Candido Featuring Al Cohn ‎– Candido

Cándido de Guerra Camero, más conocido por su nombre artístico Cándido Camero (22 de abril de 1921, La Habana, Cuba), es un percusionista de música cubana y jazz afrocubano. Camero comienza a la edad de 4 años a tocar los bongos; posteriormente su padre le enseña a tocar el tres cubano, instrumento que luego le servirá para acompañar a grandes como Ramón «Mongo» Santamaría y Luciano «Chano» Pozo. Debuta profesionalmente a la edad de 14 años y, en una forma muy curiosa, él recuerda cómo su padre le olía las manos para saber si había estado fumando o bebiendo. «No fumo y no bebo porque yo siento que tengo talento y todo lo que tengo que hacer es mostrarlo», declara.[cita requerida] Empieza a tocar las congas en 1940 con bandas de jazz en La Habana, logrando obtener muchos éxitos y reconocimientos. Cándido se muda a los Estados Unidos en 1946, acompañando a un grupo de baile cubano en una gira; el grupo, formado por los bailarines profesionales Carmen y Rolando, tenía una gira por los Estados Unidos, pero no tenía el dinero suficiente para llevar al bongocero y conguero que necesitaban, y es así como Cándido decide tocar ambos instrumentos simultáneamente. El éxito no se hizo esperar, pues para el público eso es algo nuevo, raro y además es la primera vez que un músico toca conga y bongos simultáneamente. Cándido pronto comienza a tocar con el pianista Billy Taylor. A principios de los 50, trabaja con Dizzy Gillespie y es solista de la big band de Stan Kenton, con la que recorre el país tocando tres congas, en un momento en que otros tocaban sólo una, además del güiro. En efecto, durante este período, Cándido logra adaptar una segunda conga a su set, constituyéndose de esa forma en el primer percusionista en usar más de una conga; la aparición de una tercera conga se remonta al año 1950, cuando Cándido siente la necesidad de tocar melodías enteras con sus congas. 
Crea un estilo único al voltear sus congas para obtener notas específicas. Cándido Camero ha compartido escenario con grandes como Machito, Billy Taylor, Count Basie, Duke Ellington, Lionel Hampton, Charlie Parker, Dizzy Gillespie, George Shearing, Stan Kenton, Fania All Stars, Quincy Jones, Charlie Mingus, Ray Charles, Tony Bennett, Tito Puente, Chico O'Farrill, Sonny Rollins, Coleman Hawkins, Celia Cruz, Patato Valdés, Mongo Santamaría y muchísimos másAhora con 96 años y casi 70 de carrera artística, Cándido Camero es el protagonista de un documental sobre su vida y la historia del jazz afrocubano alrededor de él. ~ (wikipedia)

Este álbum, publicado por primera vez por ABC-Paramount, marcó el debut discográfico del percusionista cubano Candido Camero como líder, y aunque obviamente tiene un papel destacado, estas sesiones de 1956 representan mucho más que un vehículo para su conga y bongo. La banda incluye al siempre inspirado saxofonista tenor Al Cohn, el pianista Dick Katz, el bajista Whitey Mitchell, el guitarrista Joe Puma y el baterista Ted Sommer. Las selecciones incluyen gemas de la era del swing, melodías de espectáculos y originales, todos los cuales oscilan como locos. El grupo está en su mejor momento en la conducción "Stompin 'at the Savoy", debido a sus solos inspirados y las compensaciones entre Cohn y el líder (en bongos). Puma contribuyó con el sencillo "Candi Bar", mientras que la "Cámara de Cándido" de Sommer es un vehículo ágil que muestra a Candido y Al Cohn. Uno puede fácilmente imaginarse disfrutando de la viva interpretación de "Perdido" en un club nocturno cubano. El ritmo de marcha del líder que presenta "Poinciana" sugiere el Bolero de Ravel antes de relajar su cadencia en un entorno más oscilante. Un repaso a través de "Cheek to Cheek" proporciona un final satisfactorio para un CD muy agradable. Finalmente reeditado en el verano de 2004, esta edición limitada remasterizada de Verve debería considerarse esencial para los fanáticos del jazz latino ~ Ken Dryden (allmusic)

