Aaron Heick es un saxofonista e instrumentista de viento-madera estadounidense nacido el 13 de septiembre de 1961 en Seattle y residente en Nueva York. Es conocido sobre todo por su trabajo en la orquesta de la CBS para el Late Show con David Letterman.
Ha trabajado con Chaka Khan, con quien grabó y realizó giras durante la mayor parte de la década de 1990, Richard Bona, Barbra Streisand, Paul Simon, Aretha Franklin, Frank Sinatra, Bruce Springsteen, Sir Elton John, Carly Simon, Donald Fagen, James Taylor, Lady Gaga, Lenny Kravitz, Sheryl Crow, Billy Joel, Suzanne Vega, Vonda Shepard, Cyndi Lauper, Audra McDonald, Philip Glass, Vanessa Williams, Boz Skaggs, Christopher Cross, Ben E. ¡King, Bobby Caldwell, Steps Ahead, The Manhattan Transfer, Ray Baretto, Willie Colon, The Caribbean Jazz Project y Panic! At The Disco._(wikipedia)
A veces, músicos de gran talento y valía tardan mucho tiempo en publicar un álbum en el que llevan la voz cantante. Algunos músicos nunca lo hacen. Por suerte, Aaron Heick se ha reunido con el sello japonés Venus Records para publicar su primer álbum bajo su propio nombre. Fácilmente uno de los mejores saxofonistas altos modernos de Estados Unidos, Heick ha actuado y grabado con estrellas como Chaka Khan, Barbra Streisand, Paul Simon, Frank Sinatra y Richard Bona.
En este cuarteto de un solo cuerno con el extraordinario John di Martino y su Romantic Jazz Trio, Heick muestra su fenomenal técnica, su sólido sonido y su emotividad. Algunas de las selecciones de este álbum incluyen "Europe" de Carlos Santana, la funky "Comin' Home, Baby" del flautista Herbie Mann, una canción de los Beatles "And I Love Her" y la evocadora "Infant Eyes", escrita por Wayne Shorter.
También hay dos composiciones originales del propio Heick.
Las potentes interpretaciones de los músicos se ven realzadas por el sonido clásico producido por el equipo de ingenieros de Venus. Se trata de un fantástico y sólido debut de un músico con un talento increíble._(elusivedisc)
El batería Emilio Valdés nació en La Habana en 1966 en el seno de una familia de músicos. Estudió en el Conservatorio Guillermo Tomás, especializándose en batería y percusión con Antonio Cortés, Marcos Varcalser, Guillermo Barreto, José Luis "Changuito" Quintana y el legendario Enrique Plá. Más tarde continuó su formación en la Escuela Amadeo Roldán y en la Escuela Nacional de Arte. En 1993 Emilio dejó Cuba y se fue a Hamburgo, Alemania, donde vivió durante 11 años. Viajó por toda Europa, trabajando con Fun Factory (MTV-Europa), la Orquesta de Radio y Televisión y Sergio Boré, con quien grabó Tambores Urbanos. Durante su estancia en España, Emilio impartió clases de batería y percusión en la Escuela de Música Creativa (2001-2003). También fue invitado a participar en clinics de batería y percusión por la Giovanni Hidalgo 2002), Max Roach (1996), Gregg Bisonette (2002), y Horacio "El Negro" Hernandez (2001-2003). Realizó numerosas giras con los legendarios Lonnie Liston Smith y Craig Handy.
Durante su estancia de cinco años en Madrid actuó con los artistas flamencos Chano Domínguez, Perico Sambeat, Diego "El Cigala", El Niño José, Potito, El Piraña y Vicente Amigo (ganador del Grammy 1997 al Mejor Artista Revelación). En Barcelona acompañó a Lalo Shifrin en la Orquesta Sinfónica. Emilio fue miembro de The Jerry Gonzalez Band y The Flamenco Pirates (2001), trabajó con las giras de Bebo Valdés Quartet y Chucho Valdés en (2001-2002), y con Irakere en 1996 y 1997.
Emilio Valdés vive actualmente en Nueva York, donde imparte clases de percusión. Ha actuado con la Bebo Valdés Big Band Featuring Diego Cigala, la Chico O'Farrill Afro-Cuban Big Band y la Chuchito Valdés Band, que obtuvo 2 nominaciones a los Grammy. También estuvo bajo la dirección de Héctor Meléndez durante su participación con la 9-11 Big Band. También fue percusionista de la Mark Whitfield Band y del USA Army Tour con María Acosta. Es batería especialista en World Music y debutó con su primer álbum, "The Sweet Taste of Freedom"._ (latinjazznet)
Emilio Valdés - Playing Standards (Emilio Valdés, Leo Genovese & Sean Conly) (2021)
Aunque se la conoce principalmente como una de las principales defensoras del jazz tradicional de Nueva Orleans desde su debut en 1961, la Preservation Hall Jazz Band de Nueva Orleans se ha transformado en los últimos 20 años en un conjunto de mentalidad abierta y estilísticamente aventurero. Uno de los principales impulsores de esta metamorfosis creativa es el director musical y tubista/bajista Ben Jaffe, hijo de los fundadores del Hall, Allan y Sandra Jaffe. Desde que se graduó en el Conservatorio de Oberlin y se unió al grupo a finales de los 90, Jaffe ha trabajado para ampliar el atractivo de la banda y encontrar formas de combinar su alegre estilo acústico con todo tipo de artistas y géneros musicales ajenos al jazz tradicional. Este fue el enfoque que adoptaron en su colaboración de 2011 con la Del McCoury Band, American Legacies, y en el álbum de 2013 That's It! producido por Jim James; este último fue también suprimer álbum de material totalmente original, incluyendo canciones co-escritas con Dan Wilson de Semisonic. También es el enfoque que adoptan en el eufórico So It Is de 2017.
