos de El Sistema, el Sistema Nacional de Orquestas Juveniles de Venezuela, el otro es el increíble joven director Gustavo Dudamel.
Alí Bello es un maestro de su instrumento; un intérprete de extraordinario refinamiento, que parece impregnar el violín de una poderosa carga eléctrica mientras lo toca. Su entonación es hermosa. Imita el sonido más primordial: el grito de un águila que se eleva por encima de la montaña más alta; su aullido resuena de una cresta a otra y algo más. La mano izquierda del Sr. Bello parece acariciar las cuerdas tensas a lo largo del mástil sin trastes y el diapasón del violín, desde la barbilla hasta la raíz y más allá. Pero no siempre se mueven lentamente. A menudo, su mano izquierda se ve borrosa, mientras que sus dedos parecen moverse como las serpientes febrilmente silbantes nacidas de Medusa. En otras ocasiones se mueven con gracia cuando la mano derecha del Sr. Bello hace que su arco corte el aire en poderosos arcos; aquí hace que las frases y los versos de la melodía se desvíen como una procesión de gacelas hermosas pero borrachas. Alí Bello juega como un brujo, evocando imágenes vívidas que surgen de su música y se asientan en un lienzo tan bello y vivo como el de Cristóbal Rojas. La sugerencia de que el Sr. Bello es un alma vieja es deliberada. Su interpretación surge como si surgiera de un vórtice que produjo los grandes clásicos del siglo XIX. Pero también es extremadamente moderno y juvenil en su forma de tocar y, si bien aporta colores y texturas folclóricas más antiguas en su interpretación, también impulsa la música hacia adelante con cada hermosa frase tocada en contrapunto a la melodía que él mismo crea. El registro de Bello se compone de algunas de sus composiciones más vibrantes. Comienzan con el
joropo emocionado "Amaré", que presenta no solo una interpretación exquisita del violinista, sino también un tatuaje memorable del percusionista, Neil Ochoa, cuando anuncia la canción con una apertura polirrítmica notablemente batida en quitiplás y culo'e puyas. A esto le sigue un maravilloso pasaje contrapuntístico del violinista y saxofonista tenor Javier Olivencia. La versatilidad del Sr. Bello como compositor se demuestra en su capacidad para cambiar fácilmente de una música que suena con grandeza folclórica a una música que se balancea con la libertad del idioma del jazz. Para ello cuenta con las manos exquisitas del bajista Luques Curtis y el pianista Luis Perdomo mientras se lanzan con el conjunto a un tipo diferente de sabor musical “In G”. Sin embargo, está claro que la belleza perdurable del álbum de Alí Bello se inspira en sus profundas raíces en el folclore y el arte musical venezolanos. Esto no solo es evidente en la música de “Cazón”, sino que alcanza un crescendo en la notable interpretación del canto llano, “Untraveled”. Es aquí donde el virtuosismo de Alí Bello como violinista es claro e inigualable
Sin embargo, este disco brilla no solo por este virtuosismo, sino verdaderamente por la interpretación enérgica que impregna la interpretación moderna con todo lo bello de la tradición. Esto es lo que distingue a Alí Bello de otros jóvenes músicos que tocan música en la actualidad. Alí Bello es único en su clase._Raul Da Gama (latinjazznet)
Ali Bello - Connection Caracas - Nueva York (2013)
Temas:
01. Amaré (Alí Bello)
02. En G (Alí Bello)
03. Kiss (Alí Bello)
04. Guajira (Pedro Cortés)
05. Mofongo (Kimson Plaut)
06. Cazón (Alí Bello)
07. Zapateao (Pedro Cortés)
08. Moliendo Café (Hugo Blanco)
09. Untraveled (Alí Bello)
Musicos:
Alí Bello (Violín acústico, eléctrico y barítono, palmas y percusión menor)
Luis Perdomo (Piano /tm.2, 5 y 8)
Juancho Herrera (Guitarras, cuatro y bandola /tm.1, 3 y 6)
Javier Olivencia (Saxo tenor y soprano /tm.1 y 6)
Raul Agraz (Fliscorno y trompeta /tm.5)
Álvaro Benavides (Bajo /tm.1, 3 y 6)
Luques Curtis (Contrabajo /tm.2 y 5)
Neil Ochoa (Quitiplás & culo‘e puyas /tm.1 & 6)
