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sábado, 25 de febrero de 2023

Erroll Garner - Magician

Erroll Garner (Pittsburgh, 15 de junio de 1921 - Los Ángeles, 7 de enero de 1977) fue un pianista estadounidense de jazz, estilísticamente encuadrado en el swing y el bop. A pesar de no saber leer música, fue un músico sofisticado y popular, que mantuvo su estilo inalterado hasta el final de su carrera.
Nacido con su hermano gemelo Ernest en Pittsburgh, Pensilvania, de una familia afrodescendiente el 15 de junio de 1923, o (según algunas fuentes dicen) 1921, Erroll comenzó a tocar el piano a la edad de tres años. Asistió a la High School George Westinghouse, al igual que los pianistas Billy Strayhorn y Ahmad Jamal. Garner fue autodidacta y siguió siendo tocando de oído toda su vida - nunca aprendió a leer música. A la edad de siete años, comenzó a aparecer en la estación de radio KDKA en Pittsburgh con un grupo llamado Candy Kids. A la edad de once años tocaba en las barcas de Allegheny. A los catorce años, en 1937, se unió al saxofonista local Leroy Brown.
Tocó localmente a la sombra de su hermano, el pianista Linton Garner y se mudó a Nueva York en 1944. Trabajó brevemente con el bajista Slam Stewart, y aunque no era músico bebop en 1947 tocó con Charlie Parker en el tema "Cool Blues ". Aunque su admisión en el sindicato de música de Pittsburgh fue rechazada inicialmente debido a su incapacidad para leer música, finalmente cedió en 1956 y lo convirtió en un miembro honorario. A Garner se le atribuye una magnífica memoria musical. Después de asistir a un concierto del legendario pianista ruso Emil Gilels, Garner regresó a su apartamento y fue capaz de tocar una gran parte de la música que había oído.
Como era bajo de estatura Garner tenía que colocar guías telefónicas sobre el banco del piano. Otra peculiaridad eran sus vocalizaciones mientras tocaba, que pueden escucharse en muchas de sus grabaciones. Ayudó a salvar la brecha para los músicos de jazz entre los clubes nocturnos y la sala de conciertos. A comienzos de los cincuenta era ya un pianista popular por la accesibilidad de su música.
Su composición "Misty" se convirtió en un estándar del jazz. Garner trabajó para discográficas como Savoy, Mercury, RCA, Dial, Columbia, EmArcy, ABC-Paramount, MGM, Reprise y su propio sello Octave.
Garner hizo muchas giras tanto en USA como en el extranjero, y produjo un gran volumen de grabaciones. Él era, según los informes, el músico de jazz favorito de The Tonight Show, de Johnny Carson, apareciendo en el programa de Carson muchas veces a lo largo de los años. Se retiró por motivos de salud a comienzos de 1975.
Erroll Garner murió de paro cardíaco relacionado con un enfisema pulmonar el 2 de enero de 1977. Está enterrado en el cementerio Homewood de Pittsburgh.
Calificado como "uno de los pianistas más reconocibles" por el crítico de jazz Scott Yanow, Garner mostró que un "músico de jazz creativo puede ser muy popular sin diluir su música" o cambiar su estilo personal. Se le conoce como un "virtuoso brillante que sonaba diferente de cualquier otro intérprete", usando un "enfoque orquestal venido directamente desde la era del swing, pero ... abierto a las innovaciones del bop". Su estilo distintivo podría oscilar como ningún otro, pero algunas de sus mejores grabaciones son baladas, como su composición más conocida, "Misty". "Misty" se convirtió rápidamente en un estándar de jazz - y se presentó en la película de Clint Eastwood, Play Misty for Me (1971).
Garner puede haber sido inspirado por el ejemplo de Earl Hines, residente en Pittsburgh, pero 18 años mayor, y había similitudes en su enfoque elástico de la sincronización y el uso de las octavas de la mano derecha. Las primeras grabaciones de Garner también muestran la influencia del estilo de piano sincopado de James P. Johnson y Fats Waller. Garner desarrolló un estilo personal que involucró a su mano derecha tocando detrás del ritmo mientras su izquierda rasgueaba un ritmo constante, creando así despreocupación y tensión en la música. La independencia de sus manos también fue evidenciada por su uso magistral de figuras de tres por cuatro y ritmos cruzados más complicados entre las manos. Garner también improvisaba caprichosas introducciones a piezas que dejaban a los oyentes en suspenso en cuanto a qué tema sería. Sus improvisaciones melódicas se mantuvieron generalmente cerca del tema melódico mientras que emplean nuevas variaciones del acorde..._(wikipedia)

