Daymé Arocena - Cubafonía

Daymé Arocena. Cantante, compositora, directora. Con apenas 22 años, Daymé Arocena es una talentosa y carismática representación de la más novedosa música cubana. Su potente voz y su capacidad de asimilación de las más diversas corrientes musicales –en especial el jazz y la canción cubana–, unida a su devoción por la cultura afrocubana, la convierten en una de las más emocionantes jóvenes artistas de la escena contemporánea de Cuba. Al comienzo de sus estudios académicos en la música, probó fortuna con diversos instrumentos como el piano, el violín y la guitarra, hasta que se decantó por la dirección coral, al comprender que su voz era su mejor instrumento. Desde muy temprana edad se sumó a diversas agrupaciones infantiles, y en 2010 se unió al quinteto de jazz fusión Sursum Corda, con el que participó en giras por Noruega y Nicaragua. Tras la experiencia de formar parte de una big band dirigida por el maestro Joaquín Betancourt, decidió crear Alami, una banda integrada solo por mujeres. En el 2013, tras participar con Alami en el festival Jazz Plaza, fue invitada por la saxofonista canadiense Jane Bunnett a sumarse a su proyecto Maqueque (en el que continúa colaborando), con el que grabó el disco de igual nombre que obtuvo el premio Juno 2015 en la categoría de mejor álbum de jazz. Su trabajo llamó la atención de los organizadores de Havana Cultura, una plataforma para la promoción de la cultura contemporánea de Cuba, quienes la invitaron a formar parte de Havana Cultura Mix, que tuvo como resultado “Havana Cultura Mix- The Soundclash!”, un disco producido por el disc jockey Gilles Peterson, en el que convocó a Djs de todo el mundo para trabajar junto a músicos cubanos. Como resultado Daymé cantó en tres temas, incluido el exitoso “U Knew Before”.

Tras su participación en Havana Cultura Mix, Gilles Peterson decidió sumarla al catálogo de su sello Brownswood Recordings, donde debutó a comienzos del año 2015 con un EP titulado “The Havana Cultura Sessions”, material al que siguió su primer álbum en solitario, “Nueva Era”, que ha acaparado la atención del público y la crítica especializada de Europa y Estados Unidos.Ha colaborado con artistas tan diversos y reconocidos como los jazzistas Roberto Fonseca y Yasek Manzano, el rapero Kumar, y el Dj ruso Raumskaya, con quien grabara el mencionado “U Knew Before”.Se ha presentado en destacados escenarios internacionales como el Festival Jazz Na Fabrica, en Brasil; el Festival Les Voix Humaines, de Cuba; las salas Duc des Lombards y St. Pancras Old Church, de Francia y Londres; respectivamente, así como el Worldwide Festival; el Peter Barakan Live’s Magic Show; y el London Jazz Festival, en Barbican Centre, todos estos en la capital inglesa.A finales del 2015 su debut “Nueva Era” fue señalado por la National Public Radio de Estados Unidos (NPR) como uno de los mejores 50 álbumes del año 2015, al ser un disco lleno de materiales que redefinen el estereotipo de lo que es la música cubana y la ubican como una de las representantes de la vanguardia musical del país._ (daymearocena)

Con Cuba preparada para estar más conectada con el resto del mundo, el orgullo del pueblo cubano por una herencia musical única nunca se ha sentido más vital. De ese linaje, Daymé Arocena ha vuelto a entregar un ambicioso segundo jugador largo; Arraigando sus composiciones en los ritmos clásicos de Cuba, Daymé abarca la rica y diversa composición musical de su hogar mientras mira también hacia afuera, al mundo que ha pasado los últimos dos años viajando. Es su proyecto más pulido y realizado desde que conoció a su mentor (y director de la discográfica), Gilles Peterson, en 2012. Beneficiándose de la visión expansiva de Gilles como DJ, locutora y promotora, Daymé ha sido nutrida hasta este punto por Havana Cultura. proyecto - una plataforma para la creatividad cubana contemporánea impulsada por el ron Havana Club. Primero, estuvo el álbum Havana Cultura Mix de 2014, que la introdujo a trabajar con productores electrónicos por primera vez. Luego acompañó a Gilles en su viaje a través de la cultura rumba para el proyecto expansivo Havana Club Rumba Sessions, que produjo un largometraje documental junto con un álbum, usando su voz distintiva, de reinvención de rumba y paquete de muestras. Como solista, lanzó su álbum debut Nueva Era con elogios de la crítica y el público en 2015, con un EP de versiones, titulado One Takes, lanzado a principios de 2016. La recepción a su música ha provocado un torbellino de oportunidades: compartió un improvisado momento en vivo con Roy Ayers y la superestrella brasileña Ed Motta para dejar el Festival Mundial llorando de alegría, saltó al escenario con Miguel Atwood-Ferguson en su triunfante Suite for Ma Dukes en el Barbican, y tocó el timbre de apertura de la Bolsa de Nueva York con una delegación de Women of the World. Ha tocado en programas desde Los Ángeles hasta Tokio, encantando al público con su fascinante rango vocal y su sentido del humor terrenal. Ella nombra a Kendrick Lamar y Anderson Paak como artistas con los que le encantaría trabajar.

A pesar de todo eso, sin embargo, Daymé no distrae de un profundo sentido de seriedad sobre su forma de arte; nacida de una cultura musical única, se esfuerza por forjar un lenguaje musical cohesivo a partir de los distintos dialectos musicales de Cuba. Al crecer en una casa de dos camas con otras 21 personas, todas las superficies disponibles estaban desgastadas por los ritmos de rumba que se habían tocado en ellos. Es una infancia típica de un país donde los niños crecen expuestos fácilmente a los numerosos y particulares ritmos de la isla. Esa educación inmersiva forma el punto de partida del disco. Al ingresar a uno de los prestigiosos conservatorios clásicos financiados por el estado de La Habana a la edad de 9 años, esa rigurosa formación clásica ha informado una visión interconectada de la música cubana, donde la inspiración proviene de los diferentes ritmos y estilos de la isla caribeña, desde el rápido changüí de Guantánamo hasta el ubicuo guaguancó. y ballada al estilo de los 70. Cantada principalmente en español, Daymé pasa al inglés (e incluso prueba un poco de francés) cuando le apetece. Producida junto con el artista de Soundway Dexter Story, con arreglos de cuerdas de Miguel Atwood-Ferguson, esta es música heredada de los ciudadanos del mundo de hoy en día. Al entrevistar a Daymé en la presentación de Sound of Cuba en SXSW el año pasado, NPR escribió: “Es difícil imaginar una mejor voz para abrir las puertas de su país”, y parece que esta afirmación es cierta. Ambiciosa, trabajadora y hambrienta de intercambio cultural que no comprometa el sabor único de su país de origen del que está tan orgullosa, parece que 2017 podría ser un año monumental para Daymé. Posee un sentido claro de las influencias entremezcladas de su música: "No tenemos esta cultura nativa", explica. “No tenemos indígenas, como mayas o quechuas. Hicieron un país con gente de todas partes, eso es lo que hace que la cultura cubana sea tan diferente ".._ (bandcamp) 

