Aunque Art Taylor fue uno de los bateristas de jazz modernos de segunda generación más activos, trabajando en el estudio con Coleman Hawkins, Donald Byrd, John Coltrane y muchos otros, solo lanzó cinco álbumes bajo su propio nombre, de los cuales AT's Delight fue el tercero. Y de hecho es una delicia, brillante y percusiva, y cuando el conga Carlos "Patato" Valdés se une a Taylor y al pianista Wynton Kelly y al bajista Paul Chambers en tres cortes ("Epistrophy", "Move" de Thelonious Monk y un original con inflexión de calipso de Taylor llamado "Cookoo and Fungi"), el bolsillo de ritmo se abre en un mar azul profundo para los cuernos (Stanley Turrentine en saxo tenor y Dave Burns en trompeta). "Move" hace exactamente eso, se mueve y a un ritmo vertiginoso. La "Epistrofia" de Monk, en parte gracias a Valdés, revela sus raíces de rumba y nunca ha sonado más brillante. La composición de Coltrane, raramente cubierta, "Syeeda's Song Flute" parece igualmente renovada y revivida. El solitario original de Taylor, la conducción "Cookoo and Fungi", es tan agudo y alerta como un gatito que se despierta de una siesta al sol de primavera, y el solo de batería de Taylor es nítido, eficiente y se desliza sin problemas en el tema principal informado por el calipso. A.T.'s Delight es una excursión sólida, con una energía maravillosamente nerviosa pero completamente enfocada. ~ Steve Leggett (allmusic) Arthur S. Taylor, Jr. (6 de abril 1929-6 febrero de 1995) fue un baterista de jazz americano de la escuela del hard bop. Después de tocar en las bandas de Howard McGhee, Coleman Hawkins, Buddy DeFranco, Bud Powell, y George Wallington 1948 a 1957, formó su propio grupo, los Wailers. Entre 1957 y 1963 estuvo de gira con Donald Byrd, grabado con Miles Davis y John Coltrane, y tocó con Thelonious Monk, sino que también era miembro del cuarteto original de Kenny Dorham de 1957. En 1963 se trasladó a Europa, donde vivía principalmente en Francia y Bélgica durante 20 años, tocando con grupos locales y con los músicos de gira americana. Continuó freelance después de regresar a los Estados Unidos, y en 1993 organizó una segunda banda llamada The Wailers.
Art Taylor - A.T.'s Delight (2007) Temas: 01-Syeeda's Song Flute 02-Epistrophy 03-Move 04-High Seas 05-Cookoo and Fungi 06-Blue Interlude
Musicos: Art Taylor(drums) Stanley Turrentine (tenor saxophone) Dave Burns (trumpet) Wynton Kelly (piano) Paul Chambers (bass instrument) Carlos "Patato" Valdes (congas
A cinco años de su muerte y cuando se cumpliría 83 años, sale un nuevo disco de la cantante cubana Celia Cruz compuesto por interpretaciones grabadas en vivo. Bajo el título, Su música por el mundo, el disco contiene la fotografía del pasaporte original con que la estrella de la salsa salió de Cuba en 1960. La colección incluye temas como Canto a La Habana, Que le den candela, La vida es un carnaval y Guantanamera, entre otras, así como fotografías suyas nunca antes vistas, informó el martes en comunicado de prensa la agencia de relaciones públicas F&F Media. "Desde los más variados escenarios del mundo, ella puso en alto la música tropical con su estilo e inagotable carisma, contagiando alegría y las ganas de vivir que aún se sienten al escuchar sus canciones", dijo el sello disquero Eventus Entertainment que publica la placa. Cruz, una de las mujeres más influyentes de la música latina, falleció en el 2003. La cantante quien solía aderezar sus canciones con el grito de "¡azúcar!", saltó a la fama en la década de 1950 con la legendaria banda afrocubana La Sonora Matancera. Luego salió del país, tras la revolución encabezada por Fidel Castro y tuvo una trayectoria que incluyó la grabación de más de 70 discos y un premio Grammy, entre muchas otras distinciones.Más información...
Más irformación relacionada Celia Cruz-En vivo (2009) Temas: 01-Canto a La Habana 02-Que le den Candela 03-Bamboleo 04-Usted Abuso 05-Quimbara 06-La vida es un carnaval 07-Guantanamera 08-El Manisero 09-Medley: Mi son maracaibo, Santa Isabel de las Lajas, Guantanamo, Caramelos, Dulce con Dulce, Pare Cochero, A Caballo 11-Bemba Colora Musicos: Voz: Celia Cruz Diirector Musical: Pedro Knight Piano: Lisandro A. Arias Bajo: Ray Rodríguez Trompeta: Luis Columna Trompeta:Rablo Domínguez Congas: Pedro Lavoe Saxo : Carl Cohen TImbales: César Carbajal Coro: ErnestO Fernandez Coro: José Allberto "El Ganario" Coro y Percusión: Julio César Carbajal Tumbadora: Richie Correa
Con hasta entonces, Danilo Perez rinde homenaje a los compositores populares que se siente haber hecho una diferencia en el mundo. Aunque el pianista panameño ofrece algunas composiciones originales, los trabajos de otros compositores - bien conocido, las personas consecuentes - es el objetivo principal de este Tommy LiPuma producidos CD. Algunas de las personas más miope en el mundo del jazz automáticamente asumir que si Pérez está utilizando para saludar a los compositores de jazz popular, debe estar pensando en Tin Pan Alley. Pero, en realidad, no hay normas de Tin Pan Alley hasta entonces - no George Gershwin, Irving Berlin no, no hay Cole Porter, no Harry Warren. Y eso es sólo porque así tan dinámicos como los de las leyendas son, la música popular que vale la pena no terminó con el Tin Pan Alley (contrariamente a lo que Stanley Crouch / Wynton Marsalis multitud habría oyentes creen). Pérez, por suerte, es lo suficientemente inteligente para darse cuenta de que - y hasta entonces, se encuentra el puesto de las posibilidades acústicas de balanza de pagos en las melodías de Stevie