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sábado, 6 de mayo de 2023

Arsenio Rodríguez Y Su Conjunto - Como Se Goza En El Barrio

Ignacio de Loyola Rodríguez Scull, conocido como Arsenio Rodríguez (Güira de Macurijes, Matanzas, Cuba, 30 de agosto de 1911 - Los Ángeles, California, Estados Unidos, 31 de diciembre de 1970), fue un compositor e intérprete de tres cubano con un importante papel en el desarrollo del llamado son montuno. Su formación de conjunto con varias trompetas, definió un sonido que, visto en perspectiva, sentó las bases para el desarrollo de lo que hoy se conoce como salsa. Fue un prolífico compositor, escribió cerca de 200 canciones, la mayoría salpicadas de humor y doble sentido.

De niño, Rodríguez quedó ciego cuando un caballo (o una mula) lo pateó en la cabeza, hecho que marcó el resto de su existencia.
Más tarde se hizo músico y llegó a ser uno de los directores de conjunto más renombrados en Cuba. Fue un inspirador del concepto musical de los "conjuntos cubanos" al incorporar tumbadoras, piano y tres trompetas al formato tradicional de los grupos de son.
Entre sus músicos se encontraban, en el piano, Rubén González y, más tarde, Lily Martínez Griñán; en las trompetas, Félix Chapotín y Chocolate Armenteros, al bongo, Papa Kila, entre otros. También contó con colaboraciones de Chano Pozo y Machito, así como de su primo René Scull como cantante. A la partida de Arsenio a Estados Unidos, Lily Mártinez, quien fungía en cierta medida como su director musical, quedó al frente del conjunto en Cuba.
Rodríguez viajó a los Estados Unidos a principios de los 50, pues tenía esperanzas de someterse a cirugía y recobrar la visión. Luego del diagnóstico médico que le informó que no era posible que volviera a ver, Arsenio, sumido en un intenso dolor, compuso uno de sus principales temas: La vida es un sueño, de letra profunda a diferencia del doble sentido, el humor y los signos de religión africana que acostumbrara a tratar en sus composiciones. En los EE. UU. siguió publicando discos, principalmente para Tico y Blue Note. Para esta última compañía grabó Tribilín cantore y Palo congo, aunque este último fue editado bajo el nombre de Sabú Martínez, pese a que Rodríguez compuso casi todos los temas, cantó y tocó el tres y la percusión.

Entre sus temas más populares están Bruca maniguá —la primera canción suya que se grabó, originalmente interpretada por Miguelito Valdés con la Orquesta Casino de la Playa, Mami, me gustó, El divorcio, Papa upa, 'El reloj de Pastora, Fuego en el 23, La yuca de Catalina y el ya mencionado La vida es sueño,
A finales de los años sesenta el mambo "estalló", y Rodríguez continuó tocando con su típico estilo. Llegó a grabar algunos boogaloos no muy exitosos y la popularidad del grupo fue declinando. Intentó un nuevo comienzo en Los Ángeles pero murió en 1970 y su cuerpo fue enviado a Nueva York para sus funerales. Se ha especulado mucho sobre su situación económica durante sus últimos años pero Mario Bauza niega que muriera en la pobreza, argumentando que Rodríguez tenía, aunque modestos, unos ingresos por concepto de derechos de autor.
Aunque Arsenio murió en un relativo anonimato en Los Ángeles, su música está considerada hoy en día como una inspiradora obra de arte. Exploró los ritmos afrocubanos y enfatizó el papel protagonista del tres, llegando a ser uno de los treseros más grandes de todos los tiempos.
Sus canciones y su ritmo todavía viven en las recreaciones de sus temas en las famosas salsas y su música y concepción de conjunto es inspiración para salseros. Después del 1950, las bandas grandes que estaban de moda durante la época del mambo, dejaron de estarlo. Sin embargo, los grupos o conjuntos gracias al importante papel desempeñado por Arsenio en la música cubana constituyeron una referencia determinante en lo que hoy en día se denomina "música latina", en especial la salsa.
Fue intuitivo y universal en todo el proceso de fusión que fue su música. Arsenio Rodríguez es, junto a Ignacio Piñeiro, Ñico Saquito, Miguel Matamoros, María Teresa Vera y Benny Moré, uno de los padres de la cultura popular cubana._(wikipedia)
                                                                               
