Los Reyes 73 de Cuba eran un grupo de gran inventiva que mezclaba la música tradicional afrocubana con el psych rock explosivo, el funk y el jazz. Fue un sonido rompedor que introdujeron en su debut homónimo de 1975, que es el tema central de esta reedición de 2024 del sello Mr. El álbum mostraba la desmesurada musicalidad del grupo, que en aquella época contaba con un puñado de algunos de los mejores instrumentistas, cantantes e improvisadores de La Habana, entre ellos el fundador y batería Santiago Reyes, el director musical y bajista Andrés Esteves, el pianista Eddy de Atmas, el bongosero Alberto Hernández, el trompetista Ovidio Guerra, el trombonista José A. Hernández, el percusionista Héctor Mon, el saxofonista y flautista Mariano Tena y el cantante Manuel Morejón. El sonido de la banda, al igual que el de su contemporáneo Irakere, se basaba en una amplia gama de influencias, tocando ritmos de baile afrocubanos, funk y pop latino lírico, junto con jazz y una fuerte dosis de rock psicodélico. Producido por Raúl Gómez, que dirigió sus propios álbumes híbridos de música disco cubana y jazz orquestal, Los Reyes 73 reúne todas las influencias y talentos de la banda en un conjunto de canciones contagiosas y bailables.
La inicial «Grandes Amigos» recuerda el estilo guitarrero de Santana, mientras que cortes como «Ya Ves Te Quedaras» y «Si, Llego La Primavera» suenan como una versión cubana del soleado soul de Chicago y Blood, Sweat & Tears. Por lo demás, tenemos el afro-funk espaciado «Adeoey», el órgano a lo Doors «Finalizo un Amor» y el final «Baila Que Baila Mi Son», con sus ardientes líneas de viento. Parte del encanto de Los Reyes 73 reside en lo melódico y cancionero que es el álbum, que equilibra a la perfección los ganchos pop aptos para la radio con momentos de euforia instrumental prolongada de club de baile._Matt Collar (allmusic)
Puede que no ocurra desde la primera nota, pero pronto la música de Afroperuano empieza a evocar mágicamente el sonido del viento que corre por el aire enrarecido de los Andes peruanos. También es posible sentir el movimiento de las faldas y la alegría contagiosa de los bailarines mientras los dedos rápidos de Yuri Juárez se deslizan y vuelan por el mástil de su guitarra. Tintinean y chocan sobre las cuerdas compartiendo la pasión de la música con un grupo de excelentes artistas. Juárez es capaz de conjurar el aire de carnaval mientras baila por calles alegres. El misterio y la magia abundan en este bello homenaje a la magnífica mezcla de melodías y ritmos africanos y autóctonos que abunda en este disco.
Yuri Juárez tiene un estilo de tocar "vocal" único. Escupe y hace rodar sus notas como si empleara la lengua, los labios y la paleta, así como los dedos y los pulgares de ambas manos. El resultado es que su festejo y su huayno saltan y bullen con un brillo y un entusiasmo bañados por el sol. Su valse se desliza y hace piruetas con una gracia extraordinaria. La polca se balancea con loco abandono y el lando puede provocar un torrente de emociones cuando su armonía tiembla con una tristeza elemental, a veces.
"Cántelo Usted" y "Rosa Del Mar" son extraordinarios tanto por su adhesión a los ritmos clásicos como por su inclinación hacia la interpretación contemporánea de una forma de arte por lo demás antigua. Melódicamente están magníficamente interpretadas y con una dinámica y un fraseo que sólo podrían provenir de una imitación instrumental de una interpretación vocal imaginada románticamente. Se puede cantar un elogio similar de la interpretación de Juárez de la valse en una maravillosa balada, "Guisella", que hace honor a una posterior - "Insistiré" - compuesta por el legendario Carlos Hayre. Aquí Juárez brilla con especial fulgor al estar malhumorado y brillantemente solo, sin el acompañamiento del resto de los músicos mientras recorre la melodía laberíntica de la canción.
Nunca hay un momento aburrido en este disco que presenta otras formas folclóricas. El panalivio, que se titula "Acuariana", trasciende lo simplista con una inusual medida de atonalidad y una sorprendente referencia a la samba brasileña a medida que la música acelera el ritmo. El bello y popular "Mambo Influenciado" de Chucho Valdés está respetuosamente interpretado como una brillante y animada zamacueca y evoca la diversión de las fiestas costeras, sin dejar de recordar el "mambo". Y, por supuesto, "Carnaval de Arequipa" cierra el conjunto con Enderson Herencia tocando magníficamente la quena, la zampoña y el charango mientras el grupo hace una espectacular referencia al ritmo binario del huayno, el corazón de las bases de la danza andina en pentatónica.
Los músicos de esta sesión destacan en todos los departamentos. El batería, Hugo Alcázar, se caracteriza por su autoestima, pero está ocupado haciendo sonar las cajas y retumbando en los tom-toms. Sus brillantes salpicaduras de platillos son melódicamente potentes. Los distintos percusionistas dan en el clavo cada vez que acarician o golpean la piel. Su conexión es casi espiritual con el arte de retorcer la música de la quijada y de hacer que el cajón truene con éxtasis. El cuarteto de cuerda aporta una gracia de otro mundo a la música que interpretan e improvisan. Enderson Herencia parece estar omnipresente y siempre justo donde tiene que estar armónicamente para que Juárez se escape en sus expediciones en solitario. Y siempre es una alegría escuchar a Pilar de la Hoz interpretar las partes vocales de la música con Jorge Pardo y otros en el coro cuando se les pide.
