Benny Moré - Inéditas de Benny Moré

Beny Moré es el mejor cantante de música popular que Cuba ha producido. Piense en Frank Sinatra o Nat "King" Cole y obtendrá una idea de cómo se percibe en Cuba y cómo debe ser considerado en otros lugares. En los 40 años transcurridos desde su muerte, ningún vocalista cubano ha emergido para llenar sus zapatos, y permanece tan cerca como siempre de los corazones del pueblo cubano. Pocos cantantes en este hemisferio han igualado constantemente sus dones interpretativos, virtuosismo vocal y comodidad con una gama de estilos.


El genio de Moré residía en su síntesis de dos de las principales corrientes de la canción cubana: el hijo afrocubano y la música de guajiro de origen español del campo cubano. Debió al menos parte de su estilo de canto a una serie de soneros que lo precedieron: Antonio Machin, Miguelito Valdés y Orlando "Cascarita" Guerra. La intimidad de Moré con los elementos africanos y europeos en la música cubana le permitió sentirse cómodo en todos los estilos diferentes. Tuvo igual éxito con boleros como con mambos y rumbas. Lo más importante es lo que transmitió con su canto: una ternura y un atractivo emocional directo en sus boleros, una exuberancia que agita la cadera en sus mambos. Aunque no podía leer música, Moré compuso dos de sus éxitos, "Bonito Y Sabroso" y "Que Bueno Baila Usted". También se duplicó como líder de banda y formó una gran banda poderosa compuesta por músicos talentosos como los trompetistas Alejandro "El Negro" Vivar y Alfredo "Chocolate" Armenteros, y el trombonista y arreglista Generoso "El Tojo" Jiménez. El suyo fue el sonido por excelencia de la gran banda afro-cubana de la década de 1950: temerario, de múltiples texturas, dinámico. Pero a diferencia de bandas de Nueva York como Machito y sus afro-cubanos, Moré no estaba empujando los límites del jazz latino. Su música era más "pop" que la de Machito, pero era todo menos formulable.

Nacido como Bartolomé Maximiliano Moré en 1919 en el pueblo de Santa Isabel de Las Lajas, en la provincia de Las Villas, Cuba, Moré se fue a La Habana cuando era un adolescente y durante varios años trabajó en una variedad de trabajos ocasionales mientras se desempeñaba como cantante callejero en el puerto de la ciudad . Su gran oportunidad llegó en 1945, cuando acompañó al conjunto de Miguel Matamoros a México. A fines de la década de 1940, la Ciudad de México era un imán para los artistas cubanos que buscaban triunfar en la industria cinematográfica mexicana. Después de recorrer México, Matamoros regresó a Cuba, pero Moré decidió quedarse atrás. Antes de irse, Matamoros aconsejó a Moré que cambiara su nombre ya que "bartolo" significaba burro en la jerga mexicana. Retirado Beny Moré, en un año o dos fue descubierto por Mario Rivera Conde, el director de RCA / Victor México, quien lo emparejó con una serie de orquestas de alto calibre, incluidas las de Pérez Prado y el compositor mexicano Raphael De Paz.

Las primeras grabaciones de Moré en México incluyen un balance de melodías y baladas uptempo; esta proporción cambió a favor de las baladas cuando finalmente lideró su propia banda. Lo sorprendente de las primeras sesiones es la calidad y el buen gusto del acompañamiento orquestal. Moré canta con cinco orquestas diferentes en estas sesiones, pero hay pocos contrastes discordantes. La orquesta de Pérez Prado es una excepción a esta regla; El estilo de piano y la marca registrada de Prado resuenan en un modo maravilloso, impulsado por las anfetaminas. La combinación de Prado y Moré de Rivera Conde fue un golpe maestro y produjo algunas de las grabaciones de mayor energía de la carrera de Moré. Moré cantó algunas de sus canciones más memorables mientras estaba en su estadía en México - "Bonito Y Sabroso", "San Fernando", "Donde Estabas Tu" - con la Orquesta de Rafael De Paz. Pero quizás la canción más conocida de Moré, el bolero "Como fue", no fue grabada con Prado ni De Paz, sino con la orquesta de Ernesto Duarte. "Como fue" se incluyó en la banda sonora de la película Mambo Kings Play Songs of Love, donde agregó autenticidad a una colección de música latina que de otra manera sería acuosa.