Una vez finalizado su contrato con Mercury, Garner llevó su sello Octave a London Records. Mientras muchos otros músicos de su generación se pasaban al Fender Rhodes y se inclinaban por el R&B comercial o la fusión, Garner seguía tocando el piano acústico a su manera singular y clásica. Magician es un álbum que mezcla hábilmente originales con temas más habituales. Lo que lo hace genial es que Garner no nada contra la corriente de los clásicos aburridos. Para denotar el cambio de los tiempos, algunos de los estándares son de la época cercana a la que se grabó el álbum. Las canciones de Burt Bacharach y Hal David "(They Long to Be) Close to You" y "Watch What Happens" reciben un tratamiento cálido y sin esfuerzo. Garner toca con viveza en todo momento, y es evidente que está de buen humor (sus característicos gruñidos son el mejor indicio). También hace algunos grandes originales aquí, incluyendo el romántico "Nightwind" y el gospel y ragtime influenciado por "One Good Turn". El sonido distintivo de Magician también proviene de la sección rítmica del bajista Bob Crenshaw y el batería Grady Tate. Estos músicos, así como el órgano de Norman Gold, hacen que este disco suene como el gran álbum de jazz de los 70 que es. Tanto si lo encuentras en CD como en vinilo, Magician es uno de esos trabajos que hay que incluir en cualquier colección ecléctica._Jason Elias (allmusic)        

                                                                             

Erroll Garner - Magician (1974-R2020)

Temas: 
01. (They Long To Be) Close To You (B. Bacharach/H. David)
02. It Gets Better Every Time (E. Garner)
03. Someone To Watch Over Me (G. & I. Gershwin)
04. Nightwind (E. Garner)
05. One Good Turn (E. Garner)
06. Watch What Happens (J. Demy, M. Legrand, N. Gimbel)
07. Yesterdays (J. Kern, O. Harbach)
08. I Only Have Eyes For You (A. Dubin, H. Warren)
10. Mucho Gusto (E. Garner)

Musicos:
Erroll Garner (Piano)
Bob Cranshaw (Bajo, bajo eléctrico)
Grady Tate (Percusión)
José Mangual (Congas)
Norman Gold (Órgano)
Jackie Williams (Pandereta)

