Amado Borcela 'Guapachá' - Guapachá El Mejor

Amado Borcela 'Guapacha'. Nace en Manzanillo, provincia Granma el 14 de julio del 1934.Tocaba instrumentos de percusión. Por un tiempo trabajó en tapicería.
Innovador dentro de la música popular cubana; cantaba con peculiar estilo, cercano a la guaracha, dentro de lo que se ha denominado “descarga”.
Conocido con el seudónimo de Guapachá. Actuó brevemente en radio, televisión, teatro y cabaret, grabando, además, un excelente disco de larga duración con el combo de Jesús (Chucho) Valdés.
Chucho Valdés fundó su combo en 1964 con un veradero all stars: Paquito D'Rivera en el saxo, Carlos del Puerto en el contrabajo, Carlos Emilio Morales en la guitarra eléctrica, Papíto Núñez en la percusión y en la parte vocal un percusionista devenido cantante, Amado Borcelá.
Este cantante interpretaba un estilo muy novedoso la guaracha a la que le llamaba "Descarga", donde improvisaba con los mas atrevidos rubateos siguiendo la línea del scat. Aunque esto ya lo había hecho Francisco Fellove cuando grabó unos discos en la década del cincuenta, Borceló hizo tal creación del mismo que a ese estilo se le conoció en lo adelante como "guapachá".
Amado Borcelá falleció en 1966 prematuramente de un colapso en plena ascensión artística y sólo pudo dejar un LP con el combo de Chucho Valdés._(cubanosfamosos)

Amado Borcelá, conocido como "Guapachá"  fue un cantante y percusionista que imprimió su propio sello a través de un fraseo particular en su voz, que evocaba a muchos de los cantantes del be-bop americano, pero con sabor cubano, sabor de guaracha. Fue trabajador en el campo de la tapicería, pero en el lado artístico, su debut se da actuando en diferentes cabarets. Fue en uno de ellos llamado "La zorra y el cuervo" cuando es descubierto por el gran maestro Bebo Valdés en 1960. Lo incorporó a su trío, que después se convirtió en un cuarteto con el que tocaba en el cabaret del Hotel Sevilla, y luego en hoteles como el Havana Riviera y el Hilton, a lo que también se sumaron cuatro registros discográficos. Previamente, su talento se le asoció con el conjunto de Luisito Plá y sus Guaracheros, donde alcanzaría a dejar registros con la Panart y la Víctor. 

Con esto se abría un camino expedito para el triunfo artístico, que lo llevó a actuar en la radio, televisión, teatro y en más cabarets. 

Tras el exilio de Bebo, su hijo lo hereda quedando conformado el Combo de Chucho Valdés para

1964, con estrellas como Paquito D'Rivera en el saxo, Carlos del Puerto en el contrabajo, Carlos Emilio Morales en la guitarra eléctrica, Papíto Núñez en la percusión, y nuestro mencionado en la parte vocal y percusiva. Fue la célula inicial de lo que se conoce como Irakere, y plasmó junto a ellos una grabación titulada "Guapachá en La Habana" (Areito 1036). En plena curva ascendente de su carrera, Guapachá sufre una insuficiencia en plena presentación con tan solo 32 años de edad, y prematuramente viajó a terreno celestial. "Guapachá" por lo tanto, queda inmortalizado en aquellas grabaciones con los combos de Bebo y Chucho Valdés, y como un innovador de la canción, que evocaba fácilmente a las figuras del be-bop y el scat norteamericano, o para no ir más lejos, al hoy también rememorado Francisco Fellové, que había hecho lo mismo en los años cincuenta. Saludo celestial a "Guapacha"!_(facebook)

                                                                         

                                                                         

Amado Borcela 'Guapachá' - Guapachá El Mejor (1966)

Temas:

01. Guapachá El Mejor (Guapachá) Luis Sosa Cotilla

02. Oye, Rebeca (Guapachá) Fernando Vivar/José Slater

03. Melodía En Abril (Descarga Jazz) Urbano Gómez Montiel

04. Pudiera Ser (Bat-Chá) Chiquitica Méndez

05. El Mozambiquero (Monzambique) Yañez-Gómez

06. Que No Me Digas Na (Guapachá) Alberto González 

07. Retozón (Son Montuno) Calixto Callava

08. Hoy No Creo En Tí (Guapachá) Luis Iglesias 

09. No Tienes Tema (Guapachá) O. Martínez-R. Montesinos

10. El Panzón (Guapachá) Enrique Martínez 

11. Mi Existir (Descarga) José M. Somoza

12. Indestructible (Bossa Nova) Jesús Valdés-Luis Yañez

Información cedida por Osvaldo M. 

Brian Bromberg - A New Day

Brian Bromberg es un bajista acústico y eléctrico muy versátil, capaz de tocar jazz directo, funk y fusión. Se ha labrado una respetada carrera tocando con numerosas luminarias y publicando sus propios álbumes, que gozan de gran prestigio. Influenciado por el virtuoso estilo de Stanley Jordan, Bromberg a veces suena como tres bajistas a la vez durante sus solos, a menudo estruendosos. Su talento le llevó a formar parte del grupo de Stan Getz a los 19 años. Desde entonces, ha sido un valioso acompañante de artistas como Dave Grusin, Billy Cobham y Michael Bublé, entre otros. Grabó sus primeros álbumes como líder en los años 80 con fechas como 1988's Basses Loaded with Ernie Watts, y desde entonces ha equilibrado el trabajo de sesión con la grabación de sus propias fechas variadas, como 1991's It's About Time: The Acoustic Project, 2010's Bromberg Plays Hendrix, y 2021's A Little Driving Music.
Nacido en 1960 en Tucson (Arizona), Bromberg creció en una familia de músicos. Hijo de un batería, empezó tocando la percusión, pero pronto se decantó por el bajo. Cuando terminó el instituto ya era un intérprete impresionante, y se convirtió en un músico de directo muy solicitado, que tocaba en conciertos durante toda la semana. En 1979, llamó la atención del bajista Marc Johnson, quien más tarde conectó al joven bajista con el saxofonista Stan Getz. Bromberg estuvo de gira con Getz durante aproximadamente un año antes de unirse al pianista Bob Ravenscroft y lanzar su propia carrera. Los primeros álbumes de Bromberg como líder fueron de jazz suave, como A New Day (1986), Basses Loaded (1988) y Magic Rain (1989).