                                                                                    

Arsenio Rodríguez Y Su Conjunto - Como Se Goza En El Barrio (1953-R.1992)

Temas:
01. Esclavo Triste 
02. La Gente Del Bronx 
03. Jaguey 
04. Meta Y Guguanco 
05. Mulence 
06. Pa Que Gocen 
07. Esas No 
08. Como Se Goza En El Barrio 
09. Y Soy Chambelon 
10. Arpegio Por Arsenio 
11. Oiga Mi Guguanco 
12. Se Va La Comparsa 
13. Swing Y Son 
14. Maye Santa 
15. Oye Mi Cantar 
16. Ahora Carpetillo

sábado, 29 de abril de 2023

Alfredo Rodríguez - The Invasion Parade

Alfredo Rodríguez nació en La Habana en 1985 y lleva el nombre de su padre, es el mayor de los dos hijos de Alfredo "Alfredito" Rodríguez, un cantante profesional y compositor cubano de canciones románticas y presentador de televisión.
Estudió piano clásico en el Conservatorio "Manuel Saumell", luego en el Conservatorio de Música "Amadeo Roldán" y en el Instituto Superior de Arte , todos en La Habana.
Su interés en el jazz fue estimulado por el concurso anual "JoJazz" para jóvenes músicos de jazz, donde ganó una mención honorífica en 2003.
En 2006, Rodríguez fue seleccionado como uno de los doce pianistas de todo el mundo para tocar en el Festival de Jazz de Montreux . El productor musical Quincy Jones lo notó en el Festival de Jazz y se ofreció a trabajar con él.
En 2007, formó el primer Alfredo Rodríguez Trio, con Gastón Joya (contrabajo) y Michael Olivera (batería). En 2009, Rodríguez acompañó a su padre como miembro de la banda en un viaje de concierto a México, cuando decidió no regresar a Cuba, sino dejar su país y su familia y solicitar asilo político en el cruce fronterizo de Nuevo Laredo con los Estados Unidos .
Con el apoyo de Jones, comenzó su búsqueda de una carrera en música en los Estados Unidos.
Rodríguez ha actuado en Playboy Jazz Festival , SXSWMusic Festival, Detroit Jazz Festival , Monterey Jazz Festival , Newport Jazz Festival , San Francisco Jazz Festival , Gilmore International Keyboard Festival, Jazz Roots Performing Arts Center Concert Series, XVI Festival Internacional al Aire Libre (Polonia) , Jazz a Vienne Festival (Francia), North Sea Jazz Festival (Holanda), Umbria Jazz Festival (Italia), Montreux Jazz Festival (Suiza), Mawazine Festival (Marruecos), Mundo Latino Festival (Brasil), Shanghai International Film Festival(China), Shanghai Tourist Festival (China), así como muchas otras actuaciones. Rodríguez también ha sido elegido por varias marcas como Mercedes Benz y Louis Vuitton para actuar en funciones corporativas y lanzamientos de productos. Durante este período, Alfredo ha compartido escenarios con artistas de jazz como Wayne Shorter , Herbie Hancock , Patti Austin , James Ingram , McCoy Tyner , Esperanza Spalding , Richard Bona y Lionel Loueke . Una de las composiciones más conocidas de Rodríguez se logró gracias a la colaboración con Quincy Jones, Tan Dun y Siedah Garrett ; el himno "Better City, Better Life" fue seleccionado como el tema oficial de la Shanghai World Expo 2010 .
En 2015, Rodríguez recibió su primera nominación al Grammy por mejor arreglo instrumental para "Guantanamera" en los 57º Premios Grammy.
Un crítico en 2009 sugirió que Rodríguez era "más una fusión de Bill Evans, Kenny Werner, Fred
Hersch, incluso toques de Thelonious Monk en la concepción, si no en la ejecución, con pistas aquí y allá de su herencia cubana".
Otro crítico en el mismo año escribió que "en una melodía, sus líneas bebop nítidas recordaron de juego a principios de Bill Evans en el George Russell mediados de los años cincuenta álbum Jazz Workshop. Otras piezas sugirieron la inventiva melódica de Keith Jarrett. Y otros muestran una estilo naciente propio, contrastando pasajes angulosos y salientes y gruesos conglomerados armónicos con repentinos e inesperados arcos de lirismo "._ (cubanosfamosos)