sábado, 18 de febrero de 2023

Janet Seidel - Moon of Manakoora


Janet Seidel (28 de mayo de 1955 – 7 de agosto de 2017) fue una cantante de jazz y pianista australiana.
Seidel estudió en el Conservatorio Elder de la Universidad de Adelaida (BMusic, 1973-1976). Trabajó como profesora de música de secundaria en Australia del Sur y como músico profesional tocando el pianista y cantando. De 1976 a 1980, fue miembro activo del Adelaide Feminist Theatre Group.​ Compuso los arreglos para piano de su primer espectáculo, The Carolina Chisel Show (1976). Para el melodrama musical The Redheads' Revenge (1978), escribió y arregló todas las canciones, dirigió y tocó en la orquesta y también participó en el guion, producción y dirección del espectáculo. Para la revista Out of the Frying Pan (1980), escribió cinco canciones originales, colaborando con Judy Szekeres en el arreglo musical, tocando en la orquesta y participando en la coreografía.​ Janet Seidel surgió como una de las principales vocalistas de cabaret y jazz de Australia. Apareció con frecuencia en los mejores locales de jazz y hoteles de Australia a principios de los años 80. Janet Seidel también actuó en festivales de jazz en los Estados Unidos, trabajando con notables de jazz como Harry Allen, Dan Barrett, Dave McKenna y Michael Moore. Su primera aventura en el cabaret tuvo lugar el año 2000 cuando protagonizó el musical Doris and Me, homenaje a la carrera de la cantante de Doris Day.
Con el sello LaBrava publicó sus 18 álbumes CD, grabados con músicos como el saxofonista Tom Baker y su hermano, el bajista David Seidel.​ Fueron nominados para los premios ARIA Music Awards.​ sus álbumes The Way You Wear Your Hat, The Art of Lounge, vol. 2 y Moon of Manakoora. Este último obtuvo en 2006 el Premio Bell al Mejor Álbum Vocal de Jazz Australiano.
Seidel era considerada toda una institución en su país. Fue profesora de música en la Sydney Girls High School.​ Seidel no tenía una gran voz pero supo usar sus cualidades vocales con gran habilidad y eficacia. De estilo íntimo, Seidel fue una de esas vocalistas simultáneamente narradora y cantante. La forma en que manejó la música resultó ser una combinación de Blossom Dearie y Doris Day, y aproximaciones esporádicas a Julie London, pero de estilo más "jazzista" que el de estas dos últimas. Al igual que Jeri Southern, Shirley Horn y Diana Krall, solía tocar el piano en sus actuaciones. Las numerosas grabaciones que hizo nos muestran una voz exquisita, gentil y ágil que ensalzaba cada canción que interpretaba, fueran sus versiones de canciones clásicas o las canciones pop.
Seidel murió el 7 de agosto de 2017 de cáncer de ovario en Sídney, a la edad de 62 años.​ En septiembre de 2018 salió publicado en Japón un CD póstumo de canciones inéditas titulado You Are There, y producido por David Seidel._(wikipedia)

"Moon Of Manakoora" de Janet Seidel se produjo originalmente para un sello discográfico japonés y se lanzó allí en julio de 2005, donde alcanzó el número 1 en la prestigiosa lista de jazz vocal del Swing Journal de Japón. En noviembre de 2005, La Brava Music lo publicó para el mercado australiano y es un álbum delicioso. Presenta las voces más cálidas de Janet Seidel en un repertorio de jazz de ensueño.
                                                                     
                                                                                  

Janet Seidel - Moon of Manakoora (2005)

Temas: 
01.When Lights Are Low
02. No Moon At All
03. Twilight Time
04. Delicado
05. Breeze
06. Till There Was You
07. The Moon Of Manakoora
08. Don't Be That Way
09. Tres Palabras
10. Deep Purple
11. Linger Awhile
12. Dream A Little Dream Of Me
13. April In Portugal
14. Falling In Love Again
15. Whispering

Musicos:
Janet Seidel (Voz, piano)
Chuck Morgan (Ukelele, guitarra)
David Seidel (Bajo)
Billy Ross (Batería, bongos)
Laurie Bennett (Batería, percusión)

sábado, 11 de febrero de 2023

Yiorgos Fakanas - Maestro

Yiorgos Fakanas. En 1980 participó en la histórica grabación de "Lilipoupolis", de Manos Hadjidakis (compositor de la oscarizada partitura de la famosa película "Nunca en domingo"), y desde entonces ha participado en numerosas grabaciones de otros compositores, que suman más de 700 discos. Formó el grupo ISKRA, que se convertiría en el primer grupo de jazz-fusión del país, y participó en la orquesta EUROJAZZ como único representante griego, realizando giras por toda Europa. Tiene 7 CDs como líder (A New day, Parastasis, Horizon, Amorosa, Stand Art, Echoes y Domino), con la colaboración de muchos músicos griegos y extranjeros, entre ellos Dave Weckl, Mike Stern, Wallace Roney, Lenny White, Brett Garsed, Bob Franceschini y muchos otros. Ha ofrecido numerosos conciertos interpretando su propia música y dirigiendo algunas de las mayores orquestas griegas (Orquesta de la Radiotelevisión, Big Band de la Radio Griega, Orquesta Nacional de Música Griega, así como numerosos conjuntos y orquestas internacionales) en la "Sala de Conciertos de Atenas-Megaron" , el Teatro Lycabettus, Herodion y la "Sala de Conciertos Pallas".
Además de componer e interpretar música para cine y teatro, Yiorgos fundó la "Escuela de Música Artística Y.V. Fakanas", donde es supervisor y Director Artístico del Departamento de Música Contemporánea. Ha enseñado continuamente bajo eléctrico y teoría contemporánea, y más de 600 bajistas han estudiado con él, algunos de los cuales han llegado a convertirse en destacados músicos profesionales. Como autor, tiene en su haber no menos de 17 libros sobre interpretación del bajo eléctrico y teoría musical, que se enseñan en todos los conservatorios griegos y en muchos del extranjero. También fundó ATHIN._(allaboutjazz)

