José F. Castellar: escritor, poeta, compositor, músico y Personalidad en directo. Como intérprete, el Sr. Castellar ha trabajado con grandes músicos como Julius Hemphill, Johnny Colon, John Tchicai y Roy Campbell, por nombrar algunos. Como escritor y poeta, trabajó y actuó con los Poetas Negros de East Bay, donde fue miembro del conjunto y también interpretó parte de su poesía en la música anual Lake Merrit Music by the Lake. Como personalidad en el aire (desde sus días de radio en KPFA en Berkeley y KPOO en San Francisco) ha entrevistado a personajes tan notables como Eddie Palmieri, Horace Silver, Ray Santos, Willie Rosario, Jon Luden, Nat Adderty y Tito Puente. Ahora ha volcado sus energías creativas en su proyecto actual, Man From San Juan.
Cachao - Castellar - Santos - Martinez
Es el escritor, compositor y productor de esta pieza teatral. La pieza del Sr. Castellar titulada "JAH" (dedicada a Julius Hemphill) se publicó en la edición de invierno/primavera 1995 de la revista Konceptualisations en la que rinden homenaje a Julius Hemphill. Su primera composición grabada "Dreams" fue grabada el 13 de noviembre de 1992 por Julius Hemphill en el sello Music & Arts (CD 791) interpretada en vivo en el Museo de Oakland. Man From San Juan se ha presentado dos veces, el 5 de mayo de 1995 en la Minna Strect Gallery (111 Minna St., SF, CA) y el 31 de mayo de 1997 en el Merkin Concert Hall (129 W67th St., NYC).
Algunos músicos de jazz - ciertamente no todos los músicos de jazz, pero algunos músicos de jazz - puede ser snobs de jazz muy estereotipados (el tipo de personas que se niegan a ver el valor de cualquier otra música de jazz y no sabría Joan Jett, de Joan Baez o Mary J. Blige de Mary Chapin Carpenter). Pero trombonista / director de orquesta y arreglista Wayne Wallace es un músico de jazz con una perspectiva más amplia de mente, que le sirve muy bien en la búsqueda temeraria de la Belleza. Este es un disco de jazz-orientadas a que recibe una gran cantidad de inspiración de la música latina, así como el soul / funk. Por supuesto, el término "música latina" se refiere a muchas cosas diferentes: en la Bahía de San Francisco (donde Wallace se basa), hay una enorme comunidad mexicano-estadounidense que compra una gran cantidad de música norteña, banda, ranchera y duranguense. Pero Wallace se convierte en las zonas más influencia africana de la música latina en busca de inspiración, elementos afro-cubanos ocupan un lugar destacado en "El Río de Oro", "La Encantadora", "Nadie" y "Paso a Paso" (todos los originales Wallace) como así como versiones de buen gusto de Miles Davis "Up Tune" y Bill Withers "Use Me"(que es uno de los temas que cuenta con la cantante Alexa Weber-Morales). "Rhythm & Rhyme", sin embargo, tiene más de un sabor Afro-Brazilian/samba. La búsqueda imprudente de belleza es un título interesante para esta grabación de 2006; Wallace es definitivamente la búsqueda de la belleza musical, pero las actuaciones (algunas de ellas totalmente instrumentales, algunas de ellas con voz) nunca sonido imprudente - tal vez inquieto, pero no imprudente (o por descuido o azar ). En realidad, este disco logra un sonido muy centrado al tiempo que ofrece una buena cantidad de sorpresas (incluyendo una actuación bolero al estilo de Duke Ellington "Asunto cromática Love" y un arreglo de Mongo Santamaría "Afro-Blue", que incluye tanto canciones de Inglés por Oscar Brown , Jr. y letras en español por Ricardo Pereiro). Aunque no destinadas a los puristas del jazz, la búsqueda temeraria de belleza es bien vale la pena escuchar si le gusta su jazz latino y post-bop con una dosis de funk y soul. ~ Alex Henderson, All Music Guide
Wayne Wallace-The Reckless Search for Beauty (2006) Temas: 01.El Duende Africano 02.Paso A Paso 03.Use Me 04.Tune Up 05.Rhythm & Rhyme 06.Chromatic Love Affair 07.Nadie 08.Obatala/ Afro Blue 09.La Encantadora 10.Esta Noche 11.El Rio De Oro Musicos: Wayne Wallace: trombone-All tracks Alexa Weber-Morales: vocals-Tracks 1, 3, 5, 7, 8, 11 John Santos: percussion-All tracks Michael Spiro: percussion-All tracks Paul Van Wageningen: trap drums-All tracks David Belove: All tracks Murray Low: piano-Tracks 1-6, 8, 9, 10 Frank Martin: piano and synthesizer-Tracks 3-5, 7, 8, 11 David Yamasaki: All tracks Louis Fasman: trumpet and flugelhorn-Tracks 1-10 John Worley: trumpet and flugelhorn-Tracks 1-10 Melecio Magdaluyo: alto sax, bari sax, and flute-Tracks 1-10 Ron Stallings: tenor sax-Tracks 1-10 Musicos invitados: Ron Hollins: vocals-Tracks 3, 5, 8 Dave Martell: trombone-Tracks 2, 10 Kat Parra: vocals-Tracks 1, 3, 5, 8 Orlando Torriente: vocals-Tracks 1, 3, 5, 8 Sheryl-Lynn Wallace: vocals-Tracks 1, 3