El título del segundo trabajo del pianista de jazz cubano Alfredo Rodríguez para Mack Avenue Records se inspira en un desfile anual que se celebra en la ciudad isleña de Santiago para celebrar la independencia del país. En la continuación de Sounds of Space, de 2011, Rodríguez profundiza en los sonidos de su tierra natal con un enfoque incendiario. Coproducido con Quincy Jones, su formación incluye a los saxofonistas Billy Carrión y Román Filiú, el batería y percusionista Henry Cole, el vocalista y percusionista Pedrito Martínez, el flautista Javier Porta y los bajistas Peter Slavov y Esperanza Spalding. Rodríguez es un pianista y arreglista excepcionalmente dotado, y se adentró en la vasta variedad musical de Cuba, desde el guajiro hasta la música de la santería yoruba, pasando por las comparsas, la timba, el folclore caribeño y, por supuesto, el jazz afrocubano, para terminar con
una mezcla completamente moderna y encantadora de originales, canciones populares y clásicos. Destacan su audaz, disonante y casi política lectura de "Guantanamera", la ágil "A Santa Bárbara", lecturas que rompen moldes de estándares como "Quizás, Quizás, Quizás" y "Veinte Años" con audaces extrapolaciones rítmicas y armónicas, y "Timberobot", un duro ejercicio con arpegios voladores._Thom Jurek (allmusic)
                                                                  
                                                                                 

Alfredo Rodríguez - The Invasion Parade (2014)

Temas: 
01. The Invasion Parade
02. Guantanamera 
03. El Güije feat. Esperanza Spalding
04. A Santa Barbara
05. Timberobot 
06. Quizás, Quizás, Quizás (Perhaps, Perhaps, Perhaps)
07. Snails In The Creek (Caracoles en el Riachuelo) feat. pedrito martinez
08. Veinte Años
09. Cubismo

Musicos:
Alfredo Rodríguez (piano, sintetizador minimoog voyager, electrónica, percusión)
Esperanza Spalding (Voz, bajo acústico en pistas #3, #7) 
Peter Slavov (bajo acústico)
Henry Cole (batería, percusión )
Pedrito Martinez (voz, percusión en pistas #1, #3, #7, #9)
Roman Filiu (Saxo alto, saxo soprano)
billy carrion (Saxo barítono)
javier porta (flauta)

Todas las canciones escritas y arregladas por Alfredo Rodríguez, excepto: 
"Guantanamera" escrita por Jose 'Joseito' Fernandez Diaz
"A Santa Barbara" escrito por Reutilio Domínguez y Celina González
"Quizás, Quizás, Quizás (Perhaps, Perhaps, Perhaps)" escrito por Osvaldo Farrés
"Veinte Años" escrito por María Teresa Vera Morva