            

Daymé Arocena - Cubafonía (2017)

Temas:

01. Eleggua 

02. La Rumba Me Llamo Yo 

03. Lo Que Fue 

04. Maybe Tomorrow  

05. Negra Caridad 

06. Mambo Na’ M à 

07. Cómo 

08. Todo Por Amor 

09. Ángel 

10. It’s Not Gonna Be Forever 

11. Valentine 

12. Yambu Improvisado (Bonus Track para Japón)

Musicos:

Dayme Arocena (Voz principal)

Jorge Luis Lagarza (Piano I, 2, 3, 4, 5, 6, 7,9, 10, 11)

Gostón Joya (Contrabajo 1, 2, 5, 8, 9, 12 / Bajo eléctrico 7 / Marímbula 11)

Rafael Aldoma (Bajo eléctrico 3, 4, 6, 10)

Ruly Herrero (Batería 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 9, 10 / güira 11

Yoroldy Abreu (Percusión 1, 2, 3, 4, 5,6, 7, 8, 9, 10, 11) 

Yosvany Díaz (Percusión 2)

Mayquel González (Trompeta 1, 2, 3, 5, 6, 10, 11)

Emir Santacruz - (Saxo tenor 1, 2, 3, 5, 6, 7, 10, 11 / clarinete 11)

Yuniel Lombida (Saxo borítono 1, 2, 3, 5, 6, 10)

Heikel Trimiño (Trombón 1, 2, 3, 5, 6, 7, 10)

Robar Luis Gómez (Guitarra 4, 5, 7, 8)

Lino Lores (Tres guitarra 11)

Miguel Atwood Ferguson (Cuerdas 4, 7)

Bárbara Llanes (Voz 1)

Dreyser Durruti (Voz 1)

Dexter Story (Instrumentación adicional 4 / coros 7, 10)

Ernesto Lastres, Daniela Barreto, Jorge Luis Lagarza, Mayquel González, Loreta Zerquera (Coros)

Julio Podron (Voz 11 grabados en el estudio Ballari)

Joel Bulnes, Barbaro Y, Crespo 'Machilo', Ramon Tamayo, Yovani Diaz, Lucumi (Percusión 12)

Producida por Dexter Story, Coproducida por Doymé Arocena

Productor ejecutivo Gilles Peteson

Todas las canciones, compuesta por Daymé Arocena

"Fuego En El 23" Conjunto Chappottín y sus Estrellas En Vivo... 2006?

 

"Fuego En El 23" Conjunto Chappottín y sus Estrellas En Vivo... 2006?

El Conjunto Chappottin y sus Estrenas fue fundado en 1950 por el afro-cabano tres-­guitarrista, compositor y director Arsenio Rodriguez, conocido como "El Ciego Maravilloso", razón por la cual se mudaria a New York para recobrar la visión. Fue en ese entonces cuando decidióo que sus tareas con su "All Stars", debieron ser transferidas a su primer trompeta Félix Chappottinn. Desde ese momento la original Arsenio Rodriguez AII Stars Band fue transformada en el "Conjunto Chlppottln y sus Estrellas". El grupo fue liderado por Fellx Chappottin junto con Luis "Pili" Martinez Gruñan, como arreglista y Miguelito Cuni como voz lider. Bajo la coordinación de Ia trompeta de Félix Chappottin, que solo puede ser comparada con Louis Amstrong, la banda logro fama internaclonal, haciendo glras y amenizando a bailadores en diferentes lugares del mundo. 

Dave Bass - No Boundaries

 David Ira Bass (nacido el 21 de junio de 1950) es un pianista, compositor, arreglista y letrista de

jazz estadounidense que ha lanzado tres álbumes: Gone (2010), NYC Sessions (2015) y No Bo limits (2019). Debido a una lesión en la muñeca a mediados de la década de 1980, Bass dejó la música para convertirse en abogado. En enero de 2015, se retiró de su cargo de Fiscal General Adjunto de la Fiscalía General del Estado de California para dedicarse a la música. Bass creció en Cincinnati, Ohio, y comenzó a estudiar piano a los siete años. Fue aceptado en el Berklee College of Music de Boston, pero se retiró después de unos meses para seguir un camino musical menos formal y más aventurero que incluía estudiar composición con George Russell, quien había comenzado a enseñar su Concepto cromático lidio de organización tonal en el Conservatorio de Música y piano de Nueva Inglaterra con Madame Margaret Chaloff. En 1974 comenzó a realizar giras internacionales con la cantante Brenda Lee. Actuó con Lee hasta 1975, después de lo cual se mudó a San Francisco. Mientras estaba en San Francisco, Bass actuó con el joven Bobby McFerrin y con el vocalista Jackie Ryan, el baterista / percusionista Babatunde Lea y otros en varios lugares del Área de la Bahía, incluido el Keystone Korner. Ryan se unió a la banda de Bass "Ad Infinitum", que también contó con Babatunde Lea, quien tenía un concierto constante los miércoles por la noche en un lugar del Distrito de la Misión, Bajones, con un gran conjunto de salsa jazz con quien Bass tocaba el piano y escribía arreglos. Bass también tuvo un concierto en solitario constante en el Trident en Sausalito. Finalmente, Bass se mudó a Maui para trabajar con Ryan, permaneciendo allí desde 1981 hasta 1984. 

