lunes, 31 de octubre de 2011

Iguazù Acoustic Trio – Rubio


Iguazù Acoustic Trio fue formada por la unión de tres músicos "endorcers" para instrumentos Yamaha comparten una pasión por los sonidos de la América del Sur y en países con una tradición musical particular exportan a todo el mundo, como Brasil, Cuba y Argentina. La música sugiere que el trío abarca las diferentes culturas y colores de América del Sur (afro-brasileña, afro-cubana, Argentina ...) con tonos de América del Norte (jazz, funk, R & B). De hecho, las canciones interpretadas en el concierto y presentar su primer CD Rubio ", publicado por Videoradio / RaiTrade, mientras que girando sobre conceptos básicos de jazz, alternando composiciones originales, canciones elegidas de los de hoja perenne de la tradición latina y cubre nuevamente en esta clave. Entre los autores más famosos de Buena Vista Social Club, Astor Piazzolla, Jobim y Michel Camilo. El resultado es muy diverso y sin duda llamativo gracias a momentos de gran energía y virtuosismo. Los elementos que conforman el trío de Iguazú son: FABIO Gianni (piano): Tubos de cooperación con Cuba, Franco Mussida (PFM), Demo Morselli, pero sobre todo con artistas latinoamericanos como Paquito Guzmán, Estremera Cano, Rodolfo Pereira. MARCO Mistrangelo (bajo): bajo y contrabajo en el jazz ha dicho un sinnúmero de experiencias entre las cuales las personas con Lee Konitz, Tomelleri Paul, Dave Liebman, Carrothers Bill, Max De Aloe, etc, con intereses en el Festival de Jazz de numerosas en Italia y en el extranjero. ALEX DE Battin Barreiro (batería y percusión): nacido en Argentina, ha tocado con artistas como el italiano Flack, DePiscopo, Iannacci, Nuti, Raimondo Vianello, pero sobre todo con grandes estrellas del jazz latino (y más), como Alex Acuña, Horacio "El Negro" Hernández, Otmar Ruiz.


El nombre, Iguazú Acoustic Trio, una clara referencia a las cataratas del mismo nombre situado en la frontera entre Brasil y Argentina, dice mucho acerca de lo que escucha. Y la atmósfera que recuerda a una América Latina que se hace eco de la salsa, el tango y fragmentos de bossa nova. Rubio, el nombre de la obra del trío con el italiano Fabio Gianni exquisitamente en piano, Marcos en el bajo y Alex Battini Mistrangelo de Barreiro en la batería y la percusión, es el resultado de años de experiencia en el mundo de la música latina plasmada en las doce canciones que no ir más allá del Trópico de Cáncer, si no fuera por la canción de España, el pianista Chick Corea y EE.UU. Fragile de Sting. La duración del trayecto se divide entre transamericano nuevas canciones, en su mayoría escritas por Fabio Gianni, y que cubren famosos, a veces sufre de originalidad pobres. Si El Quarto de Tula, hecha famosa por el Buena Vista Social Club, no brilla precisamente inventiva, Libertango de Piazzolla es redundante. Las cubiertas de otros en este disco han Brasified C. Korman y Caridad Amaro C. Valdez.

Los temas inéditos, sin embargo, son equilibrados y sin duda notable. En este sentido, la canción de apertura que da nombre al disco, escondido detrás de una melodía fácil de escucha de una notable complejidad rítmica. En general, toda la obra es digna de mención y la comprensión formidable de los tres músicos se apoya en la experiencia y el sentido del ritmo del percusionista peruano Alex Acuña, mucho más, nos atrevemos a decir, que un "invitado especial".





Iguazù Acoustic Trio – Rubio (2010)

Temas:
01.Rubio
02.Fragile
03.El Cuarto de Tula
04.Notturno
05.Spain
06.Libertango
07.Brasilified
08.Herbiegaloo
09.El Pescadito y el Mar
10.Caridad Amaro
11.Guajira for Chucho
12.Landing in Core

Musicos:
Fabio Gianni - piano
Marco Mistrangelo - bass
Alex Battini De Barreiro - percussion & drums
Alex Acuña (invitado especial) - percussion

sábado, 29 de octubre de 2011

Conjunto Roberto Faz-Son A Roberto Faz


Roberto Faz ( 1914, Regla-26 de abril 1966, La Habana) , fue un percusiónista y cantante cubano. De voz sonera con agudo timbre fue un intérprete de diversos géneros de música tropical como guarachas boleros y danzonetes .

Nacío en el municipio habanero de Regla en 1914, en el seno de una familia humilde. Con apenas trece años, empezó como vocalista en el sexteto Champán Sport en Guanabacoa.
Probó suerte en distintos grupos hasta que en 1930 es integrado a la 'Orquesta Ultramar, dirigida por su padre. No obstante, en esa época, tuvo que dedicarse también a otros oficios como camarero y conductor de autobús.
En mayo de 1944 se integró en el popular Conjunto Casino dirigido por Roberto Espí. En conjunción con la voz de Agustín Ribot, realizaron múltiples grabaciones y giras por el Caribe y México.
En 1956, ya consagrado como sonero mayor , forma su orquesta : Roberto Faz y su conjunto. Este grupo compuesto por unos once músicos contaba con una sección de cuatro trompetas, apegada a la tradición de conjuntos al estilo de Arsenio Rodríguez. Algunos de sus temas más populares son "El pregon de la montaña", "El retozón" y "Te traigo mi son". Murió en la Habana el 26 de abril de 1966.


Más información relacionada



Conjunto Roberto Faz-Son a Roberto Faz

Temas:
01. son a roberto faz (son)
02. paloma herida (guaracha)
03. el menu (guaracha)
04. son para ti (son)
05. aprende muchacho (son)
06. deuda (bolero)
07. como quieres que te quiera (merengue)

Información cedida por Osvaldo M

jueves, 27 de octubre de 2011

Edú Tancredi & Bandón 33 – Ongoing Dreams


Este es el seguimiento de Eduadro Tancredi a su Latin Spell 2000, y el primero para el sello español Fresh Sound Records. El pianista Tancredi, que estudió y ahora enseña en el Berklee College of Music de Boston, ofrece otra tanda de arreglos de bandas nítidas, polirritmos agitados y solos de cuerno fino, así como siete de sus composiciones distintivas. Pero este CD es más ambicioso y de mayor alcance, con un tono más oscuro. Esto se registra a partir de las primeras notas discordantes de "La Mama Vieja", un torbellino de ruidosas disonancias antes de que el poder coherente de la banda se active, incluido un solo de trompeta ardiente de Russ Hill. La sensación es insistente y urgente, como en el batido "Jopo Ropo Ropo", el turbulento tema del título con sus temas cambiantes, y el bajista Fernando Huergo en "Loud Pictures" con sus apasionadas declaraciones de cuernos. Incluso la balada "Levitating Soul" está ensombrecida y buscadora, mientras que "Mirame a Los Ojos" ("Look in My Eyes") comienza lánguidamente hasta que el tenor de Dino Govoni se convierte en un feroz dúo con el compositor y contrincante Luiz Rodriguez. De manera similar, la interpretación de Basilio Araujo en solitario de Tancredi, Monk-ish, es alternativamente reflexiva y ardiente. Su creatividad "push-the-envelope" enciende su "Moon Over 33", que presenta un dúo de bajos sobre el crack de las claves, y "Mazamorrera" (o "Corn Vendor"), que es un ejemplar de un canto callejero del siglo XVIII y está lleno de Intercambios de cuernos rápidos y furiosos. La pista más amigable es el "Sofra" de Reedman Nestor Toro, un cha cha chauss en los cambios de "Sweet Georgia Brown". En total, Ongoing Dreams es una experiencia auditiva intensa y original que desdibuja las líneas entre la música latina y el jazz. ~ Judith Schlesinger (allmusic)


Eduardo Tancredi, nacido en Montevideo, trae con éxito su innovador concepto de latin jazz a la escena musical barcelonesa después de pasar los últimos años en Boston, dónde lideraba su banda de jazz fusión latina Bandón 33 i el grupo vocal Sonabó, con quién grabó varios CD’s.
En ellos han colaborado artistas del jazz de Nueva York como Antonio Sánchez, Miguel Zenón, Danilo Pérez, Jerry Bergonzi, Dino Govoni, Fernando Huergo y Antonio Serrano entre otros.
Graduado del Berklee College of Music donde se desempeña como docente de 1996 al 2003, y donde fue galardonado por los Boston Music Awards por su destacada actuación musical en la ciudad de Boston. Actualmente reside en Barcelona y dicta clases de piano y combos en el ESMUC, Escola Superior de Música de Catalunya.