Candido Featuring Al Cohn ‎- Candido (2004)

Temas:
01. Mambo inn
02. I'll Be Back For More
03. Stompin' At The Savoy
04. Candy Bar
05. Broadway
06. Perdido
07. Indian Summer
08. Candido's Camera
09. Poinciana
10. Cheek To Cheek

Musicos:
Cándido Camero (Congas, bongos)
Al Cohn (Saxo tenor)
Joe Puma (Guitarra)
Dick Katz(Piano)
Whitey Mitchell (Bajo)
Teddy Sommer (Batería)

Ray Barretto - Barretto Power

Raymond Barreto Pagán, más conocido como Ray Barretto (Nueva York, 29 de abril de 1929 - Hackensack, Nueva Jersey, 17 de febrero de 2006), fue un percusionista estadounidense de origen puertorriqueño, y uno de los más destacados compositores, intérpretes y músicos de jazz latino, destacando especialmente en los géneros de jazz afrocubano, salsa, son cubano, boogaloo y pachanga. Sus congas se han podido escuchar en cientos de discos, tanto de jazz latino como de música tropical. Los padres de Barretto llegaron a la ciudad de Nueva York en la década de los 20 procedentes de Puerto Rico y se radicaron en "Spanish Harlem", también conocido como "El Barrio". Su madre amaba la música de Duke Ellington y Count Basie entre otros músicos de jazz de la época. En 1946, Barretto se alistó en el ejército y fue enviado a Alemania. Allí conoció a Fats Sadi, un músico de jazz belga que tocaba el vibráfono y fue una fuerte influencia. Sin embargo, fue Dizzy Gillespie y su interpretación de "Manteca" del compositor y percusionista Chano Pozo y Gil Fuller. La trayectoria musical de Barretto muestra una gran inquietud y una amplia gama de influencias musicales, quizá en parte debido a que, al contrario que la mayor parte de los músicos de jazz latino, su aproximación a la música afro-caribeña y a la salsa fue a partir del jazz y no a la inversa. De hecho, en una ocasión afirmó que él aprendió a tocar al estilo swing antes de llegar a dominar los ritmos latinos.
Al regresar del servicio militar en Alemania, trabajó con músicos de jazz estadounidenses en Nueva York, donde a finales de los 50 sustituyó a Mongo Santamaría en la banda de Tito Puente durante cuatro años. Barretto hizo su debut discográfico como líder de una banda en 1961 para Riverside, que fue un gran éxito no sólo dentro del campo del jazz (llegó a número 17 en las listas de música pop). Al año siguiente grabó para Tico "El Watusi", aprovechando la fiebre de este baile existente en el momento. Esta composición resultó un éxito fulgurante y suscitó decenas (si no cientos) de versiones y, más recientemente, de usos como samples por parte de raperos, como es el caso de la española Mala Rodríguez en su primer álbum. Intentó modernizar el sonido de la charanga, dominante en la música latina de la época, reforzando la sección de viento y haciendo versiones de melodías provenientes del rock y del pop, como hicieron muchos otros artistas latinos. Lo cierto es que Barretto logró sus mayores éxitos en los 60 como músico de sesión, acompañando a Gene Ammons, Cannonball Adderley, Kenny Burrell, Lou Donaldson, Red Garland, Dizzy Gillespie, Freddie Hubbard, Wes Montgomery, Cal Tjader y muchos otros artistas de jazz y pop. Tras firmar con el sello Fania en 1967, Barretto comenzó a alcanzar reconocimiento como uno de los más importantes artistas de jazz latino y llegó a ser director musical de la Fania All-Stars. De esta época destaca su álbum Acid (1968). En los 70, siguió grabando álbumes bajo el sello Fania, cada vez con un éxito mayor.
En 1973, varios de los músicos habituales de su orquesta deciden separase para conformar a Típica '73, lo cual hace que Ray Barretto decida producir el disco The Other Road, su primer acercamiento al Jazz. Continúa con la Fania hasta 1975, cuando firma un contrato con la Atlantic Records, donde graba discos de funk, música disco y rock sin mucho éxito. Sufrió un accidente que imposibilitó usar una de sus manos durante casi dos años, siguiente a la recuperación volvió a la Fania y lanzó Rican-Struction en 1979, como símbolo de la recuperación de ésta. En 1980, grabó un muy aclamado álbum para CTI, La cuna, con Puente, Joe Farrell y Charlie Palmieri como intérpretes invitados. En 1991 estrenó un nuevo sexteto, New World Spirit, con él ha realizado al menos ocho discos de larga duración (sin contar recopilaciones) para distintos sellos discográficos. Curiosamente (y en contra del caso de otros artistas de música moderna), Barretto, ya en su etapa de madurez, llegó con este grupo a una plenitud creativa, alcanzando cotas nunca antes alcanzadas por él ni por ningún otro artista de jazz, latino o de cualquier otro tipo.
Como el mismo Barretto (que hasta poco antes de su muerte siguió actuando en directo) afirmaba, esta nueva etapa de su carrera no se basa en la fusión de elementos de música latina y jazz, sino en el empleo de instrumentos de origen afro-caribeño como la conga o, en raras ocasiones, temas de origen latino, pero con una concepción del jazz totalmente tradicional, lo que constituye una óptica probablemente nunca abordada por ningún otro músico ni grupo, quizá con la excepción del grupo cubano de jazz Columna B. Barreto es conocido por los aficionados y coleccionistas de la salsa como uno de los más destacados ejecutores de la denominada salsa dura y por exponer uno de los sonidos más duros y clásicos dentro del género. Además destacó por atraer y presentar excelentes cantantes como Ruben Blades, Adalberto Santiago, Tito Allen y Tito Gómez.
Murió tras complicaciones de cirugía para destaparle una obstrucción en las válvulas coronarias y complicaciones renales. El procedimiento quirúrgico intentaba combatir la pulmonía que le detectaron. Días antes de su muerte sufrió un ataque de asma después de recibir un homenaje en la que fue nombrado 'Maestro del Jazz', máxima distinción de ese estilo que antes sólo había ganado otro latino: el saxofonista cubano Paquito D'Rivera. ~ (wikipedia)