sábado, 22 de abril de 2023

Benny Golson Group - Remembering Clifford

Benny Golson (nacido el 25 de enero de 1929) es un saxofonista tenor, compositor y arreglista estadounidense de bebop y hard bop jazz. Alcanzó la fama con las big bands de Lionel Hampton y Dizzy Gillespie, más como compositor que como intérprete, antes de lanzar su carrera en solitario. Golson es conocido por cofundar y codirigir The Jazztet con el trompetista Art Farmer en 1959. Desde finales de los sesenta hasta los setenta, Golson estuvo muy solicitado como arreglista para cine y televisión, por lo que su actividad como intérprete fue menor, pero en 1982 volvió a formar el Jazztet con Farmer.
Muchas de las composiciones de Golson se han convertido en estándares del jazz, como "I Remember Clifford", "Blues March", "Stablemates", "Whisper Not" y "Killer Joe". Se le considera "uno de los contribuyentes más significativos" al desarrollo del hard bop jazz, y fue galardonado con un Grammy Trustees Award en 2021.
Golson comenzó a aprender a tocar el piano a los nueve años, y luego cambió al saxofón cuando tenía 14 años. Mientras estudiaba en el Benjamin Franklin High School de Filadelfia, tocó con otros jóvenes músicos prometedores, como John Coltrane, Red Garland, Jimmy Heath, Percy Heath, Philly Joe Jones y Red Rodney. Más tarde asistió a la Universidad Howard..._(wikipedia)

Benny Golson se sintió conmovido por la muerte del trompetista de bop Clifford Brown y escribió el clásico "I Remember Clifford". Ahora que se le presenta la oportunidad de hacer un álbum en honor de su viejo amigo, Golson reúne a un sexteto y presenta un álbum que toma la idea de "I Remember Clifford", la actualiza a fondo y la extiende a lo largo de una hora de gran música en este disco. Rehaciendo su tema más conocido como "Brown Immortal", Benny también hace una nueva versión de "Five Spot After Dark", que durante mucho tiempo ha sido un elemento básico de su repertorio. La trompa de Golson es pura miel, sonando tan maravillosamente a los 69 años como muchos músicos esperarían serlo a la mitad de su edad. Intercambiando solos con el saxo tenor Ron Blake, el trompetista John Swana, y el pianista Mike LeDonne, Peter Washington añade un buen apoyo de bajo de cuerda mientras Joe Farnsworth empuja el ritmo, pateando en todos los lugares correctos y nunca tocando en exceso. Tito Puente y Carlos "Patato" Valdés hacen apariciones como invitados en "Tito Puente" de Golson, pero donde Golson y compañía realmente brillan es en temas nuevos como "Horizon Ahead" y el cierre, "Ever More". Estos dos enérgicos temas demuestran que Golson sigue tocando con energía cuando es necesario y sigue siendo filosófico en temas como "Lullaby of Birdland" y la balada "You're the First to Know". Con una música estupenda, no hay nivel en el que este álbum no triunfe._Cub Koda (allmusic)
                                                                          
                                                                                   

Benny Golson Group - Remembering Clifford (1998)

Temas:
01. Brown Immortal
02. Five Spot After Dark
03. Dear Old Stockholm (Traditional) 
04. Matinee
05. You're the First to Know
06. Lullaby of Birdland (George Shearing, George David Weiss)
07. Tito Puente
08. Horizon Ahead
09. Ever More

Musicos:
Benny Golson (Saxo tenor)
John Swana (Trompeta)
Ron Blake (Saxo tenor)
Mike LeDonne (Piano)
Peter Washington (Bajo)
Joe Farnsworth (Batería)
Tito Puente, Carlos "Patato" Valdes (Percusión en pista 7)

sábado, 15 de abril de 2023

Trío Matamoros - Música Tradicional Cubana Cubana Vol. III

El músico popular realiza sus  creaciones siguiendo una serie  de elementos normados por el propio pueblo, de donde surge una estructura que aprende por tradición oral. Así, en Cuba se conforman por el gusto popular estilos bailables y cantables que, por otra parte van siendo modificados por la actividad de los más destacados intérpretes.