Edú Tancredi & Bandón 33 – Ongoing Dreams (2002)

Temas:
01.La Mama Vieja
02.Jopo Ropo Ropo
03.Levitating Soul
04.Ongoing Dreams
05.Moon Over 33
06.Loud Pictures
07.Basilio Araujo
08.Mazamorrera
09.Sofra
10.Mirame a Los Ojos

Musicos:
Eduardo Tancredi-Piano, Producer, Composer
Fernando Huergo-Bass, Composer
Arturo Benavides-Bass
Russ Hill-Trumpet
Rene gonzalez-Trumpet
Jeff Galindo-Trombone
Luis Leon-Trombone
Miguel Zenón-Sax (Alto)
Luis Rodriquez-Sax (Alto)
Dino Govoni-Sax (Tenor)
Jerry Bergonzi-Sax (Tenor)
Nestor Toro-Sax (Baritone)
Antonio Sanchéz-Drums
Pablo Bencid-Drums
Diego Pineda-Drums
Omar Ledezma-Percussion
Reynaldo De Jesus-Percussion

domingo, 23 de octubre de 2011

Sonora Onosón-Ya Son Horas



Abrevan desde el jazz en diversos géneros: el reggae o el danzón, el funkie o el tango. Lo importante para los miembros de la Sonora Onosón es crear en el acto, hacer de la música un disfrute colectivo.
Y generosos, como son, han presentado el fruto de su placer, o sea: su primer disco: Ya son horas.

La guapa Iraida Noriega canta y toca el piano, Gerardo Bátiz también le entra a la tecla, además del steeldrum, Juan Cristóbal Pérez Grobet ejecuta el bajo eléctrico, Emiliano Marentes la guitarra, Montserrat Revah le da a las percusiones, la batería es cosa de Juan Carlos Novelo, Jazzamoart se encarga de la improvisación plástica, y Alain Derbez del acordeón y el saxofón.
Es Derbez quien cuenta que los miembros de la Sonora coincidieron durante la grabación de su disco Las cosas por algo son , en 1997. Grabado por Opción Sónica, el material incluía participaciones de Óscar Chávez, Tania Libertad, Betsy Pecannins y Alex Lora, entre otros.
Los músicos presentaron el disco en el Festival Internacional Cervantino de 1998, pero siguieron haciendo cosas juntos, "abrevando en un lenguaje colectivo fincado en las particularidades de cada quien", precisa Derbez.
Temas como Decídeme , de Iraida Noriega; Hemos de recorrer el tiempo , de Alain Derbez; No me molesta , de Gerardo Bátiz; Mirada de mar , de Juan Cristóbal Pérez Grobet; y Alrededor , de Montserrat Revah, integran este material editado por Pentagrama.
Derbez asegura que la propuesta de Sonora Onosón va dirigida "al que nos oye, nos goza ahí, en el acto. Convocamos testigos no importan edades, tamaños, ni nada. Los integrantes de Provida con todo y tangas harán de Como a su trompa un elefante su himno y los que gustan del blues se deleitarán con Hemos de recorrer el tiempo? .
Reconoce que el jazz en México, a falta de espacios, sigue siendo un rito de pequeñas sectas, un arte al que le hacen falta "continuidad, exposición, profesionalización de algunos de los protagonistas no necesariamente músicos, desburocratización de las autoridades, carácter de los empresarios y destrucción del muro de las lamentaciones para mirar el paisaje que al frente ha sido sexenalmente tapiado y tapado."

En ese sentido, la Sonora Onosón pretende ser experimento y continuidad. "Sonora Onosón, fresco y continuo en su trabajo, casa enseñanzas distintas en un momento de creación y recreación y lo goza. No nos padecemos, no nos toleramos, nos disfrutamos. Necesariamente este acto colectivo involucra, imbrica, hace al público partícipe fuera de solemnidades".~ (eluniversal)




Sonora Onosón-Ya Son Horas (2004)

Temas:
01.Danos La Coz
02.Bailando Con La Muerta
03.Como A Su Trompeta Une Elfante
04.Los Calcetines De Gerardo
05.Decideme
06.Mal De Olvido
07.Alrededo
08.La Azotea De Vapor
09.Mirada De Mar
10.No Me Molesta
11.Hemos De Recorrer El Tiempo



Musicos:
Iraida Noriega-voz y teclados
Gerardo Bátiz-piano y steel-drum
Alain Derbez-saxofón y acordeón
Emiliano Marentes-guitarra
Montserrat Revah-percusiones
Juan Cristóbal Pérez Grobet-bajo y contrabajo
Juan Carlos Novelo- batería cusiones
Juan Cristóbal Pérez Grobet-bajo y contrabajo
Juan Carlos Novelo- batería

sábado, 22 de octubre de 2011

La Pachanga (Eduardo Davidson)


La pachanga de Eduardo Davidson de 1959, cumple su aniversario 45, es la música de moda cuando triunfa la Revolución.

El Premio Nobel Gabriel García Márquez en su primera visita a La Habana dice que Cuba es una "Pachanga fenomenal".

La alegre música fue estrenada por la orquesta Sublime en los Jardines de La Tropical, el imperio del baile. El flautista y director de la Sublime, Melquiades Fundora me cuenta que la presentación de la pachanga fue de gran impacto en los bailadores y músicos. "El cantante Miguelito Cuní –recuerda Melquiades- nos dijo que estábamos locos. Le había sorprendido la rareza musical, con mucho sabor de Eduardo Davidson".

La Sublime se presentó al otro día en un programa televisivo del mediodía, mostraron la novedad musical con algún que otro pasillo. Cuando aquello las orquestas no se movían mucho. Por la tarde se presentaron en el Salón Mamoncillo y los bailadores ya se conocían la sensacional música y los pasillos, orientados por su propio creador que era buen bailarín y corógrafo. Rápidamente la pachanga pasa al número uno del Hit Parade nacional y se difunde como pólvora por todo el Caribe y hasta en New York a través de la Orquesta Aragón y Fajardo y sus Estrellas...Seguir leyendo



La Pachanga (Eduardo Davidson) (1959)

Temas:
01.LA PACHANGA - FAJARDO Y SUS ESTRELLAS
02.EL ULTIMO BEMBE - ROBERTO FAZ Y SU CONJUNTO
03.YO SIEMPRE ARRIBA - JULIO VALDES Y SU ORQUESTA
04.HORAS INTIMAS - CARLOS DIAZ CON LA ORQ. KUBAVANA
05.CUBA CRIOLLA - ORQUESTA SUBLIME
06.ELEGUA INKIO - GINA MARTIN
07.PANCHO CALMA - FAJARDO Y SUS ESTRELLAS
08.NOVIA DE AñO NUEVO - BARBARITO DIEZ
09.AL CANTIO DEL GALLO - RUBEN RIOS CON LA ORQUESTA SUBLIME
10.TRAICION A UN SUEñO - CARLOS DIAZ CON EL CONJ. DE YOYO CASTELEIRO
11.OCHUN DEL COBRE - GINA MARTIN
12.OCHIMINI - RUBEN RIOS CON LA ORQUESTA

Información cedida por Osvaldo M

jueves, 20 de octubre de 2011

Dave Valentin - Pure Imagination


Ganador del Premio Grammy de jazz latino flautista Dave Valentin fue el primer artista firmado con la discográfica GRP ahora difunto, fundada por el tecladista Dave Grusin y Larry Rosen en 1978. Roster fuerte GRP de artistas de jazz se convirtió en un producto popular, y la etiqueta también fue elogiado por su avanzada ingeniería de audio analógico y digital. Por lo tanto, fuga de Valentín a la notoriedad a través de su técnica superior y planteamientos estilísticos se convirtió en lugar mítico.