Moré regresó a Cuba en 1953 y formó su propia gran banda, con la que cruzó Cuba hasta su muerte. Moré fue intensamente leal a sus músicos, refiriéndose a ellos como su tribu (tribu). Debido a que siempre insistió en tener una banda grande, se sabía que había salido de su bolsillo en sus grabaciones de RCA para pagar a sus hombres. Respondieron embelleciendo sus canciones con una forma orquestal sutil y ornamentada. Mientras Moré continuó grabando éxitos uptempo como "Francisco Guayabal" y "Que Bueno Baila Usted", se centró en los boleros, un escaparate natural de sus dotes vocales e interpretativos. Moré tenía una técnica vocal característica, una especie de glissando, que usaba en todas partes en diferentes formas. Por lo general, sostendría una nota, luego deslizaría la escala hacia una nota más alta y la mantendría allí durante unos segundos. Es un dispositivo impresionante y emocionante, y él lo usa para construir dramas en boleros como "Tu Me Sabes Comprender" y "No Puedo Callar". Una técnica menos utilizada, pero igualmente distintiva, fue el graznido de la gaviota de Moré, que incluye en la final del uptempo "Soy Campesino".

Es desafortunado que Moré nunca haya traído a su banda sobresaliente para grabar o actuar en los Estados Unidos, a pesar de que estuvo activo durante uno de los raros momentos en la historia de la música pop de los Estados Unidos cuando la auténtica música cubana estaba en demanda. Moré decidió quedarse en Cuba después de la revolución, pero no vivió mucho tiempo, víctima de su amor por el ron. A pesar de todos los rumores en contra, Beny Moré finalmente sucumbió a la cirrosis del hígado el 19 de febrero de 1963 en La Habana. La producción grabada de Moré fue relativamente pequeña, corta debido a su muerte prematura. En 1992, BMG Music lanzó la mayoría de las grabaciones de 1948-58 de Moré para RCA / Victor en cinco CD para su Serie Tropical. Moré nunca grabó para nadie más que RCA, por lo que todos sus éxitos están aquí. Sin embargo, faltan sus primeras grabaciones con el conjunto de Miguel Matamoros, y solo se incluyen algunas de sus canciones con la orquesta de Pérez Prado. Desde un punto de vista técnico, los discos son fabulosos (suenan como si se hubieran hecho ayer), pero tres de los cinco álbumes no tienen notas de portada, y la información sobre las fechas de las sesiones y el personal es muy vaga o inexistente, lo cual está en mal estado. Tratamiento de hecho para un artista de la talla de Beny Moré. Sin embargo, el gran legado de Moré es claro en las grabaciones en sí mismas: una voz que puede evocar recuerdos de un romance perdido, o hacerte bailar con un abandono alegre. ~ Spencer Harrington (allmusic)

Más información relacionada



Benny Morè - Inéditas De Benny Moré (1947-1955)
Temas:
01. Puntillita 
02. Hasta Cuando 
03. Seboruco 
04. Como gozo 
05. Parece que va a llover 
06. Me voy pa'l pueblo 
07. Mambeando 
08. Que bandolera 
09. Candelina Ale 
10. La chola 
11. Esto si es coco 
12. El brujo de Trinidad 
13. Las mujeres de mi tierra 
14. Aunque jamas me mires 
15. Oye una cancion para ti 
16. Bombon de pollo 
17. Provocadora 
18. No quiero matarte 
19. Semilla de marañón 
20. Alma libre 

Información cedida por Osvaldo M.

Estrellas de Radio Progreso

Mi niñez en aquella pueblerina y sencilla ciudad de Masaya, Nicaragua, que no tenía el par de decenas de miles de habitantes en la década del cuarenta, fue muy feliz. El transporte principal eran coches o carruajes tirados por caballos. Automóviles no pasaban de cinco con flamantes placas locales. La ciudad se conectaba al resto del país por El Ferrocarril del Pacífico de Nicaragua, y carretera de macadam fabricada por el presidente Moncada, con primer destino importante su ciudad natal: Masatepe.


Las diversiones para pequeños, aparte de jugar béisbol en cualquier sitio, consistían en escapadas clandestinas a la laguna, viajes al Coyotepe y La Barranca a tirar pájaros con hondas caseras, paseos por los parques en grupos, ir al cine, por supuesto escuchar la radio, y otros juegos de niños.