Producido por Jaffe junto con Dave Sitek de TV on the Radio, So It Is muestra un conjunto de canciones soul, blues y groove muy influenciadas por el sonido agitado y cinético de las bandas afrolatinas y cubanas. Sin embargo, en lugar de tocar estándares del género como "The Peanut Vendor" o "Oye Como Va", aquí Jaffe y sus compañeros de banda presentan el segundo álbum de la Preservation Hall Jazz Band con composiciones totalmente originales. Temas como "Santiago" e "Innocence", ambos coescritos por Jaffe y el saxofonista y clarinetista Charlie Gabriel, son feroces himnos bailables construidos en torno a titánicos ritmos de batería, evocadoras líneas de teclado y erizados y fruncidos riffs de trompa. Del mismo modo, la cinética "La Malanga",
co-escrita por Jaffe y Tao Rodriguez-Seeger (nieto de Pete Seeger), es una jam carnavalesca, lista para el mambo, repleta de abrasadoras líneas de trompeta de Branden Lewis y un anguloso solo con acento post-bop del pianista Kyle Roussell. Por otra parte, se sumergen en las tradiciones del R&B de Nueva Orleans en "One Hundred Fires", un tema funky, en clave menor, con órgano y coescrito por Dan Wilson, y toman prestada la grandilocuencia de otra institución de Nueva Orleans, la Rebirth Brass Band, en "Mad", un tema vocal y lleno de palmas que hace las delicias del público.
Además de ser un álbum alegre y contagiosamente jubiloso, So It Is ofrece el doble golpe de dejar que la Preservation Hall Jazz Band toque el tipo de jazz y blues crudo y sin tapujos que ayudó personalmente a crear un renacimiento, mientras que subrepticiamente atrae a sus oyentes a lo que a menudo explota en una fiesta de baile afro-latina._Matt Collar (allmusic)
Cleve Pozar (nacido Robert Frank Pozar el 8 de agosto de 1941 en Eveleth, Minnesota - abril de 2019 ) fue un compositor y baterista estadounidense de jazz moderno. Pozar, quien tocó la batería por primera vez en orquestas de baile cuando era adolescente, fue influenciado por Philly Joe Jones durante la escuela secundaria . A partir de 1961 estudió en la Universidad de Michigan, Ann Arbor , donde James Salmon le presentó a Robert Ashley , Gordon Mumma y otros compositores de vanguardia . Participó en el festival ONCE como intérprete. Desde 1962 formó parte del trío de Bob James , que ganó el Festival de Jazz Colegiado de la Universidad de Notre Dame en el mismo año y grabó un primer álbum, Conceptions (Mercury 1962). Pozar luego se mudó a la ciudad de Nueva York.para estudiar percusión con mazo . Allí tocó en la banda del saxofonista Ed Curran , con quien también grabó para Savoy Records , y luego también con Bill Dixon , quien produjo el primer disco de Pozar bajo su propio nombre para Savoy Records . A finales de la década de 1960 estudió con Alan Dawson en el Berklee College of Music de Boston , incursionó en la percusión electrónica y tocó con Darius Brubeck .
Actuó internacionalmente con ARP Synthesizer Company Demo Band , luego como consultor de Kurzweil.trabajar. En la década de 1980 regresó a la ciudad de Nueva York, donde estudió percusión batá y trabajó como profesor de música. Es autor de dos libros sobre los batarritmos, Chachalekpafun y Yakota . En la primera década de este milenio se presentó con Cooper-Moore (con quien ya había tocado a dúo en 1973/74) y lideró un trío de funk libre y un trío de jazz de Coltrane . También trabajó como músico de estudio.
Pozar recibió un premio de la ciudad de Nueva York por su trabajo de educación musical, que desarrolló un método simple para la notación rítmica con el sistema 1 E y A._(wikipedia)
CD autoeditado bastante escaso y de gran calidad del difunto, gran y añorado percusionista Cleve Pozar c.1999. De las notas de Pozar: "Los ritmos de este CD se interpretan con bata, los tambores sagrados de la santería, una religión cubana que combina las creencias yoruba de África occidental con el catolicismo romano. Let's Try it Again combina ritmos de bata de los dioses - inéditos - con canciones de Orisha, jazz, pop y folk arregladas para trombones. ... Como la bata se toca en un contexto religioso y como estoy usando los ritmos y canciones de Ocha, acudí a Ifá antes de empezar este proyecto. La adivinación de Babalawo Ifa Miwa me dio permiso, y me dijo que no parara hasta terminar. Este es el CD de Obatala. He sido ayudado por todos los Orishas, pero especialmente por Los Guerreros, Ochun, Yemaya, y San Lazaro".
