De todos es conocida la enorme calidad, experiencia y adaptabilidad de Jordi Bonell. En este Agua Madre de reciente aparición, pero que el guitarrista grabó entre 2002 y 2003, da buena cuenta de todo ello, hasta tal punto que llega a parecer fácil. Sin embargo Agua Madre es un disco de detalles. Detalles de mucha clase tanto en las guitarras solistas como en las rítmicas, detalles en la instrumentación (ningún instrumento de viento, a excepción del buen solo de Antonio Serrano en A mí me andan siguiendo), detalles que hacen de este un CD no especialmente espectacular ni definitivo, pero muy interesante de escuchar. Bonell se mueve entre la rumba, el bolero y el rock, adaptando los temas a su gusto con soltura, y espacio suficiente para improvisaciones. La presunta linealidad provocada por la instrumentación ya comentada queda totalmente de lado gracias a las enormes colaboraciones de Chano Domínguez y, sobre todo, de Carles Benavent, cuya aportación es clave para el éxito del disco. Especialmente reseñable es el sexto corte, ¡Niño...estate quieto! donde guitarrista y bajista se enzarzan en un divertido duelo a bordo de sendos instrumentos MIDI. En Cati Bonell demuestra su claridad de sonido a guitarra sola, y en el Preludio en Re de Johann Sebastian Bach su libertad a la hora de arreglar. La producción del CD, con libreto de Santiago Auserón, también corre a cargo del propio Bonell. La bonita edición incluye una etiqueta de “Jazz fusión” que quizás se quede algo corta (o más bien imprecisa) para definir el amplio rango estilístico que cubre el disco. Como todas las etiquetas, por otro lado.~ Arturo Mora Rioja, 2004 Jordi Bonell - Agua Madre (2004) Temas: 01.Te Llenaré de Luz 02.Rumba, Rhythm & Blues 03.Sobran las Palabras 04.Preludio en Re 05.Strangers in Paradise 06.¡Niño...Estate Quieto! 07.Cati 08.A Mí Me Andan Siguiendo 09.El Guapo 10.Caminando Sobre el Agua 11..S.B.
Musicos: Jordi Bonell-Guitar (Electric), Mandolin, Producer, Guitar (Acoustic), Guitar, Flamenco Guitar, Cittern, Palmas Carles Benevent-Bajo Licencia, Mandola, Bajo Sexto, Mandolin, Bass (Electric), MIDI, Palmas Chano Domínguez-Piano Antoni Olaf Sabater-Piano y teclado Antonio Marínez “Ñoño”, Juan Gómez “Chicuelo”-Guitarras flamencas Ferrán Cubedo-Baby bass, ultracontrabajo Luis Salina-Guitarra eléctrica Roger Blavia-Bateria, Percussion, Palmas Rafalito Salazar-Campana, Percussion, Palmas Antonio Serrano-Harmonica Andreu Simón-Palmas, Hi Hat, Timbales, Percussion Rai Ferrer-Double Bass Duquende-Cante Miguel Poveda-Cante Carme Canela-Vocals
Claudia Acuña (Santiago de Chile, 3 de julio de 1971) es una cantante chilena de jazz considerada como la más exitosa artista del jazz chileno de todos los tiempos. Actualmente reside en Nueva York, Estados Unidos. Se destaca principalmente por cantar jazz standards, baladas, y bossa nova, como también por desarrollar y dar a conocer el folclore de Chile en Estados Unidos y el mundo del jazz. A finales de los años 90' firma con el sello Verve, una de las más prestigiosos sellos discográficos de jazz de todo el mundo, en donde graban figuras como Diana Krall y Natalie Cole. También en sus viajes a Chile se ha dedicado a ofrecer conciertos gratuitos en espacios abiertos en comunas populares y populosas como Maipú, Cerro Navia, San Joaquín y Conchalí, acompañada de su cuarteto y como lady crooner de la Conchalí Big Band. En 2008
Claudia Acuña cambió de casa discográfica motivada por el saxofonista Branford Marsalis y su sello Marsalis Music, en donde es la principal apuesta. En él lanza el disco Color de un sueño, en donde se presentan arreglos de la música folclórica chilena de figuras como Víctor Jara y Violeta Parra. Se ha presentado en dos oportunidades en el Festival Internacional Providencia Jazz realizado en Chile, en 2003 y 2009. Acuña es portavoz para la organización World Vision Chile, lo cual subraya su compromiso más allá de la música.~ (wikipedia)