El último trabajo de Yiorgos, Maestro (2011), es un proyecto que lleva años gestándose. Fue contratado para crear la música de la obra "Fantasía y fuga", basada en la vida de Mitroupolos. Con el tiempo compuso diez piezas impresionantes para este proyecto, y reunió un conjunto de primera clase para grabar estas composiciones, incluyendo invitados especiales como Alex Acuña, Bireli LaGrene, Eric Marienthall y Scott Kinsey.
La composición (por no hablar de la interpretación) de Yiorgos es nada menos que de primera categoría, saltando estilos y paisajes musicales a la vez que muestra el talento de este espectacular conjunto de músicos. No puedo enfatizar lo suficiente la destreza compositiva de Yiorgos en este esfuerzo. El poder de la pluma de este músico le sitúa en una clase propia y, lo que es mucho más importante, lleva al oyente a un gran viaje respaldado por la magnífica interpretación de todos los participantes. Una vez más recurro a mi frase de cabecera... se trata de un trabajo del siglo XXI, un salto de género en su máxima expresión en el que la "música", y no la interpretación, es el centro de atención (aunque la interpretación es muy difícil de ignorar). También sería un flaco favor no mencionar la gran voz que Yiorgos ha desarrollado con su hacha... un gran conjunto y momentos de improvisación inspirados._Jake Kot (bassmusicianmagazine)
                                                                       
                                                                                 

Yiorgos Fakanas - Maestro (2011)

Temas:
01. Volonta
02. Electra's Blues
03. Stohasmos
04. Maestro
05. Stohasmos Ii
06. Bird's Fuge
07. Libero
08. Orivasia
09. Lake
10. Gloria

Grupo Yiorgos Fakanas:
Yiorgos Fakanas (Bajos)
Takis Paterelis (Saxos, flauta)
Antonis Andreou (Trombones)
Sam Marlieri (Saxos, clarinete)
Manos Theodosakis (Trompetas)
Dimitris Sevdalis (Piano, teclados)
Alex-Drakos Ktistakis (Batería)
Dimitris Vamvas (Oboe)

Con:
Alex Acuna (Batería, percusión)
Bireli Lagrene (Guitarra)
Eric Marienthal (Saxos)
Scott Kinsey (Teclados)

Todos los temas compuestos, arreglados y producidos por Yiorgos Fakanas

sábado, 4 de febrero de 2023

Samy Thiebault - Awé!

Nacido en Costa de Marfil de padres profesores, Samy Thiébault siguió una carrera clásica en el CNR de Burdeos antes de ingresar al prestigioso Conservatorio Nacional Superior de Música de París en 2004 en la clase de jazz de la que se graduó en 2008.
Paralelamente a sus estudios musicales, obtuvo una maestría en filosofía con honores unánimes de la Sorbona (2001).
"Blues For Nel" fue lanzado en 2004, luego siguió con cierta regularidad "Gaya Scienza" en 2007, "Upanishad Experiences" en 2010. También es la primera producción del sello del que es el iniciador y ahora el director artístico, “Producción Musical Gaya”.
En 2013 apareció "Clear Fire", que le permitió conquistar a un público que creció con los lanzamientos y conciertos en los que encontramos en casa un juego "Coltranien en el mejor sentido del término" (Nouvel Obs). La prensa también es unánime: Revelation JazzMag, Coup de Coeur France Musique, Playlist TSF, Séléction JazzNews, L'Humanité, Télérama... curso que imparte a los alumnos del conservatorio de Choisy Le Roi..._(samythiebault)