Pozar siempre ha perseguido de forma incondicional y obsesiva su visión individual y amplia, ya sea tocando be-bop, free, música latina, bata, percusión electrónica, funk o piezas tempranas de ragtime de artistas como George Hamilton Green. Este disco es otro documento de ese espíritu sincero y libre.
Kora Jazz Trio es un grupo musical africano de tres músicos, fundado en 2002 por Djeli Moussa Diawara, korafola guineano, con Abdoulaye Diabate y Moussa Sissokho, conocido sobre todo por producir una música que es una mezcla de jazz americano con música tradicional africana. Descrito como "el encuentro entre la tradición musical mandinga y la libertad del jazz, entre la percusión de África Occidental y el swing afroamericano",] se les ha reconocido por centrarse en compartir su herencia cultural, sin hacerlo en aras del éxito dominante o en un esfuerzo por crear un movimiento.
Después de tres álbumes, Djeli Moussa Diawara dejó el grupo para centrarse en proyectos personales y fue sustituido por Soriba Kouyaté. El Kora Jazz Trio fue reemplazado por la Kora Jazz Band en 2010, y el lanzamiento del álbum "Kora Jazz Band & Guests".
En 2018 se publicó un nuevo álbum, Part IV, con Chérif Soumano sustituyendo a Kouyaté en la kora, además de invitados como Manuel Marchès (contrabajo), Adama Conde (balafón), Boris Caicedo (percusión), Woz Kaly (voz) y Hervé Morisot (guitarra)._(wikipedia)
Desde sus comienzos, hace ocho años, el Kora Jazz Trio ha realizado giras por todo el mundo y ha publicado tres grabaciones notables. En la actualidad, el pianista Abdoulaye Diabate' sigue siendo pionero en el asombroso diálogo que inició entre dos instrumentos solistas emblemáticos de culturas musicales radicalmente distintas: el piano occidental y la kora africana.
Ha incorporado nuevos miembros a la banda, con el fin de desarrollar y explorar nuevos horizontes musicales. La Kora Jazz Band es, por tanto, una nueva generación de Kora Jazz Trio, una formación que nos aporta nuevas texturas sonoras, un nuevo respiro y un mayor alcance.
El núcleo de este conjunto está formado por Abdoulaye Diabate' al piano, Soriba Kouyate' a la kora (que se dio a conocer como músico de acompañamiento de Paolo Fresu, Ray Lema y Salif Keita, sustituyendo a Djeli Moussa Diawara, actualmente ocupado en otros proyectos personales) y Moussa Sissokho a las percusiones, un hombre que ha conseguido hacerse un nombre como uno de los percusionistas más destacados de su generación. Tres músicos aportan su inesperada contribución a diferentes temas: Andy Narell a la steel pan, Omar Márquez a los timbales y Manu Dibango a la marimba (sí, así es, sus ojos no le engañan; esto será una revelación para muchos).
Estamos muy lejos de los intentos de "crossover" que acaparan el dinero o de las "remezclas electro postmodernas" de músicas del mundo diseñadas para bares de salón. Para nuestro mayor placer, el swing, la melodía y la armonía están muy vivos, libres en espíritu, unidos en sustancia, uniendo fuerzas en un nuevo horizonte. Los futuros conciertos de la Kora Jazz Band serán acontecimientos generosos y festivos que no hay que perderse.
Al igual que las grabaciones anteriores del Kora Jazz Trio, este álbum incluye composiciones originales de Abdoulaye Diabate' y estándares matizados con nuevos tintes como All blues, un tema importante del seminal Kind of blue de Miles Davis y el indestructible y ardiente cha-cha-cha de Oye como va de Tito Puente, más conocido como éxito pop internacional de Carlos Santana. Cada una de las creaciones de Abdoulaye Diabate pretende encarnar la transposición fiel y sincera de una emoción, una historia o un sentimiento particular. Hay aquí un tema central: transmitir y compartir conocimientos con su público. Seguimos reunidos bajo el viejo "árbol parlante" (arbre a` palabres). ¿Y qué hay más elocuente que el jazz?
La alegría y el placer de tocar juntos que iluminaron esta grabación se vieron por desgracia brutalmente ensombrecidos por el repentino fallecimiento de Soriba Kouyate' apenas una semana después de finalizar la grabación. Este álbum está especialmente dedicado a él.
Yakhouba Sissokho se unió a la banda en enero de 2011 para tocar la kora. Su experiencia con músicos de jazz como Erik Truffaz o Jean Philippe Rykiel, su experiencia en giras y grabaciones con Dee Dee Bridgewater (junto a Moussa Sissokho), y su conocimiento de la tradición africana a través de sus grabaciones con Lansine Kouyate le permitieron encajar fácilmente.