Las radios nicas tocaban música importada de México, USA y Cuba. Como las cubanas se sintonizaban con claridad asombrosa en onda corta, entonces eran preferidas. Conocíamos del beis cubano lleno de rutilantes estrellas que nos hacían soñar jugando en el estadio del Cerro en La Habana, y repetíamos las sonoras cuñas propagandísticas llenas de misterios por lo no conocido. Las radios-novelas estaban en nuestros corazones y en pañuelos llenos de lágrimas. La música... ¡Ah, la música!.., a partir de las 5:00 P.M., nos debatíamos entre CMQ, RHC Cadena Azul y Radio Progreso ¡La Onda de la Alegría!, mi preferida por aquello de los conjuntos de moda, entre ellos, La Sonora Matancera. Entonces nunca pensé llegaría a estar en este Palacio de la Música como también se le llamó y menos conocer a uno de los responsables de mi gozo, José Octavio "Pepe" Gutiérrez, grabador de sonido en aquellos envidiables estudios que nos inundaban con inmejorables melodías.

Entrevisté a Pepe par de veces, la última el 17 de enero del 2000. Fue la más importante, le hice recordar parte de su vida, que es su vida en Radio Progreso. Lo hice allí mismo, en el edificio de la calle Infanta y oficina que no dudo es la de siempre. Me relató como llegó a la emisora cuando mozalbete en 1947 y la emisora estaba en los bajos del Centro Gallego de la calle San José, a un costado del Capitolio. De su relación familiar con los entonces propietarios y de lo satisfactorio de su vida en el ambiente. Que ha ocupado diversas posiciones dentro del sistema, pero la más recordada es cuando compartió con Medardo Montero y José Ciérvides como grabadores de sonido en cuanto programa musical y discos ahí registrados y, ¡cómo lo hicieron! Confirmó que La Onda de la Alegría, Radio Progreso, fue básicamente musical y con programas en vivo, que posterior entraron los dramáticos, y que hoy día aún conserva espacios en directo de la buena música nacional. Dijo que desde las 6 hasta las 8 1/2 de la noche hubo un bloque musical en vivo que duró muchos años y como era el que escuchábamos en Nicaragua, de inmediato le saqué detalles.

A las 6 de la tarde comenzaba media hora con música cubana campesina. Por allí pasaron Celina y Reutilio, Alfonso y otros, el presentador y animador fue Germán Pinelli. A partir de las 6 1/2 era el programa de Olga Chorens y Tony Alvarez que lo animaba Adalberto Fernández, con la orquesta de Ernesto Duarte, cuyo bateriísta, Rolando La Serie, de allí saltó al estrellato como cancionero suigéneris. De 7 a 7 1/2 venía La Sonora Matancera en "Alegrías Hatuey" con Oscar Jiménez y Pimentel Molina como presentadores. 
La Sonora estuvo relacionada con Radio Progreso desde los años treinta hasta 1957 que pasó a Radio Cadena Habana. A las 7 1/2 comenzaba "Ritmos Kawi" con orquestas variadas, entre ellas, Orquesta América, Los Jóvenes del Cayo, y cantantes como Fernando Albuerne. De las 8 hasta el final y animado por Rosendo Rosell, tenían el espacio "Cerveza Cristal", en la misma línea, con musicales variados como los que hacían Damirón y el negrito Chapusseaux (Chapusó), Daniel Santos, entre cientos que pasaron.

Agotando la memoria, Pepe continuó explicando. Mi mente trasegó a mi querida Masaya, cuando chavalito fui feliz. En transe supongo quedé. Pepe me tomó del brazo, diciendo:"¡Oye, chico despierta!" "¡Qué bien hablaste!", contesté..., agradeciendo y sonriendo por dentro, pues fui feliz otra vez. ~Francisco Gutérrez Barreto