Valentín demuestra su moderna visión del jazz-fusión de tonos "Joy". Aquí, el pianista Bill O'Connell utiliza un piano eléctrico, presumiblemente un Fender Rhodes, para proyectar un matiz brillante, apoyados por un escondite contraste con las líneas de paso ligero y brillante, el flautista. La sección de ritmo de pulso sparky incorpora una ranura de América, pero también dirige a través de los solistas de ritmo rápido coros al unísono.

Dentro de un surtido de reflujos, los flujos y las dinámicas colocadas estratégicamente, O'Connell y profundizar San Valentín en alza excursiones de improvisación, acentuado por los movimientos de garra y ranuras intercambiables. Con una mezcla de pistas diversas, pura imaginación es un título apropiado para esta producción de primer orden vía la sinergia enorme de los músicos y gran enamorado por el tratamiento cristalino de audio.

Más información relacionada



Dave Valentin - Pure Imagination (2011)

Temas:
01.Smile
02.Slip and Slide
03.Joy
04.Pure Imagination
05.Hummingbird
06.See-Saw
07.When Sunny Gets Blue
08.Cat Man
09.Last Minute

Musicos:
Dave Valentin-Flute, alto flute, bass flute
Bill O'Conell-Piano
Ruben Rodriguez-Bass
Robby Ameen-Drums
Richie Flores-Percussion

sábado, 15 de octubre de 2011

Antonio Hart - Ama Tu Sonrisa



Tras una formación clásica, el saxofonista alto, Antonio Hart (Baltimore, 1968), deriva pronto al mundo del jazz y perfecciona estudios con Jimmy Heath en el Queens College, se gradúa en la Universidad de Berkeley y graba su primer disco en 1991, pasando a codirigir junto a Roy Hargrove uno de los grupos más importantes de la emergente ola de los músicos contemporáneos heredados del hardbop.

En una línea que iría de Charlie Parker hasta Sonny Stitt, Hart desemboca en propuestas renovadoras de bopper con intensas reformulaciones armónicas: no otra es la trayectoria inaugurada por músicos como los hermanos Marsalis, Herbie Hancock o Keith Jarrett y que constituye una de las corrientes principales del jazz actual. Así nos lo prueba su disco Don’ You Know I Care, su segundo álbum, en el que aúna las tradiciones del blues y las ya mencionadas del hard-bop. Su tercer disco como líder de una formación es desde su título, For Cannnonball and Woody, una declaración de intenciones a la par que una estupenda encarnación de esas ideas, con una música que huye de caminos trillados y se esfuerza incesantemente en la búsqueda de nuevos caminos de aproximación al swing.

La carrera de Antonio Hart ha proseguido imparable a lo largo de sus años como músico, numerosos premios, incluido un Grammy al mejor instrumentista, colaboraciones discográficas con McCoy Tyner, Dizzy Gillespie, Wayne Shorter, Vanessa Rubin, Ray Brown, Dee Dee Bridgewater y un largo etcétera. Todo ello sin descuidar su afán de aprender otras músicas y otros sonidos en países del Norte de África, Cuba o Israel, y de seguir con su trabajo de profesor universitario. En 1995 viajó a Europa y participó en importantes festivales de jazz, entre ellos el celebrado en Almuñecar (Granada) "Jazz en la Costa". Antonio Hart continua siempre a la búsqueda de nuevas sensaciones, innovadores propuestas y una amplia gama de estilos e influencias musicales que miran hacia el futuro.~apoloybaco.com



Con este álbum, Antonio Hart regresa después de una auto-impuesta, de cuatro años de exilio en el mundo del jazz. Sentirse atascado en los patrones de jazz predecible, Hart tomó un tiempo para reflexionar y para viajar, absorbiendo influencias de América Latina, África y Oriente Medio en el proceso. Ama Tu Sonrisa representa una nueva dirección creativa para el joven saxofonista. Mientras que todavía está sin duda sus raíces en el jazz, hace algunos movimientos inusuales - obtener, Productos Richie en el bajo eléctrico, la contratación de tres percusionistas (Renato Thoms, Rolando Morales, Khalil Kwame Bell). Hart alto, soprano y flauta son fuertes y lleno de espíritu, y la maestría musical discreto pianista Kevin Hays es indispensable. También hay apariciones de tenorist Yosvany Terry, el vibrafonista Steve Nelson, y, en la última canción, los cantantes Lenora Helm y Claudia Acuña. Bateristas Gainer Camille y Nasheet Espera ranuras de anclaje ecléctico del álbum. Los percusionistas, en particular, están muy bien grabado y mezclado, y el uso de los bienes con ocasional de un efecto de octava en su bajo un toque sutil, vigorizante. Aparte de los tratamientos ampliamente alterados de "Have You Met Miss Jones" y "Somewhere" (este último de la historia + West Side), la música es todo lo propio Hart. Mientras que él da a los oyentes una gran cantidad de masticar, uno se da cuenta que está luchando por la integración de todas sus influencias y salir con algo realmente distintivo. Ama Tu Sonrisa es un paso en lo que va a ser un proceso continuo de auto-reinvención. Es un paso firme, seguro, pero todavía no el definitivo. ~ David R. Adler, All Music Guide



Antonio Hart - Ama Tu Sonrisa (2001)

Temas:
01.For Amadou
02.Ama Tu Sonrise
03.Distant Cousins
04.Wayne's Lament
05.Forward Motion
06.Have You Met Miss Jones
07.Somewhere
08.Peace, Love and Light
09.Grover Washington
10.El Professor

Musicos:
Antonio Hart (soprano & alto saxophones, flute)
Yosvany Terry (tenor saxophone)
Steve Nelson (vibraphone)
Kevin Hays (piano)
Richie Goods (bass)
Camille Gainer, Nasheet Waits (drums)
Renato Thoms, Rolando Morales, Kahlil Kwamebell (percussion)
Lenora Helm, Claudia Acuna (vocals)

viernes, 14 de octubre de 2011

Los Hermanos Bravo - La Musica Cubana


Desde los años 50 a los hermanos Juan, Felix compusieron a los hermanos del bravo, y el bravo de Tony y en los años 60 tempranos el gran percussionist Marcos Barnet (Marquitos) ensambló. Comenzaron sus carreras musicales que jugaban bolero, las baladas, el hijo y el conga pero era el último genre que les trajo éxito nacional. Esto vino como un resultado directo del planeamiento del grupo: emprendieron un desafío valeroso para jugar la música del conga - el conga verdadero de la región de Oriente de Cuba que es realizada normalmente por docenas de músicos en los carnavales - con una venda de solamente cuatro o cinco miembros y el poner agregaron tactos tales como arreglos vocales de la armonía; algo que nunca fue hecho antes. Así el conga del hermano era extremadamente melodious, exacto ejecutó y mantuvo altamente una sensación cruda del uptempo. El grupo viajado con éxito nacionalmente e internacionalmente. Para el final del 80s habían viajado los 58 países de escalonamiento incluyendo: Los E.E.U.U., Canadá, México, Jamaica, España, Francia, Japón, Italia, y todos los países del viejo bloque socialista. Sus canciones llegaron a ser bien conocidas para concertar a audiencias: Hasta Santiago una empanada, la Batea, balcón del EL del por de Tírala entre otros. Desafortunadamente en 1992 dos de la venda original los miembros cayeron terminal enfermedad y la venda no podía continuar causando un vacío de la música del conga en la escena cubano de la música. Sino como tate dic de las tradiciones de la familia, los hijos de los hermanos originales del bravo, bajo dirección del bravo de Tony, uno de los miembros originales, continuaron sus padres emocionantes y herencia musical sin par y formaron el Hermanos nuevo Bravos. Cada año, como ha sido la vieja tradición de los siglos, hay carnavales llevados a cabo en las ciudades importantes de Cuba. Los hermanos del bravo tienen convertido las atracciones principales en estos carnavales y en 1997 recibieron el primer premio para la canción "la Habana del bravo de Esteban de Que Baile" en el carnaval más grande de Cuba. Los hermanos del bravo son el excitar, ruidosamente pero venda altamente melodious y amistosa. Traen a audiencias a la vida con sus trajes vividly coloridos y bailar enérgio. Le encantan con su presencia de la etapa y el acto de cinco pedazos le trae en el mundo del carnaval cubano infeccioso.