Mingus Amingus presenta una nueva cara de la música de Charles Mingus en un concierto en directo en La Habana, donde el combo de siete músicos estuvo a la altura de su reputación como uno de los grupos de jazz más populares de San Francisco. Comenzando con "Slop" y terminando con "Fables of Faubus", una especie de oda al gobernador segregacionista de Alabama de los años 50, el bajista y director de orquesta Miles Perkins lleva al combo por un paseo musical por Cuba y Estados Unidos. El jazz hip hop cobra protagonismo con los raperos Martin G. Reynolds y Anita Johnson, cuyos relatos de viaje están llenos de ingenio. El viaje musical de Mingus Amingus incluye un humeante blues de órgano, "Blue to the Seventh Power", del teclista Muziki Roberson, veterano del grupo, y una estridente interpretación del estándar de Ellington, Tizol y Mills, "Caravan". Esta última muestra un diálogo percusivo entre Adrien José Areas, el conguero del grupo, y Miguel "Anga" Díaz, uno de los principales congueros de Cuba.
Live in Cuba es música en vivo en su máxima expresión, y añade un fuerte eslabón más a la conexión musical cubano-americana._Diane Gordon (jazztimes)
Basado en los fundamentos creativos del gran líder de banda y compositor Charles Mingus, el bajista y líder de banda Miles Perkins lleva la filosofía musical de Mingus al nuevo milenio con Mingus Amungus. La banda de seis músicos estrella se abre camino a través de los intrincados arreglos de Mingus con be-bop, jazz y funk contundentes. A continuación, la banda añade a la mezcla el sabor del jazz hip-hop autóctono de San Francisco con una variedad de letristas, trayendo así la obra de Mingus a la era contemporánea. Mingus Amungus es una de las bandas favoritas de los festivales y una visita obligada.
Mingus Amungus - Live in Cuba (1997) Temas: 01. The Landing 02. Slop 03. Voodoo Duty 04. Ogun 05. Blue To The Seventh Power 06. On The Beach With Pablo 07. So Much On My Mind 08. Queen Of The Roses 09. Caravan 10. Last Night, 2am In The Middle Of The Street 11. Crossroads 12. A Moment With Marty 13. Fables Of Faubus 14. I Don't Wanna Go, Not Today! Musicos: Miles D.V. Perkins (Director, bajo acústico) Duane Muziki Roberson (Teclados) Steve Rossi (Batería) Adrián Áreas (Congas) José Rivera (Percusión) Jon Birdsong (Coroneta, caracola) Joshi Marshall (Saxofón tenor) Marty Wehner (Trombón) Invitados especiales: Miguel "Anga" Diaz (Congas en pista 9) Jason Olaine (Trompeta con sordina en pista 8) Yosvany Terry (Saxo alto en pista 8) Jorge Varona, Jr (Trompetaen pista 9)
Alfredo Rodríguez nació en La Habana en 1985 y lleva el nombre de su padre, es el mayor de los dos hijos de Alfredo "Alfredito" Rodríguez, un cantante profesional y compositor cubano de canciones románticas y presentador de televisión. Estudió piano clásico en el Conservatorio "Manuel Saumell", luego en el Conservatorio de Música "Amadeo Roldán" y en el Instituto Superior de Arte , todos en La Habana. Su interés en el jazz fue estimulado por el concurso anual "JoJazz" para jóvenes músicos de jazz, donde ganó una mención honorífica en 2003. En 2006, Rodríguez fue seleccionado como uno de los doce pianistas de todo el mundo para tocar en el Festival de Jazz de Montreux . El productor musical Quincy Jones lo notó en el Festival de Jazz y se ofreció a trabajar con él. En 2007, formó el primer Alfredo Rodríguez Trio, con Gastón Joya (contrabajo) y Michael Olivera (batería). En 2009, Rodríguez acompañó a su padre como miembro de la banda en un viaje de concierto a México, cuando decidió no regresar a Cuba, sino dejar su país y su familia y solicitar asilo político en el cruce fronterizo de Nuevo Laredo con los Estados Unidos .
Con el apoyo de Jones, comenzó su búsqueda de una carrera en música en los Estados Unidos.
Rodríguez ha actuado en Playboy Jazz Festival , SXSWMusic Festival, Detroit Jazz Festival , Monterey Jazz Festival , Newport Jazz Festival , San Francisco Jazz Festival , Gilmore International Keyboard Festival, Jazz Roots Performing Arts Center Concert Series, XVI Festival Internacional al Aire Libre (Polonia) , Jazz a Vienne Festival (Francia), North Sea Jazz Festival (Holanda), Umbria Jazz Festival (Italia), Montreux Jazz Festival (Suiza), Mawazine Festival (Marruecos), Mundo Latino Festival (Brasil), Shanghai International Film Festival(China), Shanghai Tourist Festival (China), así como muchas otras actuaciones. Rodríguez también ha sido elegido por varias marcas como Mercedes Benz y Louis Vuitton para actuar en funciones corporativas y lanzamientos de productos. Durante este período, Alfredo ha compartido escenarios con artistas de jazz como Wayne Shorter , Herbie Hancock , Patti Austin , James Ingram , McCoy Tyner , Esperanza Spalding , Richard Bona y Lionel Loueke . Una de las composiciones más conocidas de Rodríguez se logró gracias a la colaboración con Quincy Jones, Tan Dun y Siedah Garrett ; el himno "Better City, Better Life" fue seleccionado como el tema oficial de la Shanghai World Expo 2010 . En 2015, Rodríguez recibió su primera nominación al Grammy por mejor arreglo instrumental para "Guantanamera" en los 57º Premios Grammy. Un crítico en 2009 sugirió que Rodríguez era "más una fusión de Bill Evans, Kenny Werner, Fred
Hersch, incluso toques de Thelonious Monk en la concepción, si no en la ejecución, con pistas aquí y allá de su herencia cubana".
