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lunes, 16 de diciembre de 2013

Omar Sosa - Eggun



Un homenaje a la leyenda de la trompeta de Miles Davis Kind Of Blue (Columbia, 1959 ) , sin una sola canción del disco? La respuesta: un rotundo " ¡Sí!" En 2009, el genial pianista Omar Sosa recibió un encargo del Festival de Jazz de Barcelona para " componer y producir un espectáculo homenaje a la grabación clásica de Miles Davis , Kind Of Blue , con motivo de su 50 aniversario. " La palabra clave no es " tributo" ; no " facsímil " o " reescribir ". Incluso si hubieran pedido a Sosa por una cosa así, que habría sido poco probable que obtener de un jugador tan originales. Su Davis- como la reputación como artista intransigente que hace su propia cosa , independientemente de las tendencias , él la elección perfecta para un proyecto de tal hecho y él Acorde - y no sigue- decepción . Tomó algunos años por la música para ser grabada y hacer que el mercado, pero es aquí ahora y es impresionante.

Juana Cararach, el director el Festival de Jazz de Barcelona, hace la nota del hecho que esta música " proviene de las células melódicas de Clase de los soloes de Blue, " y nota que los breves interludios unen al pianista Bill el trabajo de Evans, pero esto puede o no poder ser tan importante. Algo así obviamente nacido " de Bosquejos de Flamenco " podría ser descubierto en la música de Sosa - o el " Tan Lo que ", " Todo el Blues ", y las referencias "de Freddie Freeloader" " de Tan Todo Freddie " - o quizás ellos no van, a que es maravilloso sobre esta grabación es que esto es abierto la interpretación por el individuo y esto captura el espíritu, si no la esencia musical, de Davis.

Mientras Sosa bate el récord en pistas quince , se toca mejor como una sola obra de formato largo . Sus habilidades como arquitecto sónico brillan a través de aquí . En sus grabaciones anteriores, la Calma en solitario ( Ota, 2011 ) y el dúo Alma ( Ota, 2012 ) , Sosa fue el punto focal, pero en este disco, su papel es diferente. Él todavía actúa como un prestidigitador pianístico de los espíritus, pero su trabajo gran imagen como titiritero y construccionista es de mayor importancia en el gran esquema de las cosas.

Cuando se trabaja con un conjunto de pan- global de las once , es importante tener en cuenta la hoja de ruta y Sosa hace más que eso , él escribe. Algunas cosas siguen siendo bastante constante y presente, al igual que 'bass burbujeante y Joo Kraus ' Childo Tomas de corte a la del corazón, la trompeta de Davis- esque, pero otras partes van y vienen. La percusión es un elemento importante y casi constante en el juego, como en todas las obras mayores de Sosa , pero con tres percusionistas y un baterista mezclando las cosas , nunca suena igual de momento a momento o la pista para seguir . Leandro Saint- Hill y anticuario madera Peter Apfelbaum ambos se merecen un gran elogio , demostrando ambos ser valiosos elementos de diseño , ya que cubren todo, desde la flauta al saxofón bajo entre ellos.


Eggun , como la mayoría de los registros de Sosa , es más una experiencia que un álbum , así que siéntese , enciende algunas velas , como el propio Sosa probablemente hacer, y dejar que la música te lleve away._Dan Bilawsky

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Omar Sosa - Eggun (2013)

Temas:
01.Alejet
02.El Alba
03.Interludio I
04.Alternativo Sketches
05.Interludio II 
06.Madre Mia (trad.)
07.Interludio III 
08.So All Freddie 
09.Interludio IV 
10.Rumba Connection
11.Interludio V 
12.Angustiado
13.Angustiado Reprise
14.Interludio
15.Calling Eggún