Willie Martínez (Batería y güiro /tm.2 y 5)
Leonardo Granados (Maracas y voz /tm.7 y 10)
Pedro Cortés (Guitarra acústica /tm.4 y 7)
Sean Kupisz (Bajo /tm.4 y 7)
José Moreno (Cajón, palmas y percusión /tm.3, 4 y 7)
Nu Guajiro es una agrupación conocida inicialmente como Mo’Guajiro y que está infuenciada por la música tradicional cubana, sazonada con in?uencias de la ciudad de Nueva York, Estados Unidos, don-de justamente nace. Nu Guajiro está integrado por tres jóvenes y talentosos músicos provenientes de Venezuela, Puerto Rico y Estados Unidos, que habitan en Nueva York, metrópoli donde han encontrado el punto exacto para llevar adelante una propuesta en la cual la música es algo más que una forma de ver y de interpretar la vida. Inician su colaboración en 1995, cuando se reunían a tocar en los túneles del metro de la ciudad o en el Central Park, en tanto interpretaban música en vivo para clases de danza. Desde entonces, han recorrido un extenso camino. Las presentaciones de Nu Guajiro en “La Gran Manzana” incluyen espacios como No ‘Moore’, SOB’s, Belle Epoque, Nell’s, el Teatro Estatal de Nueva York (Lincoln Center), el Museo de Arte de Brooklyn o el Puerto No. 25 del Río Hudson. Entre sus giras al exterior vale mencionar sus presentaciones en Puerto Rico (Anfiteatro Luis Muñoz Marín, Tropimar, Rumba y Regata 2000, Carolina Jazz Festival), Argentina y Europa (Italia, Austria, España), con un éxito contundente. En febrero de 2001, la agrupación fue invitada a actuar al Half Note Jazz Club de la ciudad de Atenas, Grecia, donde consiguieron cautivar al público local, al punto de presentarse durante 11 noches consecutivas. En noviembre de 2003, la agrupación participó en una residencia artística patrocinada por el Instituto de Cul-tura Puertorriqueña (ICP), en la que trabajaron con los residentes de dos comunidades de bajos recursos, y con muy poca o ninguna experiencia musical, a un de que aprendieran a escribir, leer y ejecutar música con distintos instrumentos. Como cierre de la experiencia, los estudiantes presentaron un concierto ante sus comunidades y representantes ofciales del ICP. Nu Guajiro también ha compartido con artistas de la talla de la Sonora Ponceña, el Gran Combo de Puerto Rico, Apollo Sound, Los Van Van y el Buena Vista Social Club. Sus integrantes son Tony De Vivo, Jainardo Batista y Aarón Halva. Todos componen y arreglan para la agrupación.Tony De Vivo nació en Caracas, Venezuela, en 1970, se encuentra con la música cuan-do tenía cinco años y su hermana interpretaba el piano en casa. A los 11, empieza a tocar batería de forma autodidacta aprendiendo de grabaciones; a los 16, comienza a acompañar a bandas locales en diversos pubs y clubes nocturnos de su ciudad natal. A los 18 años, Tony estudia música en la academia Ars Nova, bajo la dirección de María Eugenia Atilano. Comenzó a tocar con diversos artistas y cantantes de jazz de la escena local, como Biella Da Costa, el grupo Casablanca liderado por Álvaro Falcón, y con el guitarrista de jazz Gonzalo Micó, entre otros. A los 21, llega a Nueva York y continua sus estudios musicales en la New School for Social Research. Ahí se ha radicado y trabaja con una variedad de grupos de diferentes estilos musicales como baterista y percusionista. En la actualidad, toca regularmente con el grupo de ?amenco Gazpacho Andalú, el grupo de jazz de Pedro Girardo, Mr Vivo Big Band, y es percusionista invitado del cuarteto de cuer-das Carpentier String Quartet, entre muchos otros artistas en Nueva York. También ha trabajado y grabado con Aquiles Báez, Global Monkey de Juancho Herrera, Mangoblue de Alex Alvear, Son de Madre, la big band Panamericana de Gary Morgan, Michael Phillip Mossman, Mayte Vicens, Arturo Martínez, Karim Noack, Edsel Gomes, Ben Lapidus, Tama Waipara y el sello disquero Obliqsound, entre otros. De mayo a junio de 2003, Tony fue seleccionado como representante de Estados Unidos