Otro crítico en el mismo año escribió que "en una melodía, sus líneas bebop nítidas recordaron de juego a principios de Bill Evans en el George Russell mediados de los años cincuenta álbum Jazz Workshop. Otras piezas sugirieron la inventiva melódica de Keith Jarrett. Y otros muestran una estilo naciente propio, contrastando pasajes angulosos y salientes y gruesos conglomerados armónicos con repentinos e inesperados arcos de lirismo "._ (cubanosfamosos)
El título del segundo trabajo del pianista de jazz cubano Alfredo Rodríguez para Mack Avenue Records se inspira en un desfile anual que se celebra en la ciudad isleña de Santiago para celebrar la independencia del país. En la continuación de Sounds of Space, de 2011, Rodríguez profundiza en los sonidos de su tierra natal con un enfoque incendiario. Coproducido con Quincy Jones, su formación incluye a los saxofonistas Billy Carrión y Román Filiú, el batería y percusionista Henry Cole, el vocalista y percusionista Pedrito Martínez, el flautista Javier Porta y los bajistas Peter Slavov y Esperanza Spalding. Rodríguez es un pianista y arreglista excepcionalmente dotado, y se adentró en la vasta variedad musical de Cuba, desde el guajiro hasta la música de la santería yoruba, pasando por las comparsas, la timba, el folclore caribeño y, por supuesto, el jazz afrocubano, para terminar con
una mezcla completamente moderna y encantadora de originales, canciones populares y clásicos. Destacan su audaz, disonante y casi política lectura de "Guantanamera", la ágil "A Santa Bárbara", lecturas que rompen moldes de estándares como "Quizás, Quizás, Quizás" y "Veinte Años" con audaces extrapolaciones rítmicas y armónicas, y "Timberobot", un duro ejercicio con arpegios voladores._Thom Jurek (allmusic)
Benny Golson (nacido el 25 de enero de 1929) es un saxofonista tenor, compositor y arreglista estadounidense de bebop y hard bop jazz. Alcanzó la fama con las big bands de Lionel Hampton y Dizzy Gillespie, más como compositor que como intérprete, antes de lanzar su carrera en solitario. Golson es conocido por cofundar y codirigir The Jazztet con el trompetista Art Farmer en 1959. Desde finales de los sesenta hasta los setenta, Golson estuvo muy solicitado como arreglista para cine y televisión, por lo que su actividad como intérprete fue menor, pero en 1982 volvió a formar el Jazztet con Farmer. Muchas de las composiciones de Golson se han convertido en estándares del jazz, como "I Remember Clifford", "Blues March", "Stablemates", "Whisper Not" y "Killer Joe". Se le considera "uno de los contribuyentes más significativos" al desarrollo del hard bop jazz, y fue galardonado con un Grammy Trustees Award en 2021.
Golson comenzó a aprender a tocar el piano a los nueve años, y luego cambió al saxofón cuando tenía 14 años. Mientras estudiaba en el Benjamin Franklin High School de Filadelfia, tocó con otros jóvenes músicos prometedores, como John Coltrane, Red Garland, Jimmy Heath, Percy Heath, Philly Joe Jones y Red Rodney. Más tarde asistió a la Universidad Howard..._(wikipedia)
Benny Golson se sintió conmovido por la muerte del trompetista de bop Clifford Brown y escribió el clásico "I Remember Clifford". Ahora que se le presenta la oportunidad de hacer un álbum en honor de su viejo amigo, Golson reúne a un sexteto y presenta un álbum que toma la idea de "I Remember Clifford", la actualiza a fondo y la extiende a lo largo de una hora de gran música en este disco. Rehaciendo su tema más conocido como "Brown Immortal", Benny también hace una nueva versión de "Five Spot After Dark", que durante mucho tiempo ha sido un elemento básico de su repertorio. La trompa de Golson es pura miel, sonando tan maravillosamente a los 69 años como muchos músicos esperarían serlo a la mitad de su edad. Intercambiando solos con el saxo tenor Ron Blake, el trompetista John Swana, y el pianista Mike LeDonne, Peter Washington añade un buen apoyo de bajo de cuerda mientras Joe Farnsworth empuja el ritmo, pateando en todos los lugares correctos y nunca tocando en exceso. Tito Puente y Carlos "Patato" Valdés hacen apariciones como invitados en "Tito Puente" de Golson, pero donde Golson y compañía realmente brillan es en temas nuevos como "Horizon Ahead" y el cierre, "Ever More". Estos dos enérgicos temas demuestran que Golson sigue tocando con energía cuando es necesario y sigue siendo filosófico en temas como "Lullaby of Birdland" y la balada "You're the First to Know". Con una música estupenda, no hay nivel en el que este álbum no triunfe._Cub Koda (allmusic)