Por ello, la obra de un creador y su estilo de interpretarla - aunque permanezca fiel a las normas populares,-  se distinguen de la de otros creadores de estilo y época similares.
De esta manera, podemos afirmar que Miguel Matamoros pudo expresar un estilo cubano, criollísimo, y a la  vez, tener una manera peculiar y personalísima de crear e interpretar su música.
A este estilo no eran ajenos Siro Rodríguez y Rafael Cueto, que integraron el famoso Trio a quien dio su nombre Matamoros, ya que la producción del indiscutible creador no puede separarse de su interpretación más caracterizada en cuyo logro colectivo sus compañeros tuvieron un destacado lugar.
Nacido en Santiago de Cuba, en 1894 cuando en esta ciudad ya eran maestros en el criollo género del bolero "Pepe" Sánchez y Sindo Garay, Miguel Matamoros creó dentro de las normas conocidas del bolero y el son, la criolla, la guaracha y otros géneros de canción, una gran cantidad de obras.
El trovador, en aquella época, generalmente no contaba solo. Siempre surgía una segunda voz que le seguía por una necesidad armónica, improvisando otra línea de canto supeditada a la primera. De igual modo, la  guitarra prima era secundada por una segunda que acentuaba las armonías principales en acordes rasgueados o arpegiados.

En el Trío Matamoros podemos distinguir como jerarquías independientes la voz y la guitarra prima de Miguel, con la línea melódica instrumental punteada, la voz segunda de Siro, de rico timbre de barítono y la guitarra segunda de Rafael Cueto, que enriquecía el conjunto con un bajo de son, a manera de la antigua marímbula o el contrabajo. El equilibrio del conjunto se completaba con las maracas de Siro y una tercera voz que hacía en el coro el propio Rafael Cueto.
El estilo de cantar el bolero y el son, con voz aguda, vibrante, de Miguel era el imperante, y por la calidad que  alcanzo se situó, junto a su trío, durante más de treinta y cinco años entre los mejores creadores e intérpretes.
De procedencia obrero-campesina, los integrantes de este trío trabajaron oficios modestos para equilibrar la precaria economía del músico popular. La música, expresada en serenatas, cafés, veladas y conciertos, casi siempre era sujeta a salarios ínfimos o inexistentes, de lo cual no podían depender los artistas. Es por ello que el sostén económico tenía que suministrarlo un oficio a veces ajeno a la música, y en muy pocos casos la fama, la calidad y la popularidad estaban ligadas a una economía estable.
Miguel Matamoros fue obrero agrícola, reparador de líneas, minero, y por último chofer urbano, mientras que por las noches hacía música. Siro Rodríguez, nacido en Santiago de Cuba en 1899, fue herrero. Rafael  Cueto, nacido también en Santiago de Cuba, en 1900, fue empleado.
La cohesión del  trío nunca se vio afectada por diferencias ideológicas ni estéticas. El Trío Matamoros siempre fue fiel a la verdadera tradición musical representativa de toda una época que se puede situar entre  el auge del bolero, la criolloa, la habanera, y la canción cubana y el desarrollo y difusión del son oriental.
Al jubilarse Miguel, ya enfermo, cesaron las actividades del Trío. ''Nunca  quisimos cantar otro estío para llenar un compromiso" nos dijeron Siro y Rafael. Y esta fue la tónica imperante en sus interpretaciones: la fidelidad, el oficio y el buen gusto dentro de las normas establecidas.
Miguel Matamoros falleció el 15 de abril de 1971, en Santiago. Las grabaciones que recoge este disco son procedentes de archivos y tienen el valor documental de ser la auténtica expresión de coda género en su época._ María Teresa Linares. instituto de Etnología de la Academia de Ciencias de Cuba
                                                                            
                                                                                  

Trío Matamoros - Música Tradicional Cubana Cubana Vol. III (198?)

Temas:
01. Juramento (Bolero)
02. Mientes (Bolero Son)
03. Que Te Estan Mirando
04. Reclamo Místico (Bolero)
05. Sueño Infeliz (Bolero Son)
06. Noche Triunfal (Bolero)
07. Olvido (Bolero)
08. Tu Sabes (Son)
09. Alegre Conga (Conga)
10. Mariposita De Primavera (Habanera)
11. Oye El Chacha (Son afro)
12. Luz Que No Alumbra (Bolero)

Información cedida por Osvaldo M.