Para su grabación debut, Acuña deja una impresión difícil de olvidar o descartar. Originaria deSantiago, Chile, ha estado viviendo en Nueva York y trabajando en su oficio en Blue Note and Small's. En esta fecha, se engancha con músicos más jóvenes como el pianista Jason Lindner, el bajista Avishai Cohen, el baterista Jeff Ballard y algunos invitados especiales. Acuña es claramente una cantante talentosa con una voz fuerte, flexible y atractiva que puede sonar o remontar. Su resistencia y franqueza se pueden comparar favorablemente con Roseanna Vitro, y demuestra ser una gran arreglista por derecho propio, trazando este conjunto de estándares y canciones líricas hispanas. A Acuña le gustan los medidores impares, usando 6/8 en la dramática "My Man's Gone Now", mientras adopta los tonos de Flora Purim (ella se parece facialmente a una joven Purim) con una superposición vocal vertiginosa en su original, el corte del título, que tiene soporte y color por el trombón de Avi Leibovich. Saturado en percusión y pulso latino, el arreglo de cuerno 6/8 del diseño de Cohen "Gracias a la Vida" tiene al saxofonista tenor David Sánchez y al trompetista Diego Urcola nadando en esta mezcla e intercambiando figuras durante el puente. Un 5/4 de conducción empuja a "The Thrill Is Gone" (no a B.B. King) a una sección libre, mientras que ese mismo ritmo, más paciente en un estilo aleatorio, evoca más drama durante el conmovedor "Long as You're Living". Aunque en 4/4, los tiempos de cinco y tres separados con hermosos acordes de piano de Lindner distinguen a esta versión de "Pure Imagination" de cualquier otra que escuches: un verdadero triunfo.
Hay una versión de vampiro de dos notas de hard-bop de "Prelude to a Kiss" y una versión rápida de vals de "Bewitched" donde Acuña extiende la línea lírica. El pianista Harry Whitaker es el único contrapunto de Acuña para la balada "¿Qué haré?" mientras el trío con Whitaker y Leibovich baila con el cantante en una maravilla infantil, sin palabras y flotante por "I'll Find You". Cohen y Acuña lo hacen solos en momentos misteriosos, profundos y tiernos para "Alfonsina y el Mar"; "Visions" de Stevie Wonder está repleto de paráfrasis de "Autumn Leaves", dispositivos deportivos gratuitos y modernos con puntuaciones dramáticas y paradas de arranque, con Sánchez en el saxo soprano. No sólo hay promesa, sino también potencial, que se realiza; si se considera que este es el viaje inaugural de Acuña, sus largos viajes ya han dado el fruto sazonado de una cantante más experimentada. Recomendado.~ Michael G. Nastos (allmusic)
Pocos han hecho más en sus vidas a inventar la conga y su papel de Carlos "Patato" Valdés. Su capacidad de utilizar la conga como instrumento no sólo con ritmo, pero también la capacidad melódica es verdaderamente revolucionaria, y ha cambiado de manera irreversible la forma en que se tocan las congas. En su comunicado de 2004, El Hombre, Patato no va cuatro barras tocando un tumbao simple (la conga ritmo de base), constantemente se basa la melodía con sus cuatro o cinco tambores, ajustada a acorde de tónica de la composición. El disco contiene algunos Sidemen realmente impresionantes, como el pianista Edsel Gómez, percusionistas, Steve Berrios y Marlon Simon, y el flautista Dave Valentin, para nombrar unos pocos. Las melodías son realmente todo de jazz latino, con complejas ideas armónicas y melódicas que brotan de las tradiciones afro-cubanas e interactuar con una sección rítmica verdaderamente expresivo. Estas no son normas que se han mambo-izado o de balanza de pagos en clave. Es difícil encontrar el jazz latino que hace cualquiera de esas dos categorías de justicia. Carlos "Patato" Valdés es un artista que ha dominado el intercambio de ideas libre de jazz, y que también es propietaria de los modismos cubanos como su tierra natal. Aunque hay mejores ejemplos por ahí, por el genio musical de Valdés, El Hombre es buena, y son todos vale la pena. ~ Evan C. Gutierrez, All Music Guide Mas información relacionada