Kenny Garrett (9 de octubre de 1960) es un saxofonista de jazz y flautista que obtuvo fama en su juventud como miembro de la Orquesta de Duke Ellington y de la banda de Miles Davis. Desde entonces ha seguido una carrera de éxito y ha sido descrito como "El más importante saxo alto de su generación" por el Washington City Paper y "Uno de los más admirados saxos altos de jazz después de Charlie Parker" por The New York Times. Kenny Garrett nació en Detroit, Míchigan y en 1978 se licencia en la Mackenzie High School. Su padre era carpintero y tocaba en saxo tenor como hobby. La carrera de Garrett como saxofonista despunta cuando se une a la Orquesta de Duke Ellington en 1978, entonces dirigida por el hijo de Duke, Mercer Ellington. Tres años más tarde toca en la Orquesta de Mel Lewis, tocando la música de Thad Jones y también en el Cuarteto de Dannie Richmond, centrando en la música de Charles Mingus. En 1984, graba su primer álbum como líder, Introducing Kenny Garrett, en el sello CrissCross. Después graba dos álbumes con Atlantic: Prisoner of Love y African Exchange Student. A continuación Garrett firmó con Warner Bros. empezando con el álbum Black Hope, en 1992. Entre sus registros en Warner Bros. están Pursuance: La Música de John Coltrane, grabado en 1996 y Songbook, su primer álbum enteramente de composiciones propias, grabado en 1997 y nominado para un Grammy.
Durante su carrera, Garrett ha actuado y grabado con muchos grandes del jazz como Miles Davis, Art Blakey, Joe Henderson, Brad Mehldau, Freddie Hubbard, Woody Shaw, McCoy Tyner, Pharoah Sanders, Brian Blade, Marcus Miller, Chick Corea, John McLaughlin, Herbie Hancock, Bobby Hutcherson, Ron Carter, Elvin Jones, y Mulgrew Miller. La música de Garrett a veces exhibe influencias asiáticas, un aspecto qué es especialmente relevante en su álbum de 2006 Beyond the Wall nominado al Grammy. Garrett es más conocido en muchos círculos por los cinco años con Miles Davis, durante el periodo eléctrico de Davis y declara que se ha acostumbrado a la asociación:
"Estuve en la banda de Miles aproximadamente cinco años. Creo que la etiqueta siempre permanecerá. Fueron cinco años de mi vida. Aquello era una situación musical única ya que duró mucho más del año habitual. Para mi fueron cinco años muy buenos y he podido utilizar esa experiencia. Algunas personas se fijaron en mí a través de Miles y después vendrían a mis conciertos. Creo que es parte de mi historia y estoy orgulloso de ello. Todavía estoy probando a forjarme un nombre propio y mi propia música. Cada vez que mencionan a Kenny Garrett, probablemente habrá alguna asociación con Miles Davis, igual que cuándo mencionan a Herbie Hancock, siempre mencionan a Miles Davis o a Wayne Shorter". (allaboutjazz)..._(wikipedia
En su tercer álbum para Mack Avenue Records, Kenny Garret explora muchos terrenos. Utiliza a dos pianistas diferentes, Vernell Brown y Benito González, al bajista Corcoran Holt, a los baterías Marcus Baylor, McClenty Hunter y Mark Whitfield Jr., así como a un cuarteto de cuerda en "Brother Brown" (en la que Garret toma el relevo al piano). Todas menos una de estas 12 melodías ofrecen sofisticadas pruebas de su propio viaje a través del linaje del jazz y su empuje en los márgenes del post-bop. Hay una profunda confianza en la melodía y el canto a través de sus trompas, incluso cuando las cosas se ponen musicalmente complejas como en el tema que da título al disco, en el que explora terrenos musicales modales y orientales con su soprano. Hay citas de "My Favorite Things" de Coltrane en su solo, pero también hay momentos de armonía oriental, subrayados por los gruesos acordes de Brown, sus arpegios y sus declaraciones abiertas. También hay un par de guturales cantos vocales suyos y del pianista -el suyo cristiano, el del pianista budista- que se combinan a la perfección para señalar directamente la naturaleza espiritual de la melodía. Otros números ofrecen guiños manifiestos a sus antepasados, colaboradores e influencias. "Hey, Chick", con su aire morisco-flamenco, evoca temas que Chick Corea exploró en My Spanish Heart. "Chucho's Mambo", con su vibración de rumbero y son, es un guiño directo al pianista Chucho Valdés y también cuenta con la participación del trompetista Ravi Best y el percusionista Rudy Bird (en una de varias apariciones). "J'Ouvert" se subtitula "Homenaje a Sonny Rollins" y se inspira en el uso que el coloso del saxofón hace de los ritmos, cadencias y temas líricos del calipso. "A Side
Order of Hijiki" no hace referencia a las algas culinarias japonesas de su título, sino a la forma de tocar que describió el difunto Mulgrew Miller. Es una jam post-bop, con ostinatos afilados de González y una línea de bajo furiosa y palpitante de Holt. Una sorpresa notable es la inclusión de "I Say a Little Prayer for You" de Burt Bacharach y Hal David, con un sutil marco latino que, por lo demás, sigue el arreglo escrito para Dionne Warwick. Este es el Garrett más cancionero, y su intento más directo en el álbum de comunicarse melódicamente; como en el pasado, también revela la profunda y temprana influencia de Junior Walker en su forma de tocar. Pushing the World Away es un disco muy diverso para Garrett. Lo que no revela en swing lo hace en complejidades, sombras, arreglos impresionantes y sorprendente musicalidad._Thom Jurek (allmusic)
En el proyecto La otra Cara de los Beatles la formación Pecos Beck & Tito Poyatos Band nos hace un repaso en clave de soul, jazz, latin y rock del cuarteto más emblemático del pop internacional. El inquieto pianista Luis Poyatos junto al francés Pecos Beck conforman una banda formada en el año 1998 que se empezó a dar a conocer a raíz de la grabación del disco Jazz en la Costa, donde versionaron God Bless the Childs, un homenaje a la