Sin embargo, en 1991 cambió de rumbo con It's About Time: The Acoustic Project, un disco de jazz acústico más convencional. Sin embargo, en su siguiente álbum, Brian Bromberg, de 1993, volvió al estilo de jazz suave de sus primeros discos. Tras firmar con Zebra Records, Bromberg publicó en 1998 You Know That Feeling, en el que colaboraron Rick Braun, Joe Sample, Jeff Lorber, Everette Harp y otras figuras notables del género del smooth jazz.
Bromberg volvió al jazz directo en Wood, de 2002, seguido de un homenaje al bajista Jaco Pastorius, titulado simplemente Jaco, en 2003. La continuación de Wood, Wood II, apareció en 2005, y Bromberg había salido claramente de su etapa de smooth jazz, sobre todo con los rápidos y sorprendentes solos de bajo de Metal, que apareció más tarde en 2005. También se convirtió en un productor muy solicitado, con varios proyectos de éxito en su currículum.
En 2009, Bromberg se salió de lo convencional con It Is What It Is. Al año siguiente, rindió homenaje a la leyenda de la guitarra Jimi Hendrix con Bromberg Plays Hendrix. Después reunió a un elenco de músicos de lujo, como Alex Acuña, Randy Brecker, George Duke y Béla Fleck, para Compared to That, de 2012.

Dejando a un lado su trabajo en solitario, Bromberg apareció en álbumes de Till Brönner, Andrea Bocelli y Andreas Varady, entre otros. En 2016, regresó con Full Circle, que incluía apariciones como invitados de Arturo Sandoval, Kirk Whalum y otros. Thicker Than Water llegó en 2018 y contó con la participación de Najee, George Duke y Randy Brecker, entre otros. Tras un álbum navideño en 2020, Bromberg volvió a sus composiciones originales funky con A Little Driving Music de 2021._Scott Yanow (allmusic)

En su debut como líder, el bajista Brian Bromberg alterna la música acústica con la eléctrica y recibe a invitados como el tenor Ernie Watts, Joe Farrell (en su última grabación) y, durante "Take a Walk in the Park With Me", el fliscornista Freddie Hubbard. Este variado LP (que aún no se ha reeditado en CD) va desde un estilo bastante directo hasta algo de funk y fusión; Bromberg interpreta seis originales, además de "Summertime" y "My Funny Valentine". Un conjunto agradable, aunque no esencial._Scott Yanow (allmusic)

                                                                              

                                                                                  

Brian Bromberg - A New Day (1986)

Temas:

01. Summertime

02. Sunrise

03. Take A Walk In The Park With Me

04. Shana

05. Mushy Tushy

06. It's A New Day

07. My Funny Valentine

08. Oriental Ho-Down

Musicos:

Brian Bromberg (Fretless & fretted bajos eléctricos y piccolo, teclados, emulador II, caja de ritmos)

Ernie Watts (Saxo tenor)

Alex Acuna (Batería, percusión)

Carl Cherry (Batería)

Kei Akagi (Teclados, piano)

Guy Moon (Teclados)

Arthur Statman (Teclados)

Joe Farrell (Flauta, saxos tenor y soprano)

Greg Armstrong (Saxo alto)

Freddie Hubbard (Fliscorno)

Colette Michaan - Cielo Y Tierra

Colette Michaan es una flautista neoyorquina de primera generación, nativa de Nueva York y de ascendencia egipcio-siria, que se ha visto influenciada, inspirada y musicalmente informada por las tradiciones musicales del norte y el oeste de África, Cuba, el sudeste asiático y América.
"Siento que la flauta me eligió y me llamó. A los 12 años, escuché una grabación de Eric Dolphy en la radio y quedé hipnotizada por ese solo de flauta; se había plantado una semilla. A partir de entonces, me sumergí en la escucha, el estudio y la transcripción de los solos de jazz y música latina de flautistas como Eric Dolphy, James Moody, Frank Wess, Hubert Laws, Joe Farrell, Yusef Lateef, Arcaño, Richard Egües, José Fajardo y Johnny Pacheco, quienes, entre otros, siguieron inspirándome, al igual que diversas tradiciones flautísticas de todo el mundo."
A finales de los 70, Colette trabajó en el Village Vanguard, una época vital para el jazz en Nueva York. "Mis tres años y medio en el Vanguard fueron una época maravillosa para mí; trabajar allí fue una gran educación musical, ya que noche tras noche escuchaba música que me inspiraba. Fue más tarde, a mediados de los 80, cuando me enamoré de las tradiciones cubanas del Son y la Charanga".

Desde finales de los años 70, Colette actúa internacionalmente con su propia banda y con otros artistas. Ha producido cuatro álbumes como directora de banda (véase discografía). Además, Colette ha grabado con Harry Whitaker en el álbum "One Who Sees All Things" (2008), con Kaissa en "Looking There" (2005) y con Richard Bona en "Scenes From My Life" (1999).
"A lo largo de los años, en cada uno de los cuatro CD que he producido, he optado por grabar composiciones originales, así como muchas composiciones clásicas que me encantan. Mi intención es crear belleza, llenar la música de emoción y pasión. Mi trabajo siempre se inspira en algo tradicional, algo original y algo nuevo. La finalización de cada álbum ha sido un hito en mi proceso continuo".

"A lo largo de las décadas, he aprendido de muchos músicos maravillosos y les estoy agradecido"._(colettemichaan)

La intrépida música ha esculpido estas diez piezas en esta grabación con un arte magistral. La sutileza es la cualidad omnipresente que Colette Michaan aporta a este disco de obras de varios compositores conocidos. La música no suele alzar la voz mucho más allá de un susurro seductor, e incluso cuando lo hace, las narraciones están hábilmente elaboradas para mantener un decoro muy expresivo. La radiante flauta de la Sra. Michaan enriquece estas melodías y altera las armonías y los elementos estructurales de cada pieza ya aumentada con la adición de (a menudo los dos) trombones de Reut Regev y Rey David Alejandre. Como resultado, el flautista es capaz de llevar las piezas en direcciones que sorprenden y cautivan enormemente el oído. La hermosa pieza de Melvis Santa "La Flauta de Colette" es un excelente ejemplo de ello.