Desde que se mudó a la ciudad de Nueva York a fines de la década de 1970, Rick Davies ha trabajado en una gran variedad de contextos musicales. Sin embargo, se ha centrado principalmente en sus esfuerzos creativos en las áreas de salsa, jazz latino y música afrocaribeña. En las escenas de salsa, afro-caribeño y jazz latino, ha actuado con muchos artistas y grupos (Tito Puente, Johnny Colon, Charlie Palmieri, Marc Anthony, Skah Shah, Ti Manno, Tabou Combo, Arrow, Rey Reyes, Johnny Ray , Libre de Manny Oquendo, etc.) y grabado en más de cien álbumes. Durante la última década, ha sido el director musical de Salsa Picante de Wayne Gorbea, interpretando y componiendo u organizando trabajos para las grabaciones populares del grupo, incluidos Cogele el Gusto, Saboreando y el lanzamiento más reciente de la banda, Fiesta en el Bronx. Una larga asociación con Jackie Byard y sus Apollo Stompers es uno de los aspectos más destacados de los principales créditos de jazz de Davies. Él aparece en la grabación de Byard’s Phantasies II. Rick Davies lanzó su primer álbum Salsa Stut en 2001 y presenta a varios músicos conocidos de Nueva York, incluidos Arturo O'Farrill, Harvie S, Vince Cherico, el difunto Sam Furnace y Juan Rodríguez. Davies sigue siendo muy activo como intérprete. Los créditos recientes incluyen la grabación con el grupo de rock Blondie, así como con Michael Jackson y Wyclef Jean. Davies también hizo apariciones en vivo a fines de 1999 con Wyclef para el presidente y la señora Clinton y en el concierto Netaid del estadio de los Gigantes. También filmó un episodio de VH1 Storytellers con Wyclef y los Refugiados All-Stars. Davies ha viajado mucho con el Big Apple Circus y aparece regularmente con Salsa Picante en la ciudad de Nueva York y en todo el mundo. Actualmente está promoviendo su grupo Jazzismo y creando nuevas composiciones para este conjunto de jazz latino de primera clase. Como académico, Davies ha escrito varias monografías, capítulos y artículos principalmente sobre música y salsa afrocubana. Su libro, Trompeta: Chappottín, chocolate y estilo de trompeta afrocubana, fue lanzado en mayo de 2003 por Scarecrow Press. Contribuyó con un capítulo sobre Alfredo "Chocolate" Armenteros a Música de Cuba (Praeger Press, 2001). Otros artículos que ha escrito incluyen "Sexteto Habanero, Félix Chappottín y Trompeta afrocubana temprana", "El estilo de trompeta conjunto: Chappottín, Florecita y chocolate" y "Americanizando el currículum de música eurocéntrica". Davies recibió un Ph.D. de la Universidad de Nueva York en 1999 (su disertación fue sobre la actuación de latón cubano) Actualmente es profesor asistente de música en la Universidad Estatal de Plattsburgh de Nueva York (SUNY). ~ (cdbaby) Siempre Salsa es una alegre colección de canciones en una variedad de escenarios, todos los cuales tienen en común el espíritu de la salsa. Las ocho canciones en el CD fueron compuestas por el trombonista Rick Davies y van desde salsa dura al estilo Bronx hasta jazz latino para grupos grandes y pequeños. Wayne Gorbea y Salsa Picante aparecen en los dos cortes principales de salsa, "Rosa Primavera" y "Habana Nocturna". Frank Otero ofrece su voz provocativa en ambas pistas. Las selecciones restantes son jazz latino y presentan el Sexteto Jazzismo al que se unen varios músicos de Nueva York y Vermont, incluidos los miembros de Salsa Picante. Extraídos de los archivos de las grandes bandas, tanto "Insomnio" como "Santos" traen recuerdos de la tradición de Machito y Tito Puente de la era Palladium. "Santos" es un homenaje al gran arreglista Ray Santos. "Rumba Nortena" y "Caliente Time" presentan a los miembros principales del Sexteto Jazzismo, mientras que el saxofonista alto invitado David Grippo brilla en "Cena Para Seis" y "Calle Loca". Rick Davies utiliza muchas de las mismas técnicas que escuchó en su primer CD, Salsa Strut, y ofrece a los oyentes un conjunto emocional bailable. Sin embargo, con el swing adicional y los arreglos de big band para Siempre Salsa, Davies trae el lado latino de su delicadeza de trombón a la vanguardia con más swing, más estilo y más sass. ~ Paula Edelstein (allmusic)
Rick Davies - Siempre salsa (2006) Temas: 01. Cena Para Seis 02. Rosa Primavera 03. Insomnio 04. Habana Nocturna 05. Rumba Norteña 06. Santos 07. Calle Loca 08. Caliente Time Musicos: Rick Davies - Trombon, Productor Wayne Gorbea - Piano, Productor Jeff Salisbury - Bateria Alex Stewart - Saxo (Tenor) Tony Barrero - Trompeta Andy Moroz - Trombon Rafi Malkiel - Trombon Brian Mcnamara - Saxo (Alto) Andrew West - Trombon Steve Ferraris - Conga Ruben Borgas - Timbales Luis Cruz - Bongos John Rivers - Bajo Frank Reyes - Conga Juan Rodriguez - Bongos, Conga