Más Información relacionada



Los Hermanos Bravo - La Musica Cubana

Temas:
02. La Musica Cubana
03. Que Calumnia
04. Cha Cha Cha Con Charleston
05. Oh, Que Bello Es El Amor
06. Guaguanco Como Columbia
07. Con Los Bravo
08. Que Atardecer
09. La Luna En Cha Cha Cha
10. Hay Que Tener En Cuenta
11. Te Toco Liborio
12. Belen Y Recholata De Amor

Información cedida por Osvaldo M

miércoles, 12 de octubre de 2011

Domingo Patricio – Domingo Patricio


Domingo Patricio es uno de los flautistas mas relevantes e interesantes del panorama flamenco actual.

Tras unos inicios en el ámbito de la música clásica, debutando como solista en 1982 interpretando “Ill Cardellino” de Vivaldi junto a la Orquesta de Cámara del Liceo de Barcelona. Pronto se embarca en proyectos flamencos y jazzísticos iniciando su carrera profesional. De estos los más destacados son su militancia en los grupos de Jaleo, Juan Manuel Cañizares, Enrique Morente, Sara Baras y Mark Ledford.

Junto al guitarrista Diego Cortés formó parte del mítico grupo de fusión Jaleo.
Con el guitarrista Juan Manuel Cañizares participa en los discos “Noches de Imán y Luna” (Nuevos Medios 1997) como flautista y “Punto de Encuentro” (Emi 2000) como flautista y arreglista, y formando parte de su grupo en directo.

Sara Baras le requiere para formar parte de grupo, siendo además participe de la composición musical en los espectáculos “Sueños”.
La flauta de Domingo esta presente en los directos de “Misa Flamenca” y “Omega” del maestro Enrique Morente.

Una aventura jazzística es la que inicia junto al trompetista y cantante Mark Ledford (Pat Metheny Group), formando parte del grupo “Ultissimo” con Will Calhoun (Living Colors), Jim Anton, Melena Francis y Allen Hinds.

Sin olvidar las colaboraciones en el disco “Ciudad de las Ideas”(BMG 2000) de Vicente Amigo, en el disco “El orgullo de mi Padre”(Nuevos Medios 1996) de Pepe y Paco de Lucia, o en “Para que no se duerman mis sentidos” de Manolo García (ARIOLA 2004).

En el 2005 publica su primer trabajo discográfico en solitario. Disco producido por él mismo y Rafael Cortés; contando con la coproducción musical de Carles Benavent, y grabado, mezclado y masterizado por Klaus Dieter en Alemania.

Domingo se rodea de una formación de lujo: el bajista Benavent, el guitarrista Rafael Cortés y el percusionista Davis Huertas para ofrecernos diez tema flamencos en Mayúsculas.

En su conciertos, podemos disfrutar de un sonido único, dentro del flamenco con originales composiciones justamente interpretadas por su flauta travesera y los músicos que le acompañan.





Domingo Patricio – Domingo Patricio (2008)

Temas:
01.Mareando La Perdiz (Tangos)
02.Tacones Y Nudillos (Bulería)
03.Amigo Eterno (Siguiriya)
04.Rumba Del Quiosko (Rumba)
05.El Alfil (Alegrías)
06.Casa Behrouz (Fandangos)
07.Tio Bunyol (Rondeña)
08.Velocidad De Crucero (Soleá por Bulería)
09.Mimoto (Tanguillo)
10.Mas Lejos...Mas Cerca (Taranta)

Musicos:
Domingo Patricio - Flauta travesera
Rafael Cortes - Guitarra y Mandola
Carles Benavent - Bajo
David Huertas - Percusión y Palmas

martes, 11 de octubre de 2011

Tito Puente-En Holltwood



Nacido en 1923 en Harlem, (New York, USA), Tito Puente, estudia el piano, el órgano, el vibráfono, la batería, los timbales y la conga y desde los trece años trabaja como un profesional en diversos grupos locales.
Después de haber pasado por la orquesta de Noro Morales, y por la de Machito, la Segunda Guerra Mundial, lo lleva a la marina. Allí conoce a Charles Spivak, jefe de orquesta y ex-trompetista de Glenn Miller, y aprovecha para familiarizarse con la técnica de los arreglos y la composición. Los tres años de estudios en la "Julliar School" de Nueva York, de 1945 a 1948, constituyen el final de su aprendizaje y decide formar su propia orquesta en 1948, con la cual se incorpora a la lucha por ser uno de los grandes músicos protagonistas del mambo, que entonces emergía con fuerza en los ambientes latinos de New York.

Desde entonces, aliando modernidad y tradición, este músico extraordinario, compositor talentoso de temas como, "Ran Kan Kan", "Oye como va" y otras, se convierte en un gran amenizador y figura imponente en el escenario, y practicamente toca la mayor parte de los estilos latinos, marcándolos con su impronta personal. En los años ochenta, interviene asiduamente en el show televisivo de Bing Cosby y en 1992, protagoniza el film, "El rey del Mambo". Hoy por hoy sus clásicos y composiciones se oyen por doquier: "Oye cómo va" y "Para los rumberos" han sido grabadas por leyendas del rock como Carlos Santana, amigo y admirador suyo. Sus álbumes "El número 100", "El Rey del Timbal", "Cuban Carnaval", "Puente in Percusión", "Dance Manía" y "Top Percusión", conforman piezas clave de los coleccionistas aficionados al latín jazz.

Su música influyó decisivamente en el desarrollo de la música latina, hasta el punto de que ya hay cátedras oficiales sobre su modo de percusión en varias universidades. Obtuvo 11 nominaciones a los Premios Grammy y logró 4 de ellos; ha recibido varias condecoraciones presidenciales por su fomento a la música popular y su labor educativa. Fundó en los años 80, de la mano de Joe Conzo y Roberto Rodríguez, el "Tito Puente Scholarship Fundation", encargado de ofrecer becas a jóvenes talentos. En 1997 Tito grabó "50 Years of Swing", una recopilación de éxitos con la que celebró sus cincuenta años en la industria musical; además fue elevado al Salón de la Fama del Jazz junto a grandes estrellas como Nat King Cole, Miles Davis, Rey Charles y Anita O’Day.