Las diez piezas se despliegan en una serie de gestos etéreos impregnados de una atmósfera inconfundible, rindiendo un glorioso homenaje a las formas de danza y los ritmos que impulsan la música afrocubana. Pero cada melodía es tratada también con una panoplia de colores e implicaciones armónicas. Siempre en el extremo suave del espectro, el rango dinámico de Michaan permite que la música se eleve, sin trabas, a un reino enrarecido. Su paleta sonora se amplía a menudo hasta extremos imposibles. Su solo en "Awakening" es un recordatorio espectacular de la gloria que Michaan aporta a su instrumento. Pero también en todos los demás temas, la flautista crea una magia melódica única. Sin embargo, no está sola en este empeño.

Michaan también sube la apuesta de la producción con la evocadora voz de Melvis Santa, cuya soprano flotante adorna "La Flauta de Colette", "Por si Acaso" y "Quimbara". El pianista César Orozco, el bajista Jorge Bringas y tres grandes percusionistas ayudan a la flautista a hacer de éste su álbum más vivo hasta la fecha: Román Díaz, Luisito Quintero y Yusnier Sánchez Bustamante. A través de todo ello, por supuesto, es Colette Michaan quien está, justificadamente, en el centro de atención, ya que interpreta con consumada maestría, combinando un control superior y lucidez tonal con un sentido cohesivo de la línea y el movimiento. Esta música no podría estar mejor servida._ Raul Da Gama (latinjazznet)

                                                                                

                                                                                     

Colette Michaan - Cielo Y Tierra (2017)

Temas:

01. Baila Mi Ritmo

02. La Flauta de Colette

03. Waraya

04. Por Si Acaso

05. El Jardinero de Amor

06. A Mi Que

07. Souaressi

08. Quimbara

09. Guajira para el Cielo y la Tierra

10. Awakening

Musicos:

Colette Michaan (Flauta, flauta de bambú en temas 2, 10 y voz en temas 1, 4, 6, 10)

Reut Regev (Trombón en temas 1 - 4, 6, 9)

Rey David Alejandre (Trombón en temas 1, 2, 4 - 6, 8, 9)

César Orozco (Piano en temas 1 - 9)

Jorge Bringas (Bajo en temas 1 - 9)

Román Díaz  (Bátà en tema 4, congas en temas 1, 3 y voz en tema 4)

Melvis Santa (Voz en temas 1 - 4, 8)

Luisito Quintero (Timbales en temas 1, 4 - 6, 8, 9, quinto en tema 8, batería en temas 2 - 4, 7, 8 y percusión en temas 1 - 9)

Yusnier Sánchez Bustamante (Cajón en tema 3 y congas en temas 2, 4, 8)

Ed Calle - Sunset Harbor

Nacido en Caracas de padres españoles, el saxofonista Ed Calle, afincado en Miami, debe su carrera musical al amor de su padre por la música. Cuando Calle y su familia se trasladaron a Estados Unidos en 1966, su padre le sugirió que tomara clases de música. Calle eligió el saxofón tenor y se aficionó rápidamente, por lo que pronto dedicó casi todo su tiempo libre a practicar.
Cuando estudiaba en la Universidad de Miami, Calle decidió que la música era su vocación y obtuvo un máster en interpretación de jazz. Sin embargo, incluso antes de dejar la universidad, Calle tocó con artistas como Gloria Estefan y Miami Sound Machine, y realizó giras con artistas como Julio Iglesias y Bob James. También ha trabajado como músico de acompañamiento para Arturo Sandoval, Jon Secada, Vanessa Williams y Frank Sinatra, y ha colaborado en bandas sonoras de televisión y cine.

Además de sus raíces latinas, el estilo de tocar de Calle está influenciado por su amor a las matemáticas: también es licenciado en Matemáticas por la Universidad Internacional de Florida. Calle comparte sus conocimientos técnicos y su herencia con los niños de primaria a los que da clases como profesor de música itinerante. Sus álbumes en solitario Nightgames (1986), Double Talk (1996) y Sunset Harbor (1999) también reflejan su destreza y pasión como músico. En el nuevo milenio publicó Twilight (2001) en Concord Jazz._Heather Phares (allmusic)

La necesidad de poner títulos bonitos a los álbumes a veces puede ir en detrimento de lanzamientos cuya música es demasiado profunda, intrincada y explosiva para que las palabras puedan transmitirla.

El debut del saxofonista Ed Calle en Concord Vista tiene todo el chisporroteo íntimo de Gato Barbieri, toda la alegría percusiva juguetona de Arturo Sandoval (que participa como invitado), toda la intimidad flamenca de Ottmar Liebert y todo el alma retro de los héroes inspiradores de Calle, Earth, Wind & Fire. Sin embargo, el título Sunset Harbor sólo transmite el lado despreocupado de la personalidad del veterano músico de acompañamiento, maravillosamente expresado en las tiernas, dulces y pegadizas "Rachel's Song" y "Marianne". La actitud alegre del disco se transmite mucho mejor en "Strollin'", en la que Calle se acelera con una sección de vientos creada por él mismo (doblando y triplicando su tenor) sobre un incontenible ritmo latino. "Nightfall" es un apodo apropiado para un baile lento de salsa al estilo de Gato con trasfondos retro soul como el sonido Rhodes generado por el sintetizador de Jim Gasior. 