Tras una extensa trayectoria musical que ha caminado muchos territorios con pasos jazzísticos, el tenorista y compositor Samy Thiébault nos ofrece con su último álbum AWÉ! una obra fresca y redonda que bien podría entrar dentro del espectro del latin jazz. Asombra de esta música que consigue asociar ambición y humildad, sofisticación y sencillez con un equilibrio armonioso entre una candorosa orquestación y nítidos solos. 
Para alguien cuya carrera musical se ha desarrollado principalmente en Europa, es sorprendente no solo la diversidad de culturas con las que ha permitido nutrir su composición, sino la fina sensibilidad con que lo ha logrado. La discografía del nacido en Costa de Marfil ha transitado del jazz clásico y moderno –con álbumes como su debut Blues for Nel (2004), Clear Fire (2013) y el loquísimo Upanished Experiences (2010)– hacia atrevidas exploraciones de música orquestal, incorporación de ritmos caribeños, coqueteos con raggas de la India –con la trilogía ahora conclusa de Caribbean Stories (2018), Symphonic Tales (2019) y Awé! (2021)–, habiendo pasado hasta por un tributo a la banda británica The Doors –Feast of Friends (2015)–.
Con el aclamado por la crítica internacional AWÉ!, un viaje en barco de vapor de Brasil al caribe, el cartógrafo musical (además graduado en filosofía) Samy Thiébault nos demuestra una enorme capacidad de dirigir una banda (compuesta además por excelentes músicos), con habilidades arreglísticas de veterano y composiciones de madurez elegantísima. Una escucha sin duda imperdible para apreciar tanto activa como pasivamente, sentados o bailando._Pablo Garza (contratiempojazz)
                                                                           
                                                                                 

Samy Thiebault - Awé! (2021)

Temas: 
01. Baila
02. Bailando
03. Awé! 
04. Chant Du Trés Proche
05. The Sooner The Better
06. Lagrimas
07. Blue Carnival
08. Jahan's Song
09. Naranjas Y Lemones
10. Fire
11. Alma Del Sur
12. Wild

Musicos:
Samy Thiébault (saxo tenor)
Brian Lynch (Trompeta)
Manuel Valera (Piano)
Eric Legnini (Fender Rhodes
Yunior Terry (Contrabajo)
José Gola (Bajo eléctrico)
Dafnis Prieto (Batería)
Yaité Ramos Rodríguez (Voz en “Alma Del Sur”)
Mathieu Gautron (Bandoneón)
Clara Abou (Violín)
Anaïs Perrin (Violín)
Benachir Boukhatem (Violín alto)
Sophie Chauvenet (Violonchelo)
Odile Simon (Contrabajo)
Anne-Cécile Cuniot (Flauta)
Hélène Gueuret (Oboe)
Camille Lebrequier (Trompa)
César Poiriern(Clarinete)
Cécile Hardouin (fagot, dirección de orquesta)
Bastien Stil (Tuba, director)

Todas las composiciones son de "Samy Thiébault", execto tema #5 "Dafnis Prieto"

sábado, 28 de enero de 2023

Conjunto Rumbavana Con Orestes Macías (1974)

Orestes Macías. Leyenda del bolero en Cuba. Fue cantante de la Orquesta Hermanos Castro, los conjuntos Casino y Rumbavana, con el cual grabó numerosos boleros y sones en su estilo muy cubano, algunas de sus grabaciones son muy conocidas internacionalmente.
Defendió con su interpretación a más de cuatrocientos números musicales.
Nació en Bejucal, 9 de noviembre de 1934. En 1943 viajó con su familia a La Habana.
Llegó a la Habana y se presentó en un concurso de canto en compañía de un amigo, que promovía Pumarejo, que por aquel entonces era el dueño de la CMQ; a la competencia la denominaron Buscando estrellas, finalmente ganó el premio, interpretando un número mexicano llamado El jinete. Después, en 1950, se incorporó al grupo Vas-Cané junto a músicos que venían de la Sonora Matancera. Allí estuvo un tiempo, hasta que tuvo el privilegio de ingresar a la orquesta de Arcaño y sus maravillas, en esta agrupación compartió con músicos de la talla de Orestes “Cachao” López y Félieina.
A mitad de los cincuenta formó parte de la Orquesta de los Hermanos Castro y terminó alternando este trabajo como cantante del Conjunto Casino.
Dentro de Rumbavana transcurrió la mayor parte de su historia como cantante, allí estuvo a partir de 1958; y al grabar Vanidad con ellos, saltó a la gloria. Los sesenta fueron maravillosos, de un gran romanticismo; y en los setenta tuvo el privilegio de vivir con esta agrupación la que considero como “la época de oro” de las orquestas de música popular en Cuba. Con Rumbavana las experiencias fueron extraordinarias, sobre todo vinculadas a la numerosas giras que realizaron por diferentes países._(ecured)