Todo el concepto del álbum de Peter MacDonough The Woo: A Latin Jazz Suite for Soprano Saxophone, desde la portada hasta el nombre de las canciones, está basado en la película El mago de Oz. Las reinterpretaciones de canciones de películas no son algo nuevo en el jazz, John Coltrane lo hizo con My Favorite Things, una canción de The Sound of Music. Pero lo que MacDonough hizo aquí es una versión de jazz latino de una banda sonora de una película completa. Y al igual que Coltrane hizo en Mis cosas favoritas, MacDonough también toca el saxo soprano. Los arreglos creativos y refrescantes de MacDonough le dan nueva vida a la música de esta película clásica. Los sublimes sonidos del saxo soprano en "Follow the Yellow Brick Road" sirven como introducción a los ritmos de samba de "We're Off To See the Wizard". El corto tango "Miss Gulch" da paso a la oscura y melancólica balada de jazz: "Come out, come out wherever you are Part I". En "Come out, come out wherever you are Part II", la misma música suena más feliz con un suave arreglo de jazz. Después de los ritmos africanos 6/8 de "Lions and Tigers and Bears", la banda vuelve a entrar en los ritmos contagiosos de Samba en "Optimistic Voices". El samba-reggae "Merry old land of Oz" y la versión cubana danzón de "If I if have" lleva al oyente a los sonidos del Caribe. Escuchar el agradable tumbao y el solo de conga de Michael Spiro al final de la canción, es difícil de creer que estos muchachos (excepto Jovino Santos Neto) no sean de América Latina. Después de la excelente voz del australiano Adrian Payne sobre un ritmo clave en "March of the Winkies", finalmente la canción que la mayoría de la gente reconoce del Mago de Oz, "Somewhere over the Rainbow". Con tantas grabaciones de este clásico, es difícil encontrar un arreglo original y fresco. Las firmas de tiempo extraño en esta versión hacen el truco. El álbum termina con el magnífico piano de Jovino Santos Neto en la samba ligera "If I were the king of the forest", el relajante sonido del saxo soprano de "The Lullaby League", el bailable "Ding Dong" y una repetición más íntima de "Somewhere over the Rainbow". ~ Wilbert Sostre (latinjazznet)
MacDonough nació en Santa Mónica, California, el 20 de febrero de 1958. Empezó a tocar el clarinete a los nueve años y unos años más tarde fue aceptado en la Banda y Orquesta del Estado de Virginia All Virginia Band Directors Association#All Virginia Band and Orchestra a la edad más temprana posible, tocando el clarinete y el clarinete bajo. A los 15 años se incorporó a la Orquesta Sinfónica Juvenil de Richmond, tocando los mismos instrumentos pero con el fagot añadido a su repertorio. MacDonough terminó el bachillerato en la Valley Forge Military Academy and College de Pensilvania con una beca completa de música.
Asistió al College of William & Mary y, durante sus estudios, tocó como clarinetista principal de la Orquesta Sinfónica William & Mary. Se licenció en Filosofía y Letras y fue en esta época cuando se alejó de la música clásica y se pasó al saxofón como instrumento principal, tras descubrir su amor por el jazz.
Tras concentrarse durante algún tiempo en su carrera fuera de la industria musical, MacDonough empezó a estudiar jazz latino en San Francisco en 1996, con varios profesores notables. Entre ellos se encontraban Michael Spiro, Mark Levine, Marcos Silva, Jovino Santos Neto, Mary Fettig y Steve Erquiaga. MacDonough ha actuado con varios músicos en Washington, DC, Colorado Springs, San Francisco, Nápoles y Sydney. Durante este tiempo, ha sido el líder de numerosos grupos, como el Peter MacDonough Duo (o Duo with Peter MacDonough), el Peter MacDonough Trio, Peter MacDonough & Friends y Peter MacDonough with Quiet Dignity. De vez en cuando, dirige una banda de fusión de seis músicos llamada Dorian Blue, compuesta por saxofón (alto y soprano), teclas, guitarra, bajo, batería y percusión.
MacDonough grabó su primer álbum como solista en 1991, en homenaje a una de sus principales influencias, Jay Beckenstein. A finales de los 90, participó en varios discos de otros músicos y su banda, Dorian Blue, grabó varios álbumes para complementar su trabajo de sesión en la zona de la bahía. MacDonough grabó un álbum con un grupo pequeño en 2003 y otro con Dorian Blue en 2005, ambos con él mismo como solista.