Afroperuano es una prueba más de que la música de Perú está ocupando rápidamente un lugar destacado en la escena mundial y Yuri Juárez puede sentirse reconfortado por haber desempeñado su papel para llamar la atención allí donde importa._ Raul da Gama (latinjazzznet)
Temas: 01. Cántelo Usted 02. Astorpolka 03. Guisella 04. Una Noche Sin Ti 05. Arroz Con Concolón 06. Acuariana 07. Insistiré 08. Rosa Del Mar 09. Gracia 10. Festejeando 11. Mambo Influenciado 12. Carnaval De Arequipa
Puede que este álbum se haya hecho para subirse al carro de Buena Vista Social Club, pero es una de esas raras imitaciones que cobran vida propia. El cantante Luis Frank, la mente maestra detrás de él, es un joven vocalista con una gran voz y un amor por la música más antigua. Y aunque, en su mayor parte, no se trata de canciones antiguas, sino de otras nuevas vestidas con la ropa de su padre, están muy bien presentadas y tocadas, un viaje por la cultura del son, la guajira, el bolero y la trova. Además de Frank, que lleva la voz cantante en la mayoría de las canciones, el protagonismo recae en el veterano cantante Pío Leyva y en el virtuoso del tres Juan de Marcos. Pero otros tienen su momento en el son cubano: el pianista Guillermo "Rubalcaba" González da rienda suelta a una genialidad inventiva realmente asombrosa en "Oguere", por ejemplo. Y es una música que puede funcionar bien sin el respaldo de una banda completa; "Longina" es un precioso dúo entre Frank y de Marcos que funciona tanto por la interacción entre las voces como por la interpretación. En última instancia, sin embargo, se trata de las canciones, y, ya sean nuevas o viejas, funcionan. La gran mayoría de los oyentes no sabrán la diferencia entre algo escrito ayer y un clásico, y, en realidad, no importa. La presentación y el sentimiento parecen reales, y los músicos invierten todo con una autenticidad que muestra el amor y la familiaridad con los estilos y arreglos más antiguos, como la trompeta apagada de Daniel Alayo y la voz curtida y agrietada de Rudy Calzado en su bolero "La Más Bella Canción". Y terminar todo con más bravura de Gonzales es un golpe maestro, permitiendo que su individualidad brille de nuevo, y muestra que es un verdadero gigante del teclado. Pero es típico de un álbum que rompe todas las reglas de explotación para convertirse en una obra de arte por derecho propio._Chris Nickson (allmusic)
Borrowed Time, de Steve Khan, nominado al Grammy, es una especie de paradoja del jazz. A pesar de varios arreglos poco convencionales y largas improvisaciones, Borrowed Time es un álbum muy accesible. El sonido puede ser incluso demasiado suave a veces. Con una musicalidad fenomenal y canciones individualmente grandes, es difícil entender por qué un par de canciones son un poco insípidas. Podría ser una cuestión de comparación, ya que gran parte de este álbum es sublime.
"El Faquir" mezcla el ritmo latino e indio con el jazz en un compás extraño. Como explica Khan, "Cuando le envié a Ralph [Irizarry] la maqueta y hablamos de esto, creo que, al principio, pensó que estaba loco". Con 13 minutos, "El Faquir" es la pieza más larga e indulgente, y el número de músicos en el tema no hace sino aumentar su magnitud. A Jack DeJohnette se le unen nada menos que cinco percusionistas. Son los timbales de Irizarry, las congas de Roberto Quintero y las maracas venezolanas de Manolo Badrena. Alrededor de esta tripulación latina están la tabla de Badal Roy y la tamboura ambiental de Geeta Roy. Al hipnótico clarinete bajo de Bob Mintzer se suman algunos colaboradores de Khan de toda la vida, John Patitucci al piano vertical y los teclados de Rob Mounsey.
Al desglosarlo, las sesiones de grabación de Borrowed Time contaron realmente con unas cuantas bandas diferentes. La mayor parte del material cuenta con el trío de Khan, Patitucci y DeJohnette, al que se une la percusión. A veces Badrena solo, a veces Quintero e Irizarry. Hay un grupo con un sonido apto para la radio formado por el carnoso bajo eléctrico de RubŽn Rodr'guez y los teclados de Mounsey. En estas canciones, Marc Qui-ones y Bobby Allende ponen el ritmo y Khan intercambia solos con el flŸgelhorn de Randy Brecker.
Khan abre Borrowed Time con una versión de "I Mean You" de Thelonius Monk. No pasa mucho tiempo antes de que este número se adentre en territorio inexplorado y estos son los momentos en los que Borrowed Time es brillante. DeJohnette se entrelaza con la percusión mientras Khan y Patitucci juegan con su persecución armónica. Incluso cuando Khan se retira para dejar un hueco a DeJohnette e Irizarry, es una música emocionante.
Khan y la banda embellecen "Mr. And Mrs. People" de McCoy Tyner y crean una música que es infinitamente más atractiva que una versión de "Have You Met Miss Jones?" que es bastante fiel al arreglo de Tyner. "Blues For Ball", otro tema de Tyner, es una de las mejores piezas aquí, digna de mención ya que fue grabada con una banda más pequeña que proporciona un verdadero escaparate para el trasteo de Khan. Parece que hay un sutil homenaje a McCoy Tyner en este álbum.