en el programa The Jazz Ambassador, que lo llevó a Brasil, Uruguay, Ecuador, República Dominicana, Jamaica, Barbados y Nevis. Y en febrero de 2006, viaja a África (Marruecos, Mauritania, Mali, Algeria, Congo) con el grupo de jazz latino JazzSabroson, como director musical, baterista, percusionista y cantante. La gira fue organizada por el Kennedy Center, Washington, con el patrocinio del Departamento de Estado de los Estados Unidos. Durante el viaje, el grupo dictó una serie de talleres en universidades y se presentó en teatros locales. Jainardo Batista proviene de una familia puertorriqueña de larga tradición musical y teatral; toca las congas y es voz líder del grupo. En 1993, llegó a la ciudad de Nueva York a continuar sus estudios. Trabajó con Pepe Flores, quien le siembra el interés por la música cubana. En 2003, también representó a los Estados Unidos en el programa The Jazz Ambassador por Brasil, Uruguay, Ecuador, República Dominicana, Jamaica, Barbados y Nevis con el grupo de jazz latino JazzSabroson, como conguero y cantante. En febrero de 2006, igualmente viaja a África en gira organizada por el Kennedy Center y el Departamento de Estado de los Estados Unidos. Por su parte, Aarón Halva, a cargo del tres y el piano, ha inyectado el espíritu campestre al tres, para convertirlo en una verdadera guitarra de seis cuerdas, según las instrucciones de sus vecinos puertorriqueños de Brooklyn. Ya en dominio de las bases del tres, a través de grabaciones mil veces escuchadas y aprendidas de Isaac Oviedo y Arsenio Rodríguez, Aarón llega a ser pupilo del gran Nelson González. Es un enamorado de la música desde niño, cuando escuchaba a su abuelo tocar polcas con acordeón, instrumento que Aarón utiliza hoy día para tocar cumbias._(Nu Guajiro)
Temas: 01. Sacame (Son Montuno) 02. Manzanillo (Guaguancó Son) 03. La Ventanilla (Danzón) 04. Ajo Y Cebolla (Descarga) 05. En Tu Ausencia (Bolero) 06. Jaragual (Son) 07. That's Why (Funk)
Musicos: Jainardo Batista:Vocal, congas, percusión Aaron Halva: Tres y coros Antonio De Vivo: Bongo, timbal, percusión, coros Luis Perdomo: Piano Naomi Bloch: Piano Gonzalo Grau: Piano Brian Lynch: Trumpeta Guido Gonzales: Trumpeta Tomer Levy: Trumpeta Ken Fradley: Trumpeta Rafi Malkiel: Trombon Anat Cohen: Clarinete Pedro "El Regio" Giraudo: Bajo Jennifer Vincent: Bajo Jose Scringer: Principal vocal y coros Valerie Trout: Coros Ali Bello: Violin Jude Duverger: Guitarra Martin Quaqulia: Guitarra
Las intersecciones entre la música afrocubana y el jazz tienden a ser característicamente crudas y viscerales, pesadas en los tambores e inclinadas hacia el movimiento corporal. Este sabor particular del jazz latino rara vez se acerca al nivel de integración cosmopolita, consistencia intelectual y alfabetización posmoderna que marca Metamorfosis. El saxofonista de 34 años Yosvany Terry Cabrera, quien creció en Camagüey, Cuba, escribió siete de las ocho piezas en el disco, para las cuales proporciona antecedentes útiles en las notas extensas bilingües. Sus composiciones reflejan efectivamente su liderazgo, que siempre apunta a un sonido grupal.
Los oyentes distraídos probablemente pasarán por alto la sofisticación de Metamorphosis debido a la calidad fácil y fluida de los ritmos y la mezcla instrumental que suena contemporánea. Nada en el registro es estridente, salvaje o particularmente franco. La mayoría de las piezas, especialmente la suave y sentimental "The Crying", la única pieza no escrita por el líder, llegan a la orilla en suaves olas, desprovistas de una intensidad tormentosa.
Pero una vez que prestas atención a las sutilezas que sustentan el material, incluida la forma notable en que Cabrera logra un sonido casi orquestal aparentemente sin esfuerzo a partir de grupos cambiantes de cinco a siete músicos, queda claro que este es un disco conceptual de suprema confianza, incrustado con un potente sentido de identidad personal.