Estrellas De Radio Progreso

Temas:
01. Abuglubu Abugluba - Orquesta America Del 55 (junio 5, 1957) 
02. Los Feos Pa La Cocina - Trio Servando Diaz (junio 4, 1953) 
03. Humo Y Espuma - Fernando Alvarez Con El Conjunto Casino (abril 21, 1956) 
04. Los Cinco Pollitos - Paulina Alvarez Con La Orquesta Aragon (abril 6, 1956) 
05. Cambia El Paso - Luis Santi Y Su Conjunto (mayo 14, 1956) 
06. Amor De Navidad - Fernando Albuerne Con El Cuarteto Faxas (diciembre 2, 1955) 
07. A Gozar El Cha Cha Cha - Nelo Sosa Y Su Conjunto Colonial (abril 6, 1955) 
08. Marisabel - Luis Carbonell (noviembre 10, 1955) 
09. Eco - Dominica Verges Y Luisito Pla Con La Orquesta Almendra (enero-1952) 
10. Cholongo - Senen Suarez Y Su Conjunto (febrero 15, 1956) 
11. Cara De Muñeca - Roberto Faz Y Su Conjunto (marzo 21, 1959) 
12. Junto Al Palmar - Pio Leiva Y Mongo Huerta 
13. Cenizas - Xiomara Alfaro Con La Orquesta Hermanos Castro (julio 24, 1956) 
14. El Chivo De La Campana - Los Llopis (noviembre 4, 1958) 
15. La Mulata Canela - Orquesta Sensacion (enero 22, 1955) 
16. Ya Llego El Carnaval - Conjunto Casino (abril 21, 1956) 

Información cedida por Osvaldo M.

Hector Martignon-Refugee

Tercer disco de Hector Martignon dispone de una gama de jazz estelares e instrumentistas que interpretan música del mundo seis de sus canciones como fotos, si los ven rara vez en una exposición. Con Martignon tocar el piano en todas las pistas y añadir su voz a "Observatorio", el conjunto explora los colores, las texturas y las dimensiones de cada canción con improvisaciones de percepción y habilidad única. Mientras la música se dio a conocer, tú, querido oyente, se encontrará envuelto en el sonido inconfundible Martignon ha desarrollado como resultado de la audiencia y pianistas tales influencias musicales como Bill Evans, James P. Johnson, y su ídolo Kenny Barron. El polirrítmica "Refugiado" es un homenaje de gran Martignon a los millones de personas olvidadas por el mundo. Con la incorporación de bajista Richard Bona y el percusionista Samuel Torres, el espíritu de la canción adquiere otra dimensión de la sensibilidad. interpretación de Torres como la inclusión de varios de África se Djembe, así como múltiples ritmos de conga afrocubana, incluyendo un increíble 3 / 2 cumbia. Inspirado en una visita a la isla tropical de Tahití, "Observatorio", bellamente muestra Martignon debut como vocalista. La guitarra de Mark Whitfield también añade dulzura increíble y una sólida base rítmica de miembros de la banda de las que ampliar sus improvisaciones. En "La belleza del sueño," se puede escuchar las influencias directas de James P. Johnson y Fats Waller diapositivas y técnicas de piano ragtime combinado con una rica Latin Groove Martignon es. Dar una escucha a "Listo Eddie", que cuenta con el bajista Eddie Gómez. Su solo de ley cuenta con el arte de pizzicato en que se refiere a la necesidad integral de un bajista como el maestro surco detrás de esta canción sucediendo. En general, esta grabación lugares Martignon en un emocionante nuevo nivel al escuchado en sus anteriores trabajos, y aumenta su prestigio como una estrella brillante de jazz latino. La incorporación de ritmos de todo el mundo y la musicalidad de cada jugador el poder hace de esta grabación una que debería estar en su colección de jazz latino. Este CD fue nominado en 2007 para un premio Grammy como Mejor Álbum de Jazz Latino. ~ Paula Edelstein, All Music Guide



Hector Martignon-Refugee (2007)

Temas:
01.Refugee
02.99 Macdougal
03.Observatory
04.Beauty Sleep
05.Eddie's Ready
06.Tomorrow's Past
07.You Won't Forget Me
08.Nothing Persona

Musicos:
Hector Martignon (vocals, piano)
Justin Quinn, Edgardo Mirando (guitar)
Eddie Gomez , John Benítez, Matthew Garrison (bass instrument)
Horacio "El Negro" Hernández, Jeff "Tain" Watts, Willard Dyson (drums, drum)
John Benítez, Eddie Gomez, Matthew Garrison (bass)
Dafnis Prieto (drums)
Robert Quintero (percussion)
Mark Whitfield, Edgardo Miranda (guitar)
Kenny Barron (piano, electric piano)
Richard Bona (bass instrument)
Sammy Figueroa, Samuel Torres (percussion)

Orquesta Cubana de Musica Moderna - Pastilla de Menta

 La Habana, Cuba.- En el pasado mes de abril (2017) se cumplió el aniversario número 50 de la creación, en 1967, de la Orquesta Cubana de Música Moderna.