Carlos (Patato) Valdes - El Hombre (2004) Temas: 01. Patato's Night Dance 02. Las Mujeres Favoritas de Patato 03. Mosquito 04. Cha-cha-cha por Aqui 05. Como un Bolero 06. Le Pomme de Terre 07. Stage Life 08. Equinox 09. Ballade Melancholie 10. Reprise
Musicos: Carlos "Patato" Valdes (congas, maracas) Edgardo Miranda (guitar) Phil Vieux (flute, clarinet, bass clarinet, reeds, soprano saxophone, alto saxophone, tenor saxophone) Dave Valentin (flute) Edsel Gomez (piano) Joe Francis Gonzales (bongos, cowbells, percussion) José "Cochi" Claussell y Marlon Simon (timbales, percussion) Pablo Rosario (percussion) Oriente Lopez (flute) Steve Berrios (bass drum, claves, cowbells, cymbals, guiro, shaker, timbales, percussion, bells)
Este es uno de los más interesantes Thelonious Monk álbumes tributo de la década de 1990. El pianista Danilo Pérez realmente no suena mucho como Monk, salvo en un par de lugares a propósito, pero que claramente ha aprendido de la música de Monk, en particular en el uso del espacio y disonancias peculiares. El trío de actuaciones van desde las baladas respetuoso y tratamientos latinizada de melodías originales Monk a que de alguna manera encajan lógicamente en el estado de ánimo del conjunto. Pérez considera " 'Round Midnight" y las dos versiones breves de "Monk's Mood" (que abre y cierra el CD) no acompañados, interactúa estrechamente con el bajista Avishai Cohen sobre las demás piezas, acoge con satisfacción la vocal sin palabras inquietante de Olga Román a "septiembre en Río ", y utiliza bien Terri Lyne Carrington o Jeff Watts en las nueve piezas trío. La música en general es de aventura, rítmico, y muy alegre. Un paseo inolvidable por el talentoso Danilo Pérez. ~ Scott Yanow, All Music Guide Más información relacionada Danilo Perez - PanaMonk (1996) Temas: 01 - Monk's mood 1 02 - Panamonk 03 - Bright Mississippi 04 - Think of One 05 - Mercedes' mood 06 - Hot Bean Strut 07 - Reflections 08 - September in Rio 09 - Everything happens to me 10 - 'Round Midnight 11 - Evidence and Four in One 12 - Monk's mood 2 Musicos: Danilo Pérez-Piano Terri Lyne Carrington-Batería Avishai Cohen-Bajo Jeff "Tain" Watts-Batería Olga Román-Voz
Marianna Leporace (Río de Janeiro, 15 de julio de 1966) es una cantante, actriz, periodista y productor y trabaja en diferentes áreas culturales. Mariana Leporace trae el repertorio de Baden Powell, para poder disfrutar, que fue producido especialmente para Japón por Kazuo Yoshida...Más información Yoshida, loco por la música brasileña, llega a Brasil cada año elegir artistas para producir, grabar y lanzar allí. Marianna Leporace había participado en las Hijas de la Bossa CD con los cantantes Kay Lyra, Ana Martins y Tatiana en el 2004, también producida por Yoshida. Esta vez, Yoshida decidió grabar un CD sólo con Mariana. Los acuerdos se deben a Alain Pierre, el hijo de Baden, Marcel y Philippe Baden Powell y el muy Yoshida, que es un excelente baterista. El CD, grabado en 2005, fue lanzado en Japón en mayo de 2006 por Toy's Factory. El show de lanzamiento en la corte que lleva el nombre de Baden Powell (qué mejor lugar?) Cuenta con un equipo de músicos: Sheila Zagury en el piano, Fernando Leporace en el bajo, Caca de Colón en la batería y la percusión Murilo O'Reilly. Con las colaboraciones de Celia Vaz, Alain Pierre y Willians Pereira en la guitarra y David Ganc la flauta. También participan en la Folia Tres niñas en la voz (y Cacala Tassis Eliane Carvalho; un tercio del trío es el mismo Marianna). Dirigida por Roger Dolabella, la producción de Sandra De Paoli y la difusión de Jeanne Duarte y Clovis Correa (One for All).~Egeu Laus