De vuelta en una bolsa tradicional en 1972, Ray Barretto notó que era la banda de peso pesado en la escena de la salsa con este LP. Además de la devastadora línea de trompeta de tres hombres (Roberto Rodríguez, René López, Papy Roman) y la voz de Adalberto Santiago (más coro), Barretto Power es un disco de sección rítmica, delgado y económico, pero no por ello menos poderoso. Las composiciones son en su mayoría originales grupales, y van desde el abridor salteado del líder, "Oye la Noticia", hasta el coro de Perla del Sur, de Rodríguez, hasta un par de números ligeramente modernizados, "Right On" y el más cerca, "Poder" (este último es el Anexo A si algún oyente duda de la afirmación del título). El pianista Luis Cruz contribuye con una balada cariñosa pero majestuosa, "Se Que Volveras", y las trompetas nunca dejan de unirse, incluso cuando divergen a lo largo de líneas armónicas creativas. Barretto Power no es un disco llamativo; triunfos anteriores como Acid y Hard Hands le valieron a Barretto más avisos que este. Aún así, es una prueba tan buena de la fuerza de Barretto como cualquier registro en su discografía. ~ John Bush (allmusic)
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Ray Barretto - Barretto Power (1972)

Temas:
1- Oye La Noticia
2- Perla del Sur
3- Right On
4- De Que Te Quejas Tu
5- Y Dicen
6- Quitate La Mascara
7- Se Que Volveras
8- Power

Musicos:
Ray Barretto-Conga, Percussion,cantante, dirección musical, productor,arreglos
Tony Fuentes -Bongos, Cencerro, Guiro
Orestes Vilató- Timbales
Louie Cruz- Piano
Andy Gonzalez- Bajo
Papy Roman- Trompeta
Rene Lopez- Trompeta
Roberto Luis Rodriguez- Trompeta
Adalberto Santiago- Maracas, Vocal
Willie Torres- Coros
Héctor Lavoe-Coros
Justo Betancourt-Coros