Durante ese tiempo, Bass también se desempeñó como Director de Entretenimiento para el Royal Lahaina Resort, donde actuó con su grupo de jazz latino, su trío de jazz y como un pianista solista. En 1984, Bass se mudó al sur de California, donde planeaba continuar su carrera como pianista y compositor, pero una noche, de camino al Centro de Artes Escénicas del Condado de Orange, donde estaba a punto de actuar, resbaló en una piscina. de aceite y se fracturó la muñeca en un intento por frenar la caída. A Bass le dijeron que no había garantía de que, una vez que su muñeca hubiera sanado, pudiera volver a jugar. Con una familia que mantener, decidió matricularse en la universidad de la Universidad de California en Irvine, obteniendo su B.A. en ecología social y se graduó summa cum laude y Phi Beta Kappa en 1989. Luego asistió a la Facultad de Derecho de UCLA, donde fue editor de UCLA Law Review, trabajó en la oficina legislativa de Sacramento de la American Civil Liberties Union y , en 1991, se desempeñó como externo legal del Honorable David S. Levi, Juez del Tribunal de Distrito de los Estados Unidos para el Distrito Este de California. Bass obtuvo su título de abogado en 1992 en la Facultad de Derecho de UCLA. Inmediatamente después de terminar sus estudios de derecho, Bass se unió al bufete de abogados internacional Pillsbury Madison & Sutro, donde ejerció el litigio general durante cuatro años. En 1996, Bass se unió a la Oficina del Fiscal General de California. En la oficina del Fiscal General, Bass comenzó en la Sección de Empleo, Administración y Regulación, y finalmente pasó a la Sección de Cumplimiento de los Derechos Civiles... (wikipedia)

En 2015, Dave Bass se retiró de la Procuraduría General de California después de veinte años de servicio y regresó a su primer amor profesional: tocar el piano, una carrera que una lesión en la muñeca lo obligó a abandonar hace unos treinta años. Sin fronteras es el tercer lanzamiento, y el segundo de Whaling City Sound, en el regreso de Bass. "Mis dos primeros CD se grabaron mientras aún trabajaba como abogado, durante cualquier tiempo de vacaciones que pudiera acumular", explica.Bass parece decidido a demostrar el título de Sin límites abriéndolo y cerrándolo con melodías de dos de los pianistas más desafiantes de la música moderna. "En mi opinión, Lennie Tristano y Bud Powell están conectados, por eso comienzo y termino con sus composiciones", explica el pianista. "Solo el enfoque lineal en las cabezas muestra cómo pasaron mucho tiempo tocando repertorio clásico, luego siguieron su propio camino". La melodía de forma extraña de "Lennie's Pennies", que Bass ha estado tocando desde la década de 1970, ilumina las coloridas conexiones rítmicas y armónicas entre su piano, el bajo de Carlos Henriquez y la batería de Jerome Jennings. Y Bass arrastra el culo del piano a través de las "Alucinaciones" finales como una liebre con la cola en llamas, enredando y desenredando líneas complicadas y crepitantes como un rayo eléctrico.

Tres temas que cambian a Jennings por los percusionistas Carlos Caro, Mauricio Herrera y Miguel Valdés llevan No Bo limits al jazz latino, pero no es exagerado. "Los tres son de Cuba", dice Bass, "y su ritmo es tan fuerte que puedes tocar cualquier cosa encima de ellos". En "Siboney" y especialmente en "La Mulata Rumbera", Bass ilustra precisamente eso, conduciendo su piano a través de dos líneas activas diferentes simultáneamente, parpadeando y arrugando el registro superior mientras su mano izquierda pisa fuerte ritmo con furia flamenca, simplemente un gran piano de jazz latino.Bass sigue empujando las paredes (estilísticas) hacia abajo: una melancolía cinemática con el saxofonista Ted Nash titulada "Créditos finales de películas espías" porque "simplemente sonaba así"; canalizando al pianista de bop Elmo Hope a través del grueso y nudoso guiño de James Joyce "Agenbite of Inwit"; y un magnífico "If I Loved You" que muestra la impresionante voz de Karrin Allyson del cancionero de Rodgers / Hammerstein.El multiinstrumentista Nash contribuye con saxofones, clarinetes y flautas, y coprodujo No Bo limits with Bass. "Generalmente no produzco discos de otras personas, pero realmente creo que Dave es un compositor evocador y creo en su visión", sugiere Nash. "Me encanta su pasión. Tiene el entusiasmo de un estudiante universitario, además de madurez, y escucha sonidos muy personales"._Chris M. Slawecki (allaboutjazz)

Dave Bass - No Boundaries (2019)

Temas:

01. Lonnie's Pennies 

02. Spy Movie End Credits 

03. Agenbite Of Inwit  

04. If I Loved You 

05. La Mulata Rumbera 

06. Tango Adagio 

07. Time Of My Life 

08. Siboney 

09. Neither Have I Wings 

10. Danzon #1 

11. Swing Theory 

12. In The Rain 

13. Hallucinations

Musicos:

Dave Bass - piano 

Ted Nash - flauta, flauta alto, clarinete, clarinete bajo, saxo soprano, saxo alto, saxo tenor (todas las pistas excepto 13) 

Karrin Allyson - voz (pistas 4, 7) 

Carlos Henriquez - bajo 

Jerome Jennings - batería ( todas las pistas excepto 5, 8, 10) 

Carlos Caro - guiro, bongos, bell (pistas 2, 4, 5, 8, 10) 

Miguel Valdés - bata, conga (pistas 5, 8, 10) 

Mauricio Hernandez - timbales, maracas ( pistas 4, 5, 8, 10)

Terry Gibbs & Buddy DeFranco - Play Steve Allen

                       