fabulosa banda americana Blood Sweat and Tears. el Festival Internacional de Música y Danza (FEX Granada) del año 2007. En el 2010 presentaron el evento por la comunidad andaluza Sangre ,Sudor y Lágrimas, dejando grabado un directo en vivo. En la actualidad preparan la segunda parte de Play Beatles. En el 2007 grabaron Play Beatles , con el que comenzaron a participar en diversos festivales de jazz por Andalucía, actuando en el Festival Internacional de Música y Danza (FEX Granada).
Pecos Beck. Natural de Sarraguemine (Francia), con nueve años se incorpora a un coro de canto gregoriano y a los doce años de edad cursa estudios de órgano. Desde los quince años participa como cantante en diversas formaciones de su país natal, como “The Showmen-Strianger” y la orquesta de Jaques Herat, ganando el segundo premio del Festival de Jazz de Antibes(Costa Azul). Después se trasladó a la antigua RFA, colaborando con varios grupos alemanes, como Dust Noo y Blach-Birds. En el año 1973 llega a España con el grupo Aarón junto al organista granadino Enrique Valdivieso y más tarde forma con el afamado batería Ángel Celada el grupo Falcón en Mallorca. Piruetas de la vida le trajeron a Granada donde fundaría el embrión de lo que sería posteriormente la Blues Band de Granada, con los que grabaría buena parte de su producción discográfica. Junto a Pecos Beck, o mejor dicho, por detrás, está la Tito Poyatos Band, una potente formación liderada por el pianista Luis Poyatos.
Luis Poyatos. De formación autodidacta, entra a formar parte del colectivo “Jazz granadino” en el año 1983, co-liderando bandas como Jazzmín Combo, Jazzta, etc. Ha colaborado con cantautores como Carlos Cano, grabando el LP “El tango de las madres de mayo”(1983), con grupos de pop como 091, La Guardia, grabando con ellos cuatro CD´s (1990-95). En 1993 crea la formación CUBOP, en sus dos versiones SALSA Y LATINJAZZ, produciendo dos cd´s y obteniendo el premio a la producción “Tributo a Tito Puente” (2001). En 1998 forma el proyecto Pecos B. & T. P. Band, dedicándole un homenaje al grupo emblemático Blood,Sweet & Tears y grabando un CD en vivo. En el 2002 empieza su andadura con el cuarteto de Liverpool con su último proyecto “La otra cara de los Beatles”. Graba el CD “Play´s Beatles”(2005), obteniendo varios premios a la producción.
Erroll Garner (Pittsburgh, 15 de junio de 1921 - Los Ángeles, 7 de enero de 1977) fue un pianista estadounidense de jazz, estilísticamente encuadrado en el swing y el bop. A pesar de no saber leer música, fue un músico sofisticado y popular, que mantuvo su estilo inalterado hasta el final de su carrera. Nacido con su hermano gemelo Ernest en Pittsburgh, Pensilvania, de una familia afrodescendiente el 15 de junio de 1923, o (según algunas fuentes dicen) 1921, Erroll comenzó a tocar el piano a la edad de tres años. Asistió a la High School George Westinghouse, al igual que los pianistas Billy Strayhorn y Ahmad Jamal. Garner fue autodidacta y siguió siendo tocando de oído toda su vida - nunca aprendió a leer música. A la edad de siete años, comenzó a aparecer en la estación de radio KDKA en Pittsburgh con un grupo llamado Candy Kids. A la edad de once años tocaba en las barcas de Allegheny. A los catorce años, en 1937, se unió al saxofonista local Leroy Brown. Tocó localmente a la sombra de su hermano, el pianista Linton Garner y se mudó a Nueva York en 1944. Trabajó brevemente con el bajista Slam Stewart, y aunque no era músico bebop en 1947 tocó con Charlie Parker en el tema "Cool Blues ". Aunque su admisión en el sindicato de música de Pittsburgh fue rechazada inicialmente debido a su incapacidad para leer música, finalmente cedió en 1956 y lo convirtió en un miembro honorario. A Garner se le atribuye una magnífica memoria musical. Después de asistir a un concierto del legendario pianista ruso Emil Gilels, Garner regresó a su apartamento y fue capaz de tocar una gran parte de la música que había oído. Como era bajo de estatura Garner tenía que colocar guías telefónicas sobre el banco del piano. Otra peculiaridad eran sus vocalizaciones mientras tocaba, que pueden escucharse en muchas de sus grabaciones. Ayudó a salvar la brecha para los músicos de jazz entre los clubes nocturnos y la sala de conciertos. A comienzos de los cincuenta era ya un pianista popular por la accesibilidad de su música. Su composición "Misty" se convirtió en un estándar del jazz. Garner trabajó para discográficas como Savoy, Mercury, RCA, Dial, Columbia, EmArcy, ABC-Paramount, MGM, Reprise y su propio sello Octave. Garner hizo muchas giras tanto en USA como en el extranjero, y produjo un gran volumen de grabaciones. Él era, según los informes, el músico de jazz favorito de The Tonight Show, de Johnny Carson, apareciendo en el programa de Carson muchas veces a lo largo de los años. Se retiró por motivos de salud a comienzos de 1975.