Tras regresar a Sydney en 2007, MacDonough publicó su cuarto álbum, The WOO: A Latin Jazz Suite for Soprano Saxophone (2010). Este álbum fue nominado a un premio Twirlie (Twirl Radio) al Mejor Álbum de Jazz Latino en 2011, y alcanzó el número 4 de la CMJN Alternative Top 100 Chart en marzo de 2011 y el número 17 de la Roots Music Report Top 50 Jazz Chart en diciembre de 2010. MacDonough publicó su quinto álbum como líder en 2015. ~ (everybodywiki)
Peter MacDonough - The Woo: A Latin Jazz Suite for Soprano Saxaphone (2010)
Proeza de Mark Levine en el juego del hemisferio sur con sabor a jazz ha sido bien establecida desde hace varias décadas antes de formar su grupo de tinte latino, que se remonta a su época con los de origen brasileño Moacir Santos compositor. Él vuelve a la música de su antiguo empleador en este juego de originales que no necesariamente se adhieren a la samba y la bossa nova estilos. De hecho, Levine y su grupo energético de músicos de la Costa Oeste son más que capaces de sumar sus voces personales a una música que a menudo es demasiado previsible. La obra de María Fettig de flauta es atractivo por sí mismo, pero aquí realmente pone un sello personal en los sonidos con la actuación vibrante y creíble. Levine se pega al piano acústico para esta fecha, evitando los clichés tentador pirotécnicos un Chick Corea podría llevar a la mesa, fortaleciendo la música con los acordes de buen gusto y discreción, como líneas simples. Es la sección rítmica del percusionista Michael Spiro, el bajista John Wiitala, y el baterista Paul Van Wageningen que añade la sal y la unidad a este conjunto diverso de una agradable música. Los tres también son responsables de hacer la música rítmica interesante, mezclando el funk en varios metros en la pista del título vibrante, saltando de un montuno 5 / 4 en la línea penúltima jazz latino de "Kathy", y la quema de la 4.4 venció clave de la canción afrocubana "Haply Happy" Flauta mando pero ineficaces: no Fettig es frente y al centro de la cadera y alegre cha cha "Nana", la singsongy "A Saudade Mata a Gente" clava en el funky jazz brasileño de "April Childl", y pone de nuevo en la sonata de estilo tema pop "Jequié". La cohesión de este grupo es inmediatamente perceptible, aunque Fettig recibirá la mayor parte de la atención. Ella también tiene un poco de saxo soprano o clarinete bajo sólo para agregar otros colores brillantes o el sigilo, respectivamente. Es un crédito a Levine que la consistencia de esta música es más importante que el espacio en solitario o la comercialización de un floreciente cargada de poder, la imagen de motor. Off & On llega fácilmente recomendable para aquellos que disfrutan de la autenticidad de la música basada tropical, retirado del cansancio, el trabajo de síntesis, y la sobreproducción de mucho menos talentosos artistas de este género. ~ Michael G. Nastos, All Music Guide
Mark Levine and the Latin Tinge: Off & On The Music of Moacir Santos (2009) Temas: 01.Nana 02.Early Morning Love 03.Off And On 04.April Child (Aka Maracatu) 05.Suk-Cha 06.Kathy 07.Jequie 08.Tomorrow Is Mine 09.Haply Happy 10.What's My Name (Aka Odudua) 11.Luanne (Aka Sou Eu) 12.Saudade Mata a Gente Musicos: Mark Levine: piano Mary Fettig: flute, soprano saxophone, bass clarinet Michael Spiro; percussion Paul van Wageningen: drums John Wiitala: bass
Percusionista Bobby Matos es uno de los bateristas más respetados en todo el género de jazz Afro-Cuban/Latin. Nacido en el Bronx, Nueva York, el 24 de julio de 1941, Matos musicales vinieron de una familia, pero inicialmente estaba más interesado en el baile que tocar un instrumento. Matos no se empezó a tomar en serio la batería hasta su final de la adolescencia, al mismo tiempo, aprender a tocar conga en los sótanos de las iglesias en Harlem, como él miró a artistas como Tito Puente para la inspiración. Fue en esta época en la que se sumaron a Matos su primera banda, Los Congueros, compuesto exclusivamente de conga, flauta y contrabajo. A fines de los años 60, se habían graduado de Matos de orquesta (al igual que la salsa se inició el movimiento para obtener el pleno de vapor), resultando en uno de sus más conocidas canciones, "Mi Alma Latina", producido por Joe Cain, una figura respetada en latín el jazz. Pero en lugar de continuar como de orquesta, Matos decidió centrarse estrictamente en su percusión, ya que trabajó como acompañante para las próximas dos décadas. En los años 80, Matos se habían trasladado a California y comenzó a grabar nuevo material. En los años 90, publicó álbumes de manera regular: 1993 Collage del Jazz Afro Cubano, 1995 Danza del Chango, 1996's Huellas, 1997 de Mi Alma Latina, 1998 de la sesión (una recopilación de algunas de las sesiones de Matos desempeñado durante un período de 14 años), 1999 Live en Moca, y 2001 del Mambo Jazz, la última de las cuales fue una colaboración con sus compañeros el baterista de jazz John Santos. ~ Greg Prato (allmusic)
Bobby Matos (24 de julio de 1941 - 11 de noviembre de 2017) El percusionista latino Bobby Matos ha muerto. Tenía 76 años. Deja atrás a muchos amigos y fans junto con un legado de gran música afro cubana de jazz
Gracias Bobby Matos, por todo el legado que nos dejas, siempre estarás en nuestros corazones, D.E.P.
Alexa Weber Morales es una cantante del área de la Bahía de San Francisco cuya estrella está creciendo rápidamente. Canta en francés, español, portugués e inglés, y su voz exuberante, amplia y sensual me recuerda a la de Basia, otra cantante poderosa que rompió fronteras a principios de los años 90 y que acaba de regresar.
En este segundo CD, Weber Morales incluye jazz, bossa nova, salsa, funk, una pizca de R&B e incluso un toque de ópera (como en el tema de apertura, una reimaginación candente de la conocida "Habanera" de Carmen). Vagabundeo/Wanderings también cuenta con un coro de gospel, un trío a capella, cuernos ardientes, percusión intrincada, melodías de fiesta y baladas inquietantes. Las fuentes de las canciones incluyen a Rubén Blades, Edu Lobo, Tom Jobim y una película mexicana de 1948, mientras que cinco intrigantes originales de Weber Morales completan la mezcla. Los arreglos de Wayne Wallace, director del sello Patois Records, realzan la alegre energía de este disco.