Pareció insólita la orientación de los comisarios comunistas que regían la cultura de crear aquella big band con permiso para tocar jazz. Desde hacía más de siete años, el rock and roll, el jazz y toda la música norteamericana y anglosajona en general, habían sido proscritas en Cuba. Como sus mentores soviéticos, los comisarios  consideraban que era la música del enemigo, decadente, enajenante y que servía “vehículos de penetración ideológica para socavar el socialismo”. Pero luego de varios años de ridículas prohibiciones, que llegaron al extremo de considerar la guitarra eléctrica y el saxofón como “instrumentos imperialistas” y a sus intérpretes como “colonizados y penetrados culturales”, los comisarios parecían haber cambiado de opinión respecto al jazz y permitían tocarlo, siempre que estuviera mezclado con la música cubana.

A los directores Rafael Somavilla y Armando Romeu les encargaron reunir a los mejores músicos del país para conformar lo que sería la Orquesta Cubana de Música Moderna. Somavilla y Romeu, que dejó la orquesta del cabaret Tropicana, fueron a buscar  al pianista Chucho Valdés y al guitarrista Carlos Emilio Morales al Teatro Musical de La Habana, a Pucho Escalante, el percusionista Oscar Valdés y el baterista Guillermo Barreto a la orquesta del Instituto Cubano de Radio y Televisión, al bajista Cachaíto y a Luis Escalante, a la Orquesta Sinfónica Nacional, y al saxofonista Paquito D’ Rivera lo rescataron de la banda de música de las FAR donde cumplía el Servicio Militar Obligatorio.

La primera presentación de la Orquesta de Música Moderna fue en junio de 1967, en un campamento de trabajo agrícola en Guane, Pinar del Río. Unos días después actuarían  en un abarrotado teatro Amadeo Roldán. Luego, grabaron un disco de larga duración en la Empresa de Grabaciones y Ediciones Musicales (EGREM). Dicho disco contenía entre otras piezas, Misa Negra, la más emblemática composición de Chucho Valdés, y Pastilla de menta, una versión de One mint julep, de Ray Charles, que tuvo enorme éxito entre un público que ya estaba hastiado de tanto Mozambique.

La orquesta ensayó febrilmente para presentarse en el pabellón cubano de la Expo 67 en Montreal, pero finalmente, a varios de los mejores músicos de la orquesta no les permitieron viajar a Canadá. Temían que “desertaran”.

Con Chucho Valdés, Paquito D’ Rivera, Cachaíto, Carlos Emilio Morales y Enrique Plá utilizaron el pretexto de que eran necesarios para integrar el Quinteto Cubano de Jazz y que “tuvieran tiempo para prepararse adecuadamente para representar a Cuba” en el Festival Jazz Jamboree que se celebraría en 1970 en Varsovia. A los trompetistas Lara y Varona y al trombonista Modesto Echarte, a quienes no les encargaron ninguna tarea en particular,  nunca les explicaron las razones por las cuales -según se dice, a petición de Manuel Duchesne Cuzán, director de la Orquesta Sinfónica Nacional- no los dejaron ir a Montreal.

Los festivales de Varadero de 1967 y 1970 fueron las últimas oportunidades de lucimiento de la Orquesta Cubana de Música Moderna.

Luego del Congreso de Educación y Cultura de 1971, con el advenimiento del nefasto Decenio Gris, a los músicos de la orquesta les orientaron que tenían que “tocar de todo, y no tanto jazz”. Aquella imposición se vio reflejada en el segundo disco de la orquesta, titulado “Cuba, que linda es Cuba”, donde todas las piezas eran cubanas y del corte de la homónima de Eduardo Saborit.

La orquesta se vio forzada a tocar un repertorio cada vez más ligero, con poco o ningún margen para los solos y la improvisación jazzística, hasta convertirse en una orquesta de variedades que acompañaba a cantantes de segunda o tercera categoría.

La decadencia de la orquesta era imparable. La Dirección de Música del Consejo Nacional de Cultura despidió por protestón a Paquito D Rivera, las FAR se llevaron para su banda musical al trompetista Arturo Sandoval, el baterista Enrique Plá y el contrabajista Carlos del Puerto, y Romeu y Somavilla se apartaron de la orquesta, que quedó bajo la dirección de Germán Piferrer.