La primera y tercera piezas tienen el sabor afrocubano más fuerte: "Okónkolo Concertante" es intensamente polirrítmico al estilo de África Occidental, pero superpuesto con funk juguetón; "Journey of Awareness" tiene suaves connotaciones orquestales pero profundiza en un ritmo similar al de Steve Coleman y desencadena una oración yoruba a Obatalá por el percusionista Pedro Martínez. Otras piezas son más agudamente irónicas o conscientemente líricas a su vez, y "Subversive" ofrece un par de solos a fuego lento.
Cabrera ha reunido a un grupo de diez músicos versátiles e inconformistas para esta grabación, incluido el trompetista Avishai Cohen, cuya voz melódica a menudo se encuentra en el centro del material; el guitarrista eléctrico Mike Moreno, que es más responsable del sonido contemporáneo general que cualquier otro intérprete; y un trío de bateristas —Pedro Martínez, Dafnis Prieto y Jeff "Tain" Watts— que intercambian y combinan para dar forma a los cimientos rítmicos.
Este excepcional disco de múltiples capas logra ser simultáneamente accesible y profundo, señalando la llegada de un joven compositor y líder de banda con una visión personal distintiva._AAJ Staff
Este álbum se anuncia como una colaboración entre el baterista libanés Robby Ameen y el baterista cubano Horacio "El Negro" Hernández y aunque parecen ser los líderes en este proyecto, se puede decir de inmediato que es una producción de Kip Hanrahan. La mezcla exasperante de Hanrahan de brillante formación de sonido y portentosa auto-importancia está en todas partes aquí, no más descaradamente que en un remake de jazz latino completamente desaconsejado de "Sympathy for the Devil" de los Rolling Stones (con nada menos que Rubén Blades en la voz principal). ) Sin embargo, las cosas mejoran a partir de entonces, con otras apariciones especiales de Ann Guichard (contribuyendo con voces bastante curiosas en francés en "Blue, Red & White") y la líder de Zap Mama, Marie Daulne (en la muy divertida "La Timba Francesa"). El punto más bajo del álbum viene en el obvio "We've Got the Fu*k" (en el cual la frase cantada "We've got the blues" se acompaña de un patrón de blues genérico, que luego cambia a un patrón funk genérico sobre que el canto cambia a "We've got the funk"), y su mejor momento es la "Mezcla del productor" de "Hit This, Split This", que presenta un trabajo de tocadiscos brillante (y sin acreditar). En general, no está mal, pero sería bueno saber qué harían estos tipos sin Hanrahan mirando por encima del hombro. ~ Rick Anderson (allmusic)
Robby And Negro At The Third World War (La Timba No Es Como Ayer) (2004)
Temas:
01. Medley:Sympathy For The Devil/El Cielo 02. 3 for Africa 03. Un Golpecito Na' MAs 04. Richie's Brain 05. Hit This, Split This 06. Alla Jazz Era 07. Blue, Red & White 08. The Moon Shows Red (Tsuki Ga Akaku Michiru Toki) 09. La Timba Francesa 10. Far From Beirut (Lino 5) 11. We Got The Fu-k 12. La Timba no es como Ayer 13. Apres-Midi de Robby & Negro 14. Hit This, Split This (The Producer's Mix)r 15. Argentine Birds In The Morning (Producer's Discretion) Musicos:
Pablo Gil, Saxofonista, Flautista y compositor venezolano. Inició sus estudios de música en la Ciudad de Mérida, Venezuela, para luego trasladarse a Caracas. Posteriormente fue becado por el CONAC, FUNDAYACUCHO y la Embajada de Francia para seguir sus estudios en Francia donde obtuvo varios reconocimientos.