Una cosa en la que coinciden los amantes de la música de todas las edades y disposiciones culturales es la naturaleza inesperada pero emocionante del interés por la música de big band y swing por parte de los jóvenes compradores de discos de hoy en día. El grupo Terry Gibbs/Buddy DeFranco está perfectamente situado para aprovechar la actual ola de aceptación del swing y el jazz tradicionales para aumentar su popularidad. Con el fuerte apoyo rítmico de Tom Ranier (piano), Dave Carpenter (bajo) y Gerry Gibbs (batería), este grupo, conocido como "El Rey del Swing", ha creado un paquete que seguramente será no sólo apreciado sino también apreciado. Aunque hay la misma instrumentación en las 13 canciones, cada una tiene un enfoque rítmico y estilístico único. Otra ventaja es que el compositor de todos los números es Steve Allen, cuyo estilo de escritura se caracteriza por una carpa siempre melódica. Los principales artistas de jazz de Estados Unidos, por supuesto, han reconocido esta cualidad en la escritura de Allen desde finales de la década de 1940, cuando Nat King Cole grabó dos melodías de Allen, la ya clásica "lmpossible" y la conmovedora balada novelesca "An Old Piano Plays the Blues". "No es de extrañar, por tanto, que en los últimos años las canciones de Allen hayan sido grabadas por Mel Tormé, Joe Williams, Mark Murphy, Coleman Hawkins, Jack Sheldon, Ella Fitzgerald, Louis Armstrong, Aretha Franklin y docenas de otras luminarias del jazz.

Buddy DeFranco, el primer clarinetista de jazz que tocó en el lenguaje moderno de los grandes, Charlie Parker y Dizzy Gillespie, tiene la distinción de haber ganado veinte premios de la revista Down Beat, nueve premios de la revista Metronome y dieciséis premios Playboy AII Stars como clarinetista de jazz número uno del mundo. A lo largo del camino, ha dado ejemplo de brillantez técnica, virtuosismo en la improvisación y calidez creativa. Buddy fue nombrado director de la orquesta de Glenn Miller de 1966 a 1974. Desde entonces, ha reanudado su carrera en el mundo del jazz y los clinics.

Tom Ranier es un músico asombrosamente consumado -compositor, arreglista, clarinetista y saxofonista-, pero aunque no fuera tan versátil es quizás más importante que sea nada menos que uno de los mejores pianistas del sector.Aunque ha absorbido influencias estilísticas como las de Osear Peterson y Bill Evans,tiene su propio estilo discernible. Debido a su gran inteligencia, también parece que no sólo ha tocado en los temas de esta colección,sino que ha pensado en ellos. En "Sleepy Old Moon", por ejemplo, consigue sonar, al piano, como la antigua sección rítmica de Basie y, en un pasaje en solitario, establece un estilo de teclado de los años 40 bastante adecuado.

Gerry Gibbs, hijo del afamado Terry, es un baterista completamente profesional que ha dominado obviamente todos los elementos básicos de su oficio, de modo que es igualmente eficaz tanto si toca con bandas completas como con grupos más pequeños. El bajista Dave Carpenter, de Dayton (Ohio), ha tenido una larga relación con Buddy Rich, May nard Ferguson y Woody Herman. En el sur de California, Carpenter se ha convertido en un músico muy solicitado. También trabaja en el campo del pop con Liza Minnelli,Al Jarreau, Celine Dion, Ringo Starr y Barry Manilow. El jazz empezó a tener swing en 1932, cuando Duke Ellington grabó su composición "lt Don't Mean a Thing lf lt Ain't Got That Swing". La Era del Swing, apogeo de las grandes bandas, se mantuvo en escena durante casi 30 años, hasta que el rock 'n' roll la hizo retroceder. Ahora, el swing está regresando a lo grande, y los mejores instrumentistas de su música se encuentran con que el público vuelve a una música que se tomó unas largas vacaciones, pero que nunca dejó de hacer swing. El legendario intérprete de vibráfono Terry Gibbs, veterano de las grandes bandas de Tommy Dorsey, Benny Goodman y Woody Herman, es un gigante de la música que siempre toca con tremenda vitalidad y ritmo natural. Este manojo de energía parece estar en perpetuo movimiento mientras viaja por el mundo, tocando en festivales de jazz, cruceros, conciertos y clubes nocturnos. Terry fue el director musical de la popular serie de televisión de Steve Allen, con quien mantiene una relación de más de 40 años._Darryl W Tanikawa, 1999

Terry Gibbs & Buddy DeFranco - Play Steve Allen (1999)

Temas:

01. I Used To Think That I Was Crazy

02. Sleepy Old Moon

03. Until I Left Chicago (I Never Had The Blues)

04. Mister Moon

05. Lazy Days

06. Playing The Field

07. Alabama Baby

08. One Little Thing

09. South Dakota

10. Easy For You

11. Clarinet Lick

12. Nights In Madrid

13. In The Mornin' When The Sun Comes Up

Musicos:

Terry Gibbs (Vibráfono)

Buddy DeFranco (Clarinete)

Tom Ranier (Piano)

Dave Carpenter (Bajo)

Gerry Gibbs (Batería)

Juan De Marcos, Afro-Cuban All Stars (Sala Apolo - Barcelona-Spain) (2019)

Juan De Marcos, Afro-Cuban All Stars (Sala Apolo - Barcelona-Spain) 27-10-2019

Juan de Marcos González es el hombre que en 1996, instigado por Nick Gold y Ry Cooder, consiguió reunir a Ibrahim Ferrer, Omara Portuondo y Pío Leiva, entre otras estrellas olvidadas de la edad de oro de la música cubana, para la emocionante Buena Vista Social Club. Reconocido para siempre como el arquitecto de aquel proyecto irrepetible, el antiguo líder de Sierra Maestra (un septeto

tradicional que, desde 1976 y durante 14 discos, se dedicó en cuerpo y alma a divulgar el son cubano) vuelve al festival como maestro de ceremonias de Afro-Cuban Allstars, una orquesta de 14 músicos capaz de impartir auténticas lecciones de música cubana. Aclamada por la revista Downbeat por sus años continuados de excelencia, la formación reverencia viejas figuras como Rubén González y Arsenio Rodríguez (músico con el que el padre de Juan de Marcos estuvo muchos años tocando), conjuga estilos clásicos cubanos como el son y el danzón con ritmos contemporáneos como la timba, y nos recuerda, por encima de todo, que Cuba sigue siendo una fuente inagotable de talento y placer melómano.