Charles Mingus - Cumbia & Jazz Fusion (1978)

Charles Mingus (Nogales, Arizona, 22 de abril de 1922-Cuernavaca, México, 5 de enero de 1979) fue un contrabajista, compositor, director de big band y pianista estadounidense de jazz. También fue conocido como un activista en contra del racismo.
Nació en una base militar del Ejército de Estados Unidos, cerca de la ciudad de Nogales (estado de Arizona). Se crio en el área de Watts, en Los Ángeles (California). Su familia era de origen sueco y afroamericano por parte de sus abuelos paternos y chino y británico por parte de sus abuelos maternos. A pesar de esto, creció en un entorno familiar estricto y discriminatorio.
Su madre falleció apenas seis meses después del parto a causa de una miocarditis crónica, quedando Mingus a cargo de una madrastra mitad amerindia y que en el hogar permitía únicamente música relacionada con la iglesia, por lo que Charles tuvo sus primeros contactos con la música en la Iglesia Holiness Church de Watts. A pesar de esto, desarrolló un prematuro afecto por el jazz, especialmente por la música de Duke Ellington.
Estudió el trombón en un principio, pero dada la incompetencia de su profesor, desvió su atención hacia el violonchelo. Un amigo suyo, conocedor de las ideas antirracistas de Mingus, le advirtió que «estaba ensayando con un instrumento más propio de blancos que de negros», lo que hizo que se dedicara al estudio del contrabajo.
Durante su adolescencia escribió un gran número de piezas musicales avanzadas; muchas de ellas en la línea de la Third Stream (una síntesis de música clásica y jazz). Algunas fueron grabadas en 1960 con el director Gunther Schuller y distribuidas como «pre-Bird» ―en referencia al saxofonista de jazz Charlie Bird Parker―. Mingus pertenece a un gran grupo de músicos cuya perspectiva de la música se vio alterada por Parker: vivieron la era antes y después de Parker.
Escuchando a Duke Ellington, descubrió que había otra música más allá de los muros de la iglesia y tomó lecciones de Red Callender (1916-1992), un magnífico contrabajista de la era del swing. En 1940 obtuvo su primer trabajo serio con el baterista de jazz Lee Young (1914-2008), hermano de Lester Young, y consiguió algunas actuaciones con el clarinetista y saxofonista tenor Barney Bigard (1906-1980) y Louis Armstrong en 1942. Por otro lado, completó su formación teórica y práctica con el conocido contrabajista de la Orquesta Sinfónica de Nueva York Herman Rheinshagen y debutó como compositor en la orquesta de Lionel Hampton en 1947. Conoció al vibrafonista Red Norvo y ello le dio alas para dirigirse a la Gran Manzana (Nueva York), en una época en que esta era un hervidero musical de nuevas ideas..._ (wikipedia)

Como Charles Mingus carrera (y vida) se trasladó a su fase final, sus grabaciones figuran exclusivamente grande (ya menudo potencialmente insubordinados) conjuntos.Este CD, que contiene dos actuaciones más bien largo registradas como bandas sonoras de películas, es mejor que la mayoría de lo que siguió."c" tiene una gran sección de percusión y un buen número de madera junto con el trompetista Jack Walrath, el saxofonista tenor Ricky Ford, y trombonista Jimmy Knepper, mientras que "Música para" Todo Modo "añade cinco cuernos a Mingus' quinteto.La música es episódico pero por lo general tiene su propia fuera de la película. ~ Scott Yanow (allmusic)



Destacando dos de los últimos trabajos principales de Charles Mingus, Cumbia 1978 y la Fusión de Jazz son típicamente ambiciosos y la excitación. La pista de título de 28 minutos combina un tema victorioso aprovechado cañas¡La percusión latina, lleno - sobre pasos de cinta grande, y una parodia " de Shortnin ' el Pan " que culmina en los gritos " de la Libertad! ¡Libertad! " Una de una clase, para estar seguro. " Todo Modo " cubre casi tanto tierra(razón), que se mueve entre un tema sombrío y pasos inspirados optimistas con magníficos soloes sax por Jorge Adams. Esta edición de CD añade dos corto toma del piano de solo de Mingus sobre una mezcla de " el Marzo de boda " y su propio " Vals Lento. " El maestro debía hacer sólo más dos álbumes, pero su disminución física es desdicha por el poder de la música. - Rickey Wright