Pablo Gil Rodulfo es un saxofonista y flautista venezolano que nace en 1965. Sus primeros pasos musicales los da como baterista, en la ciudad de Mérida; instrumento el cual cambia para dedicarse al saxofón. Se traslada a Caracas donde es becado para finalizar sus estudios musicales en Paris (Francia) recibiendo diferentes distinciones como el diploma de enseñanza superior de música moderna otorgado por el Centro de Informaciones Musicales (Paris, 1992), Medalla de Oro en Saxofón en el Conservatorio Nacional De Paris (1995), primer premio de Saxofón en Paris (1995) y el grado en arreglo, composición, piano e historia de jazz otorgado por el Conservatorio Nacional Superior de Música y Danza (Paris, 1996). Se traslada a Estados Unidos donde perfecciona su estilo con músicos como Ron Carter, Bruce Barth, Steve Slagle y Rich Perry. Ha tocado o grabado con artistas o bandas entre los que destacan Ellington Orchestra, John Benítez, Steve Turre, Ron Carter, Patato Valdez, Juan Carlos Torres, Orlando Poleo, Mario Rivera, Soledad Bravo, el Trío de Andrés Briceño, Grupo Cimarrón, Leo Blanco, Víctor Mestas y muchos otros. Sus presentaciones se han producido en tierras venezolanas y en países como Francia, Estados Unidos, Inglaterra, Panamá, Costa de Marfil, Colombia, Portugal, Turquía y Senegal. Discográficamente debuta con el álbum Major Delights (2002). Su segunda producción se titula Símbolos (2004). Posteriormente publicó el álbum Empatía (2006) junto con Gerry Weil y Carlos "Nené" Quintero; al cual sigue una grabación en vivo titulada Suka Jazz en Directo (2007), en formato de doble CD, y donde comienza a experimentar con la fusión de elementos de jazz y música electrónica. Recientemente ha publicado el álbum Baladas (2008)._(las.fm)
La sensual contralto atraviesa el silencio y se descubre una voz relativamente nueva cruzando los cielos de América del Norte. Esta es la voz oscura y sensual de Magos Herrera, un destacado joven vocalista de México. Las limitaciones de cantar en ese registro no parecen frenar a Herrera, ya que a menudo deja que su voz se libere de los registros en los que se supone que debe cantar. Sus grandes saltos de habilidad vocal gimnástica se manifiestan a lo largo del lamentablemente corto y perversamente brillante Mexico Azul. Herrera tiene un estilo vocal distintivo. Tiene un tono perfecto y toca los cuartos de tono con una regularidad electrizante y casi con demasiada facilidad. Modula sus tonos con cambios sutiles en el ataque y la dinámica, de modo que a menudo es ruidosa y suave al negociar un pasaje particularmente difícil y largo. Herrera es también un destacado intérprete de los estándares latinoamericanos, en este caso mayoritariamente de música mexicana. Ella es elegantemente narrativa y con cambios inteligentes en el vibrato, resalta los cambios en la emoción. Su entrega deslizante, a veces marcada con una ráfaga de aliento caliente, puede cambiar rápidamente el estado de ánimo de una canción y colorearla con tonos negros; donde antes era brillante y resplandeciente, ahora se vuelve sombrío, grisáceo y opaco.
Es casi imposible señalar un gráfico que sea mejor que otro, pero "Noche Criolla", "Tres Palabras" y el doloroso lamento, "Obsesión" son incomparables por su gracia, estilo de presentación y total memorabilidad. Por supuesto, ayuda que Herrera cuenta con el respaldo de un grupo de excelentes músicos, que son maestros de la subestimación y saben cuándo recostarse y dejar que un vocalista avance.
Estos músicos se alimentan entre sí y todos le ofrecen a Herrera un excelente vehículo desde el cual puede despegar hacia el azul, aletear y volar por encima de todo, pero a veces barrer y adornar la tierra con fabulosas narraciones de su amado México. Se espera más —mucho más— de este sublimemente talentoso vocalista._ Raul D'Gama Rose (allaboutjazz)
Magos Herrera – Mexico Azul (2010) Temas: 01. Luz de Luna 02. Noche Criolla 03. Azul 04. Angelitos Negros 05. Seguire Mi Viaje 06. Voz Antigua (A Mi Tierra) 07. Lamento Jarocho 08. Que Sea Para Mi 09. Tres Palabras 10. Obsession 11. Dos Gardenias Musicos: Magos Herrera (Voz) Tim Hagans (Trompeta) Adam Rogers (Guitarras acústicas y eléctricas) Luis Perdomo (Piano) John Patitucci (Bajo) Alex Kautz (Batería) Rogéirio Boccato (Percusión)
Gerhard Weilheim, más conocido como Gerry Weil (Viena, Austria, 11 de agosto de 1939), es un músico austriaco-venezolano. Actualmente cuenta con una importante trayectoria como pianista, compositor, arreglista y educador. Su obra musical está considerada entre las más valiosas dentro del género jazzístico en Venezuela, llegando a ser catalogado como “El maestro del jazz venezolano”. Su primer contacto con la música (muy especialmente con el jazz), se inició cuando tenía 6 o 7 años de edad, después de la victoria de los aliados en Europa, durante los últimos días de la Segunda Guerra Mundial. El jazz traído por las tropas de ocupación norteamericanas fue algo que capturó su atención, sintiéndose fascinado por la música de Glenn Miller y el Swing.