Tras un largo lapso entre You Are Here, de 1998, y The Green Field, de 2005, el lanzamiento de Borrowed Time en 2007 y el posterior lanzamiento en directo en 2008 sugieren que Khan se dirige a otra fase productiva de una carrera ya prolífica. Esperemos que la nominación a los Grammy signifique para Khan que sus interpretaciones sueltas y su enfoque ecléctico funcionan realmente en el estudio._Michael Ferguson (jazzreview)
Temas: 01. I Mean You 02. Mr. And Mrs. People 03. Face Value 04. El Faquir 05. You're My Girl 06. Blues For Ball 07. Have You Met Miss Jones? 08. Luna Y Arena (Moon and Sand) 09. Hymn Song
Musicos:
Steve Khan (Guitarra #1-#2, #4-#6, #9, guitarras de cuerdas de acero ESP Strat y Martin MC-28 #3; guitarra de cuerdas de nylon Yamaha APX-10N #7, #8)
John Patitucci (Bajo #1, #2, #4-#6, #9)
Jack DeJohnette (Batería #1, #2, #4-#6, #9)
Manolo Badrena (Percusión y voz #2, #4-#6)
Ralph Irizarry (Timbal #1, #4, #9)
Roberto Quintero (Conga y percusión #1, #9, guiro y maracas #4)
Randy Brecker (Fliscorno #3, #7, #8)
Rob Mounsey (Teclados #3, #7)
Rubén Rodríguez (Baby bass #3, #8, bajo eléctrico de cinco cuerdas #7)
Marc Quiñones (Timbal, güiro y maracas #3, timbal, maracas y güiro #7, timbal conga, bongó, guiro y maracas #8, conga y percusión #9)
Bobby Allende (Conga y bongó #3, conga y maracas #7)
Bob Mintzer (Clarinete bajo #4; Badal Roy: tabla #4)
Blanca Rosa Gil (Perico, 26 de agosto de 1937) es una cantante cubana de boleros.
Siendo todavía pequeña se muda con su familia a la ciudad de La Habana, donde asistió a la escuela primaria.2 Junto a sus hermanas Rita y Mercedes empezaron a cantar en actividades escolares.
En 1955 su familia la envió a Caracas (capital de Venezuela) en compañía de una familia de clase alta que tenía intereses en el medio artístico. El productor venezolano Arístides Borrego la escuchó cantar en una fiesta privada ?Gil tenía 17 años de edad? y quedó encantado con su voz. La contrató para trabajar en un programa infantil llamado Humo y fantasía. Cantó regularmente en el Plaza Cabaret (en Caracas). En 1957, Gil grabó su primer éxito: «Sombras». En 1959, con 21 años de edad, fue «descubierta» en Caracas por el empresario cubano Gaspar Pumarejo, que la bautizó «La Muñequita que Canta» y la llevó de retorno a Cuba para cantar en el cabaré Ali Bar, en la ciudad de La Habana. Desde ese debut obtuvo resonancia nacional en la isla. Actuó para la radio y la televisión cubanas y se hizo famosa en los cabarés de la capital. Ese mismo año (1959) hizo una gira por Chile, Colombia y Venezuela.3 Se convirtió en la atracción de la revista Bim bam bum en el Teatro Ópera de Caracas. En su gira venezolana surgió un disco que registraría uno de sus mayores éxitos, «Me da risa». Al año siguiente (1960) ?cuando aún estaba en el programa del Ali Bar (de La Habana)? sus interpretaciones de «Sombras» y «Besos de fuego» serían los grandes éxitos discográficos del año.
Grabó discos de larga duración para las empresas discográficas Modiner, Panart y Maype. Como intérprete de boleros, hizo giras artísticas en Venezuela, México, Colombia y República Dominicana.
En 1961 grabó el álbum Blanca Rosa canta a Venezuela en el Blue Moon de Caracas, para la televisión venezolana. Se la llama «La Voz Femenina de la Radio», pero también es una estrella de televisión, que aparece sobre todo en el notable programa Los jueves de Partagás. El actor cubano Otto Sirgo (1918-1966) la bautizó jocosamente «La Cancionera de Bolsillo». Al finalizar el año 1961, su canción «Cristal» ?grabada en La Habana? estuvo primera en las listas de éxitos. En diciembre de 1961, Blanca Gil viajó en gira a la ciudad de México y ya no retornó a Cuba. En México grabó varios discos para la empresa discográfica mexicana Benson, en especial con las formaciones de Memo Salamanca y Sergio Pérez. En 1964 grabó Terciopelo, con Julio Gutiérrez.En 1966 grabó el bolero «Hambre», del mexicano Rosendo Montiel Álvarez. Ese año se mudó a Miami (Estados Unidos), donde vivió nueve años. Finalmente hacia 1975 Blanca Gil se radicó en la isla de Puerto Rico (Estados Unidos), donde fue contratada por el sello Velvet.