Orestes Macías falleció en La Habana a la edad de 86 años de edad (25 de marzo de 2020)
                                                                             
                                                                                 


Temas:
01. Vanidad (Armando González M.)
02. Por Pocas Monedas (L. Ulloa, N. Valladares)
03. Marcolina (Luis Martinez Griñan)
04. No Has De Verme Llorar (Frank García)
05. Quiero Una Nenita (Luis Mariano Garcia)
06. Rumba Pa Los Rumberos (René Barreras)
07. Subterfugio (José Dolores Quiñones)
08. Que Nadie Sepa Mi Sufrir (E. Dizeo, A. Cabral)
09. No Quisiera Despertar (René Barreras)
10. El Carapacho (Benigno Echemendía)
11. Eres Todo Para Mi (Luis Demetrio)
12. Ahi Na Ma (Senén Suárez)

Grabado en los Estudios Radio Progreso de la Habana, Cuba (Mayo 1960)

Información cedida por Osvaldo M. 

sábado, 21 de enero de 2023

Tino Contreras - La Noche De Los Dioses

Fortino Contreras González (Chihuahua, 3 de abril de 1924-Ciudad de México, 9 de septiembre de 2021) más conocido como Tino Contreras, fue un músico mexicano. Fue precursor del movimiento del jazz en México en los años 50, compositor de música popular, jazz y blues, pianista, trompetista, vocalista y un destacado baterista, siendo este instrumento con el que se dio a conocer internacionalmente, quedando como testimonio sus discos grabados en Estados Unidos, Francia, España, Alemania, Inglaterra, Argentina y México a lo largo de su extensa carrera musical.

Proviene de familia de músicos, su abuelo paterno Antonio Contreras dominaba violín, piano y tocaba los timbales en la Sinfónica de Durango, su ciudad natal. Su tío Fortino, músico sinfónico, dominaba violín, piano, guitarra y fue compositor de obras sinfónicas. Su padre Miguel tocaba violín y batería quien junto con su hermano emigró a Chihuahua y formó la primera Orquesta de Jazz “OK Jazz Band” en esa ciudad de donde era oriunda su madre Leandra quien cantaba zarzuelas. A sí mismo sú hermano "Tin" Contreras Gónzalez se destacó como músico y compositor original desde la ciudad de Chihuahua realizando y presentando proyectos personales de gran calidad compartiendo el legado de la familia Contreras.
Murió el 9 de septiembre de 2021 de un infarto a la edad de 97 años en Ciudad de México._(wikipedia)

Brownswood Recordings se enorgullece de presentar el nuevo álbum de Tino Contreras, La Noche de los Dioses, del músico de jazz más establecido y prolífico de México. Aquí, Tino Contreras presenta un regalo sonoro; un caleidoscopio de evolución y cambiante rumiación espiritual sobre la vida y la humanidad. Su nuevo trabajo presenta siete nuevas grabaciones, temas de jazz contemporáneo que oscilan con ritmos de 3/4 - escritos y grabados en Ciudad de México, 2020.
El amor, la belleza y los desafíos que se encuentran en la conexión humana se vuelven del revés a través del paisaje musical oscilante de Contreras; el baterista y leyenda del jazz ha fundido su vida de tocar la batería y componer música en un (¡otro!) experimento vanguardista; un reflejo celestial del universo que llamamos hogar.