Marianna Leporace - Canta Baden Powel (2006) Temas: 01.Cai Dentro 02.Samba da Benção 03.Pra que Chorar 04.Só por Amor 05.Berimbau 06.Refém da Solidão 07.Lapinha 08.Cidade Vazia 09-Tempo Feliz 10.Deixa 11.Consolação 12.Tem Dó 13.Canto de Ossanha-Cocochê-Canto de Iemanjá-Canto... 14.Apelo Musicos: Marianna Leporace - voz Sheila Zagury - piano Fernando Leporace - bajo Cacá Colon - bateria Murilo O'Reilly - percussion Participaiones Especiales: Alain Pierre - violão Célia Vaz - violão David Ganc - flauta Folia de 3 - vocais Willians Pereira - violão
En la primavera de 1947 se cumplía un año desde que Dizzy Gillespie, el gran trompetista y líder del be-bop jazz, había formado su innovadora big bando Dizzy, que siempre buscaba cosas nuevas, se sentía muy atraído por la polirritmia de las orquestas de Machito y Noro Morales, iba a verles actuar siempre que podía iba y, en ocasiones, participaba con ellos en jam-sessions. Dizzy se encontraba entonces trabajando en la preparación de un concierto que debía celebrarse en septiembre en el Carnegie Hall. Durante los ensayos, una de las novedades que experimentaba la orquesta era la incorporación de Lorenzo Salán "Chiquitico", un bongosero que había tocado con Machito y que le recomendó Mario Bauzá. "Era bueno dijo Gillespie más tarde-, pero no era el sonido que yo buscaba". Un día le comentó a su amigo Bauzá que también le gustaría añadir a la orquesta "uno de esos tom toms". Mario le dijo que tenía el hombre que buscaba: Chano Pozo. "Mario me llevó al apartamento de Chano continuaba Dizzy y nos entendimos bien aunque él no hablaba inglés. Cuando nos estrechamos las manos, sentí como si estuviera apretando hormigón. No imaginaba lo que iba a ser, porque todavía no sabía cuál era su potencial. Aquella misma noche lo vi actuando en La Conga y comprendí que aquel tipo era realmente bueno". El modo en que Chano tamboreaba ritmos increíbles a los sones pluritonales de su tumbadora dejó tan asombrado a Dizzy que no dudó en contratarlo, a pesar de que, además de no hablar inglés, tampoco sabía leer música. A los pocos días el percusionista empezó a ensayar con la orquesta y al principio encontró dificultades con el batería Joe Harris. Chano, acostumbrado a los ritmos afro-cubanos en 2/4, no estaba muy al corriente en lo que se refiere a los ritmos 4/4 del íazz, por lo que tuvo que pasar por un periodo de adaptación, junto a la sección rítmica que formaban John Lewis al piano, Milt Jackson al vibráfono, Ray Brown poco después sustituido por Al McKibbon al contrabajo y Harris a la batería. Lo que nadie imaginaba que para Chano aquel sería el principio de un ascenso meteórico e imparable. Dizzy y Charlie Parker, tras dos semanas de gira y una breve estancia en el Savoy Ballroom, llevaron por primera vez el Be-Bop al Carnegie Hall de Nueva York el lunes 29 de septiembre. Aquel día se estrenaron dos obras, "Toccata for Trumpet" (de John Lewis) y, sobre todo, la "Afro-Cuban Suite" (de George Russell), que fue muy aplaudida por el público. La interpretación de esta última, dividida en dos movimientos: "Cubana Be" y "Cubana Bop", fue dirigida por el propio Russell, con la incorporación de Chano Pozo y el bongosero Lorenzo Salán a la sección rítmica. Así pues, con la interpretación de esta composición Chano Pozo hizo su debut oficial en la orquesta de Dizzy Gillespie. Ella Fitzgerald dijo al respecto: "Esta noche ha nacido un nuevo sonido en el jazz". Todavía con los ecos del concierto del Carnegie Hall presentes entre el público y la crítica, el 9 de octubre la orquesta inició una semana de contrato en el Adams Theatre de Newark, New Jersey, compartiendo de nuevo cartel con Ella Fitzgerald. Para estas actuaciones Gillespie decidió prescindir del bongosero