Calle se atreve con el hip-hop en "Suds", envolviendo con su tenor y su EWI el mismo tipo de acentos de teclado y la guitarra wah-wah de Dan Warner. Sin embargo, "San Sebastián" es la pieza central, el equivalente musical de una cantina de ritmo perezoso (guitarra flamenca proporcionada por el viejo socio de Sandoval, René Toledo) incendiándose con la melodía galopante del saxo de Calle y la ardiente trompeta de Sandoval actuando como pirómanos principales. Los homenajes de Calle a Earth, Wind & Fire y Chicago ("Colour My World") le permiten tocar antes que las secciones de vientos, pero no tienen nada que ver con el deslumbrante material original que presenta._Jonathan Widran (allmusic)

                                                                         

                                                                            

Ed Calle - Sunset Harbor (1999) 

01. Strollin' 

02. Sunset Harbor 

03. Nightfall 

04. Reasons 

05. Suds 

06. Marianne 

07. San Sebastian 

08. Colour my world 

09. Rum & Coke (Cuba Libre) 

10. Home Again 

11. Rachel's Song

Musicos:

Ed Calle (Saxo tenor, saxo soprano, saxo alto, saxo barítono, EWI, flauta contralto, bajo sintetizador, voz)

Tony Concepción, Arturo Sandoval, Jim Hacker, Jason Carder, Alan Hood (Trompeta)

Dana Teboe, John Hutchison, John Kricker (Trombón)

Joe Barati (Trombón bajo)

Jim Gasior, Mike Levine, Steve Roitstein (Teclados, sintetizadores)

Mike Levine(Piano eléctrico)

Paquito Hechavarría (Piano acústico)

Doug Emery (Cuerdas, sintetizadores, órgano)

Dan Warner, Lindsey Blair, René Luis Toledo, Hiram Bullock, Tommy Anthony (Guitarra)

Julio Hernández, Rafael Valencia (Bajo)

Lee Levin (Batería, programación de batería y percusión)

Tim Devine (Programación de loops de batería, sintetizadores)

Richard Bravo (Percusión)

Wendy Pederson, George Noriega, Rita Quintero, Tommy Anthony (Voces tema #04)

Gabriel Rodríguez - The Beginning

Gabriel Rodríguez (Bajista, compositor, educador). Un músico experimentado cuya fuerza interpretativa y creativa surge de su profundo conocimiento de los principales elementos del jazz y sus raíces afrocaribeñas. Este talentoso artista nació en San Juan, Puerto Rico el 15 de abril de 1974. Su necesidad de estudios continuos y la exploración de ritmos y estilos lo llevaron a estudios independientes. Desde los catorce años dedicó largas horas de estudio con un enfoque tan místico que hoy es capaz de realizar una interpretación moderna de la música que interpreta donde lo clásico se fusiona magistralmente con armonías agresivas y otras técnicas no abordadas por muchos de los contemporáneos. bajistas. Su estilo único, una mezcla equilibrada de musicalidad, conocimiento, sentimientos y una increíble comprensión de su naturaleza latina lo han convertido en uno de los bajistas más buscados de la escena musical.
La versatilidad de su interpretación le ha llevado a actuar con los mejores intérpretes de jazz latino del mundo. Entre este grupo se destacan Charlie Sepúlveda, Dave Valentín, Giovanni Hidalgo, Jerry González, Miguel Zenón, Paoli Mejías, Fidel Morales, William Cepeda, Ángel (Papo) Vázquez, Néstor Torres, Luis “Perico” Ortíz, Batacumbele y muchos otros.
Sus credenciales también incluyen numerosas apariciones como acompañante de Vic Juris, Pete Rodríguez, Marcos Pignataro, Holograma, Causa Común, Gary Keller, Alex Acuña, Barry Greene, San Juan Collective, Luke Guillespie, James Williams y muchos otros.

Su experiencia incluye la interpretación de ambos tipos de instrumentos, bajo acústico y eléctrico.
Gabriel tiene una maestría en educación musical del Conservatorio de Música de PR, ofrece clases magistrales y talleres educativos sobre jazz e improvisación. Ha escrito columnas de asesoramiento educativo y recientemente acaba de publicar su “Manual para el desarrollo de la armonía y la técnica”.

Actualmente se desempeña como profesor en la facultad del Programa de Jazz y Música Caribeña del Conservatorio de Música de Puerto Rico desde 2005 donde enseña bajo tanto eléctrico como acústico._(gabybassmusic)

                                                               

                                                                                       

Gabriel Rodríguez - The Beginning (1996 Remastered)

Temas:

01. La Guagua

02. Willy's Tune

03. La Visión

04. First Step

05. Fronteras

06. The Beginning

07. Instrospection

08. Un Dia de Trabajo

Musicos:

Gabriel Rodriguez (Bajo, bajo piccolo)

Miguel Zenon (Saxo alto en pista #1, #3, #8)

Nestor Toro (Saxo alto en pista #5, #6)

William Morell (Saxo alto en pista #2, #4)

Alein Rodriguez (Piano)

Francisco "Pirulo' Rosado (Batería)

David "La Mole" Ortiz (Congas)

Raúl Maldonado (Bongos)

Información cedida por Hector Guillermo Copete

Samuel Quinto Trio - Salsa'N Jazz

Samuel Quinto Feitosa, FRSA (nacido el 5 de septiembre de 1973) es un pianista brasileño de jazz, pop, gospel y música clásica, así como productor musical, compositor, arreglista, educador y escritor que vive en Portugal desde 2004. Quinto creció en Salvador, donde desarrolló su arte principalmente con el piano. Samuel Quinto nació en Belém, Pará, pero creció en Salvador, Bahía. Desde la edad de siete años, desarrolló su talento musical en virtud del contacto con el piano a través del evangelio, acompañado Iglesia Bautista que asistió durante la infancia con su familia en Salvador. Entonces Samuel dio los primeros pasos en el piano en la casa de la familia, siempre sin maestros acompañantes, y desarrolló sus habilidades de piano aprendiendo también, como autodidacta, la armonía, la lectura y la escritura de la música y la orquestación, composición musical, arreglos para el coro de la iglesia, que comienza a tocar como pianista a la edad de 12 años. En Europa. Samuel Quinto publicó su primer CD "Latin Jazz Thrill" en 2007, en Portugal, con formación de trío (Bajo, Piano y Batería), que forma el núcleo de su repertorio en diversos festivales y conciertos durante los años 2007 y 2008 en Portugal, y durante su gira de 2008 en la que muestra en ciudades como Hamburgo, Berlín, Colonia, Heilbronn, Lieja y Limoges; además de un concierto especial celebrado en Salvador en colaboración con la Universidad Católica de Salvador en junio de 2008. Sus composiciones se utilizan en la Universidad de Oporto (ESMAE) en la licenciatura de Jazz, como material de estudio en la formación de estudiantes de Jazz.