¿Es esto jazz con una sensibilidad pop/latina, o latina con una sensibilidad jazz/pop? En los círculos puristas, "pop" es una palabra de cuatro letras, pero ¿qué importancia tiene eso cuando la música es tan animada y se interpreta con tanto cuidado, talento y corazón?
Vagabundeo/Wanderings es un buen nombre para este viaje amplio y atractivo. Si Weber Morales se decide alguna vez a abordar algunos estándares de jazz, podría dejar atrás a la mitad de los vocalistas actuales. Por lo menos._Dr. Judith Schlesinger (allaboutjazz) Alexsa Weber Morales - Vagabundeo/Wanderings (2007) Temas: 01. Habanera 02. Ave Rara 03. Calling You (featuring Kenny Washington) 04. El Cantante 05. Agua De Beber/Aguas De Marco 06. Her Ways Wander 07. The Goddess Of War 08. Asi Es El Amor 09. Angelitos Negros 10. Tu Amor 11. You Cry, I Dry Your Tears Musicos:
Alexa Weber Morales (Voz)
Paul Van Wageningen (Batería)
David Belove (Bajo)
Murray Low (Piano)
Rick Vandivier (Guitarra eléctrica/acústica)
Michael Spiro (Congas, clave y castañuelas)
John Santos (Cajón, guiro, campana y quijada)
Louis Fasman (Trompeta y flugelhorn)
Melecio Magdaluyo (Saxo alto, saxo barítono y flauta)
"Consenso" Omar Sosa - Live in Paris (2004) Músicos: Omar Sosa (piano) Luis Depestre (saxophone) Childo Tomas (basse) Steve Arguelles (batterie) Angra Diaz (percussions) Dnafer Youssef (voix, oud) Compositor, pianista y director de orquesta de Omar Sosa nació en 1965 en Camagüey, el más grande de Cuba, ciudad del interior. A los ocho años, Omar comenzó a estudiar percusión y marimba en el conservatorio de música en Camagüey, en La Habana, cuando era un adolescente, él tomó el piano en la prestigiosa Escuela Nacional de Música, y completó su educación formal en el Instituto Superior de Arte de La Habana. Reside en el norte de California desde 1995. "Hay un nuevo y estimulante sonido de jazz procedente de Cuba, una música de gran virtuosismo e innovación basada en una amplia gama de tradiciones musicales, desde el jazz latino hasta la música clásica europea. Uno de los principales embajadores de este nuevo sonido cubano es Omar Sosa. El matrimonio del jazz y la música cubana, primos del Nuevo Mundo relacionados por ascendencia africana, ha dado nacimiento a la música más embriagadora de los últimos 50 años. En Nueva York a finales de los años 40, Dizzy Gillespie y el legendario conguero cubano Chano Pozo crearon una nueva y arrolladora música fusionando las polirritmias cubanas con la armonía e improvisación del jazz moderno. En La Habana, una década más tarde, el legendario compositor-bajista Isreal "Cachao" López fusionó mambo y jazz en sesiones improvisadas a altas horas de la noche que alimentaron el jazz latino y la salsa. Hoy en día, los jóvenes jugadores cubanos están haciendo una música notable con una gama aún más amplia de sonidos: formas seculares y sagradas de AfroCuban, bebop, música clásica, melodías pop, moda y free jazz. El original y fluido Omar Sosa viene a nosotros de esta forma. Su música impresionista abarca ritmos cha-cha y frases monjes, cantos yoruba, ritmos hip-hop y melodías rapsódicas. El galardonado compositor y pianista cubano lleva la economía de Thelonius Monk y la riqueza melódica de Keith Jarrett y Chick Corea al poder rítmico de la música AfroCuban. Desde su llegada al Área de la Bahía de San Francisco en 1995, Omar Sosa ha fortalecido la escena local de jazz latino con su juego explosivo y aventurero. Al año siguiente, Omar debutó en la grabación en Estados Unidos con "Omar Omar" (OTA1001), un impresionante álbum marcado por una técnica poco ortodoxa, energía rítmica y audacia armónica. En 1997, Omar lanzó "Free Roots" (OTA1003), con 14 músicos, entre ellos el percusionista cubano Jesús Díaz, el baterista Elliot Kavee y el rapero Will Power. En él, Sosa revela más de su imaginación musical que, aunque arraigada en su experiencia afrocubana, es ecléctica, misteriosa, irónica y maravillosamente improvisada. "Free Roots" fue recibido con gran reconocimiento por parte de la crítica, y fue seleccionado por el crítico musical parisino Remy Kolpa Kopoul como el número 1 del álbum en el año en Francia. También durante 1997, Omar comenzó su colaboración continua con el conocido percusionista y educador del Área de la Bahía John Santos. Lanzaron una grabación en dúo en vivo titulada "Nfumbe" (OTA1004) junto con su aparición en el Festival de Jazz de San Francisco. Omar ha actuado recientemente con su cuarteto en el Festival de Jazz de San José, el Festival de Jazz de Stanford, el Monte. Hood Festival of Jazz y Monterey Jazz Festival. También en 1998, Omar disfrutó de dos exitosas giras por Francia. El último CD de Omar "Spirit Of The Roots" (OTA1005) presenta a más de 30 músicos, incluidos los percusionistas cubanos Pancho Quinto y Orestes Vilato. En este nuevo CD, Omar combina sus raíces musicales en la música popular cubana y la práctica espiritual Yoruba con jazz, hip-hop y música de la tradición folclórica negra de Esmeraldas en la costa norte de Ecuador. Es un trabajo apasionado, lúdico y original.