Musicos:
Omar Sosa: piano, Fender Rhodes, electronics, samples, vocals
Marque Gilmore: electronic percussions, EFX programming
Childo Tomas: electric bass, kalimba, vocals
Joo Kraus: trumpet, flugelhorn, electronic EFX
Leandro Saint-Hill: alto sax, clarinet and flute
Peter Apfelbaum: saxes, Melodica, caxixi
Lionel Loueke: electro acoustic guitar and vocals on tracks 4, 8, 10, 12, 13
Marvin Sewell: guitars on tracks 1, 3-7, 9, 15
Gustavo Ovalles: Afro-Venezuelan percussions (Quitiplas, Culo'e Puya, Maracas) on tracks 1, 3-7, 9, 11
Pedro Martínez: Afro-Cuban percussions on tracks 6, 8, 15
John Santos: clave, Chekere, Waterphone, panderetas, tambora, Güiro and Quijada on tracks 2, 12, 13, 15
Lázaro Montalvo: Yoruba prayer on track 15

domingo, 15 de diciembre de 2013

Orquestra Mirasol - D'Oca A Oca I Tira Que Et Toca




Tras el innovador y, por qué no decirlo, espectacular manifiesto que había sido su disco de debut, Salsa catalana, la Orquestra Mirasol acometía un segundo y ambicioso LP-doble para más datos- ampliando el número de participantes y colaboradores, y adoptando una dinámica que se ve reflejada perfectamente en el título: el “juego de la oca”, simple y fulminante, ideal para niños. No obstante, hay que decir que este segundo disco será bueno en la medida en que su predecesor lo es más (más rotundo, más claro, más concentrado).

Lo primero que hay que mencionar es que el que había sido el think tank de la formación, Batllés y Ammann, se ampliaría con la incorporación del saxofonista y teclista canadiense Dave Pybus, que además aporta casi una tercera parte del peso creativo de la orquesta: composiciones, arreglos y una determinada manera de hacer. Y respecto a esto, hay que hacer unas primeras acotaciones. La incorporación de Pybus trae sin duda colorido y frescura, y un sentido muy americano de producir rítmicas; pero al mismo tiempo trae también un deje simplón y una cierta comercialidad. Rompe, o más bien, descompresiona el centro originario ideal de la primera Mirasol, que no era otro que el de lograr una auténtica música de fusión plegada sobre lo mediterráneo y lo latino (pero una latinidad más de mare nostrum que caribeña, y si lo era de ésta última, que lo fuera de ida y vuelta). Dicho de otro modo: este disco enriquece al anterior pero también lo diluye. Hay en él algo de culminación, pero también de conclusión final (o desmantelamiento). De hecho, tras este disco la Orquestra Mirasol se escindiría en dos formaciones, La rondalla de la costa, dirigida por Batllés, y Mirasol-Colores, encabezada por Pybus, mientras que Ammann pasaría a unirse a Blay Tritono. Pero estamos hablando únicamente en términos de lo que me parece era la idea-fuerza de la primera Mirasol ya que, por otra parte, el disco es excelente (o casi). Así que veamos el vaso medio lleno ahora.

De entrada: ningún otro grupo de la cuerda layetana obtuvo un sonido como el de la Mirasol: tan imaginativo, popular, contagioso y caliente, todo en uno. Blay Tritono estuvieron cerca, cuando menos, de lograr un sonido igualmente personal, pero dejaron poca obra grabada. Y en cuanto a Música Urbana, todo y ser extraordinarios, con frecuencia se les iba la mano en la cocina, resultando sus platos indigestos y pesados. El talento de Batllés sigue brillando en D’oca a oca... por encima de todo en varios aspectos: composiciones sensacionales (la contundente Beba Colo-Cao, con su triálogo entre los saxofonistas Ricard Roda, St. Maur Stocker y Pybus; la soleada y sensual Fino en onda, con otra de sus preciosas melodías para clarinete; la madurez y sabiduría de Estats, tapadores i plumeros; o la originalísima y maravillosa Not muermos, en la que ya se apuntan cosas de proyectos posteriores suyos, como el de La rondalla); y también en su manera de tocar el bajo: auténtico pal de paller –que se dice en catalán– de la banda, con un sonido tan melódico y comprimido, insólito, todo lo contrario a cómo sonaban los bajos eléctricos en las bandas de fusión de entonces. Aunque con menos temas escritos, también destacan No vull ésser músic o la breve Obriu les finestres, composiciones ambas de Ammann que recuerdan al primer disco Y respecto a las canciones de Pybus, no obstante lo dicho más arriba me encanta Jarrett por su clara voluntad de hacer una pieza hermosa. Y no podemos olvidarnos de Son las cossas dil momento, una jugosa jam firmada por toda la orquesta más Toti Soler, invitado especial en el tema, que realiza uno de sus típicos y estupendos solos de guitarra eléctrica con wah-wah.