Fernando Ferrer 'El Jibaro' - Escúchame Bien

Fernando Ferrer "El Jibaro" Cantante cubano que radica en Brasil, San Paulo, difundiendo música cubana en el país más grande de América Latina y con más riqueza musical propia, además de ser un país en gran desarrollo.                                                                                   

Hijo de una familia humilde, sencilla y trabajadora en el poblado La Pimienta (Santiago de Cuba). Pasó los primeros años de su infancia, trasladándose luego al poblado Sevilla en la Carretera de Baconao y asi mas adelante a la Habana, donde inicio sus estudios en el arte.

Cantante Cubano, nacido en 1962 en La ciudad de Santiago de Cuba. Graduado en Canto por la Escuela Superior Ignacio Cervantes, inicio su carrera musical en 1982.

En Cuba, participo de los grupos “Ayer y Hoy”, “Los Chuqui”, “Los Latinos” y “Son Del Caribe”. Como solista, participo del Cabaret Salón Rojo del Hotel Capri durante cinco años. Conquisto el primer lugar en el Concurso Nacional de Televisión “Mi Salsa, Buscando el Sonero”. Posteriormente, participo de los grupos “Raison”, “Cubanismo “y “Afro Cuban All Stars”, grabando discos y haciendo giras en varios países, inclusive Brasil en los años de 1996 y 2001.

Ferrer ya se presento varias veces en Estados Unidos, Canadá, México, Inglaterra, España, toda Europa, Oriente Medio, Asia, Islas del Mediterráneo, destacándose en los Festivales de Jazz de Vancouver, Montreal, Suiza, North Sea Jazz de Holanda, Frankfurt Alemania, Beirut/Líbano, así como en Clubes en Hamburgo, Estocolmo, Paris, Croacia e Italia. Se presento también con el pianista Mac Coy Tiner en diferentes Festivales, además de realizar presentaciones junto al creador del proyecto Buena Vista Social Club, Juan de Marcos. Hizo participaciones con el cantante Venezolano Oscar de León. Ferrer sigue la tradición de calidad de la música Cubana. Hoy residiendo en Brasil y con su propio grupo, además de viajar por todo el país en giras, Ferrer en São Paulo actualmente se presenta en varios clubes nocturnos y festivales._ (ecured)

Fernando Ferrer "El Jibaro" - Escúchame Bien (2004)

Temas:

01. Los Pollitos de Mi Barrio 

02. José Julián 

03. Enamorado del Amor 

04. El Caprichito/No Me Ignores 

05. Joven Mujer 

06. Guaguancó en el Solar 

07. Tiene Sangre Africana 

08. Testamento 

09. Escúchame Bien 

10. Changui Sofocao

Información cedida por Osvaldo M.

Pepe Leon - Borriquito With Pepe Leon

El guitarrista / arreglista / director de orquesta alemán Heinz Schultze toca su versión de la canción popular mexicana La Bamba, grabada para Polydor bajo el seudónimo de Pepe Leon. Schultze fue un antiguo colega de James Last, tocando junto a él en la NDR Orchestra y en la formación inicial de la propia orquesta de Last. Schultze también arregló para Alfred Hause, e hizo muchas de sus propias grabaciones orquestales con seudónimos como Pepe Leon y Henry Schultez.

"Quería hacer un disco", explicó Pepe León (el énfasis en León está en la segunda sílaba), "que es bueno para bailar. Los temas deben arreglarse y tocarse con tanta habilidad que también sea divertido. sólo escucha. " Lo consiguió de forma brillante. Este disco de larga duración no solo muestra su preferencia por las melodías latinoamericanas, también muestra de manera muy impresionante que Pepe León sabe capturar el ritmo apasionante, la espontaneidad y la serenidad de estas canciones. También superó brillantemente la prueba autoimpuesta cuando reinterpretó títulos conocidos como "La Bamba" y "Gentle On My Mind". El secreto está en un arreglo interesante, una orquesta homogénea, internacional y un excelente guitarrista. La guitarra, instrumento determinante de estas grabaciones, la toca el propio Pepe León.

La conocida "Love Story" con guitarra a tres partes, "Spanish Harlem" en color español, "Caravan" con truco de guitarra y un efecto estéreo asombroso, y en "Borriquito" la guitarra se hace cargo de la parte vocal. Después de este título, a más tardar, queda claro por qué el guitarrista Pepe León pudo celebrar éxitos triunfantes en Japón y por qué se ubicó entre los mejores guitarristas en la encuesta de jazz. Cómo en general no se puede escuchar su amor secreto por el jazz: un bonito matiz más. Alf Haus se hizo cargo de la producción de este LP. Ciertamente, "Borriquito" es un disco de baile conmovedor, pero no debes perderte el placer de escucharlo.

Pepe Leon - Borriquito With Pepe Leon (1970s)

Musica:
01. Borriquito (Peret)
02. La Bamba (Trad, arr. by Heinz Schultze) 
03. Love Story (Francis Lai) 
04. Pepe Novo (Alfred Hause, Ricci Ferra) 
05. Danny Boy (Irish Trad, arr. by Heinz Schultze) 
06. Ché Sara (Jimmy Fontana/Carlo Pes) 
07. Scarborough Fair (Trad, arr. by Heinz Schultze) 
08. Samba From "Orfeo Negro" (Luiz Bonfá) 
09. Spanish Harlem (Jerry Leiber, Phil Spector) 
10. Gentle On My Mind (John Hartford) 
11. By The Time I Get To Phoenix (Jimmy Webb) 