y llevarse sólo a Chano Pozo. A pesar de las críticas adversas procedentes de los sectores tradicionalistas, el interés por el bop siguió creciendo y la orquesta de Dizzy Gillespie continuó con su apretado programa de conciertos por el este del país. El día 17 debutaba en Bing hampton, en el estado de Nueva York, y el 18 tocó en la Universidad de Cornell, en Ithaca, también en Nueva York. A la mañana siguiente, durante el viaje en autobús que les llevaba a Boston para actuar en el Symphony Hall aquella misma noche, George Russell oyó a Chano golpear rítmicamente el respaldo del asiento mientras cantaba "en un dialecto del oeste africano, una música que parecía misticismo africano", explicaría más tarde un fascinado Russell, que añadía: "Le propuse a Dizzy que en el concierto de aquella noche abriésemos con 'Cubana Be' y luego dejáramos a Chano un solo completo al principio de 'Cubana Bop'. La impresión que causó esta música era tan tremenda que, en palabras de Russell, "la audiencia no podía creer que una orquesta consiguiera llegar a aquellas cotas de excitación e innovación". Aquella noche, en el Symphony Hall de Boston, se interpretó por primera vez la versión definitiva de la "Afro-Cuban Suite". Fue realmente asombroso en aquella época. Un prodigio de imaginación, en el sentido armónico. Para los bateristas de jazz, Chano Pozo fue un revolucionario. Se estremecían ante el inesperado reformador y su inftuencia fue inmediata. "El les enseñó el camino hacia nuevas e ilimitadas posibilidades', escribió el musicólogo Marshall W. Stearns, profesor de la Universidad de Nueva York. "El jazz aseguró entonces Stearns- ya no volverá a ser lo que fue. Hay algo nuevo definitivamente incorporado a él, que además es la mayor contribución del bop al jazz, a saber, la vigorización del ritmo, debido al influjo directo de la música afro-cubana". El 22 de diciembre de 1947, la orquestal de Gillespie con Chano se reunió en los estudios de la RCA Victor para la producción de los primeros discos de afro-cuban jazz. El viernes 26, la orquesta con Sarah Vaughan apareció en un concierto en la Brooklyn Academy of Music, y al día siguiente dieron otro concierto en el Town Hall. Aquella noche, los ritmos, solos de tumbadora y cantos de Chano fascinaron a la audiencia, y su nombre quedó definitivamente ligado a la historia de aquella explosiva orouesta. Una segunda sesión de grabación tuvo lugar el día 30, en la que se registraron los títulos "Manteca", "Col-YaKoo", "Minor Walk" y "Good Bait". La combinación del ritmo afro-cubano con las figuras y acentos del bebop hicieron de "Manteca" un verdadero espectáculo, que duraba no menos de 45 minutos y en el que Chano era el rey. El 16 de enero de 1948, Dizzy, Milt Shaw (manager de la gira e hijo de Billy Shaw) y todos los integrantes de la orquesta embarcaron a bordo del vapor sueco Drottning holm con destino Goteburg, Suecia. Una gira llena de problemas económicos que obligaron a cancelar los conciertos previstos en Checoslovaquia, Holanda, Alemania, Suiza e Inglaterra. Dizzy pudo conseguir del promotor sueco parte del dinero pactado, pudiendo llevar a cabo los compromisos de su próxima etapa, que les llevó a Bélgica. Una vez desvinculados del promotor, fueron contratados para actuar en Paris, Lyon y Marsella. El 12 de marzo, gran parte de la orquesta embarcó a bordo del buque francés De Grasse e inició el viaje de regreso a Nueva York, mientras Gillespie, el manager Milt Shaw y Chano, aquejado de un terrible dolor de espalda, lo hacían en avión. De regreso en Nueva York, la orquesta actuó el día 20 en un concierto de bienvenida en el Town Hall, después del cual algunos músicos abandonaron la formación. Siguieron unos días de descanso, en los que Dizzy reorganizó la orquesta antes de empezar una serie de ensayos para preparar su debut, a