Para ir acabando, decir que la peculiar experiencia creativa de la Orquestra Mirasol no se entiende del todo sin tener en cuenta lo que fue su experiencia personal: un grupo de músicos viviendo juntos en una especie de comuna musical en Mirasol, en las estribaciones de la barcelonesa sierra de Collserola; en un contexto idóneo para todo tipo de experimentaciones y para el ejercicio de la libertad en un momento único de nuestra historia reciente, como fue el final de la ominosa dictadura de Franco. Y, finalmente, dos cosas que quiero señalar. La primera, que todo y haber sido los fundadores de la ona laietana, escuchada ahora la Orquestra Mirasol es la formación que menos layetana suena de todas aquellas, o al menos según lo que marca el tópico (algo a tomar nota). Y la segunda, esa versión de la emblemática To de re per a mandolina i clarinet (tema de Batllés que abría Salsa catalana) arreglada e interpretada para guitarra acústica por Rafael Zaragoza ‘Zarita’: una delicia. Ahora sólo queda preguntarse, ¿qué fue de Xavier Batllés y por qué durante tantos años hemos estado privados de su talento?._Germán Lázaro

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Orquestra Mirasol - D'Oca A Oca I Tira Que Et Toca (1975)

Temas:
01.Obriu Les Finestres
02.Beba Colo-Cao
03.Jarret
04.To De Re Per Mandolina i Clariné
05.The Night Of Living Semis
06.No Vull Ser Músic, Perquè Tinc Malalts El Cap i Cor
07.Company De La S.E.A.T.
08.Not Muermos
09.Fino En Onda. Reserva
10.Si Hay Viento, Dejamos De Remar
11.Freed's Funk
12.Son Las Cosas Dil Momento
13.Vacilando En Cualquier Onda
14.Estats, Tapadores, Plumeros. Final No Sé Què Dir-te 

Musicos:
Dave Pybus (sa, ss, cl, p-elect…)
Víctor Ammann (p, org, sint)
Xavier Batllés (b, b eléct, g…)
Gustavo ‘Krupa’ Quinteros (bat, perc, órg)
Santa Salas (perc)
Ricard Roda, Paul St. Maur Stocker (saxos)
TT Matutano (fl)
Toti Soler, Rafael Zaragoza ‘Zarita’ (g)
Xavier Riba (vla)
Albert Armengol (vib)
Pedrito Diaz (perc)

sábado, 14 de diciembre de 2013

Pedro Guzmán – Feliz NaviJazz


“Feliz Navijazz”, un sublime nuevo disco del virtuoso cuatrista Pedro Guzmán es una nueva mirada a temas tradicionales y amados por los puertorriqueños como “Alegre vengo”, “Llegó la Navidad”, “Cucubano” y “Caminan las nubes”, entre otros.
Los aborda con la determinación de un explorador y el resultado es una música limpia, de matices variados, melodías bien trazadas por el pincel de un maestro de las variaciones jazzísticas. Un verdadero deleite para el oído.
Hijo adoptivo de Caguas, Guzmán estudió en la Escuela Manuela Toro Morice y en la Libre de Música Antonio Paoli. Se considera un espíritu libre a quien su padre le inculcó el hábito de la lectura, práctica que le ha servido de escalón para crecer espiritualmente.
Ese espíritu libertario se traduce en su música que abre nuevas perspectivas, por ejemplo, a un tema tan asociado a la montaña como “Alegre vengo”, en el cual el sonido del tiple doliente se escucha claro y hermoso, como debe ser, sobre un sorpresivo ritmo de bomba que siempre asociamos con las costas. ¡Qué hermoso!