12. Caravan (Duke Ellington) 

Zenda - Salpícame

Por allá por el año 1919, los integrantes del “Cuarteto Oriental" acordaron convertirse en sexteto, buscando un sonido más completo y eficiente para los varios géneros que interpretaban, sobre todo del son, que venía abriéndose camino a pesar de incomprensiones y agresiones. Así se formó el legendario "Sexteto Habanero", que impuso un formato que se convertiría en moda. La necesidad de redondear un sonido, hizo que aumentara a septeto; en ese tipo de agrupación muchos músicos, a través, hallaron una manera de expresarse que se mantiene vigente hasta nuestros días, sobre todo, a partir de la llamada "World Music" y la moda retro, que ha impulsado la sonoridad de los instrumentos naturales, donde el accionar de este tipo de formato, encuentra cómoda acogida. Quizás por eso, llega el momento en que el sonido de los septetos se universaliza de tal forma, que resulta difícil encontrar un resultado innovador dotado, al mismo tiempo, del timbre propio de las agrupaciones con ese formato. Creo que en esa química tan difícil de obtener, radica la fuerza de Zenda.
Conformado en 1995, Zenda acusa una serie de buenas influencias que le dan una proyección artística de fuerte personalidad, que lo diferencia de otros grupos de su mismo formato. En primer lugar hay que destacar el repertorio, nutrido en buena medida por obras de su director Camilo de la Peña, piezas musicales de originalidad y calidad, que tienen la virtud de mantener un timbre natural con elementos de actualidad, tanto armónicos, como tímbricos. El trabajo vocal es otro de los detalles que llaman la atención, pues Zenda utiliza las voces más allá de la forma tradicional de los septetos, para realizar un trabajo armónico más acorde con lo que podríamos llamar el quehacer vocal de los grupos de la Nueva Trova, logrando así otro toque que redunda en el mérito de una imagen propia.
En este disco se agrupa una sección de piezas capaces de demostrar la personalidad musical de Zenda, su trabajo con otros ritmos del área, su acople y versatilidad, que hacen de este grupo un distinguido exponente de la prestigiosa tradición musical de Holguín. Aquí Zenda demuestra así mismo su proyección para un mercado internacional capaz de apreciar esa lograda mezcla de un sonido moderno y pegado a la tradición. Entregamos estas canciones de excelente factura e interpretación, convencidos de que su eficacia se verifica no sólo en el acto de la escucha privada y nostálgica, sino cuando Zenda ocupa el escenario y la jovialidad de su música contagia a los bailadores exigentes._ Yony Pinelli





Zenda - Salpícame (2003)

Temas:
01. Una Palmadita (Camilo de la Peña)
02. Por Un Besito En Tu Boca (Camilo de la Peña)
03. La Sazòn De Marita (Luis Torres)
04. Velas Al Viento (Ramiro Gutiérrez)
05. Don Josè (Camilo de la Peña)
06. Salpìcame De Cariño (Freises Concepción)
07. Sobran Razones (Pedro Suarez)
08. Sueños (Camilo de la Peña)
09. Què Pena Me Da Tu Caso (Camilo de la Peña)
10. Recaìda (Camilo de la Peña)

Musicos:
Camilo de la Peña (Director, voz y tres)
Katia Obregón (Voz y percusión menor)
Oner Ricardo (Voz y percusión menor)
Eric García (Percusión y coros)
Luis Torres (Guitarra y coros)
Juan Pascual (Contrabajo)
Frank Vincench (Trompeta)

Leonel O. Zúñiga & Havana Street Band - Latimbeando

Nacido en La Habana, Leonel O Zúñiga, saxofonista, flautista y compositor,  inicia su andadura musical con la guitarra. El primer grupo que forma, a la edad de 12 años, fue "Onda Chá" con formación de charanga interpretando temas de la música cubana en boga en ese momento. Inicia su formación académica en la prestigiosa escuela Amadeo Roldán de La Habana pero se traslada a la Ignacio Cervantes, donde además de sus estudios de guitarra, empieza a estudiar la flauta, bajo la tutela del prestigioso Alfredo Portela. 
Posteriormente se interesa por el cello, y más adelante también por el saxofón. Simultanea sus estudios con sus colaboraciones en diferentes orquestas entre las que destaca "Iresón", "Roberto Faz" y "El Muso y su orquesta", con los que realiza diferentes giras, tanto en Cuba como en el extranjero. Hace algunos años se trasladó a España, donde forma su propio grupo "Havana Street Band", con el que realiza diferentes giras, compartiendo escenario con algunos de los más prestigiosos grupos cubanos, como José Luis Cortés y "NG La Banda”...


Si de Goethe aprendimos que lo bueno a menudo estaría tan cerca, o por lo menos, más cerca de lo que pensaremos y que en búsqueda de la suerte no habría que ir muy lejos, el flautista, saxofonista, compositor y arreglista Leonel Oduardo Zúñiga nos revela lo contrario.
Para cosechar el resultado deseado en la grabación de su segundo disco, el habanero radicado desde 1997 en Barcelona, parece que tuvo que dejar muchos kilómetros atrás. Ir lejos, en su caso significaba volver a casa, reencontrarse en su ciudad natal con todo su ambiente y gente familiar. Ahí se encerró en los estudios de Pablo Milanés para dar a luz a estos ocho (y más!) temas. Deben haber sido unas sesiones chispeantes y creativas, como suelen ser entre los músicas de la isla (valga el cliché...!). Quienes acostumbrados a las necesidades formales logran - con tanta disciplina como swing, aquella energía tan cubana - grabar en poco tiempo un disco como este.
El master mind del proyecto, leader de Havana Street Band, unió un personal musical bien seleccionado: instrumentista y cantantes dotados, como por ejemplo los pianistas Rolando Luna y Jorge Luis Pacheco que representan mayormente la jóven escena habanera de (latin) jazz y timba. Los dos géneros musicales no solo generan en su conjunto lúdico el titulo del álbum, sino también la esencia sonora y espiritual de las canciones.
Todos compuestos por por el mismo Zúñiga, menos "Romance", el único tema desacelerado, con aire bolerístico del matancero (hoy miamero) Jorge Luis Piloto y el bien timbero "Lo que te gusta" de Joaquín Betancourt. Para los que sigue y aman la música contemporánea cubana en su gran amplitud, no hay que decir mucho sobre este violinista, compositor y profesor que pasa mucho tiempo de su vida con trabajos orquestales.
Como co-arreglista y productor, junto a su amigo y colega barcelonés-habanero, ha dado forma a esta obra, nacida entre cubanos, pero también parido entre el Nuevo y el Viejo Mundo. Del último no tiene prácticamente nada, sus aires y estilísticas nos agarran a la misma Cuba: Bailamos "Cha Cha in the street', tomamos el rumbo rumbero del guaguancó para celebrar a la "Madre". El plato fuerte es sin duda la timba, aquella menos ''plástica" que la que suena en muchos rincones de la isla, más nutrida de la elegancia jazzista. Y muchos cocineros, en este caso tres diferentes cantantes, tampoco dañan necesariamente la comida. A Amaray de Manolito y su Trabuco se le encargaron tres canciones, entre ellas los energéticos "Te encontraré" y "Entre la luna Tú" que van a enganchar fácilmente a los bailadores.
También se le encarga al NG La Banda-man Toni Calá, en dos ocasiones. El que abre y cierra el dancefloor de ''Latimbeando" con una buena dosis de picardía, es Norisley "El Noro" Valladares, timbalero bien perfilado en experiencias con Pupy y Los Que Son Son. De algunas de las bandas mencionadas Leonel Oduardo Zúñiga ha elegido con buen feeling a los miembros de su excelente sección de metales que no debe faltar y que también sabe brillar en esta reunión. Una reunión artística y humana de familia en la que no faltan pequeñas citas musicales, !os guiños tac corrientes y queridos, por no decir imprescindibles en fa música popular cubana y en toda "Cubanía". Que la "llave que tiene el Cerro"*, barrio de origen de Zúñiga, sea un deportivo relevo por el mundo: La Habana - Barcelona, ida y vuelta._Katrin Wilke (Periodista Musical, Berlín)