En 1973, Chucho Valdés creó Irakere y “sacó del bache” a Paquito D’ Rivera y a varios de aquellos músicos.

Irakere, donde con una profusión de instrumentos de percusión afrocubana, en números como Bacalao con pan y Valle de Picadura, se mezclaban el jazz y el dodecafonismo con la música cubana, causó sensación en su momento, y junto con Los Van Van, revolucionaron la música nacional. Pero Irakere acabó tocando una música bailable, que para los bailadores resultaba demasiado rápida y elaborada. Sus integrantes, incluido el director, Chucho Valdés, se sintieron incómodos y ansiosos de nuevos horizontes musicales: lo que les interesaba era el jazz.

Paquito D’ Rivera se iría de Cuba en mayo de 1980. Arturo Sandoval se fue en 1989. Les seguirían Carlos Averhoff, Carlos del Puerto y otros.

El 23 de junio de 2007, cuando en el teatro Amadeo Roldán se celebró el aniversario 40 del primer concierto en dicho auditorio de la Orquesta Cubana de Música Moderna, de los integrantes originales sólo estuvieron tres: Chucho Valdés, Carlos Emilio Morales y Enrique Plá. Los demás músicos estaban muertos (Romeu, Somavilla, Barreto y Varona) o se habían ido del país, en busca de libertad y de mejores oportunidades de tocar, sin imposiciones, la música de su preferencia.

Este año, cuando se cumple el medio siglo de la Orquesta Cubana de Música Moderna, parece que tan redondo aniversario ha pasado sin celebraciones.~Luis Cino (cubanet) 



Orquesta Cubana de Musica Moderna - Pastilla de Menta

Temas:
01.El Manisero
02.Room 43
03.The Man I Love
04.Voy Abajo
05.Pastilla De Menta
06.Requiem
07.Guajira Guantalamera
08.Vamos Caminando
09.A Santiago
10.Tus Lagrimas

Información cedida por Osvaldo M.

Bill O'Connell - Latin Jazz Fantasy

                                                                            

Históricamente, el término jazz latino se ha utilizado para describir una mezcla de hard bop o post-bop y ritmos afrocubanos (son, cha-cha, mambo, guaguancó, danzón, etc.). Pero la música latina es más que música afrocubana; también es de todo, desde tango argentino hasta flamenco español y mariachi mexicano. Entonces, técnicamente, alguien que fusiona jazz con tango o flamenco (o samba brasileña, para el caso) está tocando alguna forma de jazz latino. El Latin Jazz Fantasy que el pianista Bill O'Connell comparte con los oyentes en esta fecha de 2003 es principalmente una fantasía de jazz afrocubano y, sin embargo, Latin Jazz Fantasy no es el jazz afrocubano estereotipado en la forma en que Tito Puente, Poncho Sánchez , Cal Tjader, Eddie Palmieri y Mongo Santamaria han personificado el jazz afrocubano. Latin Jazz Fantasy no contiene ninguna versión de bolero de "My Funny Valentine"; O'Connell no proporciona arreglos de son, cha-cha o mambo de piezas de Sonny Rollins o Miles Davis.
Liderando una variedad de grupos post-bop, a veces una orquesta lujosa, a veces tríos, dúos, cuartetos o quintetos, O'Connell no golpea a los oyentes en la cabeza con ritmos afrocubanos. En cambio, los aplica de una manera muy sutil en material original que va desde la cerebral "Wind It Up" hasta la melancólica "After the Dust Settled" hasta la juguetonamente funky "Fast Eddie" (que tiene un informe meteorológico definido / Joe Zawinul influyen y subraya el hecho de que la fusión puede afectar a los proyectos post-bop de orientación acústica, al menos en la composición). O'Connell incorpora la música afrocubana de la forma en que incorpora la música clásica europea: con moderación, eufemismo y sutileza. Cualquiera que espere que Latin Jazz Fantasy use ritmos afrocubanos de una manera tan abierta y obvia como un álbum típico de Sánchez seguramente se sentirá decepcionado, pero para aquellos que aprecian y comprenden el concepto general del álbum, post-bop con sutil Euro- Referencias clásicas y latinas: Latin Jazz Fantasy es fácil de disfrutar. ~ Alex Henderson (allmusic)
                                   

                                                                                     

Bill O'Connell - Latin Jazz Fantasy (2004)