La Educación musical del maestro Weil se inició después de su inmigración a Venezuela en 1957. A la edad de 17 años, comenzó a recibir clases de músicos como Tito Fuentes, Eduardo Cabrera y Rubén Jacpo. Gran parte de su formación musical para esos tiempos fue autodidacta. Tiempo después tomaría cursos por correspondencia en la prestigiosa universidad Berklee College of Music, en Boston, Estados Unidos. En 1970 funda La Banda de Gerry Weil, de la que surgió el LP The Message, y en 1972 La Banda Municipal, pionera en mezclar música típica venezolana con ritmos contemporáneos. Entre 1974 y 1981, se radica junto a su familia en una finca en Mérida. Durante este tiempo logró internalizar y estudiar la música de Bach en piano. Sus recitales incluían obras de Bach y hasta Ragas Hindúes. Al final de este período, volvió a Caracas con el fin de retomar su carrera musical, trabajando también como profesor de música.
En el año de 1982, acompañado de su banda, participa en el festival de Jazz de Berlín. A partir de 1983 se dedica a elaborar su música con instrumentos electrónicos digitales, utilizando la tecnología MIDI, que protagoniza su carrera por varios años posteriores y que le consagra como pionero en el manejo de estas tecnologías en Venezuela. También se encargó de producir discos para María Rivas, Desorden Público y Tulio Chuecos, además de participar en otras producciones musicales. Luego de esto, decide volver a sus “raíces acústicas”. Ha impartido clases a importantes músicos como Ilan Chester, Otmaro Ruiz, Huáscar Barradas, Pedro Eustache, Prisca Dávila, Luis Perdomo, Silvano Monasterios, etc. Actualmente vive en Venezuela, tierra que considera su “segunda patria”, donde es ícono fundamental de la identidad nacional y de la cultura de este ferviente país. En el 2008 es galardonado con el Premio Nacional de Música._(wikipedia)
Gerry Weil Trio - Profundo (1999) Temas: 01. Profundo (Gerry Weil) 02. Andrés Sonríe (Gerry Weil) 03. Stella By Starlight (Victor Young) 04. Mañana de Campo en Abril (Gerry Weil) 05. El Viejo Puente en La Pastora (Gerry Weil) 06. Sabana Grande (Gerry Weil/Andrés Briceño) 07. Infancia (Gerry Weil) 08. Cançâo Das Criancas (Gerry Weil) 09. Children Song # 3 (Chick Corea) 10. Goodbye Por Pie Hat (Charles Mingus) 11. Orinoquia (Gerry Weil) 12. Son(G) for Gerrito (Gerry Weil) 13. Free Play (Gerry Weil Trio) 14. Plaza de El Hatillo (Gerry Weil) 15. Caballito Frenao (Gerry Weil) 16. Maiden Voyage (Intro Piano Solo) (Herbie Hancock) 17. Maiden Voyage (Trio) (Herbie Hancock) 18. Epilogo (Piano Solo) (Gerry Weil) Suite Infantil (tracks 07 to 09) Musicos: Piano: Gerry Weil Drums: Andrés Briceño Upright Bass: Carlos Rodríguez
Atcheré es un grupo que nace de la unión de siete músicos procedentes de diferentes estilos, (Salsa, Jazz, Rock, etc.) combinación que ha desembocado en la fusión conocida como Jazz Latino. Esta influencia tan dispar que aportan cada uno de los músicos que integran este grupo ha propiciado que su música suene de forma personal, o lo que podría denominarse sonido Atcheré. Esto no pasa desapercibido y comienzan una andadura musical llena de actuaciones de todos los locales de Tenerife, más tarde son llamados para su participación en el FESTIVAL INTERNACIONAL DE JAZZ DE CANARIAS 98, compartiendo cartel con el americano Bill Evans & Push, en el Puerto de la Cruz. El 7 de agosto de ese año actúan en el Festival de verano de Tenerife JAZZ & SOUL TFE. 98 junto a La Ferretería y Ghandara. En 1999 la música de Atcheré hacen que los locales llenen su aforo, motivando que los periódicos hablen de la banda como “una formación homogénea con grandes dosis latinas y connotaciones clásicas y jazzísticas que hacen que su música sea de gran calidad, con un rítmo muy caliente, pero a la vez muy elegante”. También