Hacia 1980 abrazó la fe cristiana, por lo que abandonó los escenarios. Durante más de una década cantó solamente en los templos evangélicos. Hacia 1991 volvió a grabar álbumes de música profana._wikipedia
Temas: 01. Cristal 02. Cuando Tú Te Has Ido 03. Quiero Hablar Contigo 04. Besos de Fuego 05. Una Tarde Cualquiera 06. Injusta Condena 07. Brindar o No Brindar - Recuérdame 08. Estoy Decepcionada 09. Acerca el Oído 10. Pecadora 11. No Me Vendo 12. Pero Vete Lejos Infame 13. Ya No Estás 14. Dolor en Tinieblas 15. Querer Sin Esperanza 16. Vuélveme a Querer
Manteca Blue And The Latin Corner es una agrupación de Cali, Colombia que recrea en su propuesta sonoridades que abarcan el latin jazz y el funk con la magia de la música afrocaribeña, con una marcada influencia en los sonidos étnicos colombianos y africanos. Los músicos en su puesta en escena logran un sonido envolvente a través de composiciones que dan vida propia a múltiples historias que enlazan raíces culturales y al mismo tiempo resaltan la cadencia latina como eje transversal de esta apuesta en tiempo de jazz con cálidas notas que combinan lo urbano con lo ecléctico y experimental. En su producción musical 2016 titulada ¡Si suena! la agrupación se atreve a explorar diferentes sonoridades integrando talentos como el legendario pianista Edy Martínez, ex integrante de la orquesta de Ray Barreto y músico de cabecera de diferentes producciones del sello Fania, importante baluarte que le aporta a la producción la cuota de tradición por su trayectoria y aporte a la salsa y el latin jazz. También se destaca en el álbum la presencia de Jacobo Vélez, talentoso músico de Cali, reconocido por proyectos como la Mojarra Eléctrica y su más reciente explosión musical: La Mambanegra quien se suma con la pieza Vamo´a Hablar, dándole al álbum un toque callejero y bailable. Complementando la cuota de aportes se suma William Angulo, voz líder de la agrupación Herencia de Timbiquí reconocida a nivel internacional por empuñar la bandera del sonido Pacifico colombiano, quien condimenta la fusión dándole voz a la pieza "Pa que no muera la ilusión". Con esta descarga de sonidos y una fascinante combinación de sabores alrededor del jazz, este proyecto liderado por el pianista Daniel Gutiérrez, se asoma con un concepto sólido que invita a disfrutar desde diferentes orillas una deliciosa aventura en tiempo de guajira, currulao, funk, reggae y son. Alucinante travesía que deja claro al mundo una sospecha que se vuelve consigna: Manteca Blue... ¡Si Suena!._Ricardo Mendivil
Temas: 01. Manteca Blue 02. Escúchame 03. Son Funkyao 04. Blurrulao 05. ¿Si Suena? (Feat Eddy Martinez) 06. Vamo´a Hablar (Feat Jacobo Velez "El Callegüeso") 07. Guajira Para Eva 08. Mc Coy Congo 09. Pa´Que No Muera La Ilusión (Feat. William Angulo)
Musicos: Daniel Gutiérrez (Director y Piano) Javier Ocampo (Saxo) Roger Torres (Trompeta) Felipe Medina (Bajo) Denilson Ibarguen (Percusión) Julian Carvajal (Batería)
En su continuación de Dançando Com Ale, un debut clásico de 2009, Greg Diamond ha producido otro disco notable, Conduit. El guitarrista muestra una madurez creciente y una musicalidad reflexiva en un disco impecable que incluye a varios de sus compañeros del álbum anterior: el saxofonista tenor, Seamus Blake, que es un coloso por derecho propio, el saxofonista alto, Brian Hogans, que está emergiendo rápidamente como una voz singular en ese instrumento, y el bajista Edward Pérez, que parece haber salido de la nada para brillar con su juego melódico en el disco de Diamond y en una serie de otras grabaciones brillantes. El disco también incluye algunos otros músicos ingeniosos encabezados por el increíble joven polirrítmico y colorista de la percusión puertorriqueña, Henry Cole, el pianista Mike Eckroth, un tercio del perdurable trío Bernal/Eckroth/Ennis, y el segundo colorista de la percusión, el asombroso conguero Mauricio Herrera.
Con un equipo tan fuerte, Greg Diamond no puede dejar de hacer un disco magnífico. Sin embargo, cabe mencionar que el guitarrista lidera realmente desde el frente. Su forma de tocar tiene una voz única y es casi excesivamente impresionante en todo momento. Todos los intérpretes importantes de ese instrumento tan difícil de dominar tienen voces propias, pero añadir un aspecto tonal bruñido al sonido vocal del instrumento es algo que sólo puede impartir un maestro; alguien que guitarristas como Jim Hall, Joe Pass y Pat Metheny, por nombrar algunos del club de élite fuera de toda la tribu de brasileños, poseen en abundancia. Ahora ese exclusivo club de maestros debe admitir a Diamond. El tono y la textura de la interpretación de Diamond adquieren una personalidad líquida de una viscosidad tan prístina que sus largas y sinuosas líneas invocan el burbujeo rítmico de algún mítico arroyo del norte que surge en el aire claro de la montaña y se precipita por la ladera de la colina y el valle para convertirse en un río caudaloso. Porque así es como Diamond construye sus soles: comenzando en minúsculas exploraciones rítmicas de una sola nota de sus riachuelos melódicos y luego creciendo hasta convertirse en poderosas cascadas.
Típica de la magnífica música del disco es "Turbulence", que es una melodía rugiente llena de giros y vueltas que ponen de manifiesto el toque de cuerno del guitarrista, que también toca su hacha, a veces, como un piano de cola, mezclando sus improvisaciones orgánicas gamberras con inusuales acordes en bloque que tartamudean y tartamudean y resoplan con una especie de fuerza equina salvaje. Mike Eckroth también mantiene un fuego líquido detrás del saxofón alto de Brian Hogans. La poderosa percusión de Henry Cole y Mauricio Herrera construye una especie de motor alucinógeno junto con Edward Pérez, que también construye un poderoso paisaje sonoro armónico antes de emerger para hacer un electrizante solo poco después del de Hogans. En "La Poor Sweet" es el turno de Seamus Blake de demostrar por qué ha llegado a ser reconocido como uno de los más jóvenes grandes maestros del saxofón tenor con un solo que se desliza con glissandos místicos y arpegios astrales. Eckroth es una vez más el artífice de un solo de tan magnífico diseño cuyo alcance es abundante en la energía de sus líneas audaces y trazos magníficamente acentuados. Greg Diamond también demuestra, una vez más, que es un compositor de gran madurez y genio. Sus melodías son chispeantes y bien definidas, pero dejan mucho espacio para que su estelar elenco de músicos se exprese. Y nadie decepciona aquí. Al contrario, todos los músicos del conjunto tocan con extraordinaria libertad y fuego. La dolorosa belleza de la balada "Song For Jerry (Mi Viejo)" es un buen ejemplo de la naturaleza aérea de las composiciones de Diamond, que también muestra cómo el guitarrista aprovecha el silencio para ofrecer a sus músicos la posibilidad de expresarse. Si hay que conceder un deseo más, sería posiblemente tener más definición en la microfonía para la percusión de Mauricio Herrera, de modo que su exquisito toque de conga pudiera ser un poco más brillante en la mezcla final. Por lo demás, este es otro disco excepcional de un guitarrista excepcional, Greg Diamond._ Raul da Gama (latinjazznet)
El Septeto Turquino ha hecho gala a su nombre, denominación que entraña llevar la música al pedestal más alto, en homenaje a la montaña más elevada de la geografía cubana.