El segundo CD titulado "Salsa 'n Jazz", que contiene ocho composiciones originales de Samuel Quinto, y el estándar Stella by Starlight, se lanza en junio de 2009 con un concierto en la ciudad de Oporto, y el lanzamiento concomitante de su nueva gira, aún más amplia, que pasó por Bélgica, Alemania, Portugal, España, Francia, Luxemburgo, Países Bajos e Inglaterra. En este segundo trabajo, Samuel estuvo acompañado por otro brasileño, de formación clásica, Marcos Borges en el bajo y Manuel Santiesteban, cubano, graduado en batería en La Habana, Cuba.
Fundó el primer curso de Jazz Latino en la Escuela de Jazz del Norte, Porto - primera escuela profesional de Jazz acreditado en Portugal y uno en la Península Ibérica para tener el curso Instrumentalista Profesional de Jazz hasta entonces. Además de ser invitado a ser el director artístico de uno de los clubes portugueses de jazz más tradicionales, B-flat.

Samuel también ha sido invitado a dirigir talleres en el campo del Jazz, Latin Jazz Composición y Arreglos tanto en Brasil como en Europa. Pero su talento musical no es sólo al jazz, después de haber sido pianista del cuerpo de ballet, comenzó a desarrollar el lado erudito hasta entonces dormido en su música. Inspirado por grandes compositores como Beethoven, Mozart, Bach, Tchaikovsky, Brahms y otros, inició composiciones para acompañar el ballet en espectáculos, así como para orquesta y coro._(allaboutjazz)

Hay algo en el pianista de origen brasileño Samuel Quinto que toca una cuerda vibrante en el oído interno. Quizá tenga que ver con su maravillosa captación de la alegría que abunda en el nordeste brasileño... su sentido de la "alegria". Quizás también tenga que ver con su enfoque maduro, su maravilloso uso de la dinámica, su expresión y su habilidad innata para permitir que brille el centro tonal de su música. Tiene un oído exquisito y sus manos están controladas de forma independiente por su mente, que separa melodía y armonía cuando es necesario. Quinto, como resultado, hace que sus dedos hormigueen en las teclas, retumbe y carcajee y llore con acordes de los que arranca risas y tristeza y pura alegría.

En Salsa' N Jazz toca con un ritmo hipnótico primigenio que llama a las raíces de su música, que llegan hasta el África más profunda, pasando por los rincones folclóricos de Brasil y España, lo que significa los recovecos del Mediterráneo de Oriente Medio, la India y Europa. El resultado es un disco en el que estas culturas confluyen en un punto de ignición que calienta la sangre del alma. Su forma de tocar es musculosa e intuitiva y huele a artista al que le gusta inventar sobre la marcha, evolucionar constantemente.

El punto de partida de la interpretación de Quinto es también una profunda relación simbiótica con la música forro en todo su vibrante esplendor -baiao, xote y arrasta-pe-, todo elegantemente captado y centelleante cuando sus dedos tocan el ébano y el marfil. La muestra más alegre y memorable de ello es su interpretación de "Stella by Starlight", de Victor Young, que recibe un tratamiento de forro entusiasta y alcanza su punto álgido a medida que se desarrollan los coros de la canción. Merece la pena mencionar que en esta canción -como en las demás de este disco- el bajista brasileño Marcos Borges y el batería cubano Manuel Santiesteban brillan con su maravillosa interacción.

Samuel Quinto es también un compositor consumado y demuestra madurez y sentido de la aventura con la variedad rítmica que presenta aquí en una rumba, "Quinto's Rhumba" -que, por cierto, está tocada en un estilo deliciosamente picado que recuerda a Thelonious Monk. "Jaci" es una canción emocionante y bailable que cruza ritmos cubanos con un toque de Brasil. "Bolero To Preta", una cariñosa semblanza de la madre del pianista, sugiere que éste tiene mucha clave interior. "Ficou No Meio" es simplemente un maravilloso forro que se vuelve vertiginoso a medida que Quinto, Borges y Santiesteban rumbean gloriosamente la armonía y el ritmo. "Voo Da Andorinha" es un chorinho que, sencillamente, revela el "Alma de Nordeste" de Quinto. E "Isabel (Para Voce)" es una hermosa balada que brilla y reluce a medida que sus emotivos colores tonales comienzan a desplegarse.

"Salsa' N Jazz" es una canción emblemática que captura todo lo inolvidable de este disco: Un pianista con la capacidad de deslumbrar en silencio mientras la mano derecha vuela exóticamente y la izquierda inventa constantemente la armonía y el ritmo. He aquí un pianista muy prometedor, que lleva consigo su rica tradición brasileña y, de hecho, toda Latinoamérica, a un nuevo y apasionante paisaje musical._Raul D'Gama Rose (allaboutjazz)

                                                                             

                                                                               

Samuel Quinto Trio - Salsa'N Jazz (2009)

Temas:

01. Quinto's Rhumba

02. Jaci

03. Bolero To Preta

04. Salsa' N Jazz

05. Ficou No Meio

06. Kalimba Mulele

07. Isabel (Para Voce) 

08. Voo Da Andorinha

09. Stella By Starlight

Musicos:

Samuel Quinto (Piano)

Marcos Borges (Bajo)

Manuel Santiesteban (Batería)

Gina León - Perlas Cubanas

Gina León. Cantante cubana que debutó como profesional en el cabaret Monte Casino.Gina León nació en La Habana, Cuba un 19 de abril de 1937. De muy joven le gustaba cantar.
Su primera actuación en público se produjo en 1956, cuando cantó en un programa de aficionados que se trasmitía por Radio Popular, en el que resultó ganadora. Gina León fue con una amiga e interpretó “La novia de todos”. A partir de ese momento se unió al maestro Candito Ruiz, quien le preparó el repertorio con que debutó como profesional en el cabaret Monte Casino.
En 1957 Gina León viajó a Panamá y actuó en el cabaret Bahía. A principios de la década del 60 se hizo popular por su interpretación del bolero “Aléjate”, del mexicano Roberto Cantoral, y pasó a ser la figura principal en los espectáculos “Serenata Mulata” y “Me voy pa’l Brasil”, del Hotel Capri.
Gina León fue invitada al Festival Internacional de la Canción de Sopot, Polonia, en 1962, y de ahí viajó a Berlín, donde se presentó en el Friedrichstad Palace, y en otras ciudades de la República Democrática Alemana.