en el 99 participaron en el BIG BAND FESTIVAL, organizado por Cajacanarias, en el que dieron un gran recital. Todos estos acontecimientos y la fama que el grupo adquiere de forma natural les llevan a participar de nuevo en el FESTIVAL INTERNACIONAL DE JAZZ DE CANARIAS 2000, en el que comparten cartel con Chuck Loeb Band. En este año comienzan la grabación de su disco “Amanece” en los estudios de Crater Sound. En él incluyen además de sus propios temas, varias versiones de clásicos del jazz como el Watermelon Man de Herbie Hancock entre otros. En Marzo del 2001 presentan en el CICCA en Las Palmas de Gran Canaria su nuevo disco y el 25 de abril del mismo año lo presentan en Cajacanarias en S/C de Tenerife, iniciando así una gira por diferentes escenarios del archipiélago. En abril del 2002 son requeridos para impartir un curso de jazz latino en la especialidad de música, organizado por la facultad de magisterio de la Universidad de La Laguna. De todas las actuaciones a lo largo de este año cabe destacar la realizada junto a Giraldo Piloto componente de Climax, en la que son invitados a participar en el Festival Internacional de la Habana “Jazz Plaza”. En este año comienzan a preparar su siguiente trabajo discográfico con nuevos temas propios y versiones adaptadas de Christian Mc Bride, The Brand New Heaves, Herbie Hanckock, Sonny Rollins, Michel Camilo, etc., en la que fusionan flamenco, jazz, funky, etc. sin perder la esencia latina que caracteriza al grupo. Actualmente Atcheré, un grupo consolidado desde 1996, cuyos componentes colaboran en los diferentes trabajos discográficos de artistas como Arístides Moreno, Mayelin, Los Sabandeños, Braulio, José Manuel Ramos, Benito Cabrera, Jose Antonio Ramos, Climax, etc.~(Atcheré)
Atcheré - Menjunje (2005) Temas: 01.Songo Pa Heliena 02.James 03.Para Benny 04.Oleo 05.Lilli 06.In a Hurry 07.Que Voy a Hacer 08.Homenaje al Mambo 09.Bilongo Musicos: Luis Ramirez-voz y percusión Samuel Labrador-teclados Manuel Angel Lorenzo-trompeta Jordi Arocha-percusión Fede Beuster-bateria Carlos Perdomo-Babby Bass y Bajo Fernando Barrios-saxos Información cedida por Candela
Changüí, changüí, changüí, aquí se tocan diez changüíes diferentes, todos ellos combinados en una presentación elegante y oscilante. Changüí en la Casa de Nora es un álbum conceptual apasionante creado por las personas que más derecho tienen a ser reconocidas. Creado por Elio Revé, hijo y heredero de Elio Revé, padre, el hombre que más hizo por llevar el changüí de la provincia primero a La Habana, luego a toda Cuba y finalmente al mundo. Esto es lo más auténtico que puede haber.
El changüí es una creación regional, una música campesina animada, con algunas influencias del ritmo bantú. Se trata de una música palpitante y terrenal, que suena un poco áspera, pero que siempre parece espontánea. La amplia gama de sonidos básicos resulta de la combinación de percusión de maracas, bongos, marinbola (una gran caja de madera con aros de metal que actúa como una mezcla de percusión y bajo) y guiro (normalmente una lata de metal golpeada con un palo), todo ello impulsado por un tres (guitarra de tres cuerdas) tocado agresivamente. El canto principal sólo puedo describirlo como acrobático
La primera canción aquí "Changüí en la Casa de Nora" es como se tocaba tradicionalmente el changüí antes de que Elio Revé, Sr. emigrara a La Habana en 1955. Nora nació en el mismo lugar que Revé, Sr. y mantiene su casa allí, donde todavía tienen lugar las jam sessions. Después de horas de músicos tocando y del baile campestre que probablemente se prolongue toda la noche hasta cerca del amanecer, es conocida por servir su famosa sopa y mariscos. El estribillo, siempre cantado rápidamente con voces infantiles, dice "Vamos a casa de Nora a comer ajiaco".