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Pedro Guzmán – Feliz NaviJazz (2012)

Temas:
01.Llego la Navidad
02.Caminan las Nubes
03.Cucubano
04.La Muralla
05.Christmas Song
06.Canto a Boriquen
07.Mi Cuatrito
08.La Llave de Mi Corazon
09.Alegre Vengo

viernes, 13 de diciembre de 2013

Sabu Martinez – Maldito Primitivo



Louis " Sabu " Martínez fue uno de los músicos de conga más prolíficos en la historia de la música afro- cubana. Además de sus propios álbumes , Martínez grabó con músicos tan influyentes como jazz Dizzy Gillespie, Horace Silver , Buddy DeFranco , JJ Johnson , Louis Bellson, Art Farmer y Art Blakey , y vocalistas de jazz como Tony Bennett y Sammy Davis , Jr. El emigrar a Suecia en 1967, se siguieron aplicando sus ritmos muy melódicos a una larga lista de grabaciones de primera categoría artistas suecos .

Nacido en Nueva York Harlem español , Martínez pasó su infancia superando ritmos en latas en la calle 111 . A la edad de 11 , él se realizaba cada tres noches en la calle 125 por 25 centavos de dólar por noche . Todavía estaba en su adolescencia cuando comenzó a tocar con bandas latinas , incluyendo los dirigidos por Marcelino Guerra y Catalino Rolón . En 1944 , pasó un período extenso viviendo en Puerto Rico.

Orgy in Rhythm , vol. 1 Después de servir un año en el ejército, a la edad de 17 años, Martínez retomó su carrera musical como miembro del trío de la originadora mambo Joe Loco. A los pocos meses , su forma de tocar atrajo la atención de los músicos de jazz . En 1946 , comenzó una larga asociación con el baterista Art Blakey . Martínez y Blakey continuaron trabajando juntos periódicamente hasta 1959. Además de dirigir la sección de ritmo en innovador álbum Orgía de Blakey in Rhythm , en 1954 , apareció en los álbumes de Jazz Messengers Cu- Bop y Mensajes en 1957.
Martínez siguió siendo un músico de sesión mucho - en - demanda. Además de reproducir música tradicional latina con los Lecuono Cuban Boys , colaboró ??con Charlie Parker y Max Roach durante una temporada de 13 semanas en el club de Nueva York el Three Deuces . En abril de 1949, se lleva a cabo con el clarinetista Benny Goodman columpio .

Mareado y mareado El punto culminante de la carrera de Martínez llegó en 1948 cuando se unió a la banda de Dizzy Gillespie, tras el asesinato del conguero Chano Pozo influyente . Durante los nueve meses que él se realizó con el grupo , jugó en cinco álbumes: Dizzy , , 16 raras actuaciones más mareado y mareado , cuando Be- Bop se reunió con el Big Band , y Diz . A cambio, Gillespie apodado Martínez " Sabu " , cuando notó un gran parecido a la popular actor indio Sabu , el " Elephant Boy ".
Palo Congo A pesar de su fama , Martínez tuvo problemas con la adicción a la heroína. A mediados de los años 50 , dejó brevemente la música para realizar un striptease en Baltimore. A pesar de que superó su adicción en 1956 , tomó varios años para que se convierta en " psicológicamente libre " de las garras de la droga. La formación de su propio quinteto , Martínez grabó tres discos memorables : la obra maestra afrocubana Palo Congo en 1957 , y dos, Safari y Hechicería , en 1958 , que han sido descritos como " los registros exotica más salvajes nunca. "
De Sabu Jazz Espagnole En 1960 , Martínez colaboró ??con Louie Ramírez para registrar la historia de decisiones álbum de jazz latino Jazz Espagnole . Cuatro años más tarde , se trasladó temporalmente a Puerto Rico , donde actuó con varias bandas , incluyendo la Orquesta Johnny Conquet y conoció a su futura esposa, Agneta . En 1967 , se casaron y se mudaron a la tierra natal de Agneta en Suecia. Martínez permaneció allí durante el resto de su vida.
Poco después de mudarse a Suecia , Martínez dio un concierto con la Lill Lindfor Musical Revue . Esto comenzó una larga relación con músicos suecos . Además de compartir su conocimiento de la música y la conga como profesor, él realizó y grabó con artistas como Cornelius Vreeswick , Merit Hemmingson , Radiojazzgruppen , Björbobandet , el Eero Koisvistoinen Music Society , la combinación Peter Herbolzheimer Rhythm and Brass , Gugge Hedrenius ' big Band , e Iván Oscarsson . Mientras que en Suecia, que en ocasiones ha colaborado con músicos americanos , incluyendo a Kenny Clarke, Art Farmer , y George Russell. En 1973 , formó su propia banda , Nueva Burnt Azúcar, y publicó un libro de ejercicios de conga . Sus sesiones de grabación final se produjo mientras trabajaba en Debbie Cameron y el álbum Brief Encounter de Richard Boone en 1978. Martínez murió el 13 de enero de 1979, de un gástrica ulcer._Craig Harris