En 1987 Gina León estuvo de nuevo en Panamá formando parte de un espectáculo de Bobby Carcassés, con quien actuó en El Sótano del Hotel Continental. El Periódico panameño “La Estrella” la calificó de «extraordinaria cantante cubana de los ritmos románticos», «con una voz tremendamente potente»._(vintagemusic)

 Gina León “La dama del Capri”, falleció el 12 de julio  2023, en La Habana a los 86 años. 

                                                                                     

Gina León - Perlas Cubanas (2017)

Temas:
01. Eclipse (Margarita Lecuona)
02. Perdóname (Felo Bergaza)
03. Que Te Cuesta (Ricardo García Perdomo)
04. Debí Llorar (Piloto y Vera)
05. Nada Son Mis Brazos (Ela O'Farrill)
06. Tú y El Viento (Adolfo Guzmán)
07. En Nosotros (Tania Castellanos)
08. Llegaste Junto A Mí (Gilberto Valdés)
09. Que Nos Pasa (Piloto y Vera)
10. Inútil Vivir Sin Ti (Osvaldo Alburquerque)
11. No Digas Que No (Isaac Wanbrug)
12. Aléjate (Roberto Cantoral)          

Mario Rivera & George Coleman - El Comandante ...The Merengue-Jazz

Es una ironía que, al final, la influencia africana haya aportado el elemento más original de la música del continente americano; y esta música es la expresión cultural más auténtica producida allí y su mejor contribución a los artes. El jazz norteamericano ya está destinado a ser considerado como el desarrollo musical más importante del siglo XX. Pero originalmente, fue en las pequeñas islas salpicadas en el mar Caribe donde empezó todo. A pesar de su temprano desarrollo y su ocasional popularización internacional, la música popular de la República Dominicana, el merengue en particular, nunca ha recibido un verdadero reconocimiento artístico musical. Mario Rivera, posiblemente el músico dominicano más consumado en el género, se propuso cambiar esta situación con este álbum, el primero bajo su propio nombre. La Española, actualmente apuntalada por la República Dominicana y Haití, fue la colonia de la lista establecida en el Nuevo Mundo, y el trampolín hacia las fronteras en expansión.
No sólo los conquistadores se diseminaron desde La Española. También se inició allí la introducción de esclavos africanos en el Nuevo Mundo, que más tarde se extendió a otras islas, permitiendo así la polinización cruzada que tuvo lugar entre los miembros de muchas tribus diferentes. Toda la música influida por el éxodo forzoso de África occidental tuvo una especie de crisol en la región. Jelly Roll Morton reconoció esta influencia en la Nueva Orleans que produjo el jazz, y se dice que el SON cubano fue traído a Santiago de Cuba por dos hermanas de la Española. La realidad es que la semilla primigenia se trasplantó a suelos dispares, y los resultados fueron muy distintos. Por ejemplo, el jazz pasó a desarrollar una estructura armónica muy sofisticada, impulsada por los ritmos africanos sincopados. Cuba desarrolló la forma SON, y más tarde hizo bailar al mundo el mambo y el cha-cha-cha, del mismo modo que Brasil produjo la samba, rica en percusión. Pero, al tiempo que se permitía la diversidad, se mantuvo un núcleo común a todos, y es esta herencia africana la que hace posible que se unan y conecten. 

Esta historia sigue desarrollándose hoy en día, y parece que cuando la música latinoamericana más percusiva se fusiona con las sofisticadas armonías del jazz se alcanza el más alto grado de expresión musical, y ambas se enriquecen. Esto es bastante evidente en el matrimonio entre el jazz y la música afrocubana que dio origen al jazz latino durante la década de 1940, o la samba rítmicamente exótica que produjo la bossa novo en la década de 1960.

El merengue dominicano lleva mucho tiempo esperando hacer lo mismo. El merengue se considera la música nacional de la República Dominicana. Aunque el nombre se aplica también a estilos musicales desarrollados en otros lugares, cuando se dice merengue, se habla de música dominicana. Es un ritmo de baile vivo y nítido que se toca en el compás de 2/4 sobre el "cinquillo" caribeño.

Sus orígenes son escurridizos, debido a la falta de acontecimientos históricos documentados, pero la mayoría de los musicólogos parecen estar de acuerdo en que se trata probablemente de una música sincrética producida por la transformación del baile de la contra por ritmos africanos a mediados del siglo XIX. Fue precisamente esta influencia africana la que tanto ofendió a los llamados intelectuales xenófobos de la época, que llegaron a denigrarla cuando amenazaba los bailes más asépticos de las clases altas; como ocurre ahora. Si sus ataques son hoy más sutiles, son igualmente sospechosos por su falta de interés en explorar la relevancia cultural de la música, permaneciendo en un vergonzoso silencio.

Al principio, el merengue se tocaba con un instrumento de cuerda que ponía la melodía: el güiro, la versión de metal, o guira, y el tambor de dos puntas, con forma de barril, llamado tambora. El comercio de tabaco entre la región noroccidental del país con Alemania trajo consigo más tarde el acordeón diatónico, que sustituyó a la guitarra como fuente melódica. Posteriormente se añadió el saxofón alto, completando así el llamado Conjunto Típico.