Erroll Garner murió de paro cardíaco relacionado con un enfisema pulmonar el 2 de enero de 1977. Está enterrado en el cementerio Homewood de Pittsburgh. Calificado como "uno de los pianistas más reconocibles" por el crítico de jazz Scott Yanow, Garner mostró que un "músico de jazz creativo puede ser muy popular sin diluir su música" o cambiar su estilo personal. Se le conoce como un "virtuoso brillante que sonaba diferente de cualquier otro intérprete", usando un "enfoque orquestal venido directamente desde la era del swing, pero ... abierto a las innovaciones del bop". Su estilo distintivo podría oscilar como ningún otro, pero algunas de sus mejores grabaciones son baladas, como su composición más conocida, "Misty". "Misty" se convirtió rápidamente en un estándar de jazz - y se presentó en la película de Clint Eastwood, Play Misty for Me (1971). Garner puede haber sido inspirado por el ejemplo de Earl Hines, residente en Pittsburgh, pero 18 años mayor, y había similitudes en su enfoque elástico de la sincronización y el uso de las octavas de la mano derecha. Las primeras grabaciones de Garner también muestran la influencia del estilo de piano sincopado de James P. Johnson y Fats Waller. Garner desarrolló un estilo personal que involucró a su mano derecha tocando detrás del ritmo mientras su izquierda rasgueaba un ritmo constante, creando así despreocupación y tensión en la música. La independencia de sus manos también fue evidenciada por su uso magistral de figuras de tres por cuatro y ritmos cruzados más complicados entre las manos. Garner también improvisaba caprichosas introducciones a piezas que dejaban a los oyentes en suspenso en cuanto a qué tema sería. Sus improvisaciones melódicas se mantuvieron generalmente cerca del tema melódico mientras que emplean nuevas variaciones del acorde..._(wikipedia)
Una vez finalizado su contrato con Mercury, Garner llevó su sello Octave a London Records. Mientras muchos otros músicos de su generación se pasaban al Fender Rhodes y se inclinaban por el R&B comercial o la fusión, Garner seguía tocando el piano acústico a su manera singular y clásica. Magician es un álbum que mezcla hábilmente originales con temas más habituales. Lo que lo hace genial es que Garner no nada contra la corriente de los clásicos aburridos. Para denotar el cambio de los tiempos, algunos de los estándares son de la época cercana a la que se grabó el álbum. Las canciones de Burt Bacharach y Hal David "(They Long to Be) Close to You" y "Watch What Happens" reciben un tratamiento cálido y sin esfuerzo. Garner toca con viveza en todo momento, y es evidente que está de buen humor (sus característicos gruñidos son el mejor indicio). También hace algunos grandes originales aquí, incluyendo el romántico "Nightwind" y el gospel y ragtime influenciado por "One Good Turn". El sonido distintivo de Magician también proviene de la sección rítmica del bajista Bob Crenshaw y el batería Grady Tate. Estos músicos, así como el órgano de Norman Gold, hacen que este disco suene como el gran álbum de jazz de los 70 que es. Tanto si lo encuentras en CD como en vinilo, Magician es uno de esos trabajos que hay que incluir en cualquier colección ecléctica._Jason Elias (allmusic)
Erroll Garner - Magician (1974-R2020) Temas: 01. (They Long To Be) Close To You (B. Bacharach/H. David) 02. It Gets Better Every Time (E. Garner) 03. Someone To Watch Over Me (G. & I. Gershwin) 04. Nightwind (E. Garner) 05. One Good Turn (E. Garner) 06. Watch What Happens (J. Demy, M. Legrand, N. Gimbel) 07. Yesterdays (J. Kern, O. Harbach) 08. I Only Have Eyes For You (A. Dubin, H. Warren) 10. Mucho Gusto (E. Garner) Musicos: Erroll Garner (Piano) Bob Cranshaw (Bajo, bajo eléctrico) Grady Tate (Percusión) José Mangual (Congas) Norman Gold (Órgano)
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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