sábado, 8 de abril de 2023

Strunz & Farah - Wild Muse

Strunz & Farah es un dúo de guitarristas de sonido ecléctico, que puede ser descrito como una combinación de world music, jazz y flamenco.
Jorge Strunz, nacido en Costa Rica, y Ardeshir Farah, originario de Irán, se conocieron en Estados Unidos en 1979. Strunz fue uno de los fundadores de la banda de jazz latino Caldera. Caldera fue una banda que combinaba jazz, funk y rock con una variedad de ritmos latinos. Pioneros del rock fusión de los años setenta, como Return to Forever y Weather Report, influenciaron a Caldera. Los cuatro álbumes que produjeron (ninguno de los cuales se encuentra disponible actualmente en CD) no se vendieron bien, y la banda decidió disolverse. Sin embargo, los miembros de Caldera se mantuvieron ocupados tras el rompimiento. Strunz formó el dúo con Farah.
Ambos guitarristas tenían experiencia profesional en la música desde su adolescencia, y pronto se unieron para lanzar su primer álbum (producido por ellos mismos), llamado Mosaico en 1980, el cual les permitió iniciar su propia productora, llamada Selva Records. Pronto llamaron la atención de Richard Bock, una figura importante en la radio de orientación jazz, quien ayudó al dúo a asegurar un contrato con Milestone.
Desde entonces, Strunz & Farah han grabado numerosos discos, colaborando también con músicos como Rubén Blades y L. Subramaniam (1947-). Jorge Strunz fue una vez recomendado por su amigo Paco de Lucía para reemplazar a Al Di Meola en las giras de The Guitar Trío (con Paco de Lucía y John MacLaughlin).[cita requerida] Han colaborado también con Gerardo Núñez.
El dúo también ha trabajado con Sting en el álbum The Living Sea: Soundtrack from the IMAX Film como músicos de sesión._(wikipedia)

Actuando juntos desde 1979, los nominados al Grammy Strunz & Farah son los innovadores de una expresión totalmente nueva para la guitarra acústica. Muy adelantados a su tiempo, crearon un estilo original que ahora es ampliamente influyente. Originarios de Costa Rica e Irán respectivamente, Jorge Strunz y Ardeshir Farah han trasladado las influencias musicales de sus orígenes multiculturales a sus composiciones instrumentales originales de gran virtuosismo, rítmicas y ricas en improvisación, inspirando a fans y a muchos guitarristas de todo el mundo. Su encuentro en 1979 en Los Ángeles, donde siguen afincados, marcó la primera vez que la música latinoamericana y la de Oriente Medio, junto con otros elementos importantes como el jazz, se unieron en la guitarra. Siguen siendo los maestros indiscutibles del estilo que crearon.
La música de S&F quizás se describa mejor como música original de guitarra de improvisación instrumental acústica multicultural, o jazz del mundo. Su música enfatiza y se deleita en la melodía y el ritmo sensual con una expresión colorida y apasionada, y está saturada de sus raíces culturales. La música afrocaribeña, el folk latinoamericano, el flamenco y la música de Oriente Medio convergen en un contexto esencialmente jazzístico, especialmente en el sentido de la improvisación, y constituyen una aportación única a la diversidad de la música de guitarra contemporánea.
1979 Strunz y Farah se conocieron en Los Ángeles a través de un amigo común y empezaron a preparar material para su primer proyecto discográfico, "Mosaico". Jorge acababa de grabar su cuarto álbum con Caldera para Capitol Records, y Ardeshir trabajaba con cantantes iraníes expatriados en Los Ángeles...._(strunzandfarah)
                                                                            
                                                                                    

Strunz & Farah - Wild Muse (1998)

Temas:
01. Camino Real (J. Strunz)
02. La Sirena (J. Strunz)
03. China Moon (J. Strunz)
04. Alisio (J. Strunz)
05. Manzanillo (J. Strunz)
06. Nuevo Sol (J. Strunz)
07. Zagros (A. Farah)
08. El Faraón (J. Strunz)
09. Natural Flow (J. Strunz & A. Farah)
10. Joya Perdida (J. Strunz)
11. Manos Del Tiempo (J. Strunz, E. Borrero))