*Se cita en el tema "Mi gente" la famosa frase "El Cerro tiene la llave" que históricamente viene del hecho de que en este barrio de la Habana, se encontró la entrada de agua a la ciudad y la cede del acueducto que existe hasta hoy.





Leonel O. Zúñiga & Havana Street Band - Latimbeando (2014)

Temas:
01. Opening Havana Street (DR)
02. Te encontraré (Leonel Oduardo Zúñiga)
03. Madre (Leonel Oduardo Zúñiga)
04. Romance (Jorge Luis Piloto)
05. Entre la luna y tú (Leonel Oduardo Zúñiga)
06. Cha cha in the street (Leonel Oduardo Zúñiga)
07. Lo que te gusta (Joaquín Betancourt)
08. Mi gente (Leonel Oduardo Zúñiga)

Musicos:
Leonel Oduardo Zúñiga: Flauta, saxo tenor, producción, arreglos
Jorge Luis Pacheco: Piano
Roberto Vázquez Ley "El Chino": Bajo
Adel González: Congas, percusión menor
Roysel Riverón: Batería
Elpidio Chapotín: Trompeta
José Luis Hernandez "Chewy": Saxo tenor
Yoandry Argudín: Trobón
Noro Valladares: Voz, coros
Tony Calá: Voz
Ricardo Fernandez (Amaray): Voz, coros
Elaine Pérez: Coros
Joaquín Betancourt: Arreglos, producción

Grabado en Estudios PM Records (La Habana)

Luna Manzanares - Luna Manzanares en Concierto

Luna Manzanares. Cantante cubana, dueña de un amplio registro vocal, ganadora de la primera mención de interpretación en categoría de menores del concurso JoJazz.
Estudió en el Conservatorio Amadeo Roldán Teórica y Canto Coral en nivel medio y elemental, respectivamente. El coro formó parte esencial en ambas carreras.
Luna Manzanares se inspira en las destacadas voces cubanas María Teresa Vera, Benny Moré, Omara Portuondo, Miguelito Valdés, el Trío Matamoros y se siente influenciada por Elena Burke, Pablo Milanés y Gema Corredera. En su repertorio mezcla el jazz, la trova, la música brasilera y norteamericana. La interpretación de temas clásicos de la cancionística cubana con arreglos contemporáneos marca también los rumbos musicales de esta joven artista.
Formó parte de la agrupación Schola Cantorum Coralina. Mientras estudiaba en el Conservatorio Amadeo Roldán en segundo año, gana la primera mención de interpretación en categoría de menores del concurso JoJazz. A partir de ese momento empezó a trabajar con Emir Santa Cruz y Michel Herrera cantando jazz y muy pronto fue entrando en el circuito de los jóvenes jazzistas del momento. Trabajó, además, con Rember Duarte, Abel Calderón, Ernesto Camilo Vega, Alejandro Vargas, etc. Se abrió también a colaborar con diferentes artistas, entre ellos Inti Santana, Haydée Milanés, cuya banda integró por bastante tiempo, Raúl Paz, Adrián Berazaín y Descemer Bueno.El detonante de su carrera como solista fue la grabación de la canción de la telenovela cubana Bajo el mismo sol, aunque ya venía presentándose esporádicamente en algunos espacios como invitada._ (ecured)

Primera mención del concurso Jo Jazz, en interpretación, categoría de menores.
Orden de las Artes y las Letras de Francia, en el grado de Caballero (2016).
Premio Cubadisco 2017, en la categoría de Espectáculo Musical en Vivo (2017).
Distinción por la Cultura Nacional de Cuba (2017).





Luna Manzanares - Luna Manzanares en Concierto (2017)

Temas:
01. Opening 
02. Tengo Que Partir  
03. Sólo Tú 
04. Habáname 
05. Mi Primer Amor 
06. El Bufón y el Trágico 
07. Canto a Ochún 
08. Si Te Cansaste de Mí 
09. Nada Mejor 
10. Habana 
11. En Tu Voz 
12. Adagio del Fauno 
13. Tanta Soledad 
14. Balancé
15. La Reina del Amor Música 
16. La Fantasía (Un Sueño Raro) 

Linda Leida - Linda Leida

Linda Leida nació en Las Villas, Cuba. Su destacado talento para el canto la llevó a hacer parte de la Sonora Matancera desde 1967. Trabajó junto a Willie Rosario en el álbum ‘Latin jazz go go go’ y como solista lanzó cinco álbumes: ‘Aquí está Linda’, ‘Eletricando Linda’, ‘¡Con sabor a montuno!’, ‘Linda Leida’ y ‘1982’.
Recordamos una “LINDA” voz cubana natural de las Villas, que lucio donde quiere que fue, paso por la Sonora Matancera, lo hizo con Willie Rosario, con el pianista Javier Vásquez, con Ramón “Monguto” Quian, y su Conjunto Canela y su inolvidable paso por la SAR ALL STARS invitada por su compatriota Roberto Torres, un trabajo que en Nueva York dejo huella, desafortunadamente partió hacia la eternidad el 24 de julio de 1986 en la ciudad de N:Y: USA.