Dirigido por Rolando Ferrer Rosado, realmente ha sido así desde 1982, cuando surgió en predios universitarios de la ciudad de Santiago de Cuba, y de su paso musical por la Federación Estudiantil Universitaria, hablan numerosos premios en sus festivales.
-Primer lugar en los Festivales de base realizados entre 1983 y 1989. -Tercer lugar del Festival Nacional, 1984. -Primer lugar del Festival Zonal, 1985. -Primer lugar en el Festival Nacional de Música Cubana otorgado en el Centro Universitario José Antonio Echevarria (CUJAE), 1987. -Gran Premio en la segunda versión del Festival Nacional de Música Cubana, 1989. Muchos recuerdan los primeros encuentros con aquel sonido, fabulosamente tradicional, a principios de los ´90, cuando a pocos se les ocurría pensar en el boom que tendría después y que aún persiste.
Testigos importantes ha tenido esta historia, los que confirman la presencia de Turquino. Adalberto Álvarez, por ejemplo, no pudo sustraerse del gustazo causado por el Septeto en 1994, durante el primer Festival Internacional del Son Miguel Matamoros cuando expresó: “Mientras jóvenes como los de Turquino toquen así la música cubana, nuestro son está garantizado”. Oscar D´ León disfrutó hasta la embriaguez la actuación de la agrupación en la edición de 1998 del festival Francés de Vic Fesenzac, un punto de partida para que el gran artista incorporara en su repertorio dos temas de Turquino interpretados allí. Así, “Monta al pelo” , y ” EL Pregonero” terminaron formando parte de su CD “La Fórmula Original”, nominado al Grammy en la categoría de salsa en el año 2000. Ambas composiciones son obra de Osnel Odit, entonces guitarrista de la formación... Seguir Leyendo
Temas: 01. Que Me Haces 02. Son Para Los Rumberos 03. Calla 04. Son Para Una Chinita 05. Coco Mai Mai 06. Me La Va A Pagar 07. Dejame Gozar
Musicos: Rolando Ferrer-Voz solista y bajo Osnel Odit-Voz solista y guitarra Luis Brito-Tres y coros Jorge Maturell-Bongó y coros Carlos Santos-Maracas y coros Jorge Ferrer-Congas Anival Vila-Trompeta
Caridad Cuervo. Destacada cantante de música tradicional cubana. Como cantante cultivó fundamentalmente la guaracha.
Caridad Cuervo nació en la Ciudad de la Habana el 1 de abril de 1946.
Comienza de niña su vida musical, en el año 1952 , cuando la llamaron entonces la gran revelación infantil. Fué cantante de guarachas y afros, y logró actuar con Celia Cruz, quien le dio su aprobación por la calidad vocal de la joven artista. Posteriormente continuó sus presentaciones en emisoras de radio fundamentalmente en Radio Mambí y centros nocturnos. Estuvo vinculada a los conjuntos de Yoyo Casteleiro , Estrellas de Chocolate , de Severino Ramos , Orquesta de Silvio Contrera y el Conjunto Caney con quien hizo sus últimas grabaciones. Su primer LD lo grabó con la PANART (1958); luego grabaría otro en 1961 con la Maype y un estéreo con la EGREM en 1980, con el Conjunto Caney. En la década del cincuenta, en los programas en vivo que existían en Radio Progreso y C.M.Q., actuó con diversos cantantes que no llegaron a realizar grabaciones en un estudio con la Sonora Matancera. Durante su última etapa y hasta prácticamente el día de su muerte se encontraba cantando en el Cabaret Tropicana como solista y formando parte del gran elenco. Siempre estaba alegre y activa. Su canción emblemática, "Me dicen que soy la candela, porque yo bailo rico y sabroso / no puedo sujetar la cintura / porque bailo rico y sabroso la sangre se me alborota / por eso dicen que soy la candela". Así decía la letra de la canción que popularizó la versátil cantante cubana. Esta canción que popularizó la versátil cantante y guarachera Caridad Cuervo, grabada en la década del 50 con el legendario Conjunto Caney, la hará recordar siempre en la farándula cubana como síntesis de genuino arte popular. Siendo muy joven, fue descubierta y promovida por Celia Cruz, otra leyenda viva de la música criolla. Incursionó en la radio y la televisión hasta que fue contratada por el famoso Cabaret Tropicana, del que resultó una de sus figuras emblemáticas y que la catapulteó a la fama definitiva. Viajó por México, Estados Unidos y otros países. Se presentó en Inglaterra en los años 1990 con el espectáculo de Tropicana._ecured
Caridad Cuervo Con El Grupo De Pachito Alonso - Marchante (1981)
Temas: 01. Sonaron 12 Campanas 02. Mi Corazón Y Yo 03. Yo Sé El Que Te Busca 04. Si Me Comprendieras – Dime En Qué Momento 05. Llego El Tresero 06. Marchante 07. Si Te la Dabas de Sheriff-Si Te Tires, Queda