Fue en su último concierto en público, junto a la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico, cuando se le detectó una arritmia cardiaca que se buscó corregir en una intervención quirúrgica, pero su corazón no soportó la operación. Fallecía el "Rey del Timbal" un músico que con la sonrisa siempre en los labios se ganó el respeto de sus contemporáneos. La última vez que lo pudimos ver sonreír fue en la extraordinaria película de Fernando Trueba dedicada al jazz latino y titulada "Calle 54". Apenas unos meses después su sonrisa se truncó para siempre.~apoloybaco.com

Más información relacionada




Tito Puente-En Holltwood

Temas:
01. Baila Pachanga
02. Sol De Medianoche
03. Ven Morena
04. Abril en Paris
05. Negra Bon Bon
06. Tito Al Maximo
07. Pachanga De Flauta
08. Ojos Negros
09. Mañana De Carnaval
10. Pajaro Cho Gui
11. Ah.Vah

Información cedida por Osvaldo M

domingo, 9 de octubre de 2011

Naná Vasconcelos & Itamar Assumpção - Isso Vai Dar Repercussao


Juvenal de Holanda Vasconcelos, más conocido como Naná Vasconcelos, (Recife, 2 de septiembre de 1944) es un músico percusionista brasileño.
Durante toda su carrera siempre tuvo preferencia por los instrumentos de percusión y en los años 1960 se hizo conocido por su eximio talento en el berimbau. A partir de 1967, actúa como percusionista al lado de diversos músicos de peso como Jon Hassel, John Zorn, Ralph Towner, Pat Metheny, Jan Garbarek y Egberto Gismonti entre otros. Formó entre los años 1978 y 1982 el grupo de jazz Codona, junto a Don Cherry y Collin Walcott, con quienes ha editado 3 discos...Seguir leyendo



Un compositor no convencionales relacionadas con una mezcla propia de la música brasileña con el funk, el reggae y la música rock, que sirve como vehículo para su corrosivo y letras satíricas de contenido social, Itamar Assumpção siempre ha sido un artista alternativo. Él ha sido grabada por muchos artistas de la talla de Ná Ozzetti (varias canciones), Cássia Eller ("Já Deu Pra Sentir", "Aprendiz de Feiticeiro"), Branca de Neve ("Nego Dito"), Mônica Salmaso ("Canto Em Qualquer Canto, "por Itamar / Ná Ozzetti), y Zélia Duncan (" Código de Acesso "). Assumpção hizo su debut musical con su banda, Isca de Polícia, en un festival local en 1979. Él se puso en marcha para un público más amplio en el centro del movimiento de Vanguarda paulista, junto con Arrigo Barnabé, Premeditando o Breque, y el Grupo Rumo en la Lira Paulistana Teatro (São Paulo SP), en el mismo período. Su primer álbum fue el independiente Beleléu Leleu Eu, grabado en 1980. Ataulfo ??Alves Por Itamar Assumpção - Pra Sempre Agora fue otorgado por la APCA (Asociación Paulista de Críticos de Arte) como el Mejor del Año. En 1988, actuó en Alemania para la primera de muchas veces, participando en la Dokumenta de Kassel. Él lanzó varios álbumes y tuvo una audiencia fiel en ese país. Su último álbum, Pretobras, fue lanzado en 1998 y encontró Itamar como política de corte como siempre con un título que astutamente enfrenta la industria del petróleo en Brasil. Sus años después del lanzamiento álbumes fueron pasó luchando contra el cáncer intestinal, que se quitó la vida 13 de junio 2003.


"El sonido de los dos fue modificada por los sonidos de los dos."
Con esta frase Pernambuco percusionista Nana Vasconcelos resume perfectamente su encuentro con el cantante y compositor Paulo Itamar Assumpção, se produjo a principios de 2001.
Reunión nació de una idea del compositor Zeca Baleiro Maranhão, que imaginó un espectáculo en el SESC Pompeya en Sao Paulo, que reúne a los dos músicos. Idea que se convirtió en un disco fonográfico, en una conversación con el productor Paulo Zeca Paulo Lepetit.
El punto de partida del disco fue la interacción de dos grandes iconos de la música brasileña negro, la improvisación y con derecho a todo tipo de ideas, el duelo / innovadora fusión de dos idiomas - percusionista moderno y creativo compositor y arreglista Itamar Nana
Reuniones, desacuerdos, encuentros. Han pasado tres años. Itamar se ha ido. Fue el acta de esta reunión, además de una pizca de sonido de un selecto grupo de invitados, como el Bocato trombón, arreglos y Lepetit bajo, voces Anelis Assumpção, Milliet Vange Fernandes y Tata. El disco sorprende por la simplicidad y la economía. Puede ser simple y sofisticado en la misma medida, popular y audaz en la misma medida.


Más información relacionada



Naná Vasconcelos & Itamar Assumpção - Isso Vai Dar Repercussao (2005)

Temas:
01.Leonor
02.Cabelo Duro
03.Próxima Encarnacao
04.Fim De Festa
05.Justo Você Berenice
06.Aculturado
07.Assim Naná Ensina

Musicos:
Naná Vasconcelos (vocals, talking drum, cuica, pandeiro, triangle, caxixi, percussion, palmas)
Itamar Assumpçao (vocals, guitar)
Vange Milliet, Tata Fernandes (vocals, palmas)
Anelis Assumpçao (vocals)
Paulo Lepetit (guitar, violin, keyboards, sampler)

Información cedida por Sebastian Bar

sábado, 8 de octubre de 2011

Omara Portuondo - Grandes Duetos


En la larga carrera musical de Omara Portuondo además de sus grandes éxitos, de su amplísima discografía y de haber difundido a nivel mundial lo mejor del repertorio de la canción cubana, hay un detalle que amerita ser nombrado y es el leit motiv de este disco: la cantidad de dúos que ha realizado con disímiles intérpretes tanto cubanos como extranjeros. Artistas reconocidos como: Elena Burke, Teresa García Caturla, “Puntillita”, Pío Leyva, entre muchos otros, han unido sus voces con la de Omara para dejar registrado dúos memorables como el dificilísimo Nuestras vidas /Mi corazón es para ti de Orlando de La Rosa, junto a Elena Burke, o el bellísimo Reclamo místico con Pío Leyva, ambos incluidos en este CD. Sin embargo, su grandeza como intérprete no ha impedido que se disponga a aceptar la invitación de artistas noveles, y acompañarles con igual maestría e interés. Así han salido los featuring con Raquel Sosaya y Kiki Corona en el año 1996 cuando ambos eran aún muy jóvenes intérpretes y se lanzaban en el mundo de la cancionística o más recientemente cuando juntó su voz a la de Arnaldo Rodríguez en Havana travel, momento del cual ha expresado que fue una experiencia singular, por la belleza del tema. 20 duetos de Omara, es el regalo de este CD para los seguidores de la Novia del filin, o de la Diva del Buenavista Social Club… como prefiera.

Más información relacionada



Omara Portuondo - Grandes Duetos (2010)

Temas:
01.Amigas
02.Este son homenaje
03.Deja que suba la marea
04.Quizás, quizás, quizás
05.Afortunadamente tengo son
06.Reclamo místico
07.La cumbancha
08.Nuestras vidas (Mi corazón es para ti)
09.Para vivir de lejos
10.Sigamos amantes
11.Viento
12.Por los caminos del amor
13.Amor dame vida
14.Libre de pecado
15.El amor de mi bohío
16.Y tú qué has hecho
17.Bajo un palmar
18.Cómo es posible
19.Habana travel
20.Lo que me queda por vivir

Información cedida por Osvaldo M

jueves, 6 de octubre de 2011

Carles Benavent – Fenix




El bajista Carles Benavent es un músico que es mundialmente respetada. Su trabajo con el guitarrista Paco de Lucía se dio cuenta de Miles Davis y Chick Corea y sus grabaciones de inspiración a muchos músicos españoles que vagan por los caminos del flamenco y la música jazz.

Carles Benavent es ampliamente conocido no sólo como un músico de jazz flamenco bajo, sino también como el creador del estilo flamenco bajo sí mismo. Durante sus 25 años de colaboración con Paco de Lucía, que forjó un estilo único de tocar ahora ampliamente reconocida por la comunidad flamenca bajo. Lo que Jaco Pastorius convirtió en el estilo de jazz Carles Benavent se convirtió en el estilo flamenco.


Recorriendo el mundo en el que también ha conocer y tocado con artistas de renombre como Miles Davis, Chick Corea y Goldstein Gil.