Un segundo desdoblamiento en la relación entre Gilles Peterson, Tino Contreras y el músico y coleccionista de discos Carlos Icaza, el LP fue tallado por Contreras este año, tras la reedición de Música Infinita en Arc Records. Peterson adquirió por primera vez una copia de Música Infinita de Tino Contreras en Japón y en un momento serendípico conoció a Contreras en 2019 en la Ciudad de México, encendiendo la chispa que llevó a la reedición y ahora a un nuevo álbum en ambos sellos de Peterson. Contreras está acompañado por una gran cantidad de músicos, incluido su hijo, Valentino Contreras, en el bajo e Icaza en arpas armónicas y percusión prehispánica.
En palabras de Peterson, "¡Este disco es increíble! Representa toda su carrera en uno. Captura los clubes nocturnos de México, el blues, la decadencia... es un descarado sonido cósmico subterráneo...".
Nos adentramos en el disco con el tema que da título al disco, La Noche de los Dioses, que se inspira en las dos identidades de la diosa Coatlicue (que representa tanto la vida como la muerte) y el dios Huitzilopochtli, que simboliza la guerra y el sol en la cultura azteca. Compuesto originalmente en los años 70, el tema trasciende a través del seductor saxo soprano y las abundantes teclas. A continuación, Máscaras Blues nos adentra en la búsqueda de estos personajes, la diosa Coatlicue y el dios Huitzilopochtli, que representan los rituales enmascarados entre dioses en largas ceremonias. La expansión de los ritmos en este tema es hipnótica, con exuberantes olas del solo de piano que te hacen girar y girar hasta que finalmente se desvanecen, suavemente.
El tercer tema, Naboró, ofrece una visión de la mente interior del baterista, presentando a la Diosa Naboró, que Contreras imaginó para representar tanto la rebelión como la fuerza femenina. Se une al siguiente tema, Malinche, una pieza musical que desentraña la identidad del traductor y conector entre el conquistador español Hernán Cortés y el emperador azteca Moctezuma II en una exploración sanguínea de la inteligencia, el valor y la integridad humanas.

El quinto tema, El Sacrificio, hace un guiño a la vida de Contreras en la carretera, tejiendo a través de sus viajes por todo el mundo de los últimos 50 años, aterrizando en Turquía con una sección rítmica alimentada por el ritual, culminando en un torbellino de personajes y actividad. La opulencia se vuelve meridiana con el siguiente tema, Al Amanecer, una carta de amor decidida pero tranquila al amanecer cotidiano. Trata de "la oportunidad de renacer en un mundo nuevo", dice Tino Contreras. Esta búsqueda optimista sustenta el álbum en su totalidad, poniendo de relieve la energía inquieta e inquebrantable de Contreras para hacer avanzar el mundo. Niña Yahel, otra identidad surgida de la imaginación de Contreras y amiga de su hijo Valentinos, representa la esperanza en el futuro. Esta pieza final ofrece tanto la indudable convicción de rendir homenaje a la variada discografía de Contreras como la de rejuvenecer a la siguiente generación con paciencia y fuerza para seguir adelante, apuntar más alto.._(bandcamp)
                                                                                    
                                                                                  

Tino Contreras - La Noche De Los Dioses (2020)

Temas: 
01. La Noche De Los Dioses
02. Máscaras Blues
03. Naboró
04. Malinche
05. El Sacrificio
06. Al Amanecer
07. Niña Yahel

Musicos:
Tino Contreras (Batería)
Valentino Contreras (Bajo eléctrico)
Jaime Reyes (Piano, órgano)
Emmanuel Laboriel (Guitarra eléctrica)
Luis Calatayud (Sax soprano, saxo tenor, flauta, caracola, ocarina)
Eduardo Flores (Bongos)
Carlos Icaza (Arpas armónicas y percusión prehispánica)
Marco Gallegos (Guitarra acustica)

Grabado en directo en los estudios La Nueva Fresa Ciudad de México, febrero de 2020
Mezclas y producción (Carlos Icaza)
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
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De donde viene el nombre de L'Ostia???

A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados.
Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta.
Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio.
Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.

No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.

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