Eric Dolphy fue un verdadero original con sus propios estilos distintivos en el alto, la flauta y el clarinete bajo. Su música entraba en la categoría de "vanguardia", pero no descartaba por completo la improvisación con acordes (aunque la relación de sus notas con los acordes era a menudo bastante abstracta). Mientras que la mayoría de los demás intérpretes de "free jazz" sonaban muy serios en su forma de tocar, los solos de Dolphy a menudo resultaban extasiados y exuberantes. Sus improvisaciones utilizaban intervalos muy amplios, una variedad de sonidos no musicales parecidos a un discurso, y su propia lógica. Aunque el contralto era su eje principal, Dolphy fue el primer flautista en ir más allá del bop (influyendo en James Newton) e introdujo en gran medida el clarinete bajo en el jazz como instrumento solista. También fue uno de los primeros (después de Coleman Hawkins) en grabar solos de trompa sin acompañamiento, precediendo a Anthony Braxton en cinco años. Eric Dolphy grabó por primera vez mientras formaba parte de Roy Porter & His Orchestra (1948-1950) en Los Ángeles, estuvo en el ejército durante dos años y luego tocó en la oscuridad en Los Ángeles hasta que se unió al Chico Hamilton Quintet en 1958. En 1959 se instaló en Nueva York y pronto fue miembro del Charles Mingus Quartet. En 1960 Dolphy ya grababa regularmente como líder para Prestige y ganaba atención por su trabajo con Mingus, pero a lo largo de su corta carrera tuvo dificultades para conseguir trabajo estable debido a su estilo tan avanzado. Dolphy grabó bastante durante 1960-1961, incluyendo tres álbumes grabados en el Five Spot mientras estaba con el trompetista Booker Little, Free Jazz con Ornette Coleman, sesiones con Max Roach y algunas fechas europeas. A finales de 1961, Dolphy formó parte del Quinteto de John Coltrane; su actuación en el Village Vanguard provocó que los críticos conservadores intentaran tacharlos de "antijazz" debido a los largos y muy libres solos. Durante 1962-1963 Dolphy tocó música de tercera corriente con Gunther Schuller y la Orchestra U.S.A., y actuó muy raramente con su propio grupo. En 1964 grabó su clásico Out to Lunch para Blue Note y viajó a Europa con el Sexteto de Charles Mingus (que fue posiblemente la banda más emocionante del bajista, como se muestra en The Great Concert of Charles Mingus). Tras elegir quedarse en Europa, Dolphy dio algunos conciertos, pero luego murió repentinamente de un coma diabético a la edad de 36 años, una gran pérdida. A finales de 1961, Dolphy formó parte del Quinteto de John Coltrane; su actuación en el Village Vanguard provocó que los críticos conservadores intentaran tacharlos de "antijazz" debido a los largos y muy libres solos. Durante 1962-1963 Dolphy tocó música de tercera corriente con Gunther Schuller y la Orchestra U.S.A., y actuó muy raramente con su propio grupo. En 1964 grabó su clásico Out to Lunch para Blue Note y viajó a Europa con el Sexteto de Charles Mingus (que fue posiblemente la banda más emocionante del bajista, como se muestra en The Great Concert of Charles Mingus). Tras elegir quedarse en Europa, Dolphy dio algunos conciertos, pero luego murió repentinamente de un coma diabético a la edad de 36 años, una gran pérdida._Scott Yanow (allmusic)
Este disco es el equivalente a lanzar un cartucho de dinamita en una cena tranquila y ordenada, hacer que la dinamita estalle con un estallido y, de alguna manera, dejar todo en su sitio. Así es el volátil Eric Dolphy, un grave lamento en el saxo alto y aún más idiosincrásico y radical en el clarinete bajo, que irrumpe en la guarida del Latin Jazz Quintet de Juan Amalbert y no los perturba en lo más mínimo. El tema que da título al disco es una auténtica esquizofrenia, el LJQ se pasea en un blues con acento de conga mientras Dolphy dispara por todas partes con el saxo alto. Incluso el más animado "Mambo Ricci" tiene el mismo tipo de dinámica de grupo; Dolphy en llamas, Gene Casey tranquilo y deliberado al piano. Sólo en "Spring Is Here", donde Dolphy cambia a una flauta de tono contemplativo, encontramos un punto de encuentro equilibrado, aunque su solo de flauta en "Sunday Go Meetin'" vuelve a salirse del camino. No es, pues, una combinación ideal, pero sin duda es fascinante._Richard S. Ginell (allmusic)
Con dos guitarras, bajo, violín y una amplia gama de instrumentos de percusión, el grupo cubano Arte Mixto mezcla la música tradicional cubana con elementos de música clásica, jazz, flamenco, salsa y samba. Dirigida por el violinista Alexis Correa, la banda se formó a principios de los 90 en la ciudad de Cienfuegos Las Villas, con un grupo de estudiantes recién graduados en la Escuela Nacional de Arte. Poco después de formarse, Arte Mixto fue elegido para representar a Cuba como "la expresión más auténtica de la música cubana", en una gira por nueve ciudades y varios festivales en Noruega, así como en un par de conciertos en Londres. En 1996, Arte Mixto recibió el "primer nivel" del comité de evaluación del Instituto Cubano de la Música, que es uno de los premios más codiciados y respetados que se conceden a los músicos en Cuba. Pronto le siguieron más premios (como el Premio Bis de la Música, el Premio Musical Beny More, el Premio Egrem de la Casa de la Música y un segundo puesto en el Premio Lucas, el equivalente cubano a los Premios MTV). En 1997 publicaron su primer disco, Deseos, y un año más tarde su segundo trabajo, Virginia de Cuba (este último en homenaje a la madre de Alex Correas). A finales de los 90, Arte Mixto realizó dos giras por Estados Unidos y tuvo una aparición en un episodio del programa de la MTV Road Rules, y en 2001 publicó Sin Chisme._Greg Prato (allmusic)