Sabu Martinez – Maldito Primitivo (2009)

Temas:
01.Maldito Primitivo
02.Organo Oriental
03.Hot Salsa
04.Blues en Latin
05.Guajira Plaza Dolon Puerto Rico
06.Introduction for the program Tonkraft

miércoles, 11 de diciembre de 2013

The Fuck King Orchestra- Sin Rumba Fijo




The Fuck King Orchestra. Nace de la mano de LUIS CHACÓN (Guitarrista) de su necesidad ferviente de llenar un vacío que demandaban las nuevas generaciones, dónde debía romper con las antiguas y desgastadas ideas de que solo aquel que escuchaba un género musical debía ser fiel al mismo, sin darse la oportunidad de sumergirse en otro género musical, dónde el SALSERO solo escuchaba MÚSICA LATINA, el ROCKERO solo escuchaba Rock, el JAZZISTA solo escuchaba JAZZ, Luis Chacón decide así seguir los pasos de otras bandas que ya habían incursionado en la fusión del ROCK con la SALSA.

Bandas cómo “LABERINTO” de Venezuela, “PULLA” de Puerto Rico, “SARGENTO GARCIA” de Francia, España, Cuba, “KLASS BROTHER” de Holanda y Cuba, “SONTIZON” de Venezuela, “BACALAO  MEN”  de  Venezuela,  “TEAM  MALIN”  de  Venezuela,  “CARLOS  SANTANA”  de México, entre muchas otras bandas, son escuchadas y estudiadas a detalle,  analizando cada uno de los estilos para así poder ofrecer lo que estas bandas estaban descuidando, allí se llego a la conclusión de que habían elementos del “MERENGUE”, “TANGO”, “GUAJIRA”, “BOMBA”, “PLENA”, “CALIPSO”, “REGIONAL MEXICANA”, “GAITA   VENEZOLANA”, “CUMBIA”, entre muchos otros más, que no estaban siendo explotados en las bandas ya establecidas de METAL LATINO.

Desde ese momento fluye de manera muy definida crear una banda de METAL LATINO con los elementos que ya lograban muy bien las bandas líderes de este género, y además incorporar los elementos que no se les estaba dando relevancia dentro del Metal Latino.

La idea primordial era tener una banda de METAL PESADO con el plus de una ORQUESTA DE SALSA, era como unir a “PANTERA con OSCAR D´ LEÓN”, a “DREAM THEATER con MARC ANTHONY”.

El concepto primordial es que estarían siempre presentes estos dos géneros musicales ROCK/SALSA y se les agregaría elementos de otros estilos musicales faltantes en las bandas fuertes de METAL LATINO.