En este disco Benavent ha grabado seis intrumentales, dos de ellos son obras inéditas de Jaco Pastorius, uno de los músicos que más ha influído en la forma de entender la música de Benavent.



Más información relacionada




Carles Benavent – Fenix (1997)

Temas:

01.Viva Cai!
02.Iguales Para Hoy
03.Calipso Meu
04.Chiquita Linda
05.Free Hand Dance
06.Three Women/ Good Morning

Musicos:

Carles Benavent: bajo y mandolina
Joan Albert Amargós: teclados
Gil Goldstein: piano y acordeon
Jorge Pardo: saxo y flauta
Othello Molineaux: steel drum
Ruem Dantas: percusión
Tino Di Geraldo: batería
Nan Mercader: bata

lunes, 3 de octubre de 2011

Celio Gonzalez-El Balcon Aquel


Celio Adán González Ascencio (*Camajuaní, Cuba), 29 de enero de 1924 - † Ciudad de México, 17 de octubre de 2004). Destacado cantante cubano, conocido en el ambiente musical como "El Satanás de Cuba", "El Flaco de Oro". Su época más prodigiosa fue con la Sonora Matancera.

Sus inicios artísticos fueron estimulados por su madre, ya que lo protegía por la enfermedad hereditaria denominada focomelia, que le provocó nacer sin dos dedos de la mano y de los pies. De niño ayudaba a su madre a la venta de artículos de artesanía.

Participó en el concurso de La Corte Suprema del Arte realizado en Sancti Spíritus. Residió algún tiempo en Camagüey y allí, con diecisiete años de edad, trabajó en la orquesta de Joaquín Mendivel, así como en el Conjunto Camacho. Fundó el Trío Nacional. Se trasladó a La Habana donde se empleó como cantante de los conjuntos Los Jóvenes del Cayo de Alfonsín Quintana, el de Luis Santí y el Conjunto Casino.

Su época de oro empezó el 23 de mayo de 1956, con la Sonora Matancera, dirigida a la sazón por Rogelio Martínez. Fue cantante de planta de la orquesta en sustitución de Bienvenido Granda y Laíto Sureda.

La primera canción que grabó fue el bolero-rítmico "Quémame los ojos", su primer gran éxito, y luego otros como "Total", "Amor sin Esperanza", "Y no me engañes Más", "Besito de Coco".

En 1959 ya Fidel Castro gobernaba la isla, cuando Celio regresaba de una gira, cuando se dio con la desagradable sorpresa que le habían confiscado todos su bienes, y al verse en la desesperación, viajo a Ciudad de México junto a su esposa Martha Torres y sus hijos Celio Lázaro y Linda Elisa. contratado por la empresa de discos Orfeón, y fijó su residencia en ese país. En 1962 retornó a la Sonora Matancera y nuevamente firmó para Seeco Records, quedándose hasta 1965. Se añadieron nuevos éxitos "Yo, soy el Son Cubano", "Vámonos de Fiesta", "Nobleza", "Noche de Farra".

Actuó en radio, televisión, teatro, centros nocturnos y grabó varios discos de larga duración. Se destacó en el bolero, aunque interpretó casi todos los ritmos. Entre sus grabaciones más recordadas está el bolero de José Dolores Quiñones "Vendaval sin rumbo". Se le conoció bajo el epiteto de "El flaco de oro". En México se publicó un libro sobre su vida y obra. En el 2003 participó en un homenaje póstumo a Celia Cruz. Falleció de un paro respiratorio. Antes de su fallecimiento logró grabar un disco de boleros en homenaje a José Antonio Méndez.



Celio Gonzalez-El Balcon Aquel (1998)

Temas:
01.Amor Sin Esperanza
02.Atribulado
03.Quemame Los Ojos
04.Al Mirarte A Ti
05.Mujer Fatal
06.Cien Mil Cosas
07.Estamos Chao
08.Vendaval Sin rumbo
09.En El Balcon Aquel
10.Guillate
11.Quimera Fugaz
12.Oye Mima
13.Que Temor Te Abraza
14.Centinela
15.Baila Mi Rumba
16.Ofensa
17.No Aguanto Mas
18.Total

domingo, 2 de octubre de 2011

Clara y Mario - Las Voces del Siglo



Formado en 1953 por Clara Morales y Mario Rodríguez. El dúo comenzó sus actuaciones en fiestas escolares y actividades culturales en Regla y La Habana. Mas adelante se presentó en centros nocturnos y en programas radiales. En 1961 comenzó su popularidad, que se ha mantenido por muchos años. Cultivó canciones tradicionales y románticas cubanas. A la muerte de Clara, Mario continuó presentándose como solista, en festivales de boleros y otros eventos. Fue un dúo muy bien combinado que dejó gran cantidad de grabaciones


Conocido como el Dúo Romántico de Cuba, se fundaron en la década del 50 en el municipio de Regla y en 1961 despunta su popularidad gracias a la entrada en la Radio y la Televisión cubanas. Su repertorio incluyó desde el inicio innumerables canciones y boleros, tanto cubanos como latinoamericanos; reconocidos temas se estrenaron en sus acopladas voces para hacerlos muy populares en Cuba y en otros países. Su presencia fue muy sostenida en los medios de difusión y en el mundo de la discografía; como dúo vocal cada uno mostraba su propia personalidad: se advertía la fuerza expresiva de Mario y los amplios matices emotivos de Clara; así lograron una imbricación total, donde para todos dejaron de ser cada uno entes independientes, desde entonces fueron Clara la de Mario y Mario la de Clara. Desde el punto de vista de la definición como dúo jugaban con el intercambio de voces, a veces uno hacia la prima y en otra vez la segunda; y viceversa, aspecto que denotaba sus posibilidades vocales y habilidades al recrear las armonías. Hasta la muerte de Clara siguieron ofreciendo a su público los éxitos de siempre: Cuenta conmigo, Si en un final, Que pena me da, entre muchos otros, que hoy puede disfrutar en esta entrega de Las voces del siglo.




Clara y Mario - Las Voces del Siglo (2010)


Temas:
01.Tú y tu corazón
02.Aquel anillo pequeño
03.Has llegado tarde
04.Y es verdad
05. Amorosa guajira
06.Como mi vida gris
07.Si en un final
08.Retorna
09.Le dije a una rosa
10.Llegaron las golondrinas
11.Qué triste es comprender
12.Quién pero quién
13.Firme decisión
14.Qué pena me da
15.Volver, volver
16.Nunca
17.Ojos tristes
18.Un viejo amor
19.La media vuelta
20.Nunca jamás
21.Si vas para Chile
22.Cuenta conmigo