La Orquesta Ritmo Oriental ha tenido una carrera de mas de cuatro decadas. Aunque su formato es de una Charanga, fueron unos de los mas inovativos en intruducir sin parches otros estilos en forma brillante ha lo que despues se le llamo Songo en los anos 60'. Sin duda este grupo ha sido unos de los mas influyentes en el desarrollo de la musica bailable contemporaria en Cuba...
La Orquesta Ritmo Oriental es una de las más infravaloradas y poco investigado en la historia de los grupos de música cubana. A diferencia de Van Van e Irakere, no hay EGREM "Colección" de serie a la crónica de su discografía y no DVDs largo recuento de su historia biográfica y entrevistando a sus miembros sobrevivientes. A diferencia de Arsenio Rodríguez, Beny Moré, Chano Pozo y Sexteto Habanero, no hay meticulosa Cristóbal Díaz Ayala discografía o documentado amorosamente caja de Clásicos Tumbao Cuba. "La Ritmo" fue tan innovador e influyente, prolífica y musicalmente brillante como cualquiera de los grupos anteriores, pero su trabajo se sumidos en la oscuridad casi total si no fuera por los heroicos esfuerzos de un puñado de gente como Ned Sublette (Documentos QBADisc), Brett Gollin, Holanda Rob, John Santos, Michael Spiro, Karakas Martín, Víctor Barrientos, Emilio Vanvanedes, Danilo Lozano, Emiliano Echeverría, Osvaldo Martínez, David Cantrell, Spates Burrell, Luis Carranza y Schultz. Ahora bien, algunas partes clave de la discografía de Ritmo Oriental sólo están disponibles en vinilo raros o perdidos y hay otras de las principales insuficiencias que siguen siendo un misterio total. Esto es lo que hemos sido capaces de reconstruir con la ayuda de Brett Gollin y un misterioso musicólogo Habana llamado Cristóbal...Seguir leyendo Más información relacionada
Orquesta Ritmo Oriental-La Ritmo Te Esta Llamando (1988) Temas: 01.Nena, Así No Se Vale 02.Yo Traigo Panatela 03.Que Rico Bailo Yo 04.Maritza 05.La Ritmo Suena A Areito 06.La Ritmo Te Está Llamando 07.Maria Baila El Son 08.El Que No Sabe, Sabe 09.Advertencia Para Todos 10.Si No Hay Posibilidad Me Voy Información cedida por Osvaldo M
Pete Escovedo ha sido una fuerza importante en la música Latina desde finales de los años sesenta, y su versatilidad ha resultado un éxito en varias areas de la música, fesde el jazz latino y la salsa hasta el rock y el pop latino. Creció en Oakland, rodeado de música. Su padre cantaba con algunas big bands latinas. Pete tocaba el saxo en la escuela secundaria y pronto cambió a los vibráfonos. Cuando el pianista Ed Nelly necesitó un percusionista, Escovedo respondió a su llamado. Él y uno de sus hermanos menores, Coke Escovedo, se desarrollaron rápidamente como percusionistas y recibían muchas pedidos de actuaciones en Carolina del Norte. Con el menor de los hermanos, Phil Escovedo, tocando el bajo, se formó el sexteto de jazz latino, Escovedo Bros. El grupo se separó en 1967, cuando Carlos Santana contrató a Pate y a Coke para su grupo de rock latino. Después de hacer giras con Santana durante los siguientes tres años (se han reunido con él algunas veces después), Pete y Coke crearon la big band latina de 14 instrumentos "Azteca", con la cual grabaron dos álbumes para Columbia. Cuando la banda aumentó a 24 miembros, se hizo muy caro manterlos juntos aunque la música era bastante impresionante. Desde ese momento, Pete ha tocado un sinnúmero de veces inclusive con celebridades como Herbie Hancock, Woody Herman, Cal Tjader, Tito Puente entre muchos otros. Comenzó a apelar a su hija, Sheila E., a mediados de los setenta cuando todavía era una adolescente; primero grabaron juntos en 1976 con Billy Cobham y han trabajados juntos muchas veces desde entonces. Desde Azteca, Escovedo ha dirigido frecuentemente también su propia banda de jazz latino, a veces incluyendo también a sus hijos, Juan, Peter Michael y Zina. Pete Escovedo ha grabado como líder para Fantasy (codirigiendo con Sheila E.) y Concord. Mas información relacionada Pete Escovedo-Whatcha Gonna Do (2001) YESTERDAY'S MEMORIES-TOMORROW'S DREAMS: 01-Charango Sunrise 02-Moving Pictures 03-The E Medley: Azteca Mozambique / Ah Ah / Cueros 04-Modern Dance 05-Zina's Zamba 06-Yesterday's Memories-Tomorrow's Dreams 07-Revolt MISTER E: 01-Whatcha Gonna Do 02-Tassajara 03-Un Poquito 04-Let's Wait a While 05-Gingerbread Girl 06-Caribe 07-Take Some Time 08-Dr. Macumba 09-Mister E 10-Dawn: The Beginning Musicos: Pete Escovedo-Percussion, Main Performer, Producer, Drums, Timbales, Vocals, Leader Rebeca Mauleón-Piano, Keyboards, Vocals Bill Ortiz-Trumpet Vicki Randle-Vocals Dan Reagan-Trombone John Santos-Percussion, Bongos, Vocals, Bata Dan Shea-Keyboards Ed Smith-Drums Norbert Stachel-Flute, Saxophone Marc Van Wageningen-Bass Wayne Wallace-Trombone, Musical Director David Yamasaki-Guitar Paul VanWageningen-Drums Ismael Rodriquez-Vocals Juan Escovedo-Percussion, Vocals, Bongos Robbie Kwock-Trumpet, Flugelhorn Mike Galisatus-Trumpet, Flugelhorn Ray Obiedo-Guitar David Belove-Bass (Electric) Jon Bendich-Conga Jeff Cressman-Trombone Sheila Escovedo-Conga, Vocals David Goldblatt-Keyboards
Nacido en (Matanzas, Cuba, 10 de octubre de 1925 - falleció en Los Ángeles, California, 7 de mayo de 2010), Francisco Aguabella es un maestro de los tambores de bata y de la rumba de origen yoruba, así como de las tradiciones contemporáneas, como el son cubano, la salsa y el jazz latino. Ha grabado y/o actuado con destacados artistas musicales internacionales como Tito Puente, Cachao, Eddie Palimieri, Dizzie Gillespie, Cal Tjader, Lionel Hampton y Celia Cruz. Aguabella ha recibido el Premio al Patrimonio Nacional del Fondo Nacional de las Artes y es objeto de un documental de Les Blank, Sworn to the Drum.
