Art Blakey And His Jazz Messengers With Sabu - Cu-Bop

Art Blakey (Pittsburgh, 11 de octubre de 1919-Nueva York, 16 de octubre de 1990) fue un baterista estadounidense de jazz encuadrado en los estilos del bop y hard bop.

Lideró varios grupos, entre los que destaca el quinteto Jazz Messengers, del que tomó las riendas durante tres decenios tras la marcha de Horace Silver, actuando y grabando bajo el nombre de Art Blakey and The Jazz Messengers. La formación fue cuna de algunos de los mejores artistas de jazz de la historia y se convirtió en la representación por antonomasia del estilo hard bop y funky jazz..._(wikipedia)

Los Jazz Messengers fue un grupo de jazz moderno conducido por el baterista Art Blakey durante casi medio siglo. El grupo y su nombre fueron creados por el pianista Horace Silver y heredados por Blakey, quien, con perseverancia, lo mantuvo activo, transformándolo en la cantera de algunos de los mejores solistas de los años cincuenta, sesenta, setenta y ochenta.

La formación original era un quinteto, alternado con un sexteto y, en los últimos años, septeto y octeto. Fueron "descubiertos" por Blakey y dados a conocer a través de los Messengers, solistas como Clifford Brown, Lee Morgan, Freddie Hubbard, Wayne Shorter y Wynton Marsalis. Los Jazz Messengers siempre se mantuvieron fieles al estilo hard bop, considerado como "mainstream" de la era moderna del jazz.

El 17 de diciembre de 1947, Blakey dirigió un grupo conocido como "Art Blakey's Messengers" en su primera sesión de grabación como líder, para Blue Note Records. Los discos fueron lanzados en 78 rpm en la época y dos de las canciones fueron lanzadas en la compilación del LP New Sounds 10 (BLP 5010) .Este octeto incluyó a Kenny Dorham, Howard Bowe, Sahib Shihab, Musa Kaleem, Ernest Thompson, Jr., y LaVerne Barker...._(wikipedia)

Es curioso que este álbum aparezca en muy pocas notas biográficas sobre los Jazz Messengers. Tal vez sea un asunto menor en el gran esquema de las cosas en lo que respecta a The Jazz Messengers. Pero este grupo fue la segunda encarnación del legendario grupo liderado por Art Blakey. Aun así, el hecho de que ni siquiera Raúl Fernández lo mencione en Latin Jazz: (The Perfect Combination) es más que sencillamente curioso. Puede que exista una corriente de pensamiento que piense que es menos Latin-Jazz que otras grabaciones de alguien como Machito o Tito Puente puedan haber grabado durante el mismo periodo. Este tipo de comentarios (y los he oído en compañía de gente bastante cacareada) son, cuando menos, bazofia. Cu-Bop es un álbum con una emoción rítmica muy real y visceral. Escuchar la retahíla de solos de "Sakeena" es para morirse. Es una canción de 11 minutos. Aun así, podría escucharla una y otra vez. Los intercambios entre Blakey y su invitado, Luis "Sabu" Martínez, son fascinantes. Pero The Jazz Messengers hacen algo más que música considerablemente alegre.

Art Blakey y sus Jazz Messengers con Sabu - Cu-BopHay una relación enigmática entre melodistas y armonistas que resulta evidente a primera escucha. Existe esta cuestión de tonalidad e incluso cuando el lenguaje es más lineal y austero, y hay muy pocas piezas en las que esto sea así, en "Dawn on the Desert" de Charlie Shavers. 

Lo que podría convertirse en una pieza árida se levanta de la página gracias a la apasionada defensa de The Jazz Messengers, que aportan aquí refinamiento tonal a la música. Los elementos refinados se pierden un poco en el álbum por la presencia de dos fuertes percusionistas que parecerían dominar los procedimientos. Afortunadamente, esto no ocurre con demasiada frecuencia. Johnny Griffin y Bill Hardman se aseguran de que cada vez que los focos se centran en los percusionistas, éstos se retiran a las sombras, pero no por mucho tiempo. Solos elementalmente bellos de los dos interlocutores mantienen el ritmo de la caravana del desierto maravillosamente en la pieza extraordinariamente escrita del Sr. Shavers. La escritura contrapuntística siempre da paso a algo más fluido y lírico, y a una gama más amplia de sonoridades. Un extraordinario solo de sordina del Sr. Hardman habla un lenguaje más tonal, con frases rítmicas repetitivas basadas en drones que, a su vez, suenan bastante orientales. Gran parte del encanto, en general, procede de las controladas y espaciosas interpretaciones que suben y bajan en extáticas líneas modales.

Se trata de un álbum precioso, a pesar de que sólo dura 35 minutos y 45 segundos. Desde el punto de vista de la historia de The Jazz Messengers representa un documento importante de la segunda Jazz Messengers después de que la Jazz Messengers "original" empezara a grabar en 1954, bajo el liderazgo de Art Blakey. Sin embargo, más que una relevancia histórica, se trata de una grabación alegre que merece la pena explorar tanto si eres un acólito de los Jazz Messengers como si simplemente sientes curiosidad. Sea quien sea, la grabación le cautivará a su manera._Raul Da Gama (latinjazznet)

                                                                             

                                                                          

Art Blakey And His Jazz Messengers With Sabu  - Cu-Bop (1957)

Temas:

01. Woodyn' You (Dizzy Gillespie)

02. Sakeena Art Blakey)

03. Shorty (Johnny Griffin)

04. Dawn On The Desert (Charlie Shavers)

Musicos:

Art Blakey (Batería)

Bill Hardman (Trompeta)

Johnny Griffin (Saxo tenor)

Sam Dockery (Piano)

Spanky DeBrest (Bajo)

Sabu Martínez (Congas, bongos)

 

Luisito Quintero - Percussion Maddness

Luis Quintero Jr. (Luisito Quintero) músico percusionista nació en la ciudad de Caracas,

Venezuela el 24 de Agosto de 1967. 
Ganador de un premio Grammy y nominado a varios Grammy, Luisito Quintero creció con la tradición latinoamericana y africana de la percusión. Su padre es tan percusionista como su tío Carlos Nene Quintero y su primo Roberto Quintero . Llegó a ser miembro de la Orquesta Simfónica de Venezuela , pero pronto apareció con conjuntos como el Grupo Guaco y El Trabuco Venezolano y realizó giras con Oscar D'León .
Posteriormente se trasladó a Nueva York, donde trabajó con músicos de jazz latino como Willie Colón, Eddie Palmieri, Tito Puente y Celia Cruz. Después se decantó por la fusión de jazz, funk, salsa y música africana y actuó con George Benson , Herbie Hancock , Ravi Coltrane y Toshiko Akiyoshi , pero también con músicos pop como Gloria Estefan y Marc Anthony.
Su primer álbum "Percussion Maddness" fue producido por Louie Vega & LQ y publicado por BBE Records. Ahora 8 años después, reeditado en Vega Records con 4 temas nuevos también producidos por Louie Vega saldrá en un pack doble de vinilo en dos partes, una un pack doble de 12" y la segunda un pack doble de vinilo de 7". Disfruta de los sonidos brasileños, jazz, africanos, house y afrocubanos del gran percusionista Luisito Quintero en este vinilo tan especial.
“Percussion Maddness” el mismo fue lanzado al mercado a principios del año 2006 y fue el primer álbum donde Luisito Quintero debuta como solista. Producido por el reconocido Louie Vega (Master at Works).

El álbum incluye 13 temas producidos por Louie Vega y Co-producidos por Luisito Quintero, adicionalmente incluye 3 versiones de temas de destacados músicos del Latin Jazz como lo son Ray Barretto y Tito Puente.

Puede que el percusionista venezolano Luisito Quintero no sea un nombre muy conocido, pero en el pequeño mundo de la música latina de Nueva York se le considera uno de los timbaleros más calientes de la ciudad.
Tras sus comienzos en la Orquesta Sinfónica de Venezuela y una temporada con la cantante de salsa La India, Quintero aprendió las sutilezas de la percusión afrocubana tocando junto a una serie de leyendas de la música latina, como Óscar D'Leon y Eddie Palmieri.
Aunque Quintero rinde homenaje a sus mentores en algunos temas dedicados a los fallecidos Tito Puente y Ray Barreto, el CD en su conjunto lleva el sello del DJ y productor de house "Li'l" Louie Vega, la mitad del dúo neoyorquino Masters at Work.
El deep-house, el acid jazz y los sedosos grooves de bossa están muy en la línea de los álbumes de Louie Vega Nuyorican Soul y Elements of Life, en los que participó Quintero.
A veces se acusa a Vega de sobreproducir los temas hasta el punto de castrarlos, y la voz de la cantante caboverdiana Anane -la última conquista de Lil' Louie- en "Our Love" es tan suave que se acerca a la música muzak.

¿Pero ligero? No lo creo. Un tema de Fela Kuti con el cantante y guitarrista camerunés Francis
Mbappe da en el clavo del afrobeat, y una fiel reproducción del tema seminal de Ray Barreto, "Acid", es un merecido homenaje.

En general, la calidad de las colaboraciones del pianista Hilton Ruiz, el flautista Néstor Torres y el guitarrista venezolano Aquiles Báez hacen de este disco una delicia para los amantes de la música que buscan algo más que las típicas descargas de salsa que ofrecen muchos combos latinos en la actualidad.

                                                                           

                                                                                   

Luisito Quintero - Percussion Maddness (2006)

Temas:

01. Percussion Maddness

02. Tumbao

03. M'Bongi

04. Gbagada, Gbagada, Gbogodo, Gbododo feat. Francis Mbappe

05. Aquilas Coisas Todas

06. Our Love feat. Anane

07. Quintero's Jam feat. Hilton Ruiz

08. EOL Intro (Clap Your Hands)

09. Acid

10. Four Beat Mambo

11. Son Montuno

12. Oshagrina

13. Love Remains Tha Same feat. Blaze

Musicos: 

Luisito Quintero (Percusión, bongos, conga, batería, maracas, timbales, voz (negra), campanas, palmas, djembe, cajón, dun-dun, ngoma, shaker, shekere, güiro, instrumentos de juguete, ruido de la multitud, productor)

Kevin "KAcey" Jones (Voz 'bckgr', palmas, djembe, dun-dun, ngoma, shaker, productor)

Aquiles Baez Guitarra (Tres)

Luis Bonilla (Trombón)

Milton Cardona (Voz 'bckgr', shekere, lead)

Marc Cary (Fender Rhodes)

Mike Ciro (Guitarra eléctrica, Guitarra rítmica, solista)

Stephanie Cooke (Voz 'negra')

Kaïssa Doumbé (Voz 'bckgr')

Nelson Hernandez (Arreglos de trompa)

Adam Hill (Viola)

Brian Lynch (Trompeta, fliscorno)

Jose Mangual Jr. (Voz 'bckgr')

Francis Mbappe (Bajo, Guitarra rítmica, Voz, Voz 'negra', arreglos vocales)

Ozzie Melendez (Trombón)

Albert Sterling Menendez (Teclados, Fender Rhodes, solista)

Josh Milan (Voz, Voz 'bckgr', solista, teclado armónica)

Shuichi Morita (Sobregrabaciones vocales)

Gene Perez (Bajo)

Carlos "Nene" Quintero (Conga)

Ivan Renta (Saxo soprano, Saxo Tenor)

Carleen Robinson (Voz 'bckgr')

Reuben Rodriguez (Bajo eléctrico, bajo vertical, ampeg baby bass)

Hilton Ruiz (Piano)

John Scarpulla (Saxo barítono, saxo tenor)

Nestor Torres (Flauta)

David Matthews & The Super Latin Jazz Orchestra - Watermelon Man

El teclista David Matthews ha sido, entre otras cosas, una fuente constante de funk, ya sea bebiéndolo del sudor del rítmicamente innovador padrino del soul James Brown o intentando verterlo sobre la cabeza del algo más enclenque Paul Simon. Entre las tendencias, para bien o para mal, a las que Matthews ha estado asociado desde los años 70 se incluyen también el sonido CTI, una exhaustiva lista de bandas sonoras para televisión y anuncios comerciales, y una serie de lanzamientos de la Manhattan Jazz Orchestra que han sido elogiados por la crítica. No hay que confundirlo con el Dave Matthews de la jam band, ni con el anterior arreglista y músico de cañas de la época de las big bands, aunque parece que ambos trabajaron para Frank Sinatra en su día.

Licenciado en composición por la Universidad de Cincinnati, Matthews comenzó su carrera como líder de una banda de baile a finales de los años sesenta. Este grupo realizó numerosas giras por varias partes de Europa y Matthews también empezó a establecer su presencia en la escena jazzística de Cincinnati. En 1970 empezó a trabajar como arreglista y director de orquesta para James Brown, lo que le permitió trasladarse a Nueva York y aprovechar la conexión con Brown para conseguir encargos independientes. Entre sus clientes se encontraban artistas tan exigentes como el batería y director de orquesta Buddy Rich, los cantantes Mark Murphy y Bonnie Raitt, y la Starland Vocal Band, entre muchos otros. A mediados de los 70, se convirtió en arreglista del sello CTI, lo que dio lugar a una serie de producciones suaves que fueron amadas por algunos aficionados al jazz y detestadas por otros. A partir de entonces, Matthews formó sus propios grupos, como el Manhattan Jazz Quintet. Compuso muchas películas para Hollywood, como The Parallax View, la primera versión de The Stepford Wives y Night Moves. También ha tenido bastante notoriedad por sus actividades en Japón._Eugene Chadbourne (allmusic) 

                                                                       

                                                                          

David Matthews & The Super Latin Jazz Orchestra - Watermelon Man (1997)

Temas:

01. Caravan (Duke Ellington, Juan Tizol)

02. Watermelon Man (Herbie Hancock)

03. Carioca (Vincent Youmans)

04. Oye Como Va (Tito Puente)

05. Historia de Un Amor (Carlos Almaran Eleta)

06. Bonita Rosita (David Matthews)

07. Nica’s Dream (Horace Silver, Weaver Copeland)

Musicos: 

David Matthews (Director, arreglos)

Lew Soloff (Trompeta)

Ryan Kisor (Trompeta)

Conrad Herwig (Trombón)

Chris Hunter (Saxo alto)

George Young (Saxofón tenor)

Joe Temperley (Saxo barítono)

Ross Traut (Guitarra)

Jon Werking (Sintetizador)

Mark Egan (Bajo)

Sammy Figueroa (Congas, cowell)

Gordon Gottlieb (Timbales, pandeiro)

James Saporito (Bongos, shaker, güiro)

Terry Silverlight (Batería)

Grabado en Warehouse Studio, N.Y. 27 y 28 de enero de 1997

Mario Rivera & George Coleman - El Comandante ...The Merengue-Jazz

Es una ironía que, al final, la influencia africana haya aportado el elemento más original de la música del continente americano; y esta música es la expresión cultural más auténtica producida allí y su mejor contribución a los artes. El jazz norteamericano ya está destinado a ser considerado como el desarrollo musical más importante del siglo XX. Pero originalmente, fue en las pequeñas islas salpicadas en el mar Caribe donde empezó todo. A pesar de su temprano desarrollo y su ocasional popularización internacional, la música popular de la República Dominicana, el merengue en particular, nunca ha recibido un verdadero reconocimiento artístico musical. Mario Rivera, posiblemente el músico dominicano más consumado en el género, se propuso cambiar esta situación con este álbum, el primero bajo su propio nombre. La Española, actualmente apuntalada por la República Dominicana y Haití, fue la colonia de la lista establecida en el Nuevo Mundo, y el trampolín hacia las fronteras en expansión.
No sólo los conquistadores se diseminaron desde La Española. También se inició allí la introducción de esclavos africanos en el Nuevo Mundo, que más tarde se extendió a otras islas, permitiendo así la polinización cruzada que tuvo lugar entre los miembros de muchas tribus diferentes. Toda la música influida por el éxodo forzoso de África occidental tuvo una especie de crisol en la región. Jelly Roll Morton reconoció esta influencia en la Nueva Orleans que produjo el jazz, y se dice que el SON cubano fue traído a Santiago de Cuba por dos hermanas de la Española. La realidad es que la semilla primigenia se trasplantó a suelos dispares, y los resultados fueron muy distintos. Por ejemplo, el jazz pasó a desarrollar una estructura armónica muy sofisticada, impulsada por los ritmos africanos sincopados. Cuba desarrolló la forma SON, y más tarde hizo bailar al mundo el mambo y el cha-cha-cha, del mismo modo que Brasil produjo la samba, rica en percusión. Pero, al tiempo que se permitía la diversidad, se mantuvo un núcleo común a todos, y es esta herencia africana la que hace posible que se unan y conecten. 

Esta historia sigue desarrollándose hoy en día, y parece que cuando la música latinoamericana más percusiva se fusiona con las sofisticadas armonías del jazz se alcanza el más alto grado de expresión musical, y ambas se enriquecen. Esto es bastante evidente en el matrimonio entre el jazz y la música afrocubana que dio origen al jazz latino durante la década de 1940, o la samba rítmicamente exótica que produjo la bossa novo en la década de 1960.

El merengue dominicano lleva mucho tiempo esperando hacer lo mismo. El merengue se considera la música nacional de la República Dominicana. Aunque el nombre se aplica también a estilos musicales desarrollados en otros lugares, cuando se dice merengue, se habla de música dominicana. Es un ritmo de baile vivo y nítido que se toca en el compás de 2/4 sobre el "cinquillo" caribeño.

Sus orígenes son escurridizos, debido a la falta de acontecimientos históricos documentados, pero la mayoría de los musicólogos parecen estar de acuerdo en que se trata probablemente de una música sincrética producida por la transformación del baile de la contra por ritmos africanos a mediados del siglo XIX. Fue precisamente esta influencia africana la que tanto ofendió a los llamados intelectuales xenófobos de la época, que llegaron a denigrarla cuando amenazaba los bailes más asépticos de las clases altas; como ocurre ahora. Si sus ataques son hoy más sutiles, son igualmente sospechosos por su falta de interés en explorar la relevancia cultural de la música, permaneciendo en un vergonzoso silencio.

Al principio, el merengue se tocaba con un instrumento de cuerda que ponía la melodía: el güiro, la versión de metal, o guira, y el tambor de dos puntas, con forma de barril, llamado tambora. El comercio de tabaco entre la región noroccidental del país con Alemania trajo consigo más tarde el acordeón diatónico, que sustituyó a la guitarra como fuente melódica. Posteriormente se añadió el saxofón alto, completando así el llamado Conjunto Típico.

Se trata del Merengue Cibaeño o Liniero (de la región denominada Cibao). Con exponentes como Ñico Lora y Toño Abreu, pronto se convirtió en Rey. Tenía que serlo. Cuando empieza el merengue y el acordeón y el saxofón se entrelazan en un sensual "floreo", empujado por el frenético "repique" del viril pulso de la tombora-guira el golpe se hace irresistible: hay que levantarse y bailar, aunque sea la "Chencha la Gamba" (la Chencha de piernas arqueadas del folclore dominicano).

Este es el pozo musical en el que Don Luis Alberti y Julio Alberto Hernández, entre otros, se inspiraron más tarde, transportando la esencia de la música al formato de big band. A mediados de los años 30 y 40 se consolidó el merengue elegante de salón, protegido por la sonrisa socarrona del Generalísimo Rafael Leonida Trujillo y Molino. Los años 40 y 50 se consideran la época dorada del merengue clásico, elegante pero viril. Durante los años 60, el merengue de lazo grande dio paso al estilo de combo, con seguridad custodiado por Don Rafael Solano, quien continuó la tradición armado con una artillería llena de "Pambiche".

Cuando el rock&roll invadió la tierra, Johnny Ventura estaba listo para continuar; y cuando se requería velocidad, Wilfrido Vargas se sentaba al volante. Hoy, el merengue se vende en manos de la banda "4:40" de Juan Luis Guerra. A pesar de que el merengue es el baile caribeño más popular desde principios de los 80, aún no se le han reconocido sus méritos musicales. Este vacío debe llenarse, y más vale que sea ahora, mientras el entusiasmo internacional por la música sigue floreciendo.

Este es el momento para el que se ha estado preparando el veterano multiinstrumentista dominicano Mario Rivera, con el fin de llevar la tradición un paso más allá; y está cualificado para hacerlo. Cuando llegó a Nueva York con 21 años, ya había tocado con las mejores bandas de la República Dominicana. Además, también estaba claro que estaba destinado a convertirse en el discípulo más aventajado del maestro Tavito Vásquez, indiscutiblemente reconocido como el máximo exponente del estilo de saxofón merengue. Con gran determinación y una disciplina inquebrantable, Mario se propuso dominar el lenguaje del jazz, y hoy puede contarse entre un puñado de músicos latinos que dominan verdaderamente el jazz.

Ha sido reconocido como músico de jazz por algunos de los intérpretes más destacados de su época. Titanes como Thelonious Monk, Dexter Gordon, Sonny Stitt y George Coleman le han distinguido. El difunto Dizzy Gillespie le regaló una de sus trompetas marca de la casa pocas semanas antes de su fallecimiento. Pocos músicos en activo son tan completos musicalmente como Mario Rivera. Por el camino, ha aprendido a tocar más de veinte instrumentos diferentes. Fue uno de los que encendieron la moda latina durante los años del famoso Palladium, actuando con las bandas de Machito, Tito Puente y, sobre todo, con la orquesta de Tito Rodríguez.

También formó parte de la era de la salsa, tocando con artistas de la talla de Eddie y Charlie Palmieri y Típica 73, entre muchos otros. Fue el líder de un grupo de jóvenes músicos latinos de Nueva York que, bajo la bandera de los refugiados de la salsa, redefinieron la música afrocubana en el contexto del bebop, creando así el jazz latino moderno. El siempre ignorado músico de acompañamiento ha participado en más de cien grabaciones, y sus contribuciones como solista le han valido unos seis premios Grammy para muchos grupos de jazz y latin-jazz. Mario sigue muy activo tanto en el circuito de jazz como en el de jazz latino, actuando regularmente con el Tito Puente Latin jazz Ensemble, Dizzy Gillespie and The United Nation Orchestra, The Golden Men of Latin jazz y The Jazz Masters. Pero durante los últimos años se ha dedicado a la idea de fusionar el merengue con el jazz para conseguir un sonido nuevo, fresco y de una calidad estética distintiva. De eso trata este álbum. Y lo hace en buena compañía. George Coleman, el musculoso saxofonista de Memphis, no necesita presentación. Representa la voz del jazz que va a sancionar el experimento, al igual que Dizzy hizo con la música afrocubana. Ambos han tocado juntos muchas veces, desde que Mario se encargó de anclar con su barítono la sección de saxofones del maravilloso Octeto de George Coleman.

Hay un equilibrio total en la forma en que tocan en este álbum; como si acabaran de unir sus fuerzas para hacer música buena y honesta. Hilton Ruiz se remonta con Mario a los días de los refugiados de la salsa. Puertorriqueño nacido en Nueva York, es probablemente el único pianista latino con dominio de las intrincadas armonías del bebop, y realiza una sólida contribución a la música. Walter Booker es un auténtico bajista veterano enraizado en la mejor tradición jazzística. Pasó noches interminables en el apartamento de Mario mientras absorbía a fondo el estilo del merengue. No hay nadie mejor para este proyecto. Con Rey-Chinito-Díaz a la tambora, Isidro Bobadilla a la percusión, Phoenix Rivera a la batería y Alexis Díaz a la guira, está rodeado de músicos que le ayudaron a desarrollar el concepto durante las fases experimentales en el club neoyorquino SOB's. Ignacio Berroa hace la mayor parte del trabajo de batería, y Ed Cherry está a la guitarra; son nuevas incorporaciones que sin duda realzan la música. John Benitez al bajo y Daniel Guillermo al piano completan el personal.

Como ves, la mayor parte quedó en familia y te aseguro que todos se esforzaron al máximo para que así fuera. En cuanto a la música, encontrarás buen gusto, variedad y originalidad. No se equivoque, éste es un álbum de jazz en toda regla. Pero si quiere comprobar lo bien que se ha integrado el merengue, póngalo a prueba de verdad; póngase el gel y báilelo. Estoy seguro de que la experiencia será muy gratificante para ambos públicos. Es muy apropiado que todo comience con Amigos Juntos, porque al hacerlo, Mario Rivera (El Comandante) les ofrece un experimento cultural de proporciones históricas significativas._Dr. Federico Chan (Ciudad de Nueva York, diciembre de 1993)

Mario Rivera (nació en Santo Domingo 22 de julio de 1939 - murió de un linfoma el 10 de agosto de 2007 en Nueva York).

                                                                              

                                                                                     

Mario Rivera & George Coleman - El Comandante ...The Merengue-Jazz (1994)

Temas:

01. Amigos Juntos (Mario Rivera)

02. Frank's Tune (Frank Strozier)

03. La Puerta (Luis Demetrio)

04. Tanga (Dizzy Gillespie)

05. Pretty Blues (George Coleman)

06. Afternoon In Paris (John Lewis)

07. Todavia (Phoenix Rivera)

08. Have You Met Miss Jones? (Richard Rodgers / Lorenz Hart)

09. En La Obscuridad (In The Dark) (Rafael Solano)

Musicos:

Mario Rivera (Saxo tenor, saxo soprano y saxo alto, flauta alta, trompeta, tambora)

Ceorge Coleman (Saxo tenor)

Hilton Ruiz (Piano)

Ed Cherry (Guitarra)  

Walter Booker bajo 

John Benitez (Bajo) 

Ignacio Berroa (Batería)

Phoenix Rivera (Director musical, batería, piano adicional)

José Alexis Diaz "La Tormenta" (Congas, guira)

Rey Diaz "El Chinito" (Tambora)

Daniel Cuillermo (Piano oddicional)

Isidro Bobadilla (Shekere y percusión adicional)

Kora Jazz Band - Kora Jazz Band and Guests

Kora Jazz Trio es un grupo musical africano de tres músicos, fundado en 2002 por Djeli Moussa Diawara, korafola guineano, con Abdoulaye Diabate y Moussa Sissokho, conocido sobre todo por producir una música que es una mezcla de jazz americano con música tradicional africana. Descrito como "el encuentro entre la tradición musical mandinga y la libertad del jazz, entre la percusión de África Occidental y el swing afroamericano",] se les ha reconocido por centrarse en compartir su herencia cultural, sin hacerlo en aras del éxito dominante o en un esfuerzo por crear un movimiento.

Después de tres álbumes, Djeli Moussa Diawara dejó el grupo para centrarse en proyectos personales y fue sustituido por Soriba Kouyaté. El Kora Jazz Trio fue reemplazado por la Kora Jazz Band en 2010, y el lanzamiento del álbum "Kora Jazz Band & Guests".

En 2018 se publicó un nuevo álbum, Part IV, con Chérif Soumano sustituyendo a Kouyaté en la kora, además de invitados como Manuel Marchès (contrabajo), Adama Conde (balafón), Boris Caicedo (percusión), Woz Kaly (voz) y Hervé Morisot (guitarra)._(wikipedia)

Desde sus comienzos, hace ocho años, el Kora Jazz Trio ha realizado giras por todo el mundo y ha publicado tres grabaciones notables. En la actualidad, el pianista Abdoulaye Diabate' sigue siendo pionero en el asombroso diálogo que inició entre dos instrumentos solistas emblemáticos de culturas musicales radicalmente distintas: el piano occidental y la kora africana.

Ha incorporado nuevos miembros a la banda, con el fin de desarrollar y explorar nuevos horizontes musicales. La Kora Jazz Band es, por tanto, una nueva generación de Kora Jazz Trio, una formación que nos aporta nuevas texturas sonoras, un nuevo respiro y un mayor alcance.

El núcleo de este conjunto está formado por Abdoulaye Diabate' al piano, Soriba Kouyate' a la kora (que se dio a conocer como músico de acompañamiento de Paolo Fresu, Ray Lema y Salif Keita, sustituyendo a Djeli Moussa Diawara, actualmente ocupado en otros proyectos personales) y Moussa Sissokho a las percusiones, un hombre que ha conseguido hacerse un nombre como uno de los percusionistas más destacados de su generación. Tres músicos aportan su inesperada contribución a diferentes temas: Andy Narell a la steel pan, Omar Márquez a los timbales y Manu Dibango a la marimba (sí, así es, sus ojos no le engañan; esto será una revelación para muchos).

Estamos muy lejos de los intentos de "crossover" que acaparan el dinero o de las "remezclas electro postmodernas" de músicas del mundo diseñadas para bares de salón. Para nuestro mayor placer, el swing, la melodía y la armonía están muy vivos, libres en espíritu, unidos en sustancia, uniendo fuerzas en un nuevo horizonte. Los futuros conciertos de la Kora Jazz Band serán acontecimientos generosos y festivos que no hay que perderse.

Al igual que las grabaciones anteriores del Kora Jazz Trio, este álbum incluye composiciones originales de Abdoulaye Diabate' y estándares matizados con nuevos tintes como All blues, un tema importante del seminal Kind of blue de Miles Davis y el indestructible y ardiente cha-cha-cha de Oye como va de Tito Puente, más conocido como éxito pop internacional de Carlos Santana. Cada una de las creaciones de Abdoulaye Diabate pretende encarnar la transposición fiel y sincera de una emoción, una historia o un sentimiento particular. Hay aquí un tema central: transmitir y compartir conocimientos con su público. Seguimos reunidos bajo el viejo "árbol parlante" (arbre a` palabres). ¿Y qué hay más elocuente que el jazz?

La alegría y el placer de tocar juntos que iluminaron esta grabación se vieron por desgracia brutalmente ensombrecidos por el repentino fallecimiento de Soriba Kouyate' apenas una semana después de finalizar la grabación. Este álbum está especialmente dedicado a él.

Yakhouba Sissokho se unió a la banda en enero de 2011 para tocar la kora. Su experiencia con músicos de jazz como Erik Truffaz o Jean Philippe Rykiel, su experiencia en giras y grabaciones con Dee Dee Bridgewater (junto a Moussa Sissokho), y su conocimiento de la tradición africana a través de sus grabaciones con Lansine Kouyate le permitieron encajar fácilmente.

                                                                                

                                                                                 

Kora Jazz Band - Kora Jazz Band and Guests (2011)

Temas:

01. All Blues

02. Kuma

03. Banekh

04. Madiba

05. Oye Como Va

06. Ewagne

07. Catarina

08. Mandjou

09. Soukou-Papaye (3:59)

10. Spain

Musicos:

Abdoulaye Diabate (Piano)

Soriba Kouyate (Kora)

Moussa Sissokho (Percusión)

Manu Dibango (Marimba)

Andy Narell (Steelpan)

Omar Marquez (Timbales)

Cyrille Maillard (Timbales tema #10)

Benny Golson Group - Remembering Clifford

Benny Golson (nacido el 25 de enero de 1929) es un saxofonista tenor, compositor y arreglista estadounidense de bebop y hard bop jazz. Alcanzó la fama con las big bands de Lionel Hampton y Dizzy Gillespie, más como compositor que como intérprete, antes de lanzar su carrera en solitario. Golson es conocido por cofundar y codirigir The Jazztet con el trompetista Art Farmer en 1959. Desde finales de los sesenta hasta los setenta, Golson estuvo muy solicitado como arreglista para cine y televisión, por lo que su actividad como intérprete fue menor, pero en 1982 volvió a formar el Jazztet con Farmer.
Muchas de las composiciones de Golson se han convertido en estándares del jazz, como "I Remember Clifford", "Blues March", "Stablemates", "Whisper Not" y "Killer Joe". Se le considera "uno de los contribuyentes más significativos" al desarrollo del hard bop jazz, y fue galardonado con un Grammy Trustees Award en 2021.

Golson comenzó a aprender a tocar el piano a los nueve años, y luego cambió al saxofón cuando tenía 14 años. Mientras estudiaba en el Benjamin Franklin High School de Filadelfia, tocó con otros jóvenes músicos prometedores, como John Coltrane, Red Garland, Jimmy Heath, Percy Heath, Philly Joe Jones y Red Rodney. Más tarde asistió a la Universidad Howard..._(wikipedia)

Benny Golson se sintió conmovido por la muerte del trompetista de bop Clifford Brown y escribió el clásico "I Remember Clifford". Ahora que se le presenta la oportunidad de hacer un álbum en honor de su viejo amigo, Golson reúne a un sexteto y presenta un álbum que toma la idea de "I Remember Clifford", la actualiza a fondo y la extiende a lo largo de una hora de gran música en este disco. Rehaciendo su tema más conocido como "Brown Immortal", Benny también hace una nueva versión de "Five Spot After Dark", que durante mucho tiempo ha sido un elemento básico de su repertorio. La trompa de Golson es pura miel, sonando tan maravillosamente a los 69 años como muchos músicos esperarían serlo a la mitad de su edad. Intercambiando solos con el saxo tenor Ron Blake, el trompetista John Swana, y el pianista Mike LeDonne, Peter Washington añade un buen apoyo de bajo de cuerda mientras Joe Farnsworth empuja el ritmo, pateando en todos los lugares correctos y nunca tocando en exceso. Tito Puente y Carlos "Patato" Valdés hacen apariciones como invitados en "Tito Puente" de Golson, pero donde Golson y compañía realmente brillan es en temas nuevos como "Horizon Ahead" y el cierre, "Ever More". Estos dos enérgicos temas demuestran que Golson sigue tocando con energía cuando es necesario y sigue siendo filosófico en temas como "Lullaby of Birdland" y la balada "You're the First to Know". Con una música estupenda, no hay nivel en el que este álbum no triunfe._Cub Koda (allmusic)

                                                                          

                                                                                   

Benny Golson Group - Remembering Clifford (1998)

Temas:

01. Brown Immortal

02. Five Spot After Dark

03. Dear Old Stockholm (Traditional) 

04. Matinee

05. You're the First to Know

06. Lullaby of Birdland (George Shearing, George David Weiss)

07. Tito Puente

08. Horizon Ahead

09. Ever More

Musicos:

Benny Golson (Saxo tenor)

John Swana (Trompeta)

Ron Blake (Saxo tenor)

Mike LeDonne (Piano)

Peter Washington (Bajo)

Joe Farnsworth (Batería)

Tito Puente, Carlos "Patato" Valdes (Percusión en pista 7)

Pecos Beck & Tito Poyatos Band - Play Beatles

En el proyecto La otra Cara de los Beatles la formación Pecos Beck & Tito Poyatos Band nos hace un repaso en clave de soul, jazz, latin y rock del cuarteto más emblemático del pop internacional.
El inquieto pianista Luis Poyatos junto al francés Pecos Beck conforman una banda formada en el año 1998 que se empezó a dar a conocer a raíz de la grabación del disco Jazz en la Costa, donde versionaron God Bless the Childs, un homenaje a la

fabulosa banda americana Blood Sweat and Tears. el Festival Internacional de Música y Danza (FEX Granada) del año 2007. En el 2010 presentaron el evento por la comunidad andaluza Sangre ,Sudor y Lágrimas, dejando grabado un directo en vivo. En la actualidad preparan la segunda parte de Play Beatles. En el 2007 grabaron Play Beatles , con el que comenzaron a participar en diversos festivales de jazz por Andalucía, actuando en el Festival Internacional de Música y Danza (FEX Granada).

Pecos Beck. Natural de Sarraguemine (Francia), con nueve años se incorpora a un coro de canto gregoriano y a los doce años de edad cursa estudios de órgano. Desde los quince años participa como cantante en diversas formaciones de su país natal, como “The Showmen-Strianger” y la orquesta de Jaques Herat, ganando el segundo premio del Festival de Jazz de Antibes(Costa Azul). Después se trasladó a la antigua RFA, colaborando con varios grupos alemanes, como Dust Noo y Blach-Birds. En el año 1973 llega a España con el grupo Aarón junto al organista granadino Enrique Valdivieso y más tarde forma con el afamado batería Ángel Celada el grupo Falcón en Mallorca. Piruetas de la vida le trajeron a Granada donde fundaría el embrión de lo que sería posteriormente la Blues Band de Granada, con los que grabaría buena parte de su producción discográfica. Junto a Pecos Beck, o mejor dicho, por detrás, está la Tito Poyatos Band, una potente formación liderada por el pianista Luis Poyatos.

Luis Poyatos. De formación autodidacta, entra a formar parte del colectivo “Jazz granadino” en el año 1983, co-liderando bandas como Jazzmín Combo, Jazzta, etc. Ha colaborado con cantautores como Carlos Cano, grabando el LP “El tango de las madres de mayo”(1983), con grupos de pop como 091, La Guardia, grabando con ellos cuatro CD´s (1990-95). En 1993 crea la formación CUBOP, en sus dos versiones SALSA Y LATINJAZZ, produciendo dos cd´s y obteniendo el premio a la producción “Tributo a Tito Puente” (2001). En 1998 forma el proyecto Pecos B. & T. P. Band, dedicándole un homenaje al grupo emblemático Blood,Sweet & Tears y grabando un CD en vivo. En el 2002 empieza su andadura con el cuarteto de Liverpool con su último proyecto “La otra cara de los Beatles”. Graba el CD “Play´s Beatles”(2005), obteniendo varios premios a la producción.

                                                                                   

Pecos Beck & Tito Poyatos Band - Play Beatles (2005)

Temas:

01. Come Together (John Lennon & Paul McCartney)

02. I Want You (John Lennon & Paul McCartney)

03. Dary Tripper (John Lennon & Paul McCartney)

04. Golden Slumbers (John Lennon & Paul McCartney)

05. You Never Give Me Your Money (John Lennon & Paul McCartney)

06. She Came In Through The Bathroom Window (John Lennon & Paul McCartney)

07. Something (George Harrison)

08. Maxwell's Silver Hammer (John Lennon & Paul McCartney)

09. Oh! Darling (John Lennon & Paul McCartney)

10. Octopus's Garden (Richard Starkey)

11. Come Together (remix)

Músicos:

Pecos Beck (Voz y harmonica)

Luis Poyatos (Piano, teclados, dirección musical)

Camilo Edwards (Bajo)

Ramón Gónzalez (Batería, set de percusión)

Vicente Alcaide (Trompeta, flugelhorn)

Eric Sánchez (Trompeta, flugelhorn)

Agustin Sánchez (Saxo tenor, flauta)

Rafael Martínez (Trombón)

Colaboraciones:

Pierre (Cello)

Juanito M. (Viola)

Grnaro (Tuba)

Toner (D'J)

Cheluis (Guitarra)

El Chicano - The Best of El Chicano

A principios de la década de 1970, El Chicano ayudó a ser pionero y a popularizar el concepto de rock latino, haciendo una música ecléctica y distintiva que se inspiraba en la herencia mexicano-estadounidense de sus miembros y en la rica comunidad musical de su Este de Los Ángeles natal. La música de El Chicano moda durante ese periodo presentaba una oportuna mezcla de rock duro y ritmos latinos, incorporando a la perfección elementos de soul, funk, blues, jazz y salsa, así como influencias cubanas, puertorriqueñas y caribeñas. Las canciones de la banda también incluían letras bilingües que, por lo general, evitaban declaraciones políticas manifiestas, pero que reflejaban la realidad de la experiencia mexicano-estadounidense, así como el ambiente étnicamente consciente y políticamente cargado de la época.
El Chicano surgió de la misma escena musical fértil del este de Los Ángeles que engendró combos de rock 'n' roll latinos tan conocidos en los 60 como Cannibal y The Headhunters y The Premiers. El Chicano nació en 1968, a partir de The VIPs, un grupo popular local que incluía a los futuros miembros de El Chicano, Freddie Sánchez (bajo/voz), Bobby Espinosa (teclados/voz), Mickey Lespron (guitarra), John DeLuna (batería) y Andre Baeza (congas). Después de un periodo inicial de trabajo con una sección de vientos, El Chicano se asentó en una forma más compacta que mostraba el conmovedor órgano Hammond B3 de Espinosa, el jazz de Lespron. El sonido de la banda fue en gran medida el de un grupo de música que se convirtió en un grupo de música de la familia. El sonido de la banda se forjó en gran medida a través de las actuaciones en directo, durante sus primeros días tocando para audiencias racialmente diversas en Los Ángeles. "En aquella época", explica Sánchez, "tocábamos muchos estilos de música diferentes. Pero empezamos a darnos cuenta de que la gente cruzaba la ciudad en coche sólo para ver nuestro primer concierto, que consistía en nuestras interpretaciones de canciones de jazz latino". Uno de los temas más populares de los directos de El Chicano era una versión hipnóticamente funky de "Viva Tirado", del pianista de jazz Gerald Wilson, un homenaje instrumental al matador mexicano José Ramón Tirado. La popularidad local de la canción -y la reputación local de El Chicano como un acto de fuego en vivo- ayudó a que el grupo llegara a un acuerdo con el sello Kapp, afiliado a Decca Records.

"Viva Tirado" se convirtió en la canción principal del primer LP de El Chicano en 1970. Con la distribución nacional, la canción se convirtió en un éxito sorpresa, alcanzando el número 28 en la lista de singles pop de Billboard y el número 20 en su lista de R&B. Fue un éxito mayor en el área de Los Ángeles, encabezando algunas listas regionales durante 13 semanas, algo casi inaudito para un instrumento de jazz. El éxito de la canción puso a El Chicano en el mapa de la corriente principal, al tiempo que consolidó la popularidad de la banda en los barrios mexicano-americanos de todo el suroeste de Estados Unidos. El éxito de "Viva Tirado" también dio lugar a acontecimientos inesperados como una invitación para actuar en el Festival de Jazz de Ohio de 1970, cuyos organizadores escucharon la canción y asumieron que El Chicano era un conjunto de jazz experto en lugar de un conjunto de bastidor. Durante la misma gira, dieron un concierto en el legendario Teatro Apollo de Harlem, donde, a pesar del nombre del grupo, el público, según se dice, acudió esperando ver un acto de bloque. A finales de año, El Chicano fue nombrado grupo de jazz del año por las revistas de la industria musical Billboard y Record World. Sánchez cree que el éxito de "Viva Tirado" le ha dado a El Chicano la libertad de experimentar en sus futuros lanzamientos. "Tuvimos la suerte de tener nuestro primer éxito con un instrumental de jazz latino", observa. "Eso nos dio un poco de influencia, así que nunca nos encontramos con nadie que intentara cambiar nuestro enfoque". El Chicano siguió grabando seis álbumes más para Kapp/Decca y luego para MCA: Revolución (1971), Celebración (1972), El Chicano (1973), Cinco (1974), Lo mejor de todo (1975) y Pirámide de amor y amigos (1976). Celebration generó otro éxito en una efervescente lectura latino-folk-rock de "Brown-Eyed Girl" de Van Morrison, con Sánchez y el cantante invitado Steve Salas, un veterano de la escena del Eastside que más tarde alcanzaría el éxito como miembro fundador de Tierra. El LP El Chicano dio lugar al segundo mayor éxito de la banda  El grupo se lanzó al mercado con el clásico del soul de ojos marrones "Tell Her She's Lovely", escrito por David Batteau, con el nuevo miembro Jerry Salas (sin relación con Steve) como vocalista. Aunque el tema sólo alcanzó el número 40 en la lista de singles pop de Billboard y el 98 en la lista de R&B de la revista, fue un éxito mucho mayor en los mercados hispanos. 

A lo largo de los años 70, El Chicano experimentó varios cambios de personal, añadiendo varios miembros, incluyendo a Ersi Arvisu (voz), Max Garduno (congas), Brian Magness (bajo), Joe Perreira (bajo), Hector "Rudy" Regalado (timbales, voz) y el ex-baterista de los Midniters Danny Lamonte (batería). El contrato de MCA de El Chicano expiró en 1976. Desde entonces, han seguido actuando y grabando, conservando un público fiel en Estados Unidos y en el extranjero. Han actuado en lugares tan lejanos como Japón, Nicaragua, Malasia y Corea, y han sido sampleados por Kid Frost en su "La Raza" en 2001. En el momento de escribir estas líneas, los miembros originales, Espinosa y Sánchez, están trabajando en un nuevo proyecto de El Chicano, la partitura de un documental sobre el organizador sindical y amigo de los lazos, César Chávez, sindicalista y amigo de lazos César Chávez, y preparando un libro que documenta la larga historia de su grupo. La formación actual de El Chicano (cuyas actividades están documentadas en su propio sitio web) mantiene una apretada agenda de actuaciones, tocando unas 100 fechas al año en todo el mundo. Mientras tanto, la influencia de El Chicano perdura en más de una generación de rockeros hispanos. Sánchez y Espinosa, socios desde hace mucho tiempo, recuerdan con orgullo el legado musical de la banda. "Nos gusta pensar que fuimos decisivos a la hora de crear el terreno de juego para muchos de los que vinieron después". afirma Sánchez. "Fuimos muy conscientes de los artistas latinos que nos dieron esa estrella en el cielo a la que disparar, y nos permitieron mantenernos centrados en nuestro viaje"_Scott Schinder. Nueva York, julio de 2004

                                                                                

                                                                              

El Chicano - The Best of El Chicano (2004)

Temas:

01. Viva Tirado (Gerald Wilson)

02. Brown-Eyed Girl (Van Morrison)

03. El Cayuco (Tito Puente)

04. Tell Her She's Lovely (David Batteau)

05. The Latin One (El Chicano)

06. Sabor A Mi (Alvaro Carrillo)

07. Juntos (Andre Baéza, Robert Espinosa, Alfredo Sanchez, John DeLuna, Michael Lespron)

08. (Se Fue Mi) Cha Chita (Andre Baéza, Robert Espinosa)

09. Cubano Chant (Bryant Ray)

10. Cantaloupe Island (Herbie Hancock)

11. Ahora Si (Ray Barretto)

12. Gringo En Mexico (Wendy Waldman)

Pistas: 1, 10 de El Chicano - Viva Tirado

Pistas: 2, 7 de El Chicano - Celebración

Pistas: 3, 5, 11, 12 de El Chicano - Cinco

Pistas: 4, 8 de El Chicano - El Chicano

Pistas: 6, 9 de El Chicano - Revolución

Miembros "El Chicano":

Freddie Sanchez (Bajo - 1970)

Bobby Espinosa (Órgano - 1970, fallecido el 27 de febrero de 2010)

Mickey Lespron (Guitarra - 1970)

John De Luna (Batería - 1970)

Andre Baeza (Congas - 1970)

Ersi Arvisu (Voz principal - 1970s)

Max Garduno (Congas - 1970s)

Danny Lamonte (Batería - 1970s)

Brian Magness (Bajo - 1970s)

Joe Perreria (Bajo - 1970s)

Rudy Salas (Voz, 1970 murió el 29 de diciembre de 2020)

Steve Salas (Voz, 1970 murió el 10 de febrero de 2022)

Rudy Regalado (Timbales - se unió c. 1971, murió el 4 de noviembre de 2010)

Jerry Salas (Voz principal, guitarra - se unió en 1973)

Walfredo "Wally" Reyes, Jr. (Batería, congas, 2010-2012)

Joseph Baeza (Congas (2011-2013, fallecido el 18 de octubre de 2016)

David "Chango" Chávez (Congas, 2015-actualidad)

Eddie Avila  (Batería, 2010 - actual)

Alfredito Valdés - Sabrina! (Pachanga)

Alfredo Valdés, quizás más conocido como el padre de Alfredo "Alfredito" Valdés, Jr., fue un sonero que actuó con bandas como el Septeto Nacional y la Orquesta Casino de la Playa y también con Tito Puente. También actuó como director de orquesta durante las décadas de 1950 y 1960, sobre todo en el álbum de 1963 Viva Valdés. Nacido en La Habana, Cuba, el 23 de marzo de 1910, se trasladó a Nueva York en 1956. Además de ser el padre del pianista, arreglista y director musical Alfredo "Alfredito" Valdés, Jr, es hermano del cantante y director de orquesta Vicentico Valdés y del percusionista Oscar Valdés; su esposa, la cantante y guitarrista Ana María Purmuy, fue miembro de la Orquesta Anacaona, formada exclusivamente por mujeres._Jason Birchmeier (allmusic)                                                            

                                                                       

                                                                                     

Alfredito Valdés - Sabrina! (Pachanga) (1962)

Temas:
01. Charanga En New York (M. Bouffartique)
02. Negra De Sociedad (E. Duarte)
03. Sabrina (Sergio Calzado)
04. Mañana Te Lllevo Niña (Guaguanco)
05. Dejate Querer (Ernesto Grenet)
06. Almendra (Abelardo Valdes)
07. Miu Miu (Felix Lagarreta)
08. Mi Novia Me Boto (Alfredito Valdes)
09. Pachanga Flamenca (Felix Hernandez)
10. Quimbombo Que Resbala (Arsenio Rodriguez)

Musicos:
Alfredito Valdés (Voz y lider)
Alfredo López (Flauta)
Muñoz Bouffartique (Violín)
Félix "Pupi" Legarreta (Violín)
José "Chombo" Silva (Violín)
Mike Ríos (Piano)
Baro Evaristo "Guajarón" (Bajo)
Reynaldo Rodríguez (Timbales)
Armando Albertini (Congas)
Pete Bonet (Voz y güiro)
Tony Torres (Voz y maracas)

Información cedida por Osvaldo M. 

Daniel Ponce - Chango Te Llama

Daniel Ponce es un percusionista nacido en La Habana, Cuba un 21 de julio de 1953, su primer contacto con la música es a través de su abuelo, un reconocido baterista. Fue músico en varias agrupaciones folclóricas, donde ejecuto la tumbadora y los tambores bata. A los 11 años, inicia su carrera artística tocando en el grupo de mozambique llamado Los Brillantes, durante su adolescencia, toca en la Comparsa Estudiantil Universitaria.
Se presentó en los Carnavales Habaneros hasta 1980 fecha en que debe abandonar la isla y llega a los Estados Unidos, tras un breve paso por Miami, se radica en la Ciudad de New York, donde comienza a tocar con los hermanos Jerry y Andy Gonzáles en el Village Gate, al tiempo que colabora como músico invitado en dos álbumes del saxofonista cubano Paquito D'Rivera y se integra a la Orquesta de Eddie Palmieri; es en New York donde Ponce ha consolidado una notable carrera como percusionista.

Ha participado en conciertos y ha grabado discos con notables músicos, entre ellos Paquito Rivera, McCoy Tayner, Eddie Palmieri, Herbie Hancock, Mick Jagger, Ginger Baker, Celia Cruz, Mario Bauzá, Dizzie Guillespie, Tito Puente. Su línea de trabajo se ubica dentro de la música afrocubana, el Jazz y la salsa..._(last.fm)

Un percusionista estrella y uno de los mejores de Cuba desde el apogeo de Chano Pozo, Cándido Camero y Armando Peraza, Daniel Ponce mostró un dominio rítmico tanto de los sonidos cubanos tradicionales como de los ritmos afroamericanos contemporáneos. El abuelo de Ponce fue un famoso baterista y le dio a su nieto su primera formación. Ponce tocaba el cencerro con Los Brillantes en La Habana a los 11 años. Cambió a las congas cuando era adolescente y tocó con Comparso Federación Estudiantil Universitario. Llegó a Estados Unidos en 1980 y pronto se mudó a Nueva York. Andy y Jerry González invitaron a Ponce a sentarse en el Village Gate, donde conoció al saxofonista Paquito d'Rivera. Más tarde tocó en un par de álbumes de d'Rivera e hizo sesiones para Eddie Palmieri. Pero el productor/bajista Bill Laswell realmente ayudó a Ponce. Le consiguió una sesión con Herbie Hancock que condujo al exitoso lanzamiento comercial y crítico Future Shock a mediados de los años 80. Ponce hizo varias sesiones para OAO y Celluloid, y emitió su primera sesión como líder, New York Now!, en 1983. Su siguiente salida, Arawe, llegó en 1987, seguida de Chango Te Llama en 1991. Ponce también dirigió un par de Los grupos de Nueva York, New York Now y Jazzbata, además de un considerable trabajo de sesión en fechas lideradas por otros._Ron Wynn (allmusic)

                                                                          

                                                                                 

Daniel Ponce - Chango Te Llama (1991)

Temas:

01. Chango te Llama

02. Bacalaitos

03. Mas Blues

04. Oferere

05. Bilongone

06. Midnight Mambo

07. Latin Perspective

08. Recoje y vete

Musicos:

Daniel Ponce (Conga, shekere, mezcla)

Oscar Hernandez (Piano, Mezcla, Conga, Director)

Sal Cuevas (Bajo, piano)

Edgardo Miranda (Voz, Cuatro)

Marc Quiñones (Timbales)

Óscar Quiñones (Timbales)

Mario Rivera (Flauta, flauta alto, saxos)

David Sánchez (Sax tenor)

Steve Berrios (Batería, Batá)

Robbie Ameen (Batería)

Héctor Hernández (Batería)

Joe Gonzalez (Saxo, bells, güiro)

Rae Serrano (Sintetizador)

Ángel Papo Vásquez (Trombón)

David "Piro" Rodríguez (Trompeta)

Michael Mossman (Trompeta)

Milton Cardona (Voz, voz fondo)

Tito Allen (Voz, voz fondo)

Ricky González (Arreglista)