Musicos:
Strunz & Farah (Guitarras acústicas)
Charlie Bisharat (Violín)
Eliseo Borrero (Bajo, voz)
Luis Conte (Percusión afrocubana)
Carlitos del Puerto (Bajo)
Cassio Duarte (Percusión afrocubana)
Ramón Flores (Trompeta)
Majid Ghorbani (Dombak y percusión)
Nengue Hernández (Percusión afrocubana)
Eric Jorgensen (Trombón)
Danny Papakalos (Bouzouki)
Freddie Ravel (Teclados)
Walfredo Reyes (Batería)
Papo Rodríguez (Percusión afrocubana)
Alberto Salas (Teclados)
Paul Tchounga (Batería)
Ramón Yslas (Percusión afrocubana)

sábado, 1 de abril de 2023

Kenny Garrett - Pushing the World Away

Kenny Garrett (9 de octubre de 1960) es un saxofonista de jazz y flautista que obtuvo fama en su juventud como miembro de la Orquesta de Duke Ellington y de la banda de Miles Davis. Desde entonces ha seguido una carrera de éxito y ha sido descrito como "El más importante saxo alto de su generación" por el Washington City Paper​ y "Uno de los más admirados saxos altos de jazz después de Charlie Parker" por The New York Times.
Kenny Garrett nació en Detroit, Míchigan y en 1978 se licencia en la Mackenzie High School. Su padre era carpintero y tocaba en saxo tenor como hobby. La carrera de Garrett como saxofonista despunta cuando se une a la Orquesta de Duke Ellington en 1978, entonces dirigida por el hijo de Duke, Mercer Ellington.​ Tres años más tarde toca en la Orquesta de Mel Lewis, tocando la música de Thad Jones y también en el Cuarteto de Dannie Richmond, centrando en la música de Charles Mingus.
En 1984, graba su primer álbum como líder, Introducing Kenny Garrett, en el sello CrissCross. Después graba dos álbumes con Atlantic: Prisoner of Love y African Exchange Student. A continuación Garrett firmó con Warner Bros. empezando con el álbum Black Hope, en 1992. Entre sus registros en Warner Bros. están Pursuance: La Música de John Coltrane, grabado en 1996 y Songbook, su primer álbum enteramente de composiciones propias, grabado en 1997 y nominado para un Grammy.
Durante su carrera, Garrett ha actuado y grabado con muchos grandes del jazz como Miles Davis, Art Blakey, Joe Henderson, Brad Mehldau, Freddie Hubbard, Woody Shaw, McCoy Tyner, Pharoah Sanders, Brian Blade, Marcus Miller, Chick Corea, John McLaughlin, Herbie Hancock, Bobby Hutcherson, Ron Carter, Elvin Jones, y Mulgrew Miller. La música de Garrett a veces exhibe influencias asiáticas, un aspecto qué es especialmente relevante en su álbum de 2006 Beyond the Wall nominado al Grammy.
Garrett es más conocido en muchos círculos por los cinco años con Miles Davis, durante el periodo eléctrico de Davis y declara que se ha acostumbrado a la asociación:
"Estuve en la banda de Miles aproximadamente cinco años. Creo que la etiqueta siempre permanecerá. Fueron cinco años de mi vida. Aquello era una situación musical única ya que duró mucho más del año habitual. Para mi fueron cinco años muy buenos y he podido utilizar esa experiencia. Algunas personas se fijaron en mí a través de Miles y después vendrían a mis conciertos. Creo que es parte de mi historia y estoy orgulloso de ello. Todavía estoy probando a forjarme un nombre propio y mi propia música. Cada vez que mencionan a Kenny Garrett, probablemente habrá alguna asociación con Miles Davis, igual que cuándo mencionan a Herbie Hancock, siempre mencionan a Miles Davis o a Wayne Shorter". (allaboutjazz)..._(wikipedia