En diciembre del 2010 Luis Chacón se reúne con Ignacio Gómez Ceja (percusionista), quien estaba  terminando  sus  estudios  musicales  y  qué  ya  habían  trabajado  juntos  años  atrás, deciden unir conocimientos en un solo proyecto, Ignacio Ceja aporta sus conocimientos de Música Clásica, Música Latina desde Son hasta jazz Latino, Rock y Regional Mexicana, Luis Chacón aportaría sus conocimientos de Rock desde Hard Rock al Progresivo, Reggae, Latina y JAZZ, es cuando se consolida el concepto de la orquesta.

Comienzan a componer en ENERO de  2011 y deciden llevar los clásicos del Rock hacia la SALSA
y los Clásicos de la SALSA hacia el Rock.

Corren aproximadamente 4 meses cuando terminar de plasmar  las ideas para este arriesgado proyecto, comienzan a reclutar músicos y es en Junio del 2011 cuando se les une en el BAJO Mario Miranda, músico académico con entendimiento del JAZZ, Rock y Música clásica. 

Pasaron  por  las  filas  varios  bateristas  y  al  ver  la  dificultad  de  encontrar  a  alguien  que entendiera y creyera en el proyecto Ignacio decide pasarse de las percusiones a la Batería, ya estaba conformada la base rítmica, Ignacio en la Batería, Mario en el Bajo Y Luis en la guitarra.

La tarea más ardua era encontrar un cantante que pudiera dominar esta variedad de estilos y géneros, además de un percusionista que se abriera a otras posibilidades muy alejadas de la música latina.

Comienza la Grabación  en Agosto del 2012, Ignacio graba la Batería y las percusiones, ya qué aún no había llegado el percusionista ideal para esta tan alocada empresa.

Se graba toda la base Rítmica, se graban metales y en julio del 2013 que aparece Uzziel Ismael Burgos, un ser alocado, irreverente, efusivo, apasionado y de mente muy abierta para las percusiones, el cual domina muy bien y con inigualable destreza monta todas las canciones en un tiempo muy corto.

Agosto del 2013 llega GERARDO BALANDRANO a la voz, con personalidad espontanea, desinhibida y además el dominio de varios géneros musicales como la música latina, el reggae y el rock.

Ya estaba lista la banda, la base rítmica….

A nacido “the fuck King Orchestra”, nombre el cuál identifica a sus integrantes, ya que es colocado como muestra de represalia contra todos aquellos que no creyeron, que apostaron al fracaso y la desidia, que solo reían al ver la complejidad del producto, el dedo medio como estandarte de batalla, expuesto en primer plano para recordarles que los limites están en sus mentes y no en las nuestras, que daremos un viaje y recorrido por cualquier estilo o género musical sin dudar, por difícil que parezca, que estamos abierto al cambio y al aprendizaje, sin importar los tropiezos, golpes y moretones tomados en el camino.

“the fuck King Orchestra”, es una banda sarcástica, irreverente e irónica, pasando de lo más burdo a lo más sofisticado o de los más fino y exquisito a lo más ordinario y poco estilizado.

La primer Producción Musical es titulada “Sin Rumba Fijo”, titulo que hace alegoría a que musicalmente la orquesta no tiene un rumbo obligatorio o que la Rumba no es el destino final de  la  orquesta, concluyendo con esto, que  la  banda  no se  podrá  encasillar  bajo ninguna etiqueta o concepto preconcebido..!!! Simplemente somos “the fuck King Orchestra”.

"THE FUCK KING ORCHESTRA" es una banda de músico latinos inspirada en el "SARCASMO" y la "IRREVERENCIA MUSICAL" con el principal objetivo de divertir y entretener con la satírica representación de sus temas de una manera poco convencional, llevando al público por una travesía sin medida, pasando por el Bolero, Guaguancó, Bomba, Plena, Reggae, Salsa, Cha Cha, Rock, Hard Rock, Heavy metal, Speed Metal, Power metal, Progresivo y Jazz.
 THE FUCK KING ORCHESTRA es una banda de Rock con el plus de una orquesta de Salsa en un solo escenario dando cabida a una versatilidad interminable, todo el sabor latino fundido a la fuerza del rock.