Francisco es uno de los primeros bateristas que llegaron a América y son responsables de todos los tambores que vinieron después", dice el percusionista latino John Santos en la película "Sworn To The Drum". "Es uno de los baluartes de nuestra música y siempre ha mantenido el compromiso con nuestro ritmo cubano. Toca con todo el mundo pero siempre mantiene nuestro ritmo, eso es muy importante", añade Isreal "Cachao" López.
Chano Pozo es ampliamente reconocido como el primer baterista cubano que se hizo notar en la escena musical estadounidense. Le siguieron directamente Patato Valdez, Cándido, Mongo Santamaría y Francisco Aguabella. Aguabella, como maestro de la bata (tambor parlante), impresionó inmediatamente a muchos. Fue contratado muy pronto por Dizzy Gillespie y durante su carrera ha tocado y grabado con Peggy Lee, Tito Puente, Eddie Palmieri, Malo y Carlos Santana.
Lejos de sus habituales lanzamientos de jazz latino, Cantos a los Orishas, de 2002, se centra en la otra cara del percusionista Francisco Aguabella. El título se traduce como "Cantos para los Orishas", o los dioses de la práctica religiosa afrocubana de la santería. Estos 11 temas, interpretados por Aguabella a la bata (los tambores sagrados de esta tradición) con un conjunto de percusión y voz, Sus Tambores Bata nombrados con Aguabella, que son conocidos estrictamente por su música cubana, sin ninguna influencia del jazz americano. Los cautivadores e hipnóticos polirritmos (conocidos como bembe) y las voces cantadas suenan, incluso para los novatos en músicas del mundo, como música ceremonial; el ambiente es solemne, aunque nunca lúgubre o sombrío, y festivo en todo momento. Esta edición en CD combina cinco grabaciones antiguas publicadas anteriormente en casetes de pequeña tirada con seis temas totalmente nuevos._Stewart Mason (allmusic)
La temprana Los Van Van de rock y pop mezclada con charanga y changüí (para no decir nada de hijo de merengue con bomba) , mientras que el jazz, la música clásica y el rock progresivo con música folklórica afrocubana y bastante modernizado Irakere combina montuno para mantener a la gente bailando. Las primeras creaciones de estas bandas eran tales fusiones de estilos dramáticos que incluso el oyente casual ocasionalmente puede oír algunas de las "costuras". La partida de Ritmo Oriental de la música cubana anterior era más fluida y orgánica. Influencias norteamericanas ciertamente se puede escuchar en su música, pero si no me equivoco, (siempre una possiblility distinta), que influyen probablemente provenían tanto de la exposición a los primeros éxitos de Los Van Van que de un intento consciente de fusión. Ahora hemos añadido una extremadamente larga e informativa entrevista en dos partes con Enrique Lazaga y esperamos alcanzar a Humberto Perera pronto. La Orquesta Ritmo Oriental es uno de los grupos más subestimado y poco investigado en la historia de la música cubana. A diferencia de Van Van e Irakere, no hay EGREM serie "Colección" hacer la crónica de su discografía y no DVDs biográficos largos que relatan su historia y entrevistar a sus miembros supervivientes. A diferencia de Arsenio Rodríguez, Beny Moré, Chano Pozo y Sexteto Habanero, no hay meticulosa discografía Cristóbal Díaz Ayala o amorosamente cuadro documentado fijar de Tumbao Cuban Classics. "La Ritmo" era tan innovador, influyente, prolífica y musicalmente brillante como cualquiera de los grupos antes mencionados, pero su trabajo estaría sumida en la oscuridad casi total si no fuera por los esfuerzos heroicos de un puñado de gente como Ned Sublette (QBADisc Records), Brett Gollin, Rob Holanda, John Santos, Michael Spiro, Martin Karakas, Víctor Barrientos, Emilio Vanvanedes, Danilo Lozano, Emiliano Echeverría, Osvaldo Martínez, David Cantrell, Burrell Spates, Luis Carranza y Will Schultz. Así las cosas, algunas partes clave de la discografía Oriental Ritmo sólo están disponibles en vinilo raros o perdidos y hay otras brechas claves que siguen siendo un misterio total. Esto es lo que hemos sido capaces de reconstruir con la ayuda de Brett Gollin y musicólogo Habana misterioso llamado Cristóbal. Lo que sigue es el esbozo histórico esquemático que he sido capaz de reconstruir. Si usted puede agregar a ella, ya sabes dónde encontrarme! A mediados de los años 50, un grupo de músicos