En su tercer álbum para Mack Avenue Records, Kenny Garret explora muchos terrenos. Utiliza a dos pianistas diferentes, Vernell Brown y Benito González, al bajista Corcoran Holt, a los baterías Marcus Baylor, McClenty Hunter y Mark Whitfield Jr., así como a un cuarteto de cuerda en "Brother Brown" (en la que Garret toma el relevo al piano). Todas menos una de estas 12 melodías ofrecen sofisticadas pruebas de su propio viaje a través del linaje del jazz y su empuje en los márgenes del post-bop. Hay una profunda confianza en la melodía y el canto a través de sus trompas, incluso cuando las cosas se ponen musicalmente complejas como en el tema que da título al disco, en el que explora terrenos musicales modales y orientales con su soprano. Hay citas de "My Favorite Things" de Coltrane en su solo, pero también hay momentos de armonía oriental, subrayados por los gruesos acordes de Brown, sus arpegios y sus declaraciones abiertas. También hay un par de guturales cantos vocales suyos y del pianista -el suyo cristiano, el del pianista budista- que se combinan a la perfección para señalar directamente la naturaleza espiritual de la melodía. Otros números ofrecen guiños manifiestos a sus antepasados, colaboradores e influencias. "Hey, Chick", con su aire morisco-flamenco, evoca temas que Chick Corea exploró en My Spanish Heart. "Chucho's Mambo", con su vibración de rumbero y son, es un guiño directo al pianista Chucho Valdés y también cuenta con la participación del trompetista Ravi Best y el percusionista Rudy Bird (en una de varias apariciones). "J'Ouvert" se subtitula "Homenaje a Sonny Rollins" y se inspira en el uso que el coloso del saxofón hace de los ritmos, cadencias y temas líricos del calipso. "A Side
Order of Hijiki" no hace referencia a las algas culinarias japonesas de su título, sino a la forma de tocar que describió el difunto Mulgrew Miller. Es una jam post-bop, con ostinatos afilados de González y una línea de bajo furiosa y palpitante de Holt. Una sorpresa notable es la inclusión de "I Say a Little Prayer for You" de Burt Bacharach y Hal David, con un sutil marco latino que, por lo demás, sigue el arreglo escrito para Dionne Warwick. Este es el Garrett más cancionero, y su intento más directo en el álbum de comunicarse melódicamente; como en el pasado, también revela la profunda y temprana influencia de Junior Walker en su forma de tocar. Pushing the World Away es un disco muy diverso para Garrett. Lo que no revela en swing lo hace en complejidades, sombras, arreglos impresionantes y sorprendente musicalidad._Thom Jurek (allmusic)
                                                                                  
                                                                                 

Kenny Garrett - Pushing the World Away (2013)

Temas:
01. A Side Order of Hijiki 
02. Hey, Chick 
03. Chucho's Mambo
04. Lincoln Center
05. J'ouvert (Homage to Sonny Rollins)
06. That's It 
07. I Say a Little Prayer 
08. Pushing the World Away
09. Homma San
10. Brother Brown
11. Alpha Man
12. Rotation

Musicos:
Kenny Garrett (Sax alto en #1-7,9,11-12, saxo soprano en #8, canto en #8, piano en #10)
Benito Gonzalez (Piano en #1-3,5-7,9,12)
Corcoran Holt (Bajo en #1-12)
Marcus Baylor (Batería en #1-3,5-6,9,12)
Rudy Bird (Percusión en #3,5-7,9), platillos y gong en #8)
Ravi Best (Trompeta en #3)
Vernell Brown (Piano en #4,8,11-12), canto en #8)
McClenty Hunter (Batería en #4,7,10,12, voz en #6)
Mark Whitfield, Jr. (Batería en #8,11-12)
Jean Baylor (Voz en #9)
Carolin Pook (Violín en #10)
Brian Sanders (Violonchelo en #10)
Jen Herman (Viola en #10)
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
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De donde viene el nombre de L'Ostia???

A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados.
Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta.
Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio.
Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.

No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.

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