La gran Sonera Cubana, es encontrada muerta un dia como hoy, 24 de Julio, pero del año1986, en la bañera de su hogar, La Ciudad, de New York, Estados Unidos, Muy Reconocida En el Ambiente Salsero, Por Su participación con la "Sonora Matancera", la orquesta de Willie Rosario, "Javier Vasquez y su Conjunto" y otras agrupaciones, Las hacen Merecedora de su gran Admiracion, En el Mundo musical Afroantillano,
Según reportó la policía, los vecinos del apartamento en donde vivía Leida, dijeron haber escuchado una pelea en la mañana de ese 24 de Julio, Su Verdadero Nombre Fue, LINDA LEYDA ALVARES, Quien nacio en Las Villas, En Cuba, en el año 1946.
Se caracterizó siempre por ser una cantante de buena voz. Natural, como siempre fue, Linda estudió en una escuela de canto en su tierra natal.
Se inició a muy temprana edad, a principios de los 1960. Cantó en la radio y con grupos escolares. Luego, grabó con el "Conjunto Antillano" en 1963. Recomiendo el tema "Que Pena Me Da Tu Caso". También grabó el tema "Queja Africana".
Su potente voz, la llevó a crecer muy rápido en el ambiente de la Salsa. Ese talento la llevó directo a la orquesta de Willie Rosario en 1964 donde participó un su primer disco de larga duración. Ese LP se tituló "Latin Jazz Go Go Go". Trabajó en los coros e interpretó el tema "Afro Cha", mientras Paquito De Jesús vocalizó el resto del álbum.
En 1967 a "La Decana de las Orquestas", la "Sonora Matancera", junto con la cantante colombiana Gladis Julio. Vocalizó los temas "Guantanamera", "Suenan Los Tambores" y "Afecto y Cariño" en el LP "La Guantanamera y La Niña de Guatemala" de la "Sonora Matancera". Prosiguió con ellos mismos realizando diferentes giras y presentaciones por todo Estados Unidos durante unos años.
Se lanzó como solista en el año 1977, grabando con el "Conjunto Canela" de Roberto Torres para el sello TR Records el LP "Aqui Esta Linda".
Luego lanzó en 1978 el LP "Electricando Linda" para TR Records y "¡Con Sabor A Montuno!" en 1979 para SAR Records.
Siguió con el LP "Linda Leida" también SAR Records en 1980 y otro con el mismo título en 1982. "Linda Leida y La Bahia, Javier Vazquez y su Conjunto" para Caiman Records en 1984, fue su último LP, dejando un legado efímero pero muy bueno y con mucha calidad.
Participó en una producción de éxitos junto con Lita Branda y La India de Oriente, titulada "Las Reinas del Son Montuno".
Será eternamente recordada por sus temas clásicos y continuos en ambiantes de rumba. Éxitos como: "Tumba", "Cabio Sile Yeyeo", "Oye Ya", "La Bahía", "La Alegría Del Montuno", "Hija De Algallu", "Ay Que Tiene Él" y muchos otros más, la tendrán latente siempre, en la memoria de todos los amantes de la buena música afroantillana.
                                                                                 

                                                                                   

Linda Leida - Linda Leida (1980)

Temas:
01. Cuco - Creche - Malo (Otilio Portal / Son Montuno)
02. Cabio Sile Yeyeo (E. Angulo / Son Montuno)
03. Tumba (D.R. / Son Montuno)
04. Jovenes Del Muelle (S, Peñalver / Guaguanco)
05. Caña De Azucar (D.R. / Son Montuno)  
06. Oye Ya (M. Matamoros / Son Montuno)

Musicos:
Linda Leida (Voz)
Alfredo Valdes (Piano, Arreglos)
Marino Solano (Bajo)
Charlie Rodriguez (Tres)
Alfredo "Chocolate" Armenteros (Trompeta)
Leonel Sánchez (Trompeta)
Juanito Mendez (Bongos)
Alberto Valdes (Congas)
Roberto Torres (Maracas, Güiro, Coros)
Fernando Lavoy (Coros)

Baila Mi Gente - Poncho Sanchez A Night at Kimball's East (2002)

Pablo Sánchez (Laredo, 30 de octubre de 1951), conocido artísticamente como Poncho Sánchez es un percusionista (conguero), cantante de salsa y líder de una destacada banda de latin jazz y música cubana. Se distingue su sonido jazzistico por la excelsa combinación de ritmos afrocubanos y el jazz, aparte de que usa una palabra muy singular en él, que lo distingue de los demás: ¡Vaya qué sabroso!
Hijo de mexicanos (su padre es de Jalisco y su madre de Nuevo León), es el menor de once hijos y quinto varón.? De formación autodidacta, es considerado como uno de los más grandes percusionistas de jazz latino o latin jazz. Creció en Norwalk, California iniciándose en la música desde niño tocando guitarra, flauta, batería y timbales. Posteriormente se interesó por el canto hasta descubrir su verdadera pasión, que son las congas.
Además de su obra en solitario, Sánchez ha interpretado con artistas y grupos como Cal Tjader, Mongo Santamaría, Hugh Masekela, Clare Fischer, Tower of Power, Terence Blanchard entre otros. 2000: Sánchez y su grupo ganaron el Grammy Award for Best Latin Jazz Album por su álbum Latin Soul...

"Baila Mi Gente" Poncho Sanchez A Night at Kimball's East (2002)

La presentación de este concierto presenta un animado jazz latino del octeto de Poncho Sánchez. Hay algunas contribuciones fuertes del trompetista Sal Cracchiolo, el trombonista Art Velasco y el saxofonista Gene Burkert junto con los percusionistas. La cantidad excesiva de voces grupales y el material a menudo rutinario (si es infeccioso) mantienen este conjunto fuera de lo esencial, pero los muchos fanáticos de Sánchez deberían disfrutarlo.

Músicos:
Congas, Percussion, Lead Vocals - Poncho Sanchez
Alto Saxophone, Tenor Saxophone, Flute - Gene Burkert 
Bass, Backing Vocals – Tony Banda 
Bongos, Percussion, Backing Vocals - José "Papo" Rodriguez* 
Piano - David Torres 
Timbales, Percussion - Ramon Banda 
Trombone, Backing Vocals - Art Velasco 
Trumpet, Flugelhorn - Sal Cracchiolo