Arte Mixto se fundó en 1996 en la ciudad de Cienfuegos, Cuba, bajo la dirección del talentoso violinista Alexis Correa. A poco de presentarse en los escenarios más importantes de la ciudad natal, comienzan las giras por la isla. Mientras aumentaba su popularidad son seleccionados para representar a Cuba en una gira por nueve ciudades y varios festivales en Noruega, además de representar dos conciertos en Londres. Poco después estrenan el primer programa completo de televisión. Lo anterior junto al Premio BIS Music, el Premio Musical Benny Moré y el Premio Casa de la Música EGREM, los llevaron a grabar el primer disco compuesto de canciones tocadas durante los primeros tiempos del grupo. Antes habían viajado como cuarteto Fusión a España, Italia, Noruega e Inglaterra, cautivando el gusto del público por su mezcla original..._ (azurina)
Maestro percusionista e ingeniero de grabación; hijo de Annie Swinton Johnson y Juan Amalbert, su madre formaba parte de la familia de Mt. Pleasant (SC), al este del río Cooper, de las familias Swintons y Ascues; su padre era puertorriqueño; nacido Emmanuel Amalbert, Abdul-Rahim empezó a grabar más tarde con el nombre de su padre, Juan Amalbert, en homenaje a éste; creció y vivió en Nueva York y Copenhague, y recientemente ha vuelto a conectar con su hogar "ancestral" (Charleston).
Tocó con la Orquesta de Duke Ellington y grabó "Jaywalker" con el grupo destacando su exquisita interpretación rítmica africana en los tambores de conga; También tocó con Sarah Vaughan (su modelo), Josephine Baker, Aretha Franklin, Ahmad Jamal, Nancy Wilson, Art Blakey y los Jazz Messengers, la Thad Jones Orchestra, y las bandas de James Moody y John Coltrane; fue percusionista de Katherine Dunham; produjo o diseñó grabaciones para James Moody, Clark Terry, Eric Dolphy y Jimmy Cliff; dejó los EE. UU en 1956 y realizó giras por Europa, África y Asia; su quinteto de jazz latino, con sede en Copenhague, se mueve con ritmos de yambú y clave yoruba._ (charlestonjazz)
Este set de 1962 de Cal Tjader, grabado al comienzo de la locura de la bossa nova en Estados Unidos (editado el mismo año y en el mismo sello que el smash Jazz Samba de Stan Getz y Charlie Byrd), tiene uno de los temas más aburridos. títulos imaginables, y no comienza a describir las innovaciones relajadas pero mágicas en los ritmos. Producida por Creed Taylor, la fecha fue arreglada y orquestada por la gran pianista Clare Fischer (quien también escribió las notas). Tjader se propuso ofrecer un retrato muy moderno de la música proveniente de la Ciudad de México mostrando composiciones seleccionadas de Mario Ruíz Armengol, y fuera de Brasil destacando temas de cantantes como Elisete Cardoso y João Gilberto. Las vibraciones de Tjader se colocan en yuxtaposición con el piano de Fischer y la percusión de Changuito, Milt Holland y Johnny Rae, con una sección de instrumentos de viento que incluía tanto a Don Shelton como a Paul Horn, e incluso algunas voces exóticas sin palabras de Ardeen DeCamp. Además, la estrella de la guitarra brasileña Laurindo Almeida ayuda en aproximadamente la mitad del set y contribuyó con "Chôro e Batuque", mientras que Fischer ofrece "Elisete", que lleva el nombre del cantante. La sensación aquí es suave con ritmos contagiosos y vientos de madera bellamente forjados (ver "Se é Tarde, Me Perdoa"), un piano magnífico y vibraciones espaciosas. Los arreglos de Fischer ciertamente representan la época, pero perduran hasta el siglo XXI debido al brillante ejemplo de interacción entre la percusión y las melodías (nótese la alegre "Silenciosa"). Tjader había estado tocando samba en discos durante varios años en este punto, y trabajó con Getz en 1957, pero este fue el primer lugar en el que permitió que su propia sensibilidad melódica (más que rítmica) compleja pero deliciosamente sutil brillara en las vibraciones. . Lo más notable de este conjunto es la facilidad con la que se mezclan las dos tradiciones._Thom Jurek (allmusic) Más información relacionada
Cal Tjader – Plays the Contemporary Music of Mexico and Brazil (2008)
Temas: 01. Vai Querer 02. Qué Tristeza 03. Meditação 04. Soñé 05. Se É Tarde, Me Perdõa 06. Não Diga Nada 07. Silenciosa 08.Elizete 09. Imagen 10. Tentação Do Inconveniente 11. Preciosa 12. Chôro E Batuque
Musicos: Vibes - Cal Tjader Arranged By, Piano, Liner Notes - Clare Fischer Bajo - Freddie Schreiber Congas - Changuito (pistas: 2, 4, 7, 9, 11) Batería - Johnny Rae (pistas: 1, 3, 5, 6, 8, 10, 12) Guitarra - Laurindo Almeida (pistas: 1, 3, 5, 6, 8, 10, 12) Percusión - Milt Holland Timbales - Johnny Rae (pistas: 2, 4, 7, 9, 11) Voz - Ardeen de Camp (pistas: 2, 4, 7, 9, 11) Instrumento de viento - Bernie Fleischer (pistas: 1, 3, 5, 6, 8, 10, 12), Don Shelton (2), Gene Cipriano (pistas: 1, 3, 5, 6, 8, 10, 12), John Lowe , Paul Horn Masterizado por - Kevin Reeves A&R [Coordinación de A&R de reedición] - Kyle Benson Dirección de arte [Dirección de arte de reedición] - Hollis King Productor - Creed Taylor Supervisado por [Reedición] - Harry Weinger Lanzado originalmente como Verve V6-8470 (1962) Grabado en Hollywood, California, 5, 6 y 7 de marzo de 1962 Masterizado en Universal Mastering Studios-East
Maximilano "Bimbi" Sánchez (Caobitas 1908 Florida-1991) Formo en 1935 en Santiago de Cuba, un trío con sus amigos Pedro Feliu, cantante y maraquero y Luis Bosch, guitarrista y tresero más tarde reemplazado por Ángel Almenares .