partir del 30 de abril, en el Apollo Theatre de Harlem, donde estuvieron tocando una semana. Durante el verano, cuando el be-bop había llegado a su cenit y después de varias actuaciones por la costa Este, la orquesta realizó una gira por California. El 19 de julio la formación de Dizzy se presentó en el Pasadena Civic Auditorium, en un concierto ya histórico que reproducimos en este CD. El 17 de septiembre comenzaron una semana de contrato en el Regal Theatre de Chicago, y el día 26 tocaron en el Pershing Ballroom con Charlie Parker como invitado. De vuelta en Nueva York, la orquesta fue contratada para inaugurar la temporada de otoño en el Royal Roost, conocido como "The Metropolitan Bopera House", donde a partir del 30 de septiembre actuaron durante cuatro semanas. De aquellas memorables actuaciones Tumbao presenta por primera en CD las presentes grabaciones en el que se puede apreciar la importancia rítmica que había adquirido Chano en el repertorio de la orquesta. Después de una semana en el Apolio Theatre y de un concierto en la Universidad Cornell, la orquesta viajó hasta Columbia, Carolina del Sur, donde el 17 de noviembre inició una gira por el centro y el sur del país. El día 22, encontrándose la orquesta en Raleigh, Carolina del Norte, al finalizar la actuación les fueron robados del camerino cuatro trajes de Gillespie y las dos tumbadoras de Chano. Según explicó Giliespie más tarde: "Chano decidió volver a Nueva York, comprar unas nuevas tumbadoras y reunirse con la orquesta en otra ciudad sureña. Lo acompañé hasta la estación. Vi al tren alejarse. No sabía que era la última vez que le veía con vida". La tarde del 2 de diciembre de 1948, tras una acalorada discusión por un asunto de drogas, Chano murió acribillado a balazos por Eusebio Muñoz, conocido por "El Cabito", un vendedor de marijuana. Su muerte llegó justo cuando empezaban a sonreírle la gloria y el dinero. Dizzy Gillespie dijo treinta años más tarde después del asesinato: 'Chano se anticipó a su época. Los músicos que hoy tocan la tumbadora no han escapado todavía a la influencia de Chano. Hacen sus pequeños toques distintos, sí, pero fue Chano quien estableció los auténticos fundamentos del instrumento". En poco tiempo, Chano Pozo trazó una leyenda que, después de más cincuenta años, aún enaltece la música cubana.~Jordi Pujol (texto extraído del libro Chano Pozo 'El Tambor de Cuba") Más información relacionada con Chano Pozo Más información relacionada con Dizzy Gillespie Chano Pozo with Dizzy Gillespie - The Real Birth of CuBop (2001) Temas:
01. Emanon (D.Gillespie-Milt Shaw)
02. Cool-Ya-Koo (D.Gillespie-G.Fuller)
03. 'Round About Midnight (T.Monk)
04. Stay On It (T.Dameron-C.Basie) 5_ GOOD BAIT (T.Dameron-C.Basie)
05. Good Bait (T.Dameron-C.Basie)
06. One Bass Hit (R.Brown-G.Fuller-D.Gillespie)
07. Manteca (C.Pozo-D.Gillespie-G.Fuller)
08. One Bass Hit (D.Gillespie-J.Lewis)
09. I Should Care (Weston-Cahn-Storthal)
10. Guarachi Guaro (D.Gillespie-L.Pozo)
11. Relaxing At Camarillo (C.Parker)
12. Oo-Pop-A-Da (D.Gillespie-J.Brown)
13. The Squirel (T.Dameron)
14. Taboo (M.Lecuona)
15. Dizzier And Dizzier (G.Wilson-C.Basie)
16. Manteca (C.Pozo-D.Gillespie-G.Fuller)
Personal de la misma. Johnny I-Iartman, vocal s en # 9 Grabado en el Royal Roost, Nye, 2 de octubre (de 8 a 12), 5 (13 a 15) y 9 (16), 1948.
Musicos: Luciano "Chano" Pozo-conga y voz Dizzy Glllespie-trompeta y voz Dave Burns, Willie Cook, Elmon Wright-trompetas Jesse Tarrant, BiI! Pastor-trombones Ernie Hcnry-saxo alto John Brown-saxo Alto y voz James Moody, Gayles LOE-saxos tenor Cecil Payne-saxo barítono James Foreman-piano Nelson Boyd-bajo Teddy Stewart-baterias Grabado en el Pasad en a Audltorlurn Cívica, 19 de julio 1948
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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