Charles Mingus - Cumbia & Jazz Fusion (1978)

Temas:
1- Cumbia and Jazz Fusion Mingus 
2- Music for "Todo Modo" Mingus 
3- Wedding March/Slow Waltz [*] Mingus 
4- Wedding March/Slow Waltz [*] Mingus 

Musicos:
Charles Mingus - Bajo, arreglos, voz, percusión, principal Performer
Gary Anderson - Bajo, E Flat clarinete, clarinete (Bajo), clarinete (contrabajo)
Danny Mixon - Órgano, Piano
Bob Neloms - Piano
Dino Piana - Trombón
Jimmy Knepper - Trombón, trombón (Bajo)
Roberto Laneri - Clarinete (Bajo)
Mauricio Smith - Flauta, Piccolo, Saxo (Soprano), Saxo (Alto)
George Adams - Flauta (Alto), Saxo (Tenor)
Pasquale Sabatelli - Fagot
Gene Scholtes - Fagot
Anastasio DelBono - Horn (Inglés), Oboe
Paul Jeffrey - Oboe, Saxo (Tenor)
Ricky Ford - Percusión, Saxo (Tenor)
Ray Mantilla - Conga
Daniel Gonzales - Conga
Candido Camero - Conga
Candido - Conga
Alfredo Corral "Ramírez - Conga
Bradley Cunningham - Percusión

Joey Pastrana And His Orchestra - The Real Thing (El Verdadero)

                                        

José Luis Pastrana Santos (Santurce, 21 de agosto de 1942-Fort Myers, 2 de febrero de 2014) más conocido como Joey Pastrana fue un músico y compositor puertorriqueño de género salsa.

Nació en Santurce. Desde su niñez, se radicó a Nueva York. Se estableció en el Harlem Hispano, y luego al Bronx. Se aficionó desde muy pronto por la música, en especial por los instrumentos de percusión, así que aprendió los pormenores de la conga, el bongo, la campana, los timbales y la batería. Pero además de su talento con la percusión, Joey fue un gran compositor, pues muchas de sus canciones fueron propias. Inició su carrera musical al lado de la banda de Bobby Valentín, con quien grabó en 1965 el álbum Ritmo pa'gozá/El mensajero, y realizó algunas composiciones para otro álbum de Bobby titulado Young Man with a Horn, pero se retiró para conformar su propio grupo, con el que grabó diez álbumes entre 1966 y 1978, seis de ellos para el sello Cotique, y George Goldner.

En los años sesenta se presentó el momento de plenitud del boogaloo, una fusión de música cubana con el rock and roll. Los exponentes más importantes de este ritmo son Pete Rodríguez, Johnny Colón, Joe Bataan, Joe Cuba, y Ricardo Ray & Bobby Cruz. Nuestro homenajeado también hace parte de este grupo selecto y talentoso, pues tuvo la capacidad creativa necesaria para encontrar un balance entre dos ritmos aparentemente tan distintos como los que logró fusionar. 

El primer gran éxito de Joey fue el tema "Rumbón melón", que hace parte de su primer álbum titulado Let's Ball, en el cual debutó el cantante puertorriqueño Ismael Miranda con tan solo 17 años. Luego vinieron temas como "That's How Rumors Start" (Así es como comienzan los rumores), "Orquesta Pastrana", "Malambo", "Joey's Thing", "Cha ca boom", "My girls", "Pastrana llegó", "Óyela" y "Tócame la campana".