Al igual que todos los grupos o solistas, intentarIá su suerte en La Habana. No era lo suficientemente rápido en un éxito, Graba para la RCA Víctor en 1937 para ofrecer sus sesiones de grabación. Maximiliano compone y sobresale en guarachas y son ellos los que graba "El frutabomba." El trío también comprometido en 1937 a cantar en ondas CMBC y CMX.
Sin dejar de lado otros géneros como la suya es la guaracha que constituye la mayor parte del repertorio del grupo. El "Trio Oriental" también trabaja con Ñico Saquito que ofrece el grupo directorio muchos guarachas Sánchez y la oportunidad de integrar en 1940 " Cuarteto Compay Gallo "de la misma. Las grabaciones continuarán hasta 1943, intercalados con giras por el exterior, sobre todo en el área del Caribe en 1939 y en varios países de América Latina. A mediados de los años cuarenta "Bimbi" cambia el personal "Trio Oriental" y lo trajo, Ñico y el guitarrista Manuel Méndez. Para guardar el grupo emplea a más personal, incorporando bajo Vilalta y bongo famoso "Hueso". Curiosamente los discos de 1946 se publican bajo el nombre de " Guaracheros de Oriente ", incluyendo" Adiós Compay Gato "y" Silverio Facundo y la Luna ".
Nuevos títulos permanecen en vinilo en 1949, cuando el trío visitar Puerto Rico, "Allí donde tu sabes", "Si Paso La negra" ... entonces en 1950 a Nueva York. En 1951 "Bimbi" se desplaza temporalmente a los EE.UU., donde juega en un nuevo trío con un músico que ha conocido en Cuba, Cuso Mendoza y Neftalí Piñeiro. Varias unidades fuera de ese año y el año siguiente. Sánchez también tiene un grupo que juega con un acordeón. "Bimbi" Sánchez fundó su propio sello discográfico, y registró sus grupos Titán personales. Regresó a Santiago en 1954 y goza de cincuenta fabulosos para renovar su sonido y sumergirse en la emoción del momento. El trío de nuevo a la vida el año siguiente y grabado cuatro canciones con Octavio González, guitarra; Ramón González, percusiones, Mariano Rivera, contrabajo, "Bimbi" y Félix Castrillón, voz. A finales de la década Maximiliano Sánchez aumenta el tamaño de su grupo en un conjunto trabajando y grabando con Ñico Saquito. "Bimbi" regresó a Nueva York en 1963 y terminó sus días en la Florida._(sandritocubanito)
Maximilano Sánchez-Bimbi con el Conjunto Oriental de Ñico Saquito (2000)
Temas: 01. Filosofando - Son 02. Mi Novia Tiene Guararey - Son Montuno 03. Poema De La Despedida - Bolero 04. El Peluquero - Guaracha 05. Porque Tú No Estás - Bolero 06. Que Te Coge El Dia - Son Montuno 07. El Campolon - Guaracha Son 08. El Trotamundo - Bolero 09. Un Domingo En El Batey - Montuno 10. Borrachera De Amor - Bolero 11. Choncholi Se Va Pa'l Monte - Guaracha 12. Feliciano Ta' Cansa - Conga 13. Cuidadito Compay Gallo - Guaracha 14. Guaracha 15. La Negra Leonor - Guaracha 16. Yo No Escondo A Mi Abuelita - Guaracha 17. Los Que Son Y No Son - Guaracha Son
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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I - Allegro moderato - Larghetto...
Los Reyes 73 de Cuba eran un grupo de gran inventiva que mezclaba la música tradicional afrocubana con el psych rock explosivo, el funk y el jazz. Fue un sonido rompedor que introdujeron en su debut homónimo de 1975, que es el tema central de esta reedición de 2024 del sello Mr. El álbum mostraba la desmesurada musicalidad del grupo, que en aquella época contaba con un puñado de algunos de los mejores instrumentistas, cantantes e improvisadores de La Habana, entre ellos el fundador y batería Santiago Reyes, el director musical y bajista Andrés Esteves, el pianista Eddy de Atmas, el bongosero Alberto Hernández, el trompetista Ovidio Guerra, el trombonista José A. Hernández, el percusionista Héctor Mon, el saxofonista y flautista Mariano Tena y el cantante Manuel Morejón. El sonido de la banda, al igual que el de su contemporáneo Irakere, se basaba en una amplia gama de influencias, tocando ritmos de baile afrocubanos, funk y pop latino lírico, junto con jazz y una fuerte dosis de rock psicodélico. Producido por Raúl Gómez, que dirigió sus propios álbumes híbridos de música disco cubana y jazz orquestal, Los Reyes 73 reúne todas las influencias y talentos de la banda en un conjunto de canciones contagiosas y bailables. 