liderados por Elio Revé (ese nombre simplemente sigue apareciendo, ¿no?) Trasladado de Guantánamo a La Habana. Ellos formaron una banda de charanga tradicional que registró cuatro pistas (no disponible) en enero de 1958 bajo el nombre de Orquesta Revé, según la base de datos de Díaz Ayala . En julio de 1958, la mayoría de los músicos se separaron, prefiriendo charanga pura para los experimentos de rêve con changüí. Se unieron fuerzas con Enrique Lazaga , quien acababa de regresar de España, y formaron la Ritmo Oriental. Lazaga se convirtió en su líder, jugador güiro, y uno de sus compositores. Poco después, aún antes de la revolución, grabaron sus primeros 4 pistas (no disponible) en la etiqueta de Palma (CP-591). En 1965, en la décima sesión de grabación para el nuevo sello estatal EGREM Areito, Ritmo Oriental lanzado este (no disponible excepto en vinilo) homónimo LP, EGREM LD-3145. Cuatro de las canciones también fueron lanzados como EPA-1053, que tiene la misma cubierta. La música está muy en el estilo charanga tradicional, como se puede escuchar en este extracto de El ritmo te està llevando (que no debe confundirse con la Ritmo te ESTA Llamando desde unos 12 años más tarde). Haga clic en los títulos para escuchar los cambios drásticos en el estilo de la sección rítmica._ Kevin Moore Más información relacionada
Orquesta Ritmo Oriental - Areito!!! (1978) Temas: 01.Quien Baila Mejor 02.Oye, Vicente 03.Gozala 04.El Ritmo Te Va Llevando 05.Con El Chenche Buchenche 06.Oye, Que Me Miras 07.Sube Mi Cacharrito 08.Quien Dice 09.Adios, No Estoy Loco 10.Que Tiene La Ritmo
Tito Puente: Ernest Anthon Puente (Nueva York, 20 de abril de 1923- Nueva York, 31 de mayo del 2000), conocido como Tito Puente, fue un músico de salsa y jazz latino, de gran influencia en estos géneros.De padres puertorriqueños, Puente nació en el vecindario conocido como El Barrio de Nueva York. A menudo es llamado el primer músico "puro" de salsa. Se le conoce por las composiciones únicas que ayudaron de sostener su carrera por más de 50 años. Gracias a su técnica en el manejo de la percusión fue conocido como El Rey de los Timbales. Durante los años 1950, la popularidad de Puente llegó a su mayor nivel y logró que la música caribeña, como el mambo, el son y el cha cha cha llegara a una mayor audiencia. Luego incursionó en otros estilos como pop y bossa nova. En 1992, Puente ganó el Premio Bicentenario de James Smithson y participó en la película Los reyes del mambo cantan canciones de amor junto a Celia Cruz. Ganó un premio Grammy por su grabación Mambo Birdland en la categoría de mejor disco de música caribeña tradicional en los primeros premios Latin Grammy... Para su 97ª grabación como líder, en lugar de dar la bienvenida a un invitado a su fecha Concord Picante como solía hacer durante esta época, Tito Puente aumenta su octeto en unas pocas selecciones con una banda grande. Puente, que solía timbales, marimba, vibes y el timbalito, realiza un amplio set que combina perfectamente jazz orientado al bop con música latina caliente. Entre los muchos momentos destacados están "Un Poco Loco" de Bud Powell, un "Machito para siempre", "Killer Joe" y "Swinging Shepherd Blues". Un fuerte esfuerzo que, como con todas las grabaciones de Tito Puente Concord Picante, es fácilmente recomendado a los aficionados al estilo._Scott Yanow (allmusic)
Temas: 01. Un Poco Loco (Bud" Powell) 02. Swinging Shepherd Blues ( Goes Latin) (Moe Koffman) 03. Alma Con Alma (Juanito Marquez) 04. El Timbalon (Tito Puente) 05. Chang (Tito Puente) 06. Machito Forever (Tito Puente) 07. Prelude To A Kiss (Duke Ellington, Irving Gordon, Irving Mills) 08. Killer Joe (Benny Golson) 09. Triton ("Chuchu" Valdez) 10. Alluya (Tito Puente)
Musicos: Tito Puente (Vibráfono, marimba, timbales) Mario Rivera (Saxo soprano y tenor, flauta, melódica) Mary Fettig, Harvey Wainapel (Saxo alto) Melecio Magdalayo (Saxo barítono) Jimmy Frisaura (Trompeta, trompeta baja, flugelhorn) Piro Rodriguez (Trompeta, flugelhorn) Bill Ortiz, Robbie Kwock (Trompeta) Jeff Cressman, Dan Reagan, Wayne Wallace (Trombón) Sonny Bravo (Piano) Bobby Rodriguez (Bajo) Johnny "Dandy" Rodriguez (Bongos, congas) John Santos (Bongos) Jose Madera (Congas, timbales)
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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