Los cantantes de la orquesta de Joey también expresan la calidad de las interpretaciones: Ismael Miranda, Joe "Chombo" Rodríguez, Carlos Santos, Chivirico Dávila y Ramón Rodríguez. En los coros femeninos estaban Sonia Rivera y Becky Rivera, así como el cantante de los cantantes, Héctor Lavoe, quien hizo parte de dos de álbumes A comer y The Godfather, aunque no aparece en los créditos por derechos contractuales. Lavoe llegó a la Orquesta de Joey a reemplazar a Chivirico Dávila, pero ya había firmado previamente con Fania Records, así que no pudo continuar en la orquesta de Joey. Falleció en Fort Myers en Florida el 02 de 2014 tras sufrir derrame cerebral._(wikipedia)

Llevado en el South Bronx, Nueva York. En la edad de ocho Joey Pastrana comenzó a golpear en la arandela nueva de su mama. Después de usar algo de la pintura apagado, la mama decidida para comprarlo algunos bongos con una advertencia, “no golpea en mi arandela más!”. 

Los Bongos se convirtieron en mundo de Joey. Con una vieja mano yo abajo de los tocadiscos él se enseñó para jugar. Entregando la tienda de comestibles en trece él ahorró para arriba y compró su primer conga. En quince él había jugado el primer gig y él ha estado jugando desde que. Joey sabía que él tenía el más raro de golpes: La cruce. La melodía de “Rumors” fue lanzada en el año 1967 y era un éxito inmediato con las audiencias a través de la ciudad. La gente no tuvo que ser Latin para gozar o para entender de esta gema de la música popular. El boogaloo de Pastrana finalmente había alcanzado las masas, y él era una sus estrellas importantes. El más conocido para los golpes “Riki-Ch” y “Dance Dona” de la cruce del carta-topping, Joey Pastrana tenía un regalo especial para las canciones el cantar en inglés y español. Junto con el otro boogaloo las lumbreras tienen gusto de Pete Rodriguez y de Joe Cuba; Joey Pastrana era responsable de introducir la música de Latin a muchas personas de habla inglesa a través de América. Con una orquesta maravillosa y talentosa, Joey Pastrana pavimentó la manera para las nuevas fusiones de la música de Latin que han venido ser conocidas como el boogaloo de Latin. Un amo de los timbales, Pastrana era también cantante brillante conocido internacionalmente para el suyo los funcionamientos vivos de energización. Afilando con piedra sus habilidades musicales en su New York City querido, los sonidos enamoró a Joey en una edad temprana las vistas y que salían de Harlem español durante el principio de los años 60.

Tomando su señal del R&B y del Jazz que era popular en aquel momento, Pastrana se convirtió en un amo de los ritmos del balanceo que sacudieron encima de caderas en pisos de danza a través del mundo. Miran uno de los artistas superiores de la era del boogaloo/del alma de Latin, música de Joey Pastrana como una los ejemplos más maravillosos y más exquisitos del sonido mundo-famoso de Nueva York Latin. Las influencias musicales de Joey han sido Mongo Santa María, Tito Rodriguez, Tito Puente, Machito Orquesta, Eddie y Charlie Palmieri, caloría T. Jader, Chano Pozo, lunes Rivera, Johnny Pacheco y vendas numerosas del charanga.
              

                                                                               

Joey Pastrana  And His Orchestra - The Real Thing (El Verdadero) (1970-R1999)
Temas:

01. Pastrana Llego

02. Colour My World

03. The Real Thing

04. Guajira Con Joey

05. Skin Deep

06. Quidate La Campana Juana

07. Noche De Ronda

08. Chumbambe

09. Asi

10. The Gate

Musicos:

Joey Pastrana (Timbales)

Chivirico Davila (Voz)

Willie Pastrana (Congas)

Guillermo Pizarro (Bongó)

Manny Durand (Trompeta)

Larry Spencer (Trompeta)

Jack Hitchcock (Trombón)

Roberto Roldan (Trombón)

Charlie Rodriguez (Bajo)

Mike Rios (Piano)

Sonia Rivera, Becky Rivera (Coros)

George Shearing - Shearing Bossa Nova

Ciego de nacimiento y músico de formación clásica, George Shearing (13 de agosto de 1919, Battersea, Londres – 14 de febrero de 2011, Nueva York), se acercó al jazz en la adolescencia, después de escuchar algunos discos de Art Tatum, Fats Waller y Teddy Wilson, pianistas por los que siempre sintió admiración. Sus comienzos fueron en algunos locales nocturnos de Londres con pequeñas formaciones irrelevantes y el salto a la fama lo dio cuando fue invitado a participar en la gran orquesta de Ted Heath. Poco después también tocó en las formaciones de Berg Ambrose y Claude Bampton.