Temas:
01.Barcelona
02.Fast Eddie
03.After the Dust Settled
04.Latin Jazz Fantasy
05.Maybe Tomorrow
06.Pogo Sticks
07.Laurie
08.Wind It Up
09.6 for Claude
10.El Yunque

Musicos:

Bill O'Connell (Piano, Arreglista, Producción de audio, Productor)

Dave Valentin (Flauta)

Bob Malach (Clarinete, Saxo tenor, Sección de trompa)

Lincoln Goines (Bajo acústico, Bajo Electric)

Kim Plainfield (Batería)

Milton Cardona (Percusión, Cuerdas, Conga, Chekere, Sección de Trompa)

Steve Berrios (Percusión, Batería, Conga)

Randy Brecker (Trompeta, Sección de trompa)

Mayra Casales (Percusión)

Barry Donelian (Trompeta, Fliscorno)

Mike Migliore (Saxo Alto, Sección de trompa)

Suzanne Ornstein (Cuerdas, Violín)

Roger Rosenberg (Saxo barítono, Sección de trompa)

Richard Sortomme (Cuerdas, Maestro de conciertos, Violín)

Sara Schwartz (Cuerdas, Violín)

Arthur Fiacco (Cuerdas, Violonchelo)

Robert Chausow (Cuerdas, Violín)

Stephanie Cummins (Cuerdas, Violonchelo)

Barry Danielian (Trompeta, Fliscorno, Sección de trompa)

Barry Finclair (Cuerdas, Violín)

Charles Fambrough (Bajo)

Frank Emilio Flynn - Danzones de Antonio Maria Romeu

Cuando el pianista cubano Francisco Emilio Flynn Rodríguez nació en 1921, las pinzas dañaron su vista durante el parto, lo que finalmente resultó en ceguera total para su adolescencia. A la edad de 13 años, Flynn participó y ganó un concurso amateur, comenzando su carrera poco después como parte de una orquesta de danzones (tocando un tipo de música de salón que precedió tanto al mambo como al mambo). Flynn continuó ampliando sus habilidades musicales estudiando en una escuela especializada administrada por la Asociación Nacional para Ciegos de Cuba (una escuela en la que Flynn más tarde sería presidente de 1978 a 1981).

Durante los años 40, Flynn volvió a tocar música con la banda Loquibambia, ayudando a crear y popularizar un género de música llamado filin, que combinaba el tradicional bolero cubano con el jazz estadounidense. A pesar de su éxito, Flynn no tenía un centavo y se vio obligado a ganar dinero extra vendiendo cigarros a las tiendas en consignación, y en un momento fue tan pobre que caminaba por las calles de La Habana sin bastón.

En los años 50, Flynn se convirtió en miembro fundador del Club Cubano de Jazz (un grupo que jugaba descargas o improvisaciones, recaudando fondos para patrocinar visitas de colegas de jazz de los EE. UU.). A finales de los años 50, Flynn era el líder del Quinteto Instrumental de Música Moderna, que se especializaba exclusivamente en el jazz latino. Pero a Flynn siempre le interesaron otras formas musicales; durante este tiempo, comenzó a estudiar música clásica. Su compañero músico y amigo Armando Romeu González aprendió braille para poder ayudar a Flynn a hacer las primeras transcripciones de uno de sus compositores clásicos favoritos de todos los tiempos, Ernesto Lecuona. Flynn también ayudó a otros músicos ciegos desarrollando una técnica para escribir música, "contrarrestando su tendencia natural a aprender de oído".


No fue hasta 1998 que Flynn hizo su debut en el escenario en los EE. UU., Como parte del programa Jazz at Lincoln Center (Flynn también lanzó varios álbumes en solitario en esta época). A principios del siglo XXI, Flynn se había mudado a Los Ángeles y enseñó una serie de clases de primavera en el Ensemble of Cal State. El 23 de agosto de 2001, Flynn falleció de un ataque al corazón en La Habana, Cuba, a la edad de 80 años. ~ Greg Prato, All Music Guide

Más información relacionada



Frank Emilio Flynn - Danzones de Antonio Maria Romeu

Temas:
01. El barnero de sevilla
02. El manisero
03. Campoamor
04. Linda cubana
05. El sueno de un pacto
06. Mojito criollo
07. Bejuco ubi
08. No te mueras sin ir a España

Información cedida por Osvaldo M.