La primera canción aquí "Changüí en la Casa de Nora" es como el changüí se jugaba tradicionalmente antes de que Elio Revé, Sr. emigrara a La Habana en 1955. Nora nació en el mismo lugar que Revé, Sr. y mantiene su hogar allí donde el Jam sessions todavía tienen lugar. Después de horas de los músicos que juegan y de la danza del país probablemente va toda la noche hasta cerca del amanecer, ella se sabe para servir encima de su sopa famosa y mariscos. El coro, siempre cantado rápidamente en voces infantiles, dice: "Vamos a casa de Nora a comer ajiaco".
De joven, Elio Revé, padre, se dirigió a La Habana y llevó consigo el changüí. Comenzó a experimentar, y empezó a utilizar trombones y piano para mejorar la forma, como se escucha aquí en el siguiente tema "Bueno, Bueno y Que". Fusionó el changüí con el son, que había llegado desde Oriente unas décadas antes. En 1956, formó la Orquesta Revé, que además de convertirse en una de las bandas cubanas más importantes ha sido calificada como la escuela musical más importante de Cuba, donde muchos de los mejores músicos del país comenzaron sus carreras. Revé, padre, continuó experimentando, añadiendo el timbal de cinco teclas así como el tambor de bata a la mezcla percusiva, todo lo cual le valió a su banda el título de "Padre de todas las orquestas" y se le conoció como el "Padre del Changüí".
Hace unos años, el legendario e innovador director musical falleció en un accidente de tráfico. Su legado sigue vivo a través de su hijo, Elio Revé, hijo, que desde sus primeros pasos como pianista profesional ha sido una pieza clave en la banda de su padre, la Orquesta Revé, más conocida como El Charagón.
Elio Revé, Jr. es ahora el director musical y dedica el disco a su padre, tanto como tributo a su memoria como en cumplimiento de sus deseos. Revé, Jr. ha preparado una maravillosa ración de changüí. El Charagón está dotado de tres solistas vocales diferentes que realmente se elevan y el coro es una delicia. "Soy Revé" es un sólido tema de baile, que merece ser reproducido en las emisoras de música latina. En "La Visita", la cantante estalla con "toon, toon, toon" imitando el sonido percusivo de la clave para recordarnos que los palos del ritmo no se encuentran en el changüí. Tanto si se echa de menos esa especia de ritmo en particular como si no, todas las selecciones son bastante sabrosas.
Para pasar un buen rato, pon este disco mientras tú y tus invitados preparáis una cena informal y amistosa en casa. Con más de cincuenta minutos de juego, es una buena ración, pero nunca hay suficiente changüí para un adicto al ritmo._Barbara Flaska (popmatters)
Quizá la primera pregunta sea: ¿quién es Nora? Es la mujer de Guantánamo en cuya casa se celebran las descargas, o jam sessions, de los músicos, y un lugar frecuentado desde hace tiempo por la Orquesta Revé. Dirigida ahora por Elio Revé Jr., el hijo de su fundador, han sido en gran parte responsables de la transformación de la forma de changüí, antes acústica, en música de big band poderosamente rítmica. El propio changui es la raíz del elemento musical cubano conocido como son, y ambos se fusionan aquí en "Bueno, Bueno Y Qué". Sin embargo, en su mayor parte se trata de changuis directos, que incorporan los tambores de bata y el estilo de timbales que introdujo Revé, con vientos que añaden un gran efecto a piezas como "Iyabo". También hay un gran énfasis en el siempre excelente trabajo vocal, y quizá sea apropiado que dediquen este álbum a la misteriosa Nora, en cuya casa progresó el changüí, una forma nacida en Guantánamo. Revé Jr. demuestra ser un director de banda tan hábil como su padre, un pianista más que capaz. Pero más que cualquier individuo, es la banda la que brilla, trabajando como un todo; de hecho, los solos instrumentales son escasos y distantes entre sí, a diferencia de mucha música cubana. También hay que felicitar a Raúl Frometa Noa, cuyos arreglos en siete de los diez temas que se incluyen en este disco acentúan las cualidades propulsoras de la música._Chris Nickson (allmusic)
Temas: 01. Changüi En L Casa De Nora 02. Bueno, Bueno Y Qué 03. Muévete Pa' Qui 04. Soy Revé 05. Iyabo 06. Pensamiento Absurdo 07. Al Principio 08. La Visita 09. El Trompo 10. La Dueña De La Habana
Musicos:
Elio Revé Jr. (Piano, dirección)
Giovanni Cofiño (Bajo, maimbula)
Leonel González (Tres)
Raúl Martínez (Güiro)
Carlos Rodríguez (Timbales, batá, bongó, quinto, campana)
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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