Información cedida por Osvaldo M

sábado, 1 de octubre de 2011

Tete Montoliu-Primeros Pasos

Enlace
En el hasta hace poco desolador panorama del Jazz en España, la figura del extraordinario pianista barcelonés, Tete Montoliu, (1933-1997) ha brillado con luz propia y casi en solitario durante muchos años. Tete, como todos los aficionados al jazz en España lo conocíamos, nació en el seno de una familia barcelonesa de gran vocación musical: su padre integraba la Banda Municipal y la Gran Orquesta del Liceo, y su madre era una entusiasta aficionada al jazz. Niño prodigio, ciego de nacimiento, a los cuatro años, cuando ya garabateaba con notable precisión los primeros compases de pequeñas piezas clásicas, realizó un curso de música en la Escuela de Ciegos de Barcelona y posteriormente cursó estudios en el Conservatorio Superior de Música de la Ciudad Condal, iniciándose en el jazz atraído por la escucha, paciente y entusiasmada de otro gran pianista ciego, el maestro, Art Tatum. Tete, tuvo la suerte de ser oído por el gran maestro del vibráfono, Lionel Hampton, que quedó deslumbrado por la expresividad de Montoliu, que entonces se ganaba la vida tocando en un oscuro pub barcelonés. El músico estadounidense lo invitó a sumarse a la gira europea de su banda. También tuvo la suerte de que otro gran músico, el saxofonista afincado en Barcelona, Don Byas, le animara a tocar con el en el mítico club "Jamboree" de la Plaza Reial de Barcelona. Desde entonces, Tete, tocó con casi todos los grandes maestros del jazz: los saxofonistas John Coltrane, Dexter Gordon, Ben Webster y Stan Getz; los trompetistas, Chet Baker o Paquito D'Rivera; el baterista, Elvin Jones y el violinista, Stephane Grappelli entre otros. A finales de los años cincuenta, dio sus primeros recitales en Nueva York, en el célebre club, "Up of the Gate" y fue distinguido como mejor pianista europeo de jazz por sus propios compañeros. Entre sus principales trabajos discográficos, más de sesenta discos grabados en distintos formatos, destacan "Body & Soul" (Black Lion, 1971), "Tete!" (Steple Chase, 1974; "Tete a Tete" (Steple Chase, 1976), "Lunch in L.A" (Original Jazz, 1979)."The Man From Barcelona" (1990) o por fin el extraordinario directo en Madrid, "Tete en el San Juan" (Melopea, 1997). Tete Montoliu, falleció el 24 de agosto de 1997 en Barcelona víctima de un cáncer pulmonar. El jazz en España está en deuda permanente con este gran músico.~apoloybaco.com


TETE MONTOLIU
primeros pasos (mambos, boleros, cha-cha-chás y unas gotas de jazz).
Todo el mundo tiene su historia y carga con ella con
resignación o con orgullo, a veces con ambas cosas a la vez. Eso le sucedía a Tete Montoliu. Una parte de su pasado musical poco o nada tenía que ver con su realidad jaz­zística pero nunca renegó de lo que le había tocado vivir y de cómo lo había vivido. Este disco incluye por primera vez en formato digital (y en muchos casos por primera vez desde su edición original viejos discos de pie­dra de 78 r.p.m. o en primigenios microsurcos de 45 r.p.m.) parte de esa historia que Tete Montoliu cargaba a sus espaldas con orgullo y también con resignación. Desde su más tierna infancia Tete Montoliu había querido ser pianista de jazz. Los discos de la gramola de su madre le habían abierto los oídos, la profesionalidad de su padre en campos cercanos le había marcado un camino y, un poco más tarde, su amistad con Don Byas le había demostrado que, aunque muchos se empeñaran en mantenerlas cerradas, las puertas podían abrirse. Tete tenía las cosas claras pero en la España de la inmediata posguerra no era fácil convertirse en músico de jazz. Más bien al contrario: difícil sería decir poco, imposible mucho mas realista. Cuando Tete estudiaba en el Conservatorio Municipal de Barcelona el jazz estaba totalmente prohibido. No es que se considerase como una música mala o desdeñable, simplemente no se le consideraba como música. Pero Tete y sus amigos estaban decididos, costase lo que costase, a tocar la música que realmente les llegaba al corazón. Ya en las aulas del viejo y entrañable edificio de la calle Bruch de Barcelona se escondían de sus profesores para interpretar música de jazz. "En el Conservatorio de Barcelona estaba prohibido tocar jazz", recordaba Tete. "No es que estuviera mal visto, decían que no era música y simplemente estaba prohibido, De lo que no se daban cuenta es que, al ser una cosa prohibida, nos atraía aun más. Entre clase y clase nos reuníamos en un aula Ricard Roda, José Guardiola, Jesús Peirón y algún crío más y nos poníamos a tocar jazz. Colocábamos a otro niño en la puerta para vigilar, si aparecía algún profesor nos silbaba y nosotros pasábamos directamente del jazz a 8ach; teníamos una habilidad especial para hacer ese cambio y disimular, Casi nunca nos pescaron aunque algún que otro castigo ya nos cayó a Roda y a mí por ser los cabecillas". Cuando Tete ya estuvo en edad de lanzarse a los escenarios para ganarse la vida como músico, el jazz de tan minoritario prácticamente no existía y, a menudo, quedaba encerrado en locales de mala reputación. Así que nuestro pianista tuvo que comenzar a ganarse los garbanzos haciendo lo que entonces se llamaba música comercial, es decir boleros, cha-cha­chás, mambos y cualquier otro tipo de canción que permitiese bailar. Música generalmente muy alegre destinada a hacer olvidar los problemas de una población que todavía subsistía gracias a las cartillas de racionamiento o, en el otro extremo de la escala social en lujosas salas de fiestas, a servir como fondo musical del entrechoque de copas burbujeantes de lo que entonces aun se llamaba champán. "Tocaba a diario porque queria llevar dinero a casa y tener dinero para gastar. No se trataba de un gusto especial por la música que hacíamos porque a mí me seguía interesando el jazz pero tocando jazz no se ganaba ni un duro por lo que me veía obligado a tocar en todo tipo de locales". Tete intentó compaginar su afición más íntima con la necesaria búsqueda del sustento pero no siempre pudo conseguirlo. Un poco hastiado de locales barceloneses como Las Vegas Tete se trasladó también a Madrid buscando nuevos horizontes que, al final, resultaron ser los mismos. "El trabajo en Madrid me lo proporcionó Lorenzo González, al que conocía desde que llegó a España en 1952, y duró unos quince días. hasta que me echaron porque la gente no entendia lo que tocaba. Lo mismo me sucedió en otros locales de Barcelona como el Embassy o e Atelier de los que me echaron con muy buenas maneras porque a pesar de que tocaba cosas comerciales lo hacía de forma jazzística, Para mi era realmente difícil, un tormento, salir cada noche a tocar las mismas cosas y de la misma manera, la gente quería escuchar sus canciones preferidas tocadas sin ningún cambio, para poder seguirlas mentalmente, y a mí eso me reventaba porque la música es algo vivo y se mueve y cambia constantemente, Tocar dos veces una cosa de la misma manera es la antí-música". Esa forma jazzística de tocar temas comerciales se nota ya en el imberbe Tete, En su primera grabación con el Latin Quartet, ese toque destáca ya poderosamente. El Latin Quartet fue una aventura efímera, nació para atender a un contrato surgido en la playa de La Haya en 1954, cuando Tete acababa de dejar el Coriservatorio barcelonés. Uncontrato de tres meses para tocar en el Club Flyifng Dutchman con la condición de que debían explotar su latinidad. de ahí el nombre dél cuarteto escogido a toda prisa. El grupo consiguió cautivar al público holandés y hasta aprovecharon su popularidad para hacer anuncios de cerveza. El, Latin Quartet grabó un solo disco en Holanda en ese verano de 1954. La grabación tardó cuatro años en publicarse en España y cuando lo hizo fue casi de forma clandestina, posiblemente porque el grupo ya no existia y nadie lo recordaba. Los dos temas grabados en Holanda se editaron como complemento de otros dos grabados por Laguestra y su Marimba Típica. El discos se presentaba con el título de Al sur del Río Grande y el nombre del grupo, debidamente castellanizado como Cuarteto latino, figuraba en un lateral en tipología pequeña. No se reseñaban ni los componentes del cuarteto ni los nombres de los autores de las dos canciones. Una era un popular éxito de Los Panchos, No, no y no, y la otra un ritmo cubano titulado Píntame de colores que el cuarteto (o su discográfical rebautizó como Superhombre y del que sólo interpretaban el pegadizo estribillo. De regreso a España Tete volvió a moverse entre Madrid y Barcelona al frente de grupos de música latina (maracas, tumbadoras y camisas de lunares y faralaes) o colaborando con alguno de sus amigos como Juanito Segarra o Lorenzo González. Con la orquesta de Lorenzo González. una de las más populares del momento, Tete grabó varios mambos a lo Pérez Prado que le permitieron mostrar toda su sabiduría pianística a pesar de las limitaciones tanto del ritmo como de la duración obligada de los temas que no podían superar nunca los tres minutos y medio de duración. El nombre de Tete nunca figuró en las portadas ni en las notas de presentación (en realidad no tenían notas) de esos discos. Una colaboración anónima que todavía hoy se escucha con placer. En 1955 Tete coincidió en Madrid con su padre que en aquel momento estaba tocando en la orquesta de Jaime Camino. Cada noche cuando Tete acababa su trabajo se trasladaba a la Parrilla del Alcázar para oír a su padre aunque pronto todos descubrieron que el interés no era tan paterno-filial como parecía y lo que realmente atraía al joven pianista era la cantante de la orquesta: una cubana llamada Pilar Morales. "Jaime Camino era un gallego emprendedor que rápidamente se dio cuenta de que una orquesta que tocaba eminentemente latino vendía más si tenía algún músico negro, Así que se dedicó a importar músicos negros para su orquesta y uno de los que se trajo de Cuba fue la cantante Pilar Morales. La conocí por casualidad una noche en que fui a buscar a mi padre al Alcázar y me enamoré perdidamente. A partir de aquel día todas las noches acababa casualmente en: el Alcázar ante la indiferencia de mi padre que pensó que sería un ligue más". Tete y Pilar se casaron en Barcelona el 5 de abril de 1956 e inmediatamente comenzaron a trabajar juntos por díversos clubes de la ciudad llegando a grabar algunos discos con el rutilante nombre de Tete Montoliu su Conjunto Tropical, es decir: más maracas, mas tumbadoras, mas camisas de lunares y faralaes y, sobre todo, más boleros, más mambos y más cha-cha-chás. En esé grupo la voz de Pilar compartía la primera fila con la de Jorge Candela. Pilar interpretaba los boleros y Candela los ritmos más ligeros. Tete Montoliu y su Conjunto Tropical grabaron en total cuatro discos de piedra de 78 r.p.m. que después se convirtieron en dos microsurcos de cuatro canciones cada uno. En esas ocho canciones grabadas (todas con la servidumbre de los tres minutos y medio) encontramos cuatro boleros en la voz de Pilar Morales, alguno con el toque picante del momento, cla­ramente importando de las insinuaciones de Graciela en el grupo de Machito, y otros con toda la descanada crudeza del bolero más clásico. En las cuatro canciones cantadas por Candela las cosas cambian un poco, sobre todo vistas con ojos (más bien oídas con oídos) del siglo XXI. Alguno de esos textos está claramente desfasado y hoy nadie se atrevería a cantarlo. Como mínimo se le tacharía de políticamente incorrecto o de descaradamente machista, pero debemos situamos en la España de la posguerra. En los años cincuenta del pasado siglo y sumidos en una dictadura en la que el machismo y el nacional-catolicismo eran las únicas reglas a seguir (las otras llevaban de cabeza a la cárcel). Las bromas sobre la Mujer Vespa deben escucharse e intentar comprenderse única y exclusivamente en ese contexto. En cambio un texto que no ha sufrido tanto por paso del tiempo es el de Esto es el amor de Pepe Iglesias El Zorro; en aquel momento todos los niños, y no tan niños, de España seguíamos los programas radiofónicos del popular humorista y sus imitaciones eran repetidas en todos los corrillos. Tete Montoliu y su Conjunto Tropical actuaron muy poco en directo. En realidad tanto Tete como Pilar tenían sus carreras respectivas e intentaban seguirlas. Estamos en 1956 y en el Windsor Palaee de Barcelona se anuncia una actuación de Lionel Hampton. Una actuación que cambiaría radicalmente la vida profesional (y lógicamente también la privada) de Tete Montoliu. EI 13de marzo de 1956, al acabar su concierto el siempre ávido de música Lionel Hampton montó una jam session en el mismo escenario. "Desde el primer momento yo me senté al piano porque no había otro pianista y ya no me movieron en toda la noche. Tocamos hasta las cuatro o las cinco de la madrugada. Lionel Hampton se deshizo en elogios y yo pensé que lo había hecho por puro cumplido, era una persona extremadamente educada, pero al día siguiente quedó claro que lo decia de corazón". Al día siguiente el popular vibrafonista norteamericano presentó a Tete como invitado en susegundo concierto barcelonés y se deshizo en elogios hacia el joven pianista. "Hampton me presentó como el mejor pianista de Europa. Tocamos juntos un Tenderly que duró casi media hora, con solos muy largos, y después un Oh! Lady Be Good que levantó al público de sus asientos mientras Hampton seguía repitiendo que yo era el mejor pianista de todo Europa". Unos meses después, en junio de ese año, Lionel Hampton actuó en el teatro Carlos III de Madrid. Aprovechando su estancia grabó el mítico disco Jazz Flamenco e invitó a Tete a participar en tres temas. El disco tenía bastante poco de flamenco, por no decir nada, y la utilización de unas castañuelas en algunos momentos es más un toque turístico que una opción musical. En realidad lo más flamenco era el dibujo de la tapa del LP español en la que se veía a Hampton tocado con un sobrero cordobés ante una bailaora con bata de cola. Esa edición se presentaba como Lionel Hampton y su orquesta y su quinteto Flamenco Five. Tete participa sólo en los temas en quinteto aunque su nombre no figura en los créditos ni de la edición española ni de la norteamericana. Estos tres temas del disco Jazz Flamenco son los primeros temas jazzisticos que Tete Montoliu pudo grabar, especialmente Tenderly (rebautizada Ternura en la portada española del disco) que prácticamente es un largo solo de piano sólo al final acompañado por vibráfono, guitarra, contrabajo y batería.~ MIGUEL JURADO, febrero de 2006.