Wonder ( "Overjoyed") y Joni Mitchell ( "Fiddle and the Drum"), así como varios leyendas de América Latina, que van desde innovador salsa Rubén Blades ( "Paula C") para el astro brasileño Milton Nascimento ( "Vera Cruz"). Pérez tiene una larga perspectiva pan-latina - en otras palabras, se ve a diferentes partes del mundo latino en busca de inspiración musical - y hasta entonces lo refleja. "Cualquiera que interpreta Chico Buarque Trocando Em Miúdos" (otro gran melodía brasileña), artista cubano Silvio Rodríguez "Rabo de Nube", y la cantante chilena Violeta Parra "Gracias a la Vida" en el mismo CD, obviamente, no está limitándose a cualquier área particular del espectro de América. Mientras que hasta entonces es de largo alcance e imprevisibles, también centrada y homogénea, clara, Pérez sabe exactamente lo que está haciendo en este Además inspiró a su catálogo. ~ Alex Henderson, All Music Guide
Danilo Perez comenzó en la música a la edad de 3 años, cuando fue entrenado por su padre, quien era un cantante y líder de orquesta. A la edad de 10 años estudió el repertorio de piano clásico europeo en el Conservatorio Nacional de Panamá. Después de graduarse en electrónica, se ganó una beca para estudiar en el Indiana University de Pennsylvania, Estados Unidos y en 1985 estudió jazz en el Berklee College of Music. Entre 1985 y 1988, cuando aún era estudiante llegó a tocar con varios músicos como Jon Hendricks, Terence Blanchard, Claudio Roditi y Paquito D’Rivera. Adicionalmente produjo el disco Reunión y tocó en el disco ganador de un Grammy,Danzón.Másinformación... Danilo Perez - ...Till Then (2003)
"El piano no es mi cuerpo. El piano soy yo. Para mí la música es espíritu," Pianista, compositor, arreglador y gran Iider de bandas históricas, Bebo Valdés es una de las figuras más destacadas de la música cubana. A los 91 años, y a pesar de padecer artritis, sigue siendo uno de los pianistas mas importantes del mundo. Nacido en el pueblito habanero de Quivicán, el 9 de octubre de 1918, Valdés fue criado en medio de las músicas rituales yorubas de procedencia africana. Por sus abundantes aptitudes musicales (sobre todo al piano), a los once años la familia lo matriculó en el Conservatorio de La Habana, donde estudió armonla y solfeo. Al tiempo que recibía estos estudios académicos, se relacionaba con el jazz y el swing que sonaban a todas horas en La Habana. Con apenas diecisiete años, Bebo empezó a tocar piano en varias bandas. En la década del treinta fue integrante del Conjunto Camacho y la banda de jazz de José Maria Ulacia. También formó un trlo de jazz con Roberto Barreto al clarinete y su primo Guillermo Barreto a la batería. Continuó en el Conservatorio durante los años cuarenta, donde recibió clases del maestro Harold Gramatges. A partir de 1943 fue pianista de la orquesta de Wilfredo Curbelo en el Cabaret Faraón. La versatilidad del show obligaba a Bebo a interpretar muchos ritmos diferentes cada noche y a adiestrarse con mucha rapidez en muy diferentes tipos de arreglos para cada pieza, según las caracterlsticas de los cantantes solistas. En esta época también empezó a ser conocido y respetado como arreglista, trabajando para las emisoras habaneras más importantes: RHC Cadena Azul, CMO y Mil Diez. Tras colaborar entre 1945 Y 1947 en la orquesta del veterano trompetista Julio Cueva (donde Bebo compuso su primera pieza, "Rareza del siglo"), fue contratado para trabajar en Tropicana, donde permaneció casi una década como pianista y arreglista de la agrupación del famoso cabaret. Son históricas las descargas que tenian lugar en Tropicana los domingos por la tarde a inicios de los años 50, cuando varios de los integrantes de la orquesta, con Bebo Valdés al piano, tocaban bebop (y otros estilos de jazz) junto a músicos norteamericanos de relieve. En 1952, en el estudio-teatro de la emisora RHC, Bebo Valdés anunció el estreno de un nuevo ritmo llamado batanga que, entre otras innovaciones, introducla por primera vez en la música popular bailable el tambor batá, cuyo origen se remonta a las ceremonias religiosas afrocubanas. El grupo formado por Bebo para presentar el batanga estaba compuesto en su mayoría por músicos de la banda de Tropicana. En una de aquellas actuaciones en RHC presentó a Benny Moré, quien debutaba en La Habana cantando batanga tras triunfar con el mambo en México junto a Pérez Prado y Rafael de Paz. Pero Moré no llegó a grabar con Bebo y el batanga, lamentablemente, quedó en el olvido. A pesar de que el público asistente al estudio de la RHC y los oyentes radiofónicos recibieron con efusividad la buena nueva, tras la decena de programas donde tocó la increíble banda del batanga no hubo empresario alguno que respaldara lo que prometía ser una revolución musical semejante a la que llevaron a cabo Machito y Mario Bauzá en Nueva York, o Dámaso Pérez Prado en México. En 1954, Bebo empezó a grabar una serie de discos para el sello Decca: _Your Musical Holiday in Havana (Bebo Valdés and his Havana AII Stars), Music for the Girlfriend (Bebo Valdés and his Tropicana Orchestra) y Cha cha chás y charangas (The Latin Sound of Bebo Valdés and his Orchestra). Aunque el contrato exigía exclusividad en grabaciones instrumentales, le permitía trabajar como acompañante para otras casas discográficas. Asl comenzó un prollfico periodo en el que muchos cantantes, cubanos y extranjeros, tuvieron la oportunidad de contar con sus arreglos y su dirección. Bebo trabajó en la Orquesta de Tropicana hasta 1 957, cuando decidió fundar la orquesta Sabor de Cuba, que interpretando composiciones instrumentales o acompañando a renombrados solistas, demostró ser una de las más importantes bandas de jazz en la isla. Los integrantes de la orquesta Sabor de Cuba ya habían tocado y grabado juntos mucho tiempo antes, e incluian a músicos tan importantes como Alejandro "El Negro" Vivar, Luis Escalante (trompeta), Generoso "El Tojo" Jiménez (trombón), Gustavo Más, Rafael "Cabito" Ouesada, Virgilio Vixama (saxos, clarinete), Enrique "Kike" Hernández (bajo), Guillermo Barreta (baterías). Rolando Alfonso, y Cándido Camero (congas), entre otros. (A veces Bebo dejaba el piano a su joven hijo Chucho, para concentrarse en dirigir el grupo.) La mayoría de los temas que aparecen en este CD fueron grabados con los integrantes de la orquesta Sabor de Cuba (y la mitad de las composiciones son de Bebo). Algunas canciones se registraron antes de la formación oficial del grupo (como "Desconfianza" de 1952, y "Music Box Mambo", "Mississippi Mambo", "Mambo cantabile", "Big Shot Cha Cha Chá", "Descarga caliente" y "Miramar" de 1955), mientras que otras siguen el trayecto del grupo desde su inicio en 1957, hasta su fin en 1960. Tras haber brindado grandes éxitos a su orquesta Sabor de Cuba, en 1 960 Bebo se trasladó a México. Después de la revolución fue objeto de amenazas y decidió marcharse de Cuba definitivamente. En sus propias palabras: "Cuando me fui, ya me habian amenazado con 20 años de cárcel ... Yo fui uno de los primeros músicos que se fueron de Cuba. Fue difícil pero inevitable. Abandonar a tus hijos y abandonar tu casa con un contrato incierto y sabiendo que no podlas volver más a tu tierra. Hice como Cortés en Veracruz cuando quemó las naves ... Me dijeron: 'O te vas, o vas preso, o te fusílamos. O estás con nosotros o no estás'. Tuve que escoger. Mi padre me dio un abrazo y me dijo que no lo iba a ver más. No lo vi más. La última vez que habló conmigo, en 1977, mi mamá dijo que aunque olvidara cosas, siempre tenía que recordar a mi padre y mis orígenes ... Yo sabia todo lo que iba a perder, pero si tuviera que tomar la decisión de nuevo, tomaría la misma decisión, y sin remordimientos." Llegó a México sin un céntimo. Trabajó alli con Rolando Laserie (que había dejado Cuba junto a Bebo), y después estuvo en Estados Unidos y España antes de establecerse en Estocolmo, Suecia, en 1963. Alli se quedó, trabajando en hoteles y tocando en clases de baile. Conoció a una chica sueca y se casaron. Bebo tenia 44 años y Rase Marie 18. Tuvieron dos niños (Bebo ya tenía 5 hijos cubanos). "Yo tocaba en todos los lugares que había en Estocolmo, hoteles y bares. Lo más importante para mi era mi familia. Tocaba de todo: música clásica, ópera, música cubana. Todo lo que quería escuchar el público. Siempre fue un público bastante internacional ... Pasé una vida de exilio en Suecia, tocando en hoteles, hasta que me llamó Paquito D'Rivera en 1994 para grabar el disco Bebo Rides Again." ~ Bebo Valdés Después de pasar treinta años en el anonimato, Bebo recibió una llamada de Paquito D'Rivera el 25 de noviembre de 1994, invitándole a grabar un nuevo disco en Alemania. La grabación de Bebo Rides Again le permitió dar un nuevo giro a su carrera pese a tener ya 76 años. Tras la grabación del disco, Bebo participó en el documental musical de Fernando Prueba, Calle 54 (2000) y grabó el disco El Arte de Sabor (2001) junto a Cachao y Patato Valdés, por el cual recibió un premio Grammy al Mejor Álbum Tropical Tradicional. En 2002, Fernando Trueba produjo el disco Lágrimas negras, que tiene a Bebo al piano acompañando el cantaor flamenco Diego el Cigala. Por este trabajo obtuvo un gran éxito internacional, que le mereció un premio Grammy, un premio Ondas, tres premios de la Música, cinco premios Amigo, tres discos de Platino en España, y uno en Argentina, México y Venezuela. Y con nada menos que 86 años Bebo empezó una gira mundial. Actualmente Bebo Valdés vive con su familia en Málaga, España. A pesar de los años y los problemas de salud (ha superado una trombosis y padece problemas cervicales), aún disfruta tocando el piano. Él mismo lo ha dicho más de una vez: "Yo quiero tocar hasta que me muera:" ~ Enrique Molino (septiembre 2009) -Bebo falleció a los 94 años Estocolmo (Suecia) el 22 de marzo de 2013 Más información relacionada Bebo Valdés-Grandes Éxitos (2009) Temas: 01-Dile a Catalina 02-Special De Bebo 03-Siempre cantando 04-Diane 05-Music Box Mambo 06-Ladrón de gallinas 07-Masa limpia 08-El manisero 09-Mayajigua 10-Big Shot Cha Cha Chá 11-El cumbanchero 12-Dame un chance 13-Siboney 14-Wi wi 15-Chamizo 16-La rumba se llama 17-Mississippi Mambo 18-Mambo Cantabile 19-A quién engañas 20-El azúcar abajo 21-Descarga caliente 22-Estoy matizando 23-Desconfianza 24-Miramar 25-Este amor nunca lo podré olvidar Bebo Valdés, piano junto a: 1-2: Alejandro "El Negro" Vivar (trompeta), Generoso "El Tojo" Jiménez (trombón), Orlando "Cachaito" López (bajo), Tata Güines (congas). La Habana, Cuba, 1957. 3-21, 23-25: Alejandro "El Negro" Vivar, Luis Escalante (trompeta), Generoso "El Tojo" Jiménez (trombón), Gustavo Más, Rafael "Cabito" Quesada, Virgilio Vixama (saxos, clarinete), Enrique "Kike" Hernández (bajo), Guillermo Barreto (baterías), Rolando Alfonso, Cándido Camero (congas). La Habana, Cuba, 1952 (23), 1955 (5, 10, 17, 18, 21, 24), 1957 (16), 1959 (3,7,9,13-15,20), 1960 (6,8,11,12,25); Port-au-Prince, Haití, 1958 (4); Ciudad de México, México, 1960 (19). 22: Orestes Urfé (bajo), Tibo Lee (baterías), Chacho (congas). La Habana, Cuba, 1956.
El saxofonista, compositor y arreglista Michael James Turre brilla en Compositions, unacalientegrabación de bebop latino de Los Ángeles que lleva el sello del mambo de Hollywood Palladium y el shuffle de Central Avenue. El legado del saxofón de jazz en L.A. incluye potencias como Dexter Gordon, Teddy Edwards, Harold Land y muchos otros. Después de escuchar esta intrigante colección, el oyente estará de acuerdo en que Turre necesita ser agregado a esa lista. Hermano del trombonista Steve Turre y del baterista Peter Turre, Michael es un músico de primer nivel que toca de todo, desde soprano hasta barítono, flauta y flautín. Turre, un guerrero de la orquesta asociado durante mucho tiempo con el Conjunto de Jazz Afrocubano de Bobby Matos, pagó sus cuotas en las bandas de blues de Barbara Morrison, Bullmoose Jackson y Eddie "Cleanhead" Vinson.En este disco se destaca como líder y muestra algunas composiciones asombrosas. Desde la íntima And So She Sang, una hermosa balada con solo flauta y piano, hasta Odd Guacamole, un homenaje al mariachi mexicano que cita clásicos como La Negra y Jarabe Tapatio, te sorprende con marcos de conjunto y pasajes a lo Oliver Nelson que utilizan armonías e interacción sofisticadas. Abundan los ritmos afrocubanos, como se muestra en Melange, un tema con invitados especiales Marvin “Smitty” Smith (trampas), Ralph Monte (saxo tenor) y una sección traicionera de trombón, además de Munyungo y Michito Sánchez a la percusión. On Tour es una melodía de jazz directa con una sección de mambo que se enciende mientras Smith y Sánchez intercambian lamidas incendiarias. De principio a fin, los fanáticos del jazz latino se deleitarán con los dones musicales de Michael James Turre._(insidejazz)
Michael James Turre (saxo soprano, alto, tenor y barítono, flauta, flautín, compositor, arreglista). Se graduó con honores de UCLA en composición clásica mientras vivía de conciertos con grupos de R&B de Motown y Memphis. Los aficionados al jazz pueden estar familiarizados con el trabajo de sus hermanos músicos, Steve Turre (el conocido maestro de trombón y caracola) y Peter Turre (baterista de Ray Charles desde hace mucho tiempo). En los 80, Michael realizó una gira por Europa con Barbara Morrison, Bullmoose Jackson y Eddie "Cleanhead" Vinson, tocando blues. En los 90, realizó una gira por Europa y Japón con Tito Puente y Celia Cruz tocando salsa y jazz latino, escribió para Tito y grabó en algunos otros artistas ganadores y nominados al Grammy como acompañante (Frenesí de Linda Ronstadt, Royal T de Tito Puente y Mambo Kings, Late Night Sessions de Caravana Cubana's). En la década de 2000 es hora de finalmente grabar su propia música y también de dirigir una banda en vivo por primera vez desde sus días en la escuela secundaria y la universidad, pero así ha sido. Vale la pena esperar, porque aquí tenemos siete melodías únicas, cada una con su propia personalidad: tres de décadas anteriores y cuatro de los últimos años, con muchas más canciones para los próximos CD y más melodías nuevas compuestas a un ritmo que no muestra signos de aflojar!
La "Tierra de Nod" a la que Chris Washburne se refiere en el título de su CD más deliberadamente incendiario hasta la fecha es, por supuesto, Estados Unidos, donde,
en opinión del trombonista, la gente simplemente se niega a que le despierten a lo que les está haciendo el poderes insensibles y arrogantes en Washington y en las salas de juntas. Para ilustrar este estado de ánimo, Washburne reúne a su banda de jazz latino Syotos y desata una amalgama a veces desenfrenada de formas de jazz latino lanzadas en un bucle con riffs disonantes. La disonancia es intencional, como para advertirnos de que algo está fuera de lugar, fuera de armonía, fuera de balance en Estados Unidos. El uso de la disonancia en el jazz latino ciertamente no es nuevo (se remonta a los experimentos de Stan Kenton, si no más) pero sigue siendo inusual; la naturaleza percibida del jazz latino como música alegre para mover el cuerpo se ha mantenido firme durante décadas. Algunos de los títulos de las melodías hacen referencia a la carátula, una bandera cuyos colores son desvaídos y pálidos, cuyas formas se distorsionan. Otros son más explícitamente políticos (el furioso "Op-Ed", la opresiva apertura de "Guantánamo") y una sección, "Gregory, Don't Go Near the Dances", una balada downtempo basada en una canción popular ucraniana, es un asentir - juego de palabras intencionado - a los
hermanos de armas de en Ucrania. Para que no pensemos que Washburne es solo un profeta de la tristeza y la ira, en la tradición de muchas obras político-musicales, concluye su suite con esperanza: no una, sino dos piezas tituladas "Peace", de Ornette Coleman y Horace Silver. respectivamente. Agregue a Chris Washburne a la breve pero distinguida lista de gente del jazz cuyo arte estalla ocasionalmente en protesta: Charlie Haden, Carla Bley, Max Roach y ciertamente Coleman vienen a la mente. ~ Richard S. Ginell (allmusic)
Escuchar hoy a Frankly en este año 2009, es como disfrutar una experiencia fuera del tiempo y
del espacio, quizás en un lugar entre el Hotel Riviera, en la Habana, y el Flamingo de las Vegas, Nevada. Pero en este viaje mágico podemos sentirnos seguros y relajados, pues el chamán que nos guía es el pianista matancero Paquito Hechavarría, increíblemente poco conocido entre los actuales públicos y medios del jazz y el Latin jazz, pero apreciado como auténtico maestro entre los verdaderos conocedores: los músicos y artistas con los que ha compartido escenarios y estudios de grabación durante más de cuarenta años.
Conocí a Paquito en la Habana hacia 1960, cuando además del piano tocaba el vibráfono y dirigía los Armónicos, el grupo instrumental más popular del momento, donde sustituyó por un año a su fundador Felipe Dulzaides y que se inspiraba en el sonido de ensemble y el estilo de Latin jazz de George Shearing y Cal Tjader. Paquito también se sumó a las descargas y conciertos del Club Cubano de Jazz, que fundamos en 1958 junto a Walfredo de los Reyes, Gustavo Más, Frank Emilio Flynn y el DJ Horacio Hernández (Sr.), entre otros, con el Salón Arcos de Cristal de Tropicana como principal escenario. Anteriormente Paquito estuvo en la Orquesta Riverside, en sustitución del legendario Peruchín Jústiz, y grabó con el Conjunto Casino, para el cual escribió impecables arreglos, algunos de ellos para acompañar al bolerista Fernando Alvarez. En Estados Unidos a partir de 1960, Paquito graba con Walfredo de los Reyes, José Fajardo, "Cachao"lópez, Mongo Santamaría,louis BeUson, Gloria Estefan, David Byrne, Tany Gil, Ed Calle y otros destacados músicos y cantantes, pero Frankly es el primer CD en que podemos oírlo al frente de un grupo estelar. Este CD bajo su propio nombre es un verdadero acierto y un ejemplo a considerar, entre tanto Latin jazz con exceso de decibeles y/o alardes de virtuosismo gratuito, o basados en la buena intención y el falso apotegma de que el jazz latino es hoy "la única forma de jazz que puede bailarse" Como si la buena música no se bastara a sí misma. El hallazgo de Paquito ha sido fusionar de modo coherente los más variados polirritmos afrocubanos con el cancionero popular norteamericano, el American Songbook. De este repertorio se han elegido números que fueron éxitos de Frank Sinatra, lo cual incide en el acertado título del CO. Sorprende -y se agradece- el respeto por las líneas melódicas originales, así como el gusto y sofisticación de los arreglos, que funden orgánica mente estas melodías románticas con una ritmática que va desde el danzón clásico hasta el guaguancó, la salsa, el bembé y más allá.
La selección de los músicos, llena de sorpresas, es de una eficacia total. la percusión es una joya, con Oafnis Prieto en la batería, Pedrito Martínez en las tumbadoras y el apoyo de lIeana Santamaría, hija de nuestro siempre recordado Mongo. El bajo no podía ser otro que Andy González, verdadero maestro y orgullo del Latin jallo la mayor sorpresa resulta no tanto la presencia de jazzistas norteamericanos (Brian lynch, trompeta, y Phil Woods en el saxo alto), sino en su manera de improvisar a lo cubano, tanto que en un blindfold test pensar1amos en "Chocolate" Armenteros y en "el otro Paquito" (O'Rivera). Nada ilógico, pero ciertamente regocijante. Como pianista, Paquito Hechavarría se caracteriza por su sobriedad, elegancia y dominio absoluto del instrumento y todos sus matices, sin alardes innecesarios cuando la técnica -como es el caso aquí- está en función de la expresividad, sabor y swing, todo ello sazonado con su inconfundible estilo de "montunear". Como jauista está básicamente dentro de la línea clásica Tatum·Bud Powell-Shearing- aunque incorporando con discreción elementos post-BiII Evans, sumado a la tradición pianística cubana de Peruchín·Bebo Valdés- Frank Emilio, que mantiene desde casi medio siglo con increlble modernidad. Nunca ha necesitado suscribirse a "nuevas ondas': de las que asimila lo esencial, lo compatible con su propio estilo. Y su apego a los standards, ese verdadero tesoro melódico-armónico, le permite real libertad de improvisar sobre ellos, como ha proclamado Keith Jarrett, y que por desdicha han ignorado o abandonado tantos pianistas jóvenes cubanos y también norteamericanos. Porque si bien es cierto que en la música, como en todas las artes, ocurren necesariamente cambios, innovaciones y nuevos aportes, hay también elementos que permanecen, y de ahí provienen, entre otros, términos como "clásico" y "clasicismo". La música en todos sus parámetros está más allá de "lo viejo y lo nuevo", y dentro de toda innovación y cambio estilística hay elementos perecederos y otros que llegan para quedarse. lo que nos ofrece precisamente Paquito Hechavarría en Frankly, es una música cuyos rasgos dominantes nada tienen que ver con esos cambios hoy impulsados -o azuzadospor la premura y el afán de las modas, sino por su esencial belleza y permanencia. ~Leonardo Acosta (La Habana.Cuba)
A principios del siglo XX, tres músicos cubanos formaron Trio Oriental para interpretar música folclórica procedente del oeste de la isla. El trío luego agregó miembros, cambió su nombre a Sexteto Habañero, y se convirtió en el primer y más influyente intérprete de son, una vívida fusión Afro-Española de estilos musicales. Hijo consiste en dos niveles estilísticos. El primer nivel (de origen africano) es un ritmo de rumba sobre el que improvisan una variedad de percusionistas. El segundo nivel (derivado de España) lo proporciona una combinación de tres guitarras de cuerdas conocidas como tres y un bajo improvisado. Las letras en español se cantan sobre los instrumentos en forma de decima tradicional con líneas octosílabas rimadas. Durante la década de 1920, Sexteto Habañero fue la banda definitiva de son de Cuba. Su música se presenta en dos compilaciones: Contrapunto cubano: Historia de San Montuno y Cuba - El Hijo Es Más Sublime, así como The Roots of Salsa. ~ Leon Jackson (allmusic)
Septeto Habanero - Celebrando sus 80 años (2000) Temas: 01. El Orgullo De Los Soneros 02. Eres Mimosa 03. Ta José Está Enamora' 04. Fascinate Con Mi Tumbao 05. India Inglesa 06. Yo No Soy Chismoso 07. Jamas Lo Concebi 08. La Casa De Ma Asuncion 09. El Campesino Prodigio 10. Presente Dice El Guaguanco 11. Al Compas Del Habanero 12. Que Hermosa Sueno Contigo 13. Y Que Sabrosito Pa Gozar Musicos: Germán Pedro Ibañez - Guitarra y voz Gonzalo Emilio Moret López - Güiro y voz Jose Antonio Pérez Martínez - Claves y voz Felipe Ferrer Caraballo - Tres Faustino Sánchez Illa - Contrabajo Ricardo Vidal Ferro Vicente -Bongos y percusiones Servando Arango García - Trompeta Grabado en el Estudio ICAIC, La Habana
William Vivanco pasó varios años como el secreto mejor guardado de la canción cubana. Que simboliza el renacimiento del estilo de "Nueva Trova" (tomado de la canción local como Pablo Milanés y Silvio Rodríguez), el cantante de pelo rizado para infundir su música con influencias tradicionales (merengue, salsa, rumba) y sonidos más modernos (MPB, reggae, POP). Después de dos discos que fueron lanzados a escondidas, Lo Tengo Para Pensao en 2002 y La Isla Milagrosa, en 2006, el artista vuelve con un compuesto ecléctico de una docena de baladas acústicas, resaltada por los arreglos y la producción de Robert Aaron. El mundo está Cambia'o invita a degustar deliciosos "haitiano Palo (potencial nuevo éxito)," El Ouika (rumba), "Anaconda" o "De la lluvia. William Vivanco muestra la magnitud de su talento en una instalación tercero, que debe darle el reconocimiento que merece.~Loïc Picaud William Vivanco, joven músico cubano, nacido en Santiago de Cuba ,1975, miembro de la más reciente generación de la nueva trova criolla. Cantante y compositor de una música fresca, joven, llena de vida, mezcla de ritmos muy variados como el reggae, la bossa nova, el blues y el rap, los cuales une para crear una melodía que atrapa al oyente. Todos sus discos sobresalen por ser originales y enérgicos, en sus letras osadas, poéticas y rebeldes podemos encontrar crónicas de su tiempo, sus raíces, su país, su gente, sus costumbres y todo lo que lo hace cubano. Este cantautor ha venido para quedarse, convirtiéndose en figura clave de la música cubana del nuevo siglo. Entre sus temas más conocidos están temas “Barrio barroco”, ”Cimarrón”, “Lo tengo tó pensao”, “Negra sálvame” y “Por todos los caminos”, “Café”. Ha grabado dos discos, y además, participó en la grabación de un CD donde se unieron varios cantautores de la trova cubana llamado Trov@nónima.cu. William Vivanco-El Mundo Esta Cambia'o (2009) Temas: 01-Palo Haitiano 02-Olokun 03-El Mundo Esta Cambia´o 04-Del Oriente 05-La Ouika 06-Samba De Los Cotuntos 07-Anaconda 08-De La Lluvia 09-Que Guapanga 10-Como Un Tango Gris 11-A Otra Altura 12-Ciudad De Madera
Musicos: WILLIAM VIVANCO : VOCALS I GUITAR ROBERT AARON : GUITAR , BASS , FLUYE, SAX, KEYBOARD EMIJO DEL MONTE, JOSÉ CARLOS CEPEDA: PERCUSSlON PANCHO TERRY: CHEKERÉ THOMMY GARCIA : TRUMPET JUAN CARLOS MARIN : TROMBONE RAMSES RODRIGUEZ : DRUMS ADRIANA LORD, YOANDRA PÉREZ PORTILLO . BACKING VOCALS NESTOR DEL PRADO, JUAN CARLOS ABAD : BASS RAUL VERDECIA : GUITAR YAMELÉ PEDRO MORALES: CELLO
Tres virtuosos, tres alquimistas, tres creadores de terciopelo sonoro. Jerez Texas lleva desde el 2002 ofreciendo conciertos alrededor del mundo (más de 500 conciertos en 25 países), a menudo acompañado por invitados de talento. Jerez Texas es, antes que nada, un trío de músicos virtuosos, es también el singular encuentro entre la guitarra flamenca (Ricardo Esteve), el violonchelo (Matthieu Saglio) y la batería (Jesús Gimeno), así como el punto de conexión entre varios universos (flamenco, jazz, clásico, músicas del mundo…). Podríamos también describir la música de Jerez Texas por sus melodías pegadizas, la energía contagiosa y los sutiles arreglos. Pero, más allá de todas estas cualidades, una palabra basta para definir el universo de Jerez-Texas: el placer.
El placer compartido por unos músicos unidos por una complicidad sin grietas desde hace 15
años. El placer generosamente compartido con el público, quién encuentra allí una puerta abierta hacia los sueños, como lo ha ido demostrando la entusiasta acogida alrededor del mundo, a lo largo de más de 500 conciertos en 25 países.
Jerez Texas ha tenido la oportunidad de presentar su música en los escenarios de España, Francia, México, Namibia, Guatemala, Honduras, China, Japón, EEUU, Qatar, Koweit, Panamá, Nicaragua, Bélgica, Haití, Egipto, Túnez, Sudán, Rep. Dominicana, Portugal, India, Ucrania, Moldavia, etc.
Una formación con geometría variable. Desde entonces, a lo largo de sus encuentros, estos tres virtuosos se han rodeado de colaboradores. Guiado por una alquimia tanto humana como musical, el trío se ha vuelto una formación con geometría variable, ampliando su estilo inicial a un universo mucho más rico.
En los diferentes discos y conciertos, han contado con la colaboración de los cantantes Isabel Julve, Josep Aparicio ‘Apa’, Abdoulaye N’Diaye, Ester Andújar, Arantxa Domínguez o Burguitos. También han contado con instrumentistas como David Pastor (trompeta), Carlos Sanchis (accordeón), Denis Colin (clarinete bajo), Gabriel Saglio (clarinete), Osvaldo Jorge o David Gadea (percusión).
Esta sed de colaboraciones, junto con un especial espíritu de independencia, hace que la trayectoria de Jerez-Texas sea imprevisible. « Nosotros mismos no sabemos por qué caminos nos llevará la aventura, dicen los músicos. No hay nada planeado con anterioridad. Utilizamos el jazz como puente entre la música clásica y el flamenco pero como no somos músicos de jazz, somos un poco iconoclastas y creamos nuestras propias reglas.» ~ (jereztexas)
Hay un flujo universal en este refinado álbum que ve a Jerez-Texas unir a algunos invitados destacados como los vocalistas Ester Andujar y Abdoulaye N’Diaye, el percusionista Osvaldo Jorge y el acordeonista Carlos Sanchis. La mezcla franco-hispánica en el núcleo de la banda se realza así en un tapiz que pretende seguir el diseño arquitectónico de un patio andaluz, “rebosante de luz, mezclando el calor del sol con el frescor del agua, las piedras finamente esculpidas y la exuberancia de la vegetación ". Palabras grandiosas escritas por Gabriel Omnès para las notas de la portada, pero no pretenciosas cuando se combinan con estas once composiciones originales. Armonizan el jazz y el flamenco con gracia natural, realzados por cristalinos ejercicios vocales en español o wolof en temas como “In-finito” o el tema principal. Esteve, Saglio y Gimeno infunden así la sensación de que se está reinventando un nuevo folclore en torno a los repertorios probados del sur de España. Los scats de Ester Andujar y los sobrios poemas senegaleses de N’Diaye proyectan las composiciones clásicas en un escenario internacional que recientemente se ha vuelto sensible a la dimensión pionera de este grupo.
El primer álbum de Jerez-Texas, Sao, ya despertó a los críticos a las capacidades de la banda después de su lanzamiento en 2005. Es probable que Patchwork confirme sus primeras impresiones con su confiado caleidoscopio de influencias. A esto se suma un cierto grado de audacia que el trío muestra cuando, por ejemplo, ponen solos clásicos como “Bajo los Naranjos” al lado de una canción tradicional como “Sarao Mediterraneo”, cantada por el folclore. el cantante Josep Aparicio 'Apa'. Y, como las discretas entradas a los patios del Mediterráneo, no te dejes engañar por las apariencias: una pared exterior sobria y poco imaginativa (la portada del disco) puede esconder un tesoro de sensaciones, guiado por nuevos y sorprendentes diseños arquitectónicos (la lírica e innovaciones compositivas en este CD de 47 minutos). ~Daniel Brown
"El dia que ya no te pones nervioso en el escenario dejas de ser un artista." - Omara Portuondo
Una de las voces más emblemáticas de Cuba, Omara Portuondo fue bautizada "la novia del feeling" por su capacidad para dotar a cada canción del sentimiento preciso. Omara fue la única voz femenina escogida para participar del mítico disco Buena Vista Social Club en 1996 y hoy, a los 78 años, es reconocida en todo el mundo como una leyenda viviente de la música cubana.
Omara Portuondo nació el 29 de octubre de 1930 en un humilde hogar del barrio habanero de Cava Hueso. Ella y sus dos hermanas crecieron en una casa donde la música era un asunto familiar. Su padre, un jugador de béisbol del equipo nacional, cantaba a dúo con su esposa canciones de la trova tradicional. La familia contaba con la amistad de músicos como Eliseo Grenet y Sindo Garay. De sus padres, Omara aprendió antiguas canciones cubanas y disfrutó cantando a varias voces, lo que siguió siendo por siempre una de sus grandes aficiones.
"Nunca estudié música ... En la escuela estuve en un coro de canto que influyó mucho en mi formación. y luego destacaría a mi padre, que me enseñó a hacer segundas voces. Mi casa era un lindo hogar, no había lujos y algunas veces no teníamos para comer. Bebíamos agua con azúcar para tomar fuerzas, pero era todo tan bonito que nunca veíamos ningún problema," - Omara Portuondo
De niña, Omara soñó con estudiar ballet y dirigir una orquesta. Lo primero era imposible de conseguir por el color de su piel, y en cuanto a lo segundo, apenas recibió unas pocas lecciones de piano de una maestra de barrio. Más tarde obtuvo una beca que le permitió obtener una base elemental de música, danza, actuación y canto. Sin embargo, la Omara adolescente pensaba que estudiaría magisterio.
Durante una clase nocturna de mecanografía, amara conoció a Eva Martiatu y se hicieron amigas. Eva le contó que en su casa se reunían músicos jóvenes que componían y cantaban canciones "con feeling". Fue allí donde Omara se encontró por primera vez con Frank Emilio, José Antonio Méndez y César Portillo de la Luz. Cantaba junto a su hermana Haydée, y como todos las recibieron con entusiasmo, se hicieron habituales de las reuniones. Frank Emilio le propuso entonces a amara integrar un cuarteto vocal con repertorio de jazz en inglés para presentarse en la emisora Mil Diez. La anunciaron como amara Brown, "la novia del feeling". Cuando el gobierno clausuró la emisora, que pertenecía al Partido Socialista Popular, el cuarteto Loquibambia Swing empezó a presentarse en otra estación de radio, la de la Loma del Mazo, punto de reunión de los muchachos entusiastas del jazz y el feeling.
"En los 40 canté durante un tiempo en un conjunto de feeling, un estilo que en realidad era una versión cubanizada de la bossa nova con algunas pinceladas de jazz norteamericano. íbamos a cantar a una casa lejos del centro pero no tenia mas dinero para pagar la luz, y los músicos seguian tocando a oscuras cuando anochecía." - Omara Portuondo
Su inicio profesional en el baile se produ]o de manera inesperada. Su hermana Haydeé trabajaba en el legendario Cabaret Tropicana a finales de los años 40, y Omara la acompañaba puntualmente a los ensayos, de modo que cuando un día faltó una corista del show, ella pudo sustituirla. Se sabía de memoria el espectáculo y tenía la suficiente gracia como para desempeñar ese trabajo. Siendo corista ganó su primer sueldo y obtuvo su carnet del sindicato de artistas. Más tarde formó parte del grupo Las Mulatas de Fuego y también del Conjunto de Alberto Alonso, que por entonces se presentaba en el teatro Radiocentro. Sin embargo, no tardó mucho en advertir que su camino definitivo era la canción.
A finales de la década de 1940, Omara conoció a Elena Burke, quien cantaba junto al pianista y compositor Orlando de la Rosa. Compartiendo el micrófono con Burke, realizó una gira por Estados Unidos durante seis meses. En 1950 integró una banda de mujeres llamada Orquesta Anacaona, pero fue en 1952 cuando Omara tuvo su gran oportunidad, al integrar un cuarteto vocal femenino con su hermana Haydée, Elena Burke y Moraima Secada (quien había cantado junto a Omara en la Orquesta Anacona). El grupo se llamó "Cuarteto las D'Aida", y lo lideraba la pianista Aida Diestro. Dicha formación se convirtió en el mejor conjunto vocal femenino de la isla y uno de los grupos más importantes de la historia musical cubana. Omara permaneció con el "Cuarteto las D'Aída" durante 15 años. La formación original solo grabÓ un álbum para RCA Victor en 1957, titulado An evening al tne Sans Souci (con arreglos orquestales y dirección de Chico O'Farrill). A pesar de eso, realizaron numerosas giras por América y compartieron el escenario con estrellas como Bola de Nieve, Johnny Mathis, Sarah Vaughan, Benny Moré, Pedro Vargas, Edith Piaf, Tony Bennetl y Rita Montaner. También acompañaron a Nat King Cole cuando el cantante estadounidense cantó en el Club Tropicana. "Después pasé quince años, de 1952 a 1967, en el cuarteto vocal las d'Aida, lo que fue una experiencia absolutamente maravillosa. Qué más podia pedir si todo lo tenia." Haciamos distintos espectáculos, y también cantábamos en la radio y en la televisión. Me fui relacionando con unos y con otros ••• De hecho, a los músicos del Buena Vista Social Club los conocí mucho antes de grabar el disco de Ry Cooder en los 90." - Omara Portuondo
En 1958 Omara grabó su primer disco en solitario, Magia negra, acompañada por el quinteto de Julio Gutiérrez (el LP incluía versiones de "That Old Black Magic" de Harold Arlen y "Caravan" de Duke Ellington). Dejó el Cuarteto Las D'Aída en 1967 para embarcarse en su carrera como solista. Empezó a ser solicitada para representar a Cuba en festivales internacionales, y para grabar discos y actuar en televisión. También hizo algunas otras grabaciones como solista, que formarían parte de discos de larga duración colectivos. Durante esta década grabó los álbumes Como un milagro (1966), Esta es Omara Portuondo y Omara Portuondo (los dos últimos en 1967).
En la década de 1970 cantó con la "Orquesta Aragón", y viajó extensamente haciendo presentaciones en varios países, como Francia, Japón, Bélgica, Finlandia y Suecia. En 1974 sacó el excelente álbum Omara Portuondo y Martín Rojas (grabado a dúo con dicho guitarrista en Finlandia).
En los primeros años 80, Omara Portuondo impuso muchos éxitos que sonaron en la radio y la televisión. También participó de los principales espectáculos que se organizaban en la isla. Durante esta década grabó los álbumes Y tal vez (1981), Omara Portuondo (1983; con el mismo título que la grabación de 1967), Y Omara Portuondo canta el son (1984).
Continuó grabando prolificamente durante la década de 1990 con álbumes como Soy cubana (1991), Pensamientos, Omara Portuondo con Adalberto Alvarez, Palabras (1995), Amigas: Omara Portuondo, Moraima Secada y Elena Burke (1996), Desafios: Omara Portuondo & Chucho Valdés, y La Novia del Feeling (1997).
La fama de Omara se multiplicó a partir de 1996, año en que participó de la grabación del histórico disco Buena Vista Social Club, producido por el músico estadounidense Ry Cooder, y que originó asimismo el documental de Wim Wenders.
"Gracias al éxito del filme, los jóvenes cubanos se dieron cuenta de que con sus tradiciones era posible conseguir el éxito a nivel internacional. Gracias a ello, el son cubano se ha ido fusionando con otros estilos musicales, también en otras regiones del Caribe. Pudimos lograr que nuestra música fuera escuchada en el resto del mundo. En la película no se ve nada de especial, simplemente hicimos lo que veníamos haciendo desde hacia mucho tiempo. Para mi, el mayor éxito de Buena Vista Social Club es la proyección que logramos dar a nuestra música. En la música no hay diferencias entre hombres y mujeres. Me puse muy contenta de que me eligieran justamente a mi para un proyecto tan especial como el de Buena Vista Social Club. iHay tantas buenas voces femeninas en Cuba!" - Omara Portuondo
Merced al éxito de su papel en Buena Vista Social Club, Omara sacó su propio disco Buena Vista Social Club presenta a Omara Portuondo (2000), seguido de Flor de amor (2004), Gracias, y Omara Portuondo e Maria Bethania (2008).
A punto de cumplir los 79 años, Omara Porluondo no da señales de aminorar su estrepitoso ritmo. La novia del feeling sigue cantando con tanto amor y sentimiento como en los viejos tiempos.~ Enrique Molino Más información relacionada
Omara Portuondo - Grandes Éxitos (2009) Temas: 01. Tres Palabras 02. Quizás, Quizás, Quizás 03. Cómo Es Posible 04. Veinte Años 05. Increible.mp3 06. Quiero Hablar Contigo 07. Campanitas De Cristal 08. Nosotros 09. Lágrimas Negras 10. La Rosa Oriental 11. Este Son Homenaje 12. Deja Que Suba La Marea 13. La Cumbancha 14. Ay, Caramba 15. La Última Noche 16. Me Faltabas Tú 17. Te Dije Quédate 18. Grtacias A La Vida 19. Hasta Siempre 20. Polvo De Nuevo Amor
Omara Portuondo,voz Acompañada por: 1-3, 5-8, 13.15~Orquesta Todos Estrellas: Juanito Martínez (Quilarra, dirección), Enriqueta Aimanza (piano, dirección), Rubén González (reemplaza a Almanza en piano, sólo en tema 15), Orlando "Cáchaito" López (bajo), Amadito Valdés (fimbales), Hernán Cortés (congas), Roberto García (güiro, bongos), Osvaldo Rodríguez (percusión, sólo en tema 15), Manuel "El Guajiro" Mirabal (trompeta, sólo en temas 2, 6, 13), Jesús Ramos "Aguaje" (trombón, sólo en temas 13 y 15), Raúl Gutiérrez (saxo alto, sólo en temas 1 ,3 Y 5), Efraín Ríos (tres), Amadito García (violín, sólo en tema 8), Grabado en 1997, 4,11,20: Orquesta Egrem: Juan Pablo Torres (dirección en 4), Adalberto Alvarez (dirección en 11), Ricardo Eddy Martínez (dirección en 20). Grabado en 1975 (4), 1980 (20) & 1986 (11), 9: Con Martín Rojas (guitarra) y tres músicos no identificados tocando tres, bajo y percusión. Grabado en Helsinki, Finlandia, 1974. 10: Orquesta América con las Estrellas de la Charanga: Félíx Rein (orquestación), Jorge Machado (piano, dirección), Francisco Droeshout (piano), Manuel Sánchez (flauta), Luis Rodriguez (congas), Moisés Cárdenas (güiro), Osvaldo Ruiz (paila, bongos), Lázaro Hernández (violín), Jorge Pádilla (viola). Grabado en 1997, 12: Orquesta Todos Estrellas: Adolfo Pichardo (dirección), Roland Baro (piano, orquestación), Jorge Reyes (bajo), AmaditoValdés (timbales), Hernán Cortés (congas), Roberto García (bongos), Manuel "El Guajiró" Mirabal, Alejandró Pichardo (trompeta), Jesús Ramos "Aguaje", Antonio Leal (trombón), Yosvanni Terry, Carlos F .Averhoff, Javier Zalba (saxos), Efraín Ríos (tres). Grabado en 1996. 14: Orquesta Cubana de Música Modema: Juan Pablo Torres (dirección). Grabado en 1974. 16: Juanito Martínez (guitarra), Grabado en 1989. 17: Orquesta de Rafael Somavilla: Francisco García Caturla (orquestacíón).Grabado én 1967. 18: Igual que 9, pero se omiten los tres músicos no identificados. Es un dueto entre Omara y Rojas. 19: Igual que 9, pero se omite la percusión. Todos los temas han sido grabado en los Estudios Areito, La Habana, Cuba, salvo que se indique lo contrario.
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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Symphony No.1 in G minor "To the Red Army" - Mieczysław Weinberg
Gothenburg Symphony Orchestra conducted by Thord Svedlund
I - Allegro moderato - Larghetto...
Aunque Art Taylor fue uno de los bateristas de jazz modernos de segunda generación más activos, trabajando en el estudio con Coleman Hawkins, Donald Byrd, John Coltrane y muchos otros, solo lanzó cinco álbumes bajo su propio nombre, de los cuales AT's Delight fue el tercero. Y de hecho es una delicia, brillante y percusiva, y cuando el conga Carlos "Patato" Valdés se une a Taylor y al pianista Wynton Kelly y al bajista Paul Chambers en tres cortes ("Epistrophy", "Move" de Thelonious Monk y un original con inflexión de calipso de Taylor llamado "Cookoo and Fungi"), el bolsillo de ritmo se abre en un mar azul profundo para los cuernos (Stanley Turrentine en saxo tenor y Dave Burns en trompeta). "Move" hace exactamente eso, se mueve y a un ritmo vertiginoso. La "Epistrofia" de Monk, en parte gracias a Valdés, revela sus raíces de rumba y nunca ha sonado más brillante. La composición de Coltrane, raramente cubierta, "Syeeda's Song Flute" parece igualmente renovada y revivida. El solitario original de Taylor, la conducción "Cookoo and Fungi", es tan agudo y alerta como un gatito que se despierta de una siesta al sol de primavera, y el solo de batería de Taylor es nítido, eficiente y se desliza sin problemas en el tema principal informado por el calipso. A.T.'s Delight es una excursión sólida, con una energía maravillosamente nerviosa pero completamente enfocada. ~ Steve Leggett (allmusic)