Afirmado ya como uno de los pianistas mas brillantes de Londres, fue descubierto por Leonard Father, que le ayudó a grabar sus primeros discos lo que acrecentó su fama convirtiéndose en el mejor pianista británico de su época. En 1939 grabó una serie de solos al piano destacando el tema: Prety Girl is Like a Melody» que algunos críticos consideraron como uno de los mejores temas del jazz europeo de aquellos años. Durante la II Guerra Mundial, tocó y grabó en Londres con el violinista, Stephane Grappelli en una sesiones inolvidables.

En 1946, e invitado por su descubridor, Leonard Father, se trasladó durante el tiempo que duró la guerra  de los Estados Unidos decidiendo posteriormente afincarse definitivamente en New York. Su actividad musical en América comenzó acompañado a la cante Sarah Vaughan y también ofreció algunos conciertos con Oscar Petifford, Kenny Clarke o Buddy de Franco. En 1949, reunió un quinteto a su nombre para participar en una grabación para la Discovery. Tuvo tal éxito ésa iniciativa, que decidió mantener activa esa formación, consolidando su quinteto entre los mejores combos de New York. Aquel grupo estaba formada por el vibrafonista, Margie Hyams, el guitarrista, Chuck Wayne, el contrabajista, John Levy y el baterista, Denzil Best. Con ése grupo grabó en la década de los cincuenta, un  repertorio musical extraordinario, destacando: «East of the Sun», «September in the Rain» o el clásico «Lullaby of Birdland», convertido después en un estándar del jazz moderno. Por su quinteto pasaron entre otros, músicos como Cal Tjader, Toots Thielemans o Don Elliot.

Sus grabaciones discográficas fueron siempre exquisitas, destacando el disco grabado con la cantante Peggy Lee en 1959 «Bauty and the Beat» para el sello Capitol, o el maravilloso Everybody Digs Bill Evans, (Riverside-1958), con Bill Evans al piano, Miles Davis a la trompeta y Cannonball Adderley al saxo. Al año siguiente formó un trío con el contrabajista Israel Crosby y el baterista Vernel Fournier. En 1961 tuvo un maravilloso encuentro con el pianista y cantante, Nat King Cole grabando uno de los últimos discos de Cole en clave jazzística. Antes, en 1960, también tuvo otro encuentro extraordinario con una cantante; fue en el disco grabado con Nancy Wilson titulado: «The Swingin’s  is Mutual» para Capitol. Con el paso del tiempo su faceta jazzística fue decayendo poco a poco y actualmente está retirado de toda actividad. ~(apoloybaco)

La larga asociación del pianista George Shearing con Capitol Records (1955-1969) fue testigo de la publicación de varios álbumes latinos suaves en los que destacaba su estilo patentado de teclado de acordes en bloque mezclado con percusión cubana y brasileña de buen gusto. Pionero del jazz latino (sus combos de mediados de los 50 con Willie Bobo y Armando Peraza inspirarían a un joven Cal Tjader), Shearing atraía tanto a los fans del jazz como a los del easy listening. Después de éxitos de mambo como Latin Escapade y Latin Lace, Shearing se lanzó a la moda de la bossa nova de principios de los 60 con este larga duración. Con los arreglos discretos pero atractivos de la también campeona de música latina Clare Fischer, Bossa Nova incluye temas habituales como "One Note Samba", "Desfinado" y "Manha de Carnaval", junto con versiones apropiadamente disfrazadas de "On Green Dolphin Street" y "Come Rain or Shine". Y aunque se aconseja a los oyentes que busquen declaraciones de género más sustanciosas que se dirijan a las superproducciones de bossa de Stan Getz o a los primeros discos de Antonio Carlos Jobim y Joao Gilberto, los fans de Shearing encontrarán aquí mucho que