Las frases de Tete Montohu entrecomilladas pertenecen al libro "TETE, CASI AUTOBIOGRAFíA" de Mlquel Jurado editado por fundación Autor (Madrid, 2005)


Más información relacionada



Tete Montoliu-Primeros Pasos (2006)

Temas:
Latin Quartet:
01.Superhombre (Alberto González)
02.No, No Y No (Oswaldo Farrés)

Orquesta De Lorenzo González:
03.Mambo-Jazz (Mambo) (J.L.Zavala)
04.Mi-Fa-Sol (Ritmo Portorriqueño) (Noro Morales)
05.Mambo De La Telefonista Mambo) (Pérez Prado)
06.No Se Irrite (Chirivico) (Pepe Márquez)
07.Luna De Miel En Puerto Rico (Bolero) (Bobby Capó)

Tete Montoliu Y Su Conjunto Tropical:
08.Ayer No Viniste (Bolero) (José Sola)
09.Playa Escondida (Bolero Mambre) (Manuel Moreno)
10.Qué Cosas, ...Que Cosas! (Bolero) (J.P. Latorre - A. Rivero)
11.No Me Hagas Consquillitas (Bolero Rítmico) (Sixto Batista)
12.La Mujer Vespa (Cha-Cha-Chá) (J. Sancha - Gil Serrano)
13.Té, Chocolate O Café (Cha-Cha-Chá) (P. Latorre - J. Guerra)
14.Cha-Cha-Chá Chabela (Cha-Cha-Chá) (Luis Demetrio)
15.Eso Es El Amor (Cha-Cha-Chá) (Pepe Iglesias "El Zorro")

Lionel Hampton Y Su Quinteto; "Flamenco Live":
16.Spain (Espana) (Jones-Kahn)
17.Tenderly (Ternura) (Gross-Lawrence)
18.Toledo Blade (La Espada de Toledo) (Lionel Hampton)

Musicos:
Tete Montoliu (vocals, piano)
Jorge Perez (vocals, percussion)
Pilar Morales, Lorenzo Gonzalez (vocals)
Billy Mackel (guitar)
June Gordner (bateria)
Peter Badie (double bass)
Angelica Maria (castanets)
Lionel Hampton (vibraphone)
Su Conjunto Tropical, Orquesta De Lorenzo Gonzalez
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???

A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados.
Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta.
Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio.
Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.

No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.

.

.

Mi lista de blogs