Contacto de Prensa 

Fan Page


The Fuck King Orchestra- Sin Rumba Fijo (2013)

Temas:
01. The FKO opening 
02. Oye como va 
03. Enter sandman 
04. Llorarás 
05. .Stairway to heaven 
06. Twisted light music 
07. Latino soy 
08. Rebelión (Fear of the dark) 
09. Bohemian rhapsody

Musicos:
Fuck King Vocals: Gerardo Balandrano
Fuck King Guitar: Luis Chacón
Fuck King Bass: Mario Miranda
Fuck KIng Percussion: Uzzo conga
Fuck King Drums: Nacho Gómez 
Fuck King Trumpet: Alfredo Pino
Fuck King Trombone: Oscar Pineda
Fuck King Alto saxophone: Yancis Ventura
Fuck King Baritone saxophone: Juan Manuel Navarro

lunes, 9 de diciembre de 2013

Carlos Torijano - Aprendí a caminar


Carlos TorijanoPianista y pedagogo especializado en piano flamenco, comenzó estudiando piano en el Conservatorio del Liceu, donde completó el Grado Medio de piano clásico. Posteriormente, descubre el mundo del Jazz y la música moderna en el Taller de Músics, donde estudiará durante unos años. Se introduce en el mundo del flamenco de la mano de maestros como Joaquín Herrera, con quien estudia en su prestigiosa escuela de flamenco, o de Jumitus, que lo introduce también en el mundo del latin y de la salsa.

Actualmente, dirige el Área de Flamenco del Taller de Músics, donde imparte clases de piano flamenco y latin, dirige los combos flamencos e imparte la asignatura de Fundamentos rítmicos del flamenco en la ESEM Taller de Músics. Profesor del Postgrado de Creación y Educación Musical de la Universitat de Barcelona, compagina su labor como docente con el liderazgo del quinteto de flamenco-jazz Torijano, con el que publicó en 2012 su último trabajo Aprendí a caminar.


Es autor de varias colecciones de material pedagógico sobre el piano flamenco: Iniciación al piano flamenco, Vol. I y II (Ed. Carisch) así como la colección en dos DVDs de Piano flamenco (Ed. RGB).


El pianista y compositor Carlos Torijano nos presenta una visión renovada de su último disco "Aprendí a caminar" (Taller de Músics, 2012). Fiel a su manera de entender la música y con un espíritu renovador, Carlos Torijano ha querido rodearse de un trío de cuerda de lujo: los aupaQUARTET trio, para los cuales ha arreglado las composiciones que conforman el directo y que nos sumergen en una atmósfera inspirada en el mundo clásico y que evoluciona a través de la historia de la música, pasando por el Danzón de la Cuba de finales del s. XIX, haciendo una parada en la Nueva York de los años 20 para empaparse del jazz de la época y volviendo a la España de la segunda mitad del s. XX para beber del flamenco fusión. En definitiva, una obra fruto del eclecticismo que el seu autor cristaliza con sencillez y honestidad.




Carlos Torijano - Aprendí a caminar (2012)

Temas:
01. Retorno a Alejandría 
02. Viajeros sin billete 
03. Son de Chopin 
04. Fin de la partida 
05. Rhapsody in Blue 
06. Arabesque Suite 1r movimiento 
07. Arabesque Suite 2º movimiento 
08. Luces y sombras 
09. Arabesque Suite 3r movimiento

Musicos:
Carlos Torijano (Piano, dirección musical, composición y arreglos)
Dick Them (Contrabajo)
Javier Vaquero (Guitarra española)
Paco Escudero (Bateria)
Alba Carmona (Voz)
Ginesa Ortega (Voz)
Juan de Diego (Trompeta)
Angelo Manhenzane (Percusiones)
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
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De donde viene el nombre de L'Ostia???

A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados.
Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta.
Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio.
Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.

No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.

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