Se trata del Merengue Cibaeño o Liniero (de la región denominada Cibao). Con exponentes como Ñico Lora y Toño Abreu, pronto se convirtió en Rey. Tenía que serlo. Cuando empieza el merengue y el acordeón y el saxofón se entrelazan en un sensual "floreo", empujado por el frenético "repique" del viril pulso de la tombora-guira el golpe se hace irresistible: hay que levantarse y bailar, aunque sea la "Chencha la Gamba" (la Chencha de piernas arqueadas del folclore dominicano).

Este es el pozo musical en el que Don Luis Alberti y Julio Alberto Hernández, entre otros, se inspiraron más tarde, transportando la esencia de la música al formato de big band. A mediados de los años 30 y 40 se consolidó el merengue elegante de salón, protegido por la sonrisa socarrona del Generalísimo Rafael Leonida Trujillo y Molino. Los años 40 y 50 se consideran la época dorada del merengue clásico, elegante pero viril. Durante los años 60, el merengue de lazo grande dio paso al estilo de combo, con seguridad custodiado por Don Rafael Solano, quien continuó la tradición armado con una artillería llena de "Pambiche".

Cuando el rock&roll invadió la tierra, Johnny Ventura estaba listo para continuar; y cuando se requería velocidad, Wilfrido Vargas se sentaba al volante. Hoy, el merengue se vende en manos de la banda "4:40" de Juan Luis Guerra. A pesar de que el merengue es el baile caribeño más popular desde principios de los 80, aún no se le han reconocido sus méritos musicales. Este vacío debe llenarse, y más vale que sea ahora, mientras el entusiasmo internacional por la música sigue floreciendo.

Este es el momento para el que se ha estado preparando el veterano multiinstrumentista dominicano Mario Rivera, con el fin de llevar la tradición un paso más allá; y está cualificado para hacerlo. Cuando llegó a Nueva York con 21 años, ya había tocado con las mejores bandas de la República Dominicana. Además, también estaba claro que estaba destinado a convertirse en el discípulo más aventajado del maestro Tavito Vásquez, indiscutiblemente reconocido como el máximo exponente del estilo de saxofón merengue. Con gran determinación y una disciplina inquebrantable, Mario se propuso dominar el lenguaje del jazz, y hoy puede contarse entre un puñado de músicos latinos que dominan verdaderamente el jazz.

Ha sido reconocido como músico de jazz por algunos de los intérpretes más destacados de su época. Titanes como Thelonious Monk, Dexter Gordon, Sonny Stitt y George Coleman le han distinguido. El difunto Dizzy Gillespie le regaló una de sus trompetas marca de la casa pocas semanas antes de su fallecimiento. Pocos músicos en activo son tan completos musicalmente como Mario Rivera. Por el camino, ha aprendido a tocar más de veinte instrumentos diferentes. Fue uno de los que encendieron la moda latina durante los años del famoso Palladium, actuando con las bandas de Machito, Tito Puente y, sobre todo, con la orquesta de Tito Rodríguez.

También formó parte de la era de la salsa, tocando con artistas de la talla de Eddie y Charlie Palmieri y Típica 73, entre muchos otros. Fue el líder de un grupo de jóvenes músicos latinos de Nueva York que, bajo la bandera de los refugiados de la salsa, redefinieron la música afrocubana en el contexto del bebop, creando así el jazz latino moderno. El siempre ignorado músico de acompañamiento ha participado en más de cien grabaciones, y sus contribuciones como solista le han valido unos seis premios Grammy para muchos grupos de jazz y latin-jazz. Mario sigue muy activo tanto en el circuito de jazz como en el de jazz latino, actuando regularmente con el Tito Puente Latin jazz Ensemble, Dizzy Gillespie and The United Nation Orchestra, The Golden Men of Latin jazz y The Jazz Masters. Pero durante los últimos años se ha dedicado a la idea de fusionar el merengue con el jazz para conseguir un sonido nuevo, fresco y de una calidad estética distintiva. De eso trata este álbum. Y lo hace en buena compañía. George Coleman, el musculoso saxofonista de Memphis, no necesita presentación. Representa la voz del jazz que va a sancionar el experimento, al igual que Dizzy hizo con la música afrocubana. Ambos han tocado juntos muchas veces, desde que Mario se encargó de anclar con su barítono la sección de saxofones del maravilloso Octeto de George Coleman.

Hay un equilibrio total en la forma en que tocan en este álbum; como si acabaran de unir sus fuerzas para hacer música buena y honesta. Hilton Ruiz se remonta con Mario a los días de los refugiados de la salsa. Puertorriqueño nacido en Nueva York, es probablemente el único pianista latino con dominio de las intrincadas armonías del bebop, y realiza una sólida contribución a la música. Walter Booker es un auténtico bajista veterano enraizado en la mejor tradición jazzística. Pasó noches interminables en el apartamento de Mario mientras absorbía a fondo el estilo del merengue. No hay nadie mejor para este proyecto. Con Rey-Chinito-Díaz a la tambora, Isidro Bobadilla a la percusión, Phoenix Rivera a la batería y Alexis Díaz a la guira, está rodeado de músicos que le ayudaron a desarrollar el concepto durante las fases experimentales en el club neoyorquino SOB's. Ignacio Berroa hace la mayor parte del trabajo de batería, y Ed Cherry está a la guitarra; son nuevas incorporaciones que sin duda realzan la música. John Benitez al bajo y Daniel Guillermo al piano completan el personal.

Como ves, la mayor parte quedó en familia y te aseguro que todos se esforzaron al máximo para que así fuera. En cuanto a la música, encontrarás buen gusto, variedad y originalidad. No se equivoque, éste es un álbum de jazz en toda regla. Pero si quiere comprobar lo bien que se ha integrado el merengue, póngalo a prueba de verdad; póngase el gel y báilelo. Estoy seguro de que la experiencia será muy gratificante para ambos públicos. Es muy apropiado que todo comience con Amigos Juntos, porque al hacerlo, Mario Rivera (El Comandante) les ofrece un experimento cultural de proporciones históricas significativas._Dr. Federico Chan (Ciudad de Nueva York, diciembre de 1993)

Mario Rivera (nació en Santo Domingo 22 de julio de 1939 - murió de un linfoma el 10 de agosto de 2007 en Nueva York).

                                                                              

                                                                                     

Mario Rivera & George Coleman - El Comandante ...The Merengue-Jazz (1994)

Temas:

01. Amigos Juntos (Mario Rivera)

02. Frank's Tune (Frank Strozier)

03. La Puerta (Luis Demetrio)

04. Tanga (Dizzy Gillespie)

05. Pretty Blues (George Coleman)

06. Afternoon In Paris (John Lewis)

07. Todavia (Phoenix Rivera)

08. Have You Met Miss Jones? (Richard Rodgers / Lorenz Hart)

09. En La Obscuridad (In The Dark) (Rafael Solano)

Musicos:

Mario Rivera (Saxo tenor, saxo soprano y saxo alto, flauta alta, trompeta, tambora)

Ceorge Coleman (Saxo tenor)

Hilton Ruiz (Piano)

Ed Cherry (Guitarra)  

Walter Booker bajo 

John Benitez (Bajo) 

Ignacio Berroa (Batería)

Phoenix Rivera (Director musical, batería, piano adicional)

José Alexis Diaz "La Tormenta" (Congas, guira)

Rey Diaz "El Chinito" (Tambora)

Daniel Cuillermo (Piano oddicional)

Isidro Bobadilla (Shekere y percusión adicional)

Frank Colón - Latin Lounge

Frank Colón (nacido el 13 de octubre de 1951) es un músico y artista marcial estadounidense de ascendencia puertorriqueña.
Nacido en Washington, D.C., Colón se trasladó de allí a Puerto Rico a la edad de cinco años. Su formación musical comenzó a los once años, con clases de piano clásico, bajo la dirección de Angelina Figueroa y Rafael Figueroa. También estudió percusión brasileña, guitarra, bajo eléctrico y trap drum. Participó activamente en deportes municipales y universitarios, artes marciales y teatro aficionado, y trabajó con varios grupos locales de música pop.
En 1970 regresó a Washington D.C. para cursar estudios universitarios en la American University, donde se especializó en Ciencias Políticas. Durante este tiempo, su orientación musical cambió de los instrumentos melódicos a la percusión. Al terminar sus estudios universitarios, se dedicó por completo a la música.
En 1976, Colón se trasladó a Nueva York para trabajar con el batería Julito Collazo. Allí aprendió a tocar los tambores Batá.

Colón es practicante de Tai chi y cinturón negro pionero estadounidense, instructor superior del sistema israelí de defensa personal Krav-Maga, certificado por el Instituto Wingate de Israel y Krav-Maga International, Inc. Él fue el primer Vice-Presidente elegido de la Asociación americana de Instructores de Krav maga (AAKMI), hoy conocido como La Federación de Krav maga. Él actualmente tiene el rango de Profesor Cinturón Negro Dan 2._(wikipedia)

A lo largo de su carrera, Frank Colón ha sido un percusionista muy solicitado por artistas tan populares como Manhattan Transfer, Aretha Franklin y Tania Maria. Pero aunque su percusión es una parte prominente de los conjuntos de "Latin Lounge", es su escritura y el uso de los variados colores de los otros músicos lo que hacen de ésta una grabación particularmente notable.

Grabado en Río de Janeiro, Brasil, "Latin Lounge" cuenta con el talento de músicos brasileños de la talla del trompetista José Arimateia, el flautista Carlos Malta, Julio Falavigna a la batería y el bajista Estevão Lima, además de armónica, acordeón, dos cuerdas y cuatro guitarristas muy diferentes.

Sus diez originales están llenos de ricas melodías, ambientes pintorescos y contagiosos ritmos latinos. Los títulos de las canciones a menudo definen la música, como la exótica "Emerald Coast", los ritmos optimistas de "Easy Does It" y "Summer Cocktail", y la sensual "Let's Just Go...", con su patrón de bajo especialmente pegadizo. La guitarra acústica de Jamie Glaser en la funky "Wishful Thinking", el uso del acordeón en "Tango Lucumí" y la guitarra flamenca de Roman Miroshnichenko en "Spanish Heart" añaden un toque memorable a la variedad de este conjunto atmosférico.

A lo largo de su carrera, Colón ha trabajado con muchos artistas de primera fila, como Manhattan Transfer, Wayne Shorter, Gato Barbieri, Michel Camilo, Chucho Valdés, Michel Petrucciani, Joe Zawinul, Flora Purim, Dr. Billy Taylor, Milton Nascimento, Harry Belafonte, Airto Moreira y Paquito D'Rivera, entre otros. Sus CD anteriores incluyen: "Live At Vartanjazz" y "Latin Wonder".

"Latin Lounge" está lleno de música a la que es difícil resistirse. Como dice con precisión Frank Colón, "Latin Lounge moverá tu cuerpo, tocará tu corazón y calmará tu alma.La mezcla de culturas musicales eleva la conciencia, une a la gente y promueve la paz. Latin Lounge' transporta al oyente a una tierra que siempre ha imaginado, pero que nunca supo que existía"._(jazzpromoservices)

                                                                                    

                                                                            

Frank Colón - Latin Lounge (2019)

Temas:

01. Emerald Coast 

02. Summer Cocktail 

03. Easy Does It

04. Let's Just Go...

05. Samba Gitano

06. Spanish Heart 

07. Wishful Thinking

08. Tango Lucumí

09. The Whales of Bahia 

10. Bali 

Musicos:

FrankColón (Percusión,voz,programación)

José Arimateia (Trompeta, fliscorno)

Raphael Batista (Violín)

Julio Falavigna (Batería)

Daniel Figueiredo (Sintetizadores)

Jamie Glaser (Guitarra acústica)

Estevão Lima (Bajo)

Jr. Lobbo (Guitarra eléctrica)

Luana Mallet (Voz)

Carlos Malta (Flauta, flauta baja)

Kleyton Martins (Teclados)

Roman Miroshnichenko (Guitarra flamenca)

Elton Ricardo (Fender Rhodes)

Cristiano Rocha (Batería)

José Staneck (Armónica)

MatheusStarling (Guitarraeléctrica)

Cristiano Veneza (Violín, viola, violonchelo)

MateusViano (Acordeón)