Ela Calvo - Collection

El bolero la incluye entre sus principales voces, esa que ha paseado por diferentes escenarios cubanos y del extranjero bajo el nombre de Ela Calvo quien acaba de cumplir 80 años.
Nacida el 18 de febrero de 1932 en La Habana inició su vida de cantante en 1952 en una agrupación bajo la batuta de Facundo Rivero, a través de la emisora Circuito Radial Cubano, en el coro acompañante de la gran Rita Montaner.

También la acogió el grupo dirigido por Rodolfo Pichardo en el casino del cabaret Tropicana.
Ya en 1959 hizo su debut profesional como solista, y la locación escogida resultó club del hotel Saint Johns, a la par que asistía a programas de radio y televisión, o figuraba en las carteleras de las revistas musicales conformadas para el exterior.
Por aquellos años no abandonó Tropicana hasta que en 1965 tuvo su prueba de fuego en grande al ofrecer el primer recital en el Museo Nacional de Bellas Artes.
Dos años después asume su primera gira internacional que la llevó a Checoslovaquia y Alemania.

Un grato regalo le propició 1968 al ganar el segundo lugar en el Festival Internacional de la Canción de Sopot (Polonia), así como el Premio de Interpretación en el también Festival El Hombre y el Mar, en Rostock, entonces Unión Soviética en 1985.
Su presencia se hizo notar, además, en el Lira de Oro, de Bratislava, el Limasol (Chipre), el de la canción de Dresde, Alemania, en los Boleros de Oro, y en el dedicado a Agustín Lara.
América Latina, Europa y África también conocen de su presencia, y entre los compositores que integran su repertorio vislumbran José Antonio Méndez, Rafael Ortiz, Juan Almeida, Marta Valdés, y el Niño Rivera, por citar lgunos.
Esta intérprete de registros peculiares ha grabado varios discos con sus canciones, al tiempo que ostenta diferentes congratulaciones como la Distinción por la Cultura Nacional._Ricardo R. González (soyquiensoy)





Ela Calvo - Collection (2000)

Temas:
01.Veinte Años
02.Dime Si Eres Tu 
03.La Tarde
04.Demasiado Que Pedir 
05.Pero Algun Dia 
06.Indestractible
07.Tu Mi Delirio 
08.You Vendo Unos Ojos Negros
09.Requiem 
10.Pensamiento 
11.Ya Ves, Volvi
12.Si Me Pudieras Querer 
13.Como Solo Se Ama La Primera Vez 
14.Como Yo Te Ame 
15.Estas Horas
16.Solo Contigo Basta
17.Rumbo A La Eternidad
18.A Veces Los Dos 
19.Cancion De Mi Habana

Monthuno - Mambo Inn

Al principio, simplemente se trataba de utilizar el Libro Real Latino para asimilar la música latinoamericana desde Cuba hasta Río. Con sus recursos derivados del jazz, el grupo Monthuno traza canciones más bien poco conocidas, que reelabora según sus deseos e ideas. En las sesiones de ensayo en Thun, que también inspiraron el nombre del grupo, trabajaron intensamente en los complejos surcos y arreglos latinos. El resultado es delicioso: el camino sigue siendo la meta.

Juerg Burkhart: Estudia saxofón con Andy Scherrer y se diploma con distinción en la Escuela Suiza de Jazz de Berna en 1984. JB juega a partir de los años ochenta con: El Ritmo Caliente de Willy Kotun, un grupo de salsa que realizó giras en la Hungría comunista, entre otros lugares. La odisea latina de Teddy Bärlocher: Este grupo está orientado principalmente a los compositores brasileños. Las composiciones propias del líder de la banda están influenciadas por muchas estancias en Brasil. A partir de entonces, proyectos como Mabadru con Tini Hägler, también de jazz latino, Zounds con Reimund Gerstner y Allegretto Quintett con Tom Fahrer, Samuel Zingg. Jazz Corso con Marco Morelli, Tini Hägler y Marco Käppeli. Unidad de Andy Harder con Glenn Ferris, Jo Jo Mayer y Runo Erickson. Desde el inicio de su actividad también formaciones bajo su nombre. En la actualidad toca el contralto principal en la Up Town Bigband (formada por miembros de Be-Jazz durante muchos años) y es sideman de Blues Deluxe: Thomas Fahrer, Mike Maurer, Wege Wüthrich y Pierre-Alain Kessi.

Flo Weiss: Obtuvo su Matura en Zúrich en 2010 y actualmente estudia en el Departamento de Jazz de la Universidad de las Artes de Berna con Bernhard Bamert, Bert Joris y Frank Sikora, entre otros. Además de Monthuno, toca en varias formaciones como la Uptown Bigband, la Swiss Army Bigband, M'Adam(e) o su propio proyecto llamado "Woodoism". Actividad de conciertos en Suiza, entre otros en el renombrado Festival de Jazz de Schaffhausen y el Festival Internacional de Jazz de Berna, Alemania, Italia, Túnez y Hungría.

Matthias Mollet: Estudió piano en la Swiss Jazz School con Günther Kühlwein e Immanuel Brockhaus, se graduó en 1999. Tocó en el quinteto de jazz "Vatters Mofa", la banda de radio "Funk Sinatra & the Tribblehorns" y otras formaciones cambiantes. En el verano de 2003 participó en los Juegos de Thun Lake en la orquesta de la producción musical "Evita". En el mismo año fundó Matthias Mollet 5tet y comenzó a escribir composiciones de jazz modal para esta formación. Miembro de Monthuno desde 2007.

Reimund Gerstner:mDiploma de Swiss Jazz School en batería, guitarra, trombón. Banda propia a principios de los 80, Zounds con Ueli Balsiger (Stiller Has) y Theo Kapilides. Posteriormente estudio autodidacta de bajo eléctrico y contrabajo. Sus composiciones están influenciadas por el estilo de Wayne Shorter. Música de teatro en Frankfurt, Basilea, Bern Solothurn. Participó en varios musicales y producciones de danza. Desde mediados de los 80 también trabajó con electrónica, que luego se expresó en bandas como Network (Marco Figini), Overflow (Tony Wilson), World Wild Jazz Jungle y Sonic Sight. 30 años de trabajo intensivo como bajista en muchas formaciones. Tocado con Hank Jones, Albert Mangelsdorf, Kevin Mahogany, giras y conciertos con Joe Haider, Sandy Patton, Robin Keniatta, Ray Blue, Rhonda Dorsey, Roberto Bossard, Joan Cartwright, Herbie Kopf, Gary Barone, Jürg Bucher, Oli Kuster de Züri West , Stewy von Wattenwyl, Markus Plattner, Nat Su, Marcos Jiménez, varias bandas con Domenic Landolf. Larga experiencia en Salsa y formaciones latinas con Pimenta, Chevere, Salsa Buena.

Peter Zwahlen: Nacido el 1 de agosto de 1958 y criado en Berna, recibí mis primeras lecciones de batería cuando era niño. Cuando era adolescente asistí a la escuela de jazz suizo con Billy Brooks durante mucho tiempo, al mismo tiempo que Harald Glamsch en el Konsi Bern con el tambor de concierto y otros instrumentos de percusión. Después de una estancia de estudio de 2 años en el Instituto Superior de Arte en La Habana / Cuba, me dediqué principalmente a los ritmos diversos y melódicos de la percusión latina y afrocubana. En los años siguientes impartí talleres y clases en diferentes ciudades sobre congas, bongos, timbales y batás, así como percusión y ritmo africanos. También enseño en las escuelas de música en las regiones de Gürbetal, Burgdorf y Thun. En los últimos años he expandido mi espectro musical y abierto a una amplia variedad de estilos musicales. Disfruto especialmente de los juegos de ritmo de todo el mundo. He trabajado en numerosas bandas y proyectos nacionales e internacionales como miembro permanente o como músico invitado.

Abraham Stalder: Abraham Stalder comenzó a tocar el piano y la batería de forma independiente a una edad temprana. Más tarde, durante muchos años de clases de piano clásico, jazz y batería, ganó el Premio de la competencia de Ellenberg dos veces. 1997 diploma en la Swiss Jazz School Bern con batería de instrumentos principales con Billie Brooks. Desde 1989 ha tocado en numerosas bandas de funk rock, pop, jazz, jazz latino y fusión, p. B. en las formaciones Pat Enz Trio, Matthias Mollet 5tet, Jazztune o SolarMariel. También se da cuenta de sus ideas de varios estilos electrónicos en su propio estudio de proyecto y trabaja como DJ a veces ._ (monthuno)



Monthuno - Mambo Inn (2009)

Temas:

01. Mambo Inn

02. Batida Diferente

03. Building Bridges 

04. Eastern Joy Dance 

05. Midnight Mambo 

06. Linda Chicana

07. Alonzo

08. Come Candela

Musicos:

Juerg Burkhart (Saxos, flauta)

Matthias Mollet (Piano)

Reimund Gerstner (Bajo)

Abraham Stalder (Batería, percusión)

Stephan Beer (Percusión)

Información cedida por Hector Guillermo Copete

Ultra High Flamenco - Bipolar

En un mundo tan representado por las vertientes del cante y el baile como el flamenco, la oportunidad de disfrutar de un disco instrumental parece una rareza dentro de la afluencia de obras del estilo. Con una sólida carrera respaldando a toda una serie de artistas renombrados, la guitarra de José Quevedo Bolita, el violín de Alexis Lefèvre, el contrabajo de Pablo Martín y las percusiones de Paquito González se conectan en la forma de Ultra High Flamenco. Si en su primer disco se mostraban más cercanos a la fusión (aunque según la propia banda sería más apropiado el término “conexión”) mestiza, demostrando toda una baraja completa de influencias que iban desde el jazz hasta la música étnica; esta vez han decidido apostar por un sonido mucho más apegado al flamenco, pero que también parece más fiel a la naturaleza de la banda.
De distinta crianza musical pero de un mismo eclecticismo notable, los cuatro miembros de UHF consiguen que el concepto de banda tome protagonismo en la órbita flamenca a lo largo de su segunda propuesta, Bipolar. De esta manera, el disco comienza con Nuestra Sfera, un tema que deja claro el sonido que vamos a escuchar a lo largo de la obra; una bulería que suena como ninguna otra, de progresión e innovación constante, donde el oyente comienza a caer rendido ante la perfección instrumental que se seguirá reivindicando según avancen las composiciones. La esfera musical continúa con Positango, donde la composición del violinista Alexis Fèvre sirve como muestra de su mundo, yéndose por tangos y aportando un matiz más a la larga lista de Bipolar. Con el tercer tema llega uno de los platos fuertes del disco, una auténtica maravilla sonora con sabor propio, OFNI, u Objeto Flamenco No Identificado; una pieza que no se casa con nada y que con su ritmo 7 nos hace preguntarnos constantemente acerca de su propia naturaleza.

El disco prosigue con A Manuel Torre, una seguiriya dedicada a la gigantesca figura del cantaor gaditano que Lorca describiría como el hombre con mayor cultura en la sangre, toda una declaración de principios e influencias. Y así, la música avanza con los tangos de Republicanon y la soleá por bulerías de Bolando, dando paso a Tanguirera, un tanguillo compuesto por Alexis Fèvre donde demuestra un dominio total del violín, que deja estupefacto y boquiabierto al oyente desprevenido. Y en una obra con una estructura tan cuidada, de mimo compositivo exquisito, no podía faltar un clímax perfecto. UHF encuentra sitio para el éxtasis rumbero con La Baratita, una pieza llena de energía que consigue dejarnos sin aliento y con ganas de volver a escuchar esta joya de nuevo, de principio a fin.
Un flamenco donde resuenan los ecos de la locura de Pat Metheny o John McLaughlin, donde la voz es plural y un regalo de la comunión del músico con su instrumento, fruto de la conexión de cuatro artistas con un entendimiento envidiable. Podríamos pensar que el sonido sufre de cierto trastorno bipolar, pero lo cierto es que asistimos a toda una obra llena de múltiples personalidades, cada una con un encanto y carisma propios que hace que queramos conocerlas más a fondo. Nuevos esquemas e ideas para el mundo de la música, en la que sin ninguna duda es una de las obras más acertadas de los últimos años. Imprescindible para cualquier amante de la música que necesite de nuevos e imposibles manjares para sus oídos.__ Alejandro Amores  (tertuliaandaluza)





Ultra High Flamenco - Bipolar (2011)

Temas:
01. Nuestra Sfera     
02. Positango     
03. O.F.N.I. (Objeto Flamenco No Identificado) 
04. A Manuel Torre     
05. El Republicanon     
06. Bolando     
07. La Tanguirera     
08. La Baratita

Musicos:
Paquito González (Percusión)
Alexis Lefevre (Violín)
Pablo Martín-Caminero (Contrabajo)
José Quevedo (Guitarra española)

Tanmy López Moreno - La Luz Es Música

Tammy López Moreno. Violinista, compositora y cantante. Nacida en La Habana, Cuba, el 7 de enero de 1984. Graduada del Instituto Superior de Arte. Ha tocado junto a prestigiosos músicos cubanos como Silvio Rodríguez, Kelvis Ochoa, Roberto Carcasés y Zenaida Romeu.
Musicalizó los versos de Rubén Martínez Villena y los adaptó a varios géneros musicales cubanos, desde el guaguancó hasta el Cha cha chá que se resumieron en un disco del sello Ojalá: "La luz es música". En la elaboración del disco participó el cantautor cubano Silvio Rodríguez. Por el mismo recibió el Premio Cubadisco 2012 en la categoría de cancionística.
Con seis años de edad se presentó a pruebas de aptitud en la especialidad de violín e ingresó en el Conservatorio Guillermo Tomás de Guanabacoa, donde comenzó a estudiar ese instrumento un año después.
Hasta el 9no grado estudió en la Escuela Elemental Música Manuel Saumell donde después hizo un pase de nivel y entró al Consevatorio Amadeo Roldán a terminar el nivel medio profesional. Posteriormente se graduaría del Instituto Superior de Arte (ISA) en 2006.
Desde su estancia en el Conservatorio Amadeo Roldán incursionó con la Camerata Romeu interpretando temas más como “La bella cubana” y otros arreglos de Zenaida Romeuy trabajó con Roberto Carcasés en "Interactivo" en una sonoridad muy alejada de la música clásica que aprendía en el Conservatorio.
Al enterarse de la convocatoria de los Estudios Ojalá y Silvio Rodríguez para musicalizar los versos de Rubén Martínez Villena decide participar en la misma y gana. Tammy, que nunca había leído los versos de Martínez Villena los adaptó a varios géneros musicales cubanos, desde el guaguancó hasta el cha cha cha que se resumieron en un disco del sello Ojalá: "La luz es música". En la elaboración del disco participó el cantautor cubano Silvio Rodríguez quien cantó junto a Tammy uno de los temas.
Junto a Silvio Rodríguez participó también en varios de los conciertos que el músico realizó por varios de los barrios más desfavorecidos de La Habana. También tocó junto a Kelvis Ochoa con la brigada Martha Machado en la Isla de la Juventud cuando el municipio cubano fue afectado por un fuerte huracán en 2008.
Premio Cubadisco en cancionística, por La luz es música del Sello Ojalá. Año 2012._(ecured)

Apadrinada por Silvio Rodríguez, de Cuba nos llega esta prometedora artista Tanmy López con gran carga melodica y emocional en su voz y ganadora de los Premios de Creación Ojalá 2010 (Cuba). Primero suyo en solitario, el álbum lo conforman 10 poemas escogidos del poeta cubano Rubén Martínez Villena (1899-1934), abogado fundador de la Liga Antiimperialista y de la Liga Anticlerical, miembro del Comité Central del Partido Comunista de Cuba y director de la huelga general de 1933 que derrocaría el régimen de Machado. 
Concurso convocado por el propio Silvio como homenaje al poeta y cuyo motivo fue la musicación de sus escritos, el talento de la joven violinista, intérprete y compositora recrea con sus propias melodías y armonías textos que trascienden tiempos y épocas y se eleva muy por encima de las expectativas del cantautor. Elegantes y creativos arreglos para una voz sabia a pesar de su juventud y fresca a pesar de su talento demostrablemente añejo.
                                              

                                                                                 

               

Tanmy López Moreno - La Luz Es Música (2014) (Premio de Creación Ojalá 2010)

Temas:
01. Peñas Arriba (fragmentos)    
02. Capricho en Tono Menor
03. Celos Eternos
04. Motivos
05. Paz Callada
06. Presagio de la Burla Final
07. Maltiempo
08. Ironía
09. El Faro
10. Insuficiencia de la Escala y el Iris

Charlie Palmieri Quartet - Easy Does It

Hermano mayor de Eddie Palmieri, Charlie Palmieri era un pianista tan dotado como su hermano, muy percusivo y sensible al ritmo, aunque también mostraba pasajes floridos que eran claramente el producto de una educación clásica. Sus estudios de piano comenzaron a los siete años y asistió a la Juilliard School of Music, convirtiéndose en profesional a los 16 años. Creó el grupo El Conjunto Pin Pin en 1948, y luego tocó en una serie de conjuntos -incluidos los de Tito Puente, Tito Rodríguez y Pupi Campo- antes de formar su propio grupo Charanga Duboney en 1958. Como director musical de los Alegre All Stars mientras grababa para el sello Alegre en la década de 1960, Palmieri estimuló la competencia entre sellos latinos como Tico y Fania, que formaron sus propias bandas de estrellas en respuesta. Al igual que muchos artistas de jazz latino de la época, Palmieri coqueteó con el popular estilo boogaloo latino en la década de 1960 y grabó algunos discos para grandes sellos como RCA Victor y Atlantic.
En 1969 estuvo a punto de sufrir un colapso mental, pero se recuperó y volvió a trabajar para Puente en su programa de televisión El Mambo de Tito Puente, y también encontró una segunda carrera como historiador y profesor de música e historia latina en varias universidades de Nueva York en la década de 1970. Palmieri se trasladó brevemente a Puerto Rico de 1980 a 1983, y tras sufrir un grave ataque al corazón y un derrame cerebral a su regreso a Nueva York, se recuperó para dirigir varios combos latinos, entre ellos el Combo Gigante. Una de sus últimas grabaciones fue un cameo en "Mayeya" de Mongo Santamaría en 1987 (ahora en Afro Blue: The Picante Collection de Mongo para Concord Picante), y apareció en Inglaterra por primera vez en 1988 poco antes de su muerte. Casi toda la obra de Palmieri es difícil de encontrar en los canales nacionales, pero A Giant Step de Messidor está disponible en CD._Richard S. Ginell (allmusic)

Desde 1959. Aquí tenemos un contagioso y temprano Charlie Palmieri con swing y ambiente. Este cuarteto cuenta con Johnny Pacheco en las congas, Joe Rodríguez en la batería y un muy elegante Al "Guito" González en el bajo. Esto es mucho más que música de bar de finales de los 50, que también lo es. Se puede escuchar realmente la inteligencia de Palmieri. Tienes la sensación de que el formato de cuarteto de jazz le permitía cierta libertad que una típica banda de baile latina no podía. Recordemos que es más o menos la misma época en la que su orquesta Charanga Duboney empezó a cuajar. Esta es otra faceta de un gran artista. Ah, y como apunte: Escucha este disco y estarás de acuerdo en que Pacheco está infravalorado como percusionista.

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Charlie Palmieri Quartet - Easy Does It (1959) Re-Issued (2004)

Temas:

01. Cuban Love Song  

02. Take Me In Your Arms  

03. Jeepers Creepers  

04. Pavanne  

05. I'll Never Be The Same  

06. I'll Be Around  

07. Perfidia 

08. Thou Swell  

09. You An The Night And The Music  

10. Ponce

Musicos:

Charlie Palmieri (Piano)

Al "Guito" González (Bajo)

Joe Rodríguez (Batería)

Johnny Pacheco (Congas y bongos)

Grabado en Nueva York, abril de 1959  

Manuel Valera - Currents

El quinto CD de Manuel Valera como líder es una mezcla de estándares, composiciones de jazz ya probadas y originales, con un trío que incluye al bajista James Genus y al baterista Ernesto Simpson. El pianista y teclista cubano no es en absoluto un estilista exclusivo del jazz latino, como demuestra su tratamiento post-bop de "How Deep Is the Ocean", que tiene largas líneas que recuerdan a Chick Corea, y una explosiva toma de "We See" de Thelonious Monk. Una pizca de la influencia de Bill Evans brilla en la configuración lírica de Valera de "I Loves You, Porgy".
El pianista también hace especial hincapié en la música del fallecido Kenny Kirkland, no sólo ofreciendo un enérgico arreglo latino de la infrecuente "Dienda" de Kirkland, sino también con su melancólico original "Ode to Kenny". El líder añade teclados eléctricos en varias de sus composiciones, incluyendo la tensa apertura latina/fusión "Numerico" y la introspectiva "Hindsight". Este es otro excelente trabajo del prometedor pianista_Ken Dryden (allmusic)

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Manuel Valera - Currents (2009)

Temas:

01. Numerico

02. How Deep Is The Ocean

03. Balada Para Isabel

04. We See

05. I Fall In Love Too Easily

06. Ode To Kenny (Dedicated to Kenny Kirkland)

07. Dienda

08. Hindsight

09. I Loves You Porgy

10. Currents

Musicos:

Manuel Valera (Teclados y piano) 

James Genus (Bajo acústico, bajo eléctrico) 

Ernesto Simpson (Batería)

Barbarito Diez con la Orquesta Antonio Maria Romeu - Asi Bailaba Cuba Vol. 6

Barbarito Diez Junco. Cantante de amplias facultades vocales, con voz de tenor. Conocido como La Voz del Danzón.

Bolondrón, Matanzas, 4 de diciembre de 1909, exactamente en un central azucarero ya demolido que se llamó San Rafael de Jorrín, da a luz Salustiana del Junco y de la Mercedes a Bárbaro Diez Junco quien, con el decursar del tiempo se convirtiera en "El Príncipe del Danzón". A los 4 años junto a su familia, se traslada, al entonces central Manatí Sugar Company, actualmente en proceso de demolición en el Municipio Manatí, provincia de Las Tunas, donde su padre, Eugenio Diez trabajaba como obrero. Comenzó sus primeros estudios en la escuelita del Batey. Aquí es precisamente donde comienza a cantar en los actos culturales, su maestra es quien descubre su voz y talento musical y lo hacía guiar el coro de la escuela en los actos públicos.
De su coincidencia con el trovador Graciano Gómez, Isaac Oviedo tercero maravilloso que iba del son a la trova, nacieron "Los Gracianos" este trío se nutrió de lo más valeroso de nuestras tradiciones e incorporó genuinas raíces: La trova Tradicional y su gama de Habaneras, Boleros, Guarachas, Sones, y Criollas. Por lo general actuaban en la peña del Café "Vista Alegre" entonces ubicado en San Lázaro y Belascoaín, donde ya Barbarito mostraba la elegancia que lo caracterizó durante más de cinco decenios de vida artística. Sobre el referido lugar Eduardo Robreño, teatrista y periodista, ofrece una valoración en su libro "Cualquier Tiempo Pasado Fue"... "no sería aventurado decir que medio centenar de las más gustadas melodías de nuestro cancionero popular surgieron o se esbozaron allí y es que el Vista Alegre fue centro perenne de reunión de los mejores cultores de la trova. De velada en velada y de baile en baile por toda Cuba y Latinoamérica anduvo Barbarito. Deleitó a varias generaciones con obras de Ernesto Lecuona, Moisés Simons, Eliseo Grenet, Pedro Flores, Rafael Hernández y otros destacados compositores al abrigo de guitarras, pianos y tambores, Barbarito desplegó su virtuosismo y encanto singular, porte erguido, sereno de Palma Real. En su carrera de más de 58 años grabó gran número de discos de larga duración que contenían obras que enriquecen el repertorio musical cubano. 
Viajó a los países de América, Europa y E.U.A., realizó programas en Cabaret, Teatros, Bailes, la Radio y la TV. Por su dedicación al desarrollo del arte nacional, su fecunda labor en aras del enriquecimiento cultural de nuestro pueblo le fueron impuestas medallas, órdenes y distinciones. Jamás aprendió los fundamentos teóricos del arte musical, pero demostró ser uno de los más afinados y consecuentes del Danzón, un género que como ritmo permanece hasta en la misma Salsa a pesar de contar con más de 100 años de creado. Su voz única e irrepetible se escuchó en México, Venezuela, República Dominicana y Panamá entre otros escenarios del mundo logrando a lo largo de su fructífera carrera, el título de: "La Voz de Oro del Danzón", o "El Príncipe del Danzón".

Sin proponérselo tejía una leyenda inscrita en la buena música sin límites de fronteras. El pueblo comenzó a llamarlo La Voz del Danzón sobre todo por su apego al género (Barbarito era hombre de fidelidad) y constancia, siempre rehuyó el cambia cambia tan socorrido por los vocalistas y agrupaciones. Así fue de especial con el Danzón.
Contó con el maestro Antonio María Romeu, quién además de introducir el piano en su orquesta para interpretar danzones, tenía un modo peculiar de tocar ese instrumento. Impresionaba con su estilo, técnica y escalas inigualables. En tanto que la voz por excelencia de "Tres Lindas Cubanas" y de otras páginas antológicas aportó bríos mesurados y originales a la forma danzaria y cantable reconocida como nuestro baile nacional. Por eso resulta difícil mencionar a la Orquesta de Antonio María Romeu sin añadir, a su cantante Barbarito Diez. Buena parte de la amplia discografía que enriquece el acerbo musical cubano le pertenece. Pudo ampliarla en Venezuela donde descolló como uno de los intérpretes más populares de la década del 80 tras grabar con la agrupación de cuerdas La Rondalla Venezolana que dirige Luis Arismendi. En la prensa del país sudamericano varios musicólogos reconocieron en fechas recientes que Barbarito Diez fue en su momento irrepetible en la música caribeña. 
Su nombre quedará inscripto en el pentagrama mundial de la música popular. Esta distinción se repite en otros lugares, donde la voz melodiosa que recreó como ninguna otra, Idilio, Ojos Malvados, Junto al Palmar del Bajío y La Rosa Roja, ameniza la fiesta entre amigos. No asombra la encurrencia, y mucho menos que Alfredo Sadel y Simón Díaz, músicos Venezolanos amigos de Cuba, lo definieran como una de las grandes voces de América Latina. "Entregaba en cada interpretación por encima de todos sus logros formales(méritos y rítmicos) una atmósfera auténtica, sangre de su vida", comentó Díaz. Esta proyección trascendió a otros géneros. En el Cha Cha Chá reconoció Barbarito "una magnifica modalidad del Danzón que ha prendido en el corazón del cubano. lo acepto como algo nuestro al igual que al Danzón. Ambas ramificaciones saben a son cubano"...Seguir leyendo

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Barbarito Diez con la Orquesta Antonio Maria Romeu - Asi Bailaba Cuba Vol. 6

Temas:
01.Ansiedad    
02.Reina Guajira    
03.Poupurrit De Danzones    
04.El Erial    
05.Mares Y Arenas    
06.Don Galaor    
07.Alli Donde Tu Sabes    
08.Ya Nunca Mas    
09.Santa Cecilia    
10.Canto A Mi Madre Adorada    
11.Cuba Y Sus Misterios    
12.Despues

Yma Sumac - Mambo!

Zoila Agusta Emperatriz Chávarry del Castillo (1922 – 2008) quizás suena a demasiado a la nada, a la vez si decimos Yma Sumac todo cambia, al menos para los entendidos de la música o la cultura en general. La mencionada al comienzo de la nota fue nada menos que una princesa inca nacida en Cajamarca, descendiente del Inca Atahualpa (esto se ha certificado por las autoridades del Perú), pero no es por esto que ha sido tan conocida sino porque fue una cantante de ópera cuyo rango vocal iba desde ser una soprano hasta una barítono de graves (es decir abarcaba 5 notas), y esto en la década de los ’50s era algo inusual, pero más inusual era que podía imitar el trino de las aves (esto se llama la triple coloratura, siendo la única en la historia). Entre otras particularidades realizo la doble voz en la canción “Chuncho“.

Luego de un tiempo corto haciendo una carrera en su país natal, conoció a su esposo Moisés Vivanco, músico indigenista que era director de la Compañía Peruana de Arte. Al finalizar La II Guerra Mundial se trasladaron a Estados Unidos: su carrera artística comenzó a crecer dado a su exotismo y belleza. Al comienzo se creía que era una neoyorkina llamada Amy Camus (Yma Sumac deletreado al revés), a la vez que empezaba a actuar en Hollywood.
Y es en 1954 que realiza dos hitos importantes: el primero la película El Secreto de Los Incas junto a Charlton Heston y Robert Young, donde interpretó algunos temas. El segundo es la grabación de Mambo!, un disco realizado para Capitol Records, sello con el que se aliaron desde 1950 y que tenía una mirada del estilo exótico muy particular.

Mambo!, que fue producido enteramente por su esposo Moisés Vivanco, fluye en dos vertientes musicales que llamaban la atención en la época: ese ritmo afrocubano que le da titulo al disco se logra mezclar con el folklore andino y con los sonidos guturales de la ñusta, volviéndose una exquisitez tanto para la época como ahora, convirtiéndose en un disco de culto.

“Bo Mambo”, la canción que abre el disco, quizás encierra en sí el alma de él: tiene un aire de soundtrack de pelicula de epoca y épica; las trompetas estan al nivel de su voz. La misma impresión causa “Jungla” que podría ser parte de una entrega de King Kong. Juega más con su voz en “Taki Rari” donde sus gorgeos perturban, y en “Five bottles of Mambo“, donde su voz gutural es casi animal. El folklore andino se remarca más en el huaynito orquestal “Chicken Talk“, el carnaval cajamarquino “Indian Carnival” y el altiplánico “Carnavalito Boliviano“. Un aire flamenco y de ballroom se cierne en “ChaChaCha Gitano“.
Resalta en la media hora del disco el sonido orquestal, esto gracias al arreglista Billy May (Arthur Murray) que le da el indicativo más estridente a Rico Mambo Orchestra, que junto al trompetista Conrad Gozzo (Benny Goodman and His Orchestra) compone lo que sería una de las piezas claves del disco: “Gopher (Mambo)“. Por su cuenta, el director de orquesta arma “Goomba Boomba“, otra pieza clave donde inquieta la risa de la peruana. Pero la máxima pieza de éste es “Malambo # 1“, un doble guiño a “Mambo # 5” y a la canción “La Quiero a Morir“. Un disco, una artista que vale la pena re-descubrir: por algo la Reina de Lo Exotico es Yma Sumac (que viene de una frase en quechua que significa “Qué Linda”). Una mujer que imperó en lo suyo tanto así que logró influenciar a variados artistas, desde Phoebe Killdeer a Vanessa Paradis, quien la menciona en “Joe le taxi” (otra canción de culto, compuesta por Serge Gainsbourg en el primer disco de la francesa de 1987). Los españoles de La Casa Azul también poseen una canción llamada “La Nueva Yma Sumac“: esto es tan sólo una de las tantas referencias de la marca que ha ido dejando su estilo musical._ Zezé Fasshmor (indiehoy)





Yma Sumac - Mambo! (1954)

Temas:
01.Bo Mambo 
02.Taki Rari    
03.Gopher    
04.Chicken Talk    
05.Malambo No. 1    
06.Five Bottles Mambo    
07.Indian Carnival    
08.Jungla

Alex Alvear & Mango Blue - Immigrant Blues

Alex Alvear & Mango Blue combina una emocionante mezcla de estilos musicales para crear un nuevo y refrescante sonido en la música afrolatina y del mundo, a través de canciones de celebración y conciencia social. Alex Alvear & Mango Blue es un conjunto de música original de gran potencia que ha deleitado al público y a los promotores de todo el continente americano con su contagioso sonido.

Dirigido por el compositor, bajista y cantante ecuatoriano Alex Alvear, este vigoroso híbrido integra juguetonamente una amplia gama de influencias, desde el Rhythm & Blues, el Jazz y el Funk hasta las raíces caribeñas, con una fuerte base rítmica que se nutre de diversas tradiciones musicales afrolatinas. Esta fusión estilística permite un brebaje que se traduce en una música que trasciende las fronteras étnicas, proporcionando un nuevo color en la paleta de la música latina.

Los miembros de esta banda proceden de diferentes partes del mundo, como Venezuela, Costa Rica, Puerto Rico, Brasil, Colombia, México, Estados Unidos y Ecuador, y se encuentran entre los mejores instrumentistas de la región.

Los créditos de Alvear incluyen grabaciones y/o actuaciones con artistas internacionalmente aclamados como Celia Cruz, Orlando "Puntilla" Ríos, Paquito D'Rivera, Larry Harlow, Afrocubism, Isaac Delgado, Jimmy Haslip, Johnatha Brooke, Raúl Midón e Israel "Cachao" López, por nombrar algunos. Dos producciones en las que ha participado Alvear han sido nominadas a los Grammys, entre ellas "Paquito D'Rivera Presents: Las Hermanas Márquez" y "Frutero Moderno" de Gonzalo Grau.

Alex Alvear & Mango Blue ha actuado extensamente en salas de conciertos, festivales y clubes a nivel nacional e internacional. Algunos de ellos incluyen el CAPA's New Haven Jazz Festival, (compartiendo escenario con Dee Dee Bridgewater), Severance Hall (Cleveland), The Savannah Onstage Festival, Blue Frog (Mumbai, India), Teatro Nacional Sucre & Plataforma del MAAC (Ecuador), New York's S. O.B.s, MAKOR, Village Underground y The Nuyorican Poets Cafe, The Beantown Jazz Festival, Portland's Festival of Cultural Exchange, Boston Symphony Hall's World Music Series, Museum of Fine Arts in Philadelphia y muchos más. _(getshowtix)
                                                                      

                                                                            

 Alex Alvear & Mango Blue - Immigrant Blues (2001)

Temas:

01. Eleggua

02. Immigrant Blues

03. A Moverse!

04. Tambo'

05. Cosa Linda

06. Nada

07. Para Ti

08. Cha-Cha Blue

09. Pasado Presente

10. Grave Situacion

11. Moraleja

Escrito por Alex Alvear (temas: 2 a 11), Chiara Civello (temas: 3)

Musicos:

Alex Alvear (Bajo,. voz principal)

Alain Mallet (Teclados en temas: 1, 2, 4, 7, 9, 10)

Chiara Civello (Voz en temas: 4, 8, 9)

Alon Yavnai (Piano, teclados)

Gonzalo Grau (Voces, cencerro "bell", güiro, teclados, percusión "chekere)

Información cedida por Hector Guillermo Copete

Jose Rizo's Mongorama - Mongorama

Mongorama. El nombre simplemente suena a diversión, y este es un disco divertido, a pesar de estar elaborado por músicos que se toman muy en serio la música afrocubana y el legado de Mongo Santamaría. Organizado por el DJ de jazz José Rizo's, la banda destaca una mezcla de clásicos de Santamaría, mezclados con composiciones más recientes en la misma tradición.

Cualquier álbum que se asocie tan estrechamente con un gran conguero como Santamaría está obligado a presentar mucha batería de mano, y Mongorama no decepciona. Joey De Leon cubre la mayor parte del álbum, con un solo invitado de Poncho Sánchez en "Así Es La Vida". Las congas están en el centro y son tocadas con maestría, pero el ritmo del disco se mantiene medido, pero nunca abrumador, con un ritmo sólido más que con un impulso frenético y atronador.

La banda cuenta con varios ex alumnos de Santamaría, abriendo con el flautista Hubert Laws, que hace un magnífico y extenso solo sobre el infeccioso ritmo de conga de "Bacoso", demostrando por qué merece tanto su título de NEA Jazz Master. El violinista Dayren Santamaria -que aporta uno de los sonidos instrumentales característicos del álbum- le sigue inmediatamente con una improvisación igualmente excepcional. El violín es una triple amenaza en la mayoría de los temas; además de los solos, se utiliza como una textura romántica de fondo detrás de la fina voz de Adonis Puentes, así como la composición melódica detrás de otros solistas.

El pianista Óscar Hernández y el saxofonista tenor Justo Almario aportan otros aspectos destacados. Ambos están claramente versados en la tradición de esta música, a la vez que mezclan elementos del jazz moderno en sus solos. Hernández añade un toque de discordia que suena completamente actual en "Que Maravilloso", mientras que Almario aparece en "Bluchanga", soplando su trompa en la mejor tradición post-bop.

Con diez miembros de la banda y cuatro solistas invitados, hay muchas cosas que suceden en Mongorama, que suena muy bien y que permite el lujo de superponer texturas y armonías multipartitas. El director musical Danilo Lozano aprovecha al máximo sus recursos para comandar una banda con un sonido realmente magnífico. Con una gran música y una impecable musicalidad, Mongorama es una grabación excepcional... y simplemente divertida_Greg Simmons (allaboutjazz)
                                                                       

                               

Jose Rizo's Mongorama - Mongorama (2011)

Temas:

01. Bacoso

02. Asi Es La Vida

03. Las Guajiras

04. Bluchanga

05. No Molestes Mas

06. Bubba Boogaloo

07. Palo Mayombe

08. Siempre En Ti

09. Que Maravilloso

10. Cruzan

11. Guajira at the Blackhawk

12. Tin Marin

Musicos:

Danilo Lozano (Flauta y director musical)

Justo Almario (Saxo tenor)

Oscar Hernández (Piano)

Ramón Banda (Timbal)

René Camacho (Bajo)

Joey De Leon (Congas)

Adonis Puentes (Voz principal)

Dayren Santamaria (Violín)

Alfredo Ortiz (Güiro, voz)

Alberto Salas (Piano)

Musicos invitados:

Hubert Laws (Flauta #1)

Poncho Sánchez (Congas #2)

Freddie Crespo (Voz)

Destani Wolf (Voz)

Bill O'Connell's Chicago Skyliners Big Band - That Toddlin' Town

Agregación de difícil conducción, optimista de Bill O'Connell's rinde homenaje a su ciudad natal de Chicago con que ciudad Toddlin', su sexto álbum y quinto para su propio sello azul Birdland. Jugando una mezcla de normas y originales reunidos por un grupo de destacados arreglistas y compositores (incluyendo los favoritos de O'Connell, Sammy Nestico), esta sesión presenta más de una hora de excitante música de big band. La mayor parte del material es optimista, y no mucho tiempo se gasta en baladas. Una excepción notable y bastante es "¿cómo hacer que mantenga la música jugando?" con vocalizar por Byron Woods y Sherrilynn Riley. 
Riley aparece otra vez en un entusiasta "Fly Me to the Moon", y bosques ofrece una admirable interpretación del himno de la ciudad, "Chicago." Pero las estrellas de este álbum son los instrumentales realizados por los miembros logrados de la banda. De trompeta de atmósfera superior de Terry Connell y saxo tenor fresco de Bob Frankich en Dizzy Gillespie "Tanga" para trombón de Mark Corey de Nestico "caminar en el parque", la sesión está repleto de excelentes solos. También merecen mención es Bill Horn en saxo alto y Jim Peterson con su trompeta de octava alta. El juego de conjunto es igualmente deslumbrante, como en el Blues "Play It Again, Sammy" y la romántica "Donde está el amor". 
Es evidente por la forma dinámica en la que presenta gráficos bien construidos que esta banda es bien ensayada. Líder o ' Connell es a cargo, asegurándose de que temas seguirán aguzando con tambor bien situados pausas y signos de puntuación. Su apertura en el latín "Cabeza de Carne, se quitará el aliento. Esta banda ha sido juntos por más de diez años. No pretende ser una propuesta súper, su misión ha sido mantener la música de big band de la llama ardiente brillante y largo. Con sus álbumes, este objetivo no sólo ha sido alcanzado sino superado. Para los amantes de la música creada por un conjunto de 16 hombres que sopla, es recomendable este album._Dave Nathan (allmusic)





Bill O'Connell's Chicago Skyliners Big Band - That Toddlin' Town (1998)

Temas:
01.The Apocalypse
02.Tanga
03.Tad Boppin'
04.Where Is Love
05.Vertigo
06.Cabeza De Carne (Meat Head)
07.Madelyn's Song
08.Chicago
09.How Do You Keep The Music Playing?
10.Fly Me To The Moon
11.Celebracion
12.Rachael
13.Dexterity
14.Play It Again, Sammy
15.Walk In The Park
16.Dimensions In Blue

Musicos:
 Drums – Bill O'Connell (2), Dave Rush (tracks: 2, 6, 11)
Acoustic Bass – John Elmquist
Alto Saxophone – Ken Partyka
Alto Saxophone [Lead] – Bill Horn (2), Bob Frankich (tracks: 7, 10, 12 to 16)
Baritone Saxophone – Chip Gdalman, Rick Hirsch (2) (tracks: 14 to 16)
Conductor – Will Koch
Electric Bass – Steve Hashimoto
Guitar – Dave Ivaz
Percussion – Dave Rush
Piano – Bobby Schiff, Ron Mills (2)
Soprano Saxophone, Alto Saxophone – Bob Frankich
Tenor Saxophone – Bill Horn (2) (tracks: 13), Brian Sjoertinga (tracks: 14 to 16), Kent Lawson, Mike Bazan (tracks: 7, 10, 12, 13)
Trombone – Dave Gross (2), Edwin Williams (3)
Trombone [Bass] – Brad Payne
Trombone [Lead] – Dave Gross (2) (tracks: 10), Mark Corey (tracks: 14 to 16), Russ Phillips (3)
Trumpet – Jared Brame, Jim Peterson (3), Terry Connell, Tito Carrillo
Trumpet [Lead] – Kirk Garrison, Terry Connell (tracks: 3)
Vocals – Byron Woods, Sherrilynn Riley

Grabado en Solid Sound Studio, Hoffman Estates, IL mayo a septiembre de 1997

Melvis Santa - Santa Habana

Melvis Santa Estévez Guzmán – Joven y talentosa cantante cubana, exintegrante del cuarteto vocal Sexto Sentido y reconocida por su versatilidad a la hora de interpretar una amplia variedad de géneros.
Melvis Santa Estevez Guzmán se gradúa en el año 2001 en el Conservatorio Amadeo Roldán, ha sido fundadora e integrante del cuarteto vocal Sexto Sentido y cantante en el proyecto Interactivo. Es además Profesora de Teoría de la Música.
Melvis Santa en su concierto en Bellas Artes
Sus inicios en Sexto Sentido tuvo como nido al Conservatorio Manuel Saumell donde cuatro muchachas incluida Melvis jugaban con sus voces y traían una propuesta diferente al escenario de la música cubana. Su primera presentación fué en junio del año 1997. Después de esa primera presentación estuvieron en varios escenarios como el Centro recreativo Camilo Cienfuegos, Café Cantante y en Alamar. En los inicios, se abrigaron en el movimiento de hip hop cubano porque era lo más cercano a la principal tendencia de aquel momento de la agrupación, que era el Rhythms and Blues (R&B). En Sexto Sentido, Melvis estuvo desde junio del año 1997 hasta abril del año 2010. Desde el año 2010 empezò su carrera en solitario con el disco "Santa Habana" (Bis Music) nominado al Cubadisco 2012.
Santa Habana es el primer CD de Melvis Santa con 10 canciones casi todas de su autoría
Melvis Santa concluyó su disco titulado Santa Habana, bajo el sello de la prestigiosa Casa discográfica Bismusic. El álbum contiene 10 canciones, en su mayoría de su autoría y compartiendo el proceso de producción artística con Germán Velazco. Para la grabación de este fonograma contó con la colaboración del pianista Rolando Luna, integrante de la agrupación musical cubana Buena Vista Social Club, entre otros excelentes músicos cubanos.
El CD estuvo nominado al Cubadisco 2012 en la categoría de fusión._(ecured)
                                                                             

                                                                                     

Melvis Santa - Santa Habana (2011)

Temas:

01. Tu Momentico (feat. Manolito Simonet)

02. Santa Habana 

03. A e I o U

04. Eres Mi Locura (feat. Insurrecto)

05. Siete Cuerdas

06. Lo Bueno

07. Demasiado para Ti (feat. Temary)

08. Inmensidad

09. No Te Confundas

10. Música (feat. Inter-Activo)

Musicos:

Melvis Santa (Voz principal)

Miguel Manuel de Armas (Piano en 2, 3, 5, 6, 9)

Manolito Simonet (Piano en 1)

Roberto Carcassés (Rhodes en 10)

Rolando Luna (Piano en 8)

Leonardo Gil (Piano y teclados en 7)

Miguel Manuel de Armas (Teclados en 2, 3, 5, 6, 9)

Raúl Tobias Gil "Avi" (Bajo en todas excepto 3, 4.7. 10)

Roberto Vázquez (Bajo en 3, 7)

Carlos Ríos (Bajo en 10)

Oliver Valdés (Batería en todas excepto 4, 7, 10)

Raúl Herrera (Batería en 10)

Raúl Verdecia (Guitarra en 2, 5, 6)

Ray Ugarte (Guitarra en 3)

Roberto Gómez (Guitarra en 10)

Jorge Luis V. Chicoy (Guitarra en 5)

Yaroldy Abreu (Percusión excepto 4,7)

Adel González (Percusión en 1,9,10)

Samuel Cana Jr (Percusión en 2, 5, 6)

Rumberos de Cuba (Percusión en 9)

Maximo Duquesne, Eddy de los Santos, Marcos Yovany Díaz, Dreiser Durruthy (Percusión en 8) 

Germán Velazco (Saxo alto, saxo tenor, flauta excepto 1, 4, 5, 7 - percusión en 1)

Juan Carlos Marín (Trombón en 9, 10)

Julio Padrón (Trompeta en 3,9,10 - coros en 9)

Alexey Barroso (Trompeta en 2, 6,9,10)

Yeseala Saéz (Voz invitada)

Ivonne Rubio (Voz invitada)

Roxana Iglesias (Voz invitada)

Yosmara Castañeda (Voz invitada)

Jessical del Corral-Strings (Voz invitado)

Telmary (Voz invitado en 7)

Brenda Navarrette, Melvis Santa (Coros en todos)

Francis del Rio (Coros en 10)

Orquesta Belisario López - Montuno Cha Cha Cha

Belisario López nació en la ciudad de Cárdenas, provincia de Matanzas en la República de Cuba, el 7 de octubre de 1903.  Desde niño empezó a estudiar música con la ayuda de su mamá. A principio de la década de los veinte, la familia López se traslada a la ciudad de La Habana y allí Belisario continuo sus estudios musicales escogiendo la flauta de cinco llaves como instrumento. Unos años más tarde Belisario ingreso en la Universidad de La Habana y estudio  Leyes, graduándose de abogado especialista en Leyes sobre Impuestos. Desde ese momento su vida quedo compartida entre la abogacía y la música, carreras que realizaba con admirable capacidad de trabajo y tenacidad. Puede decirse que triunfo en ambas.
El debut como flautista de Belisario López fue con la entonces recién formada Orquesta de Neno González, conocido pianista con la que permaneció unos dos o tres años. En 1928, Belisario decidió formar su propia orquesta charanguera y funda una agrupación de altura con el compositor de danzones y violinista Juan Quevedo, Raúl Valdespi en el piano, Guillermo Malherve, contrabajo y Gerardo Cabrera en el timbal.  Tiempo después se unió a su orquesta el violinista y compositor Humberto Trigo. A mediados de la década de los treita, se unió al grupo el cantante — sonero Joseito Núñez y el gran compositor y pianista Facundo Rivero, el cual sustituyo a Armando Valdespi, cuando este decidió formar su propia agrupación charanguera... Seguir leyendo

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Orquesta Belisario López - Montuno Cha Cha Cha (2014)

Temas:
01.Montuno cha cha cha
02.Cha cha cha    
03.Son montuno
04.Guaracha cha cha cha
05.Mambo cha
06.Danzun
07.Danzu el dedo gordo
08.Montuno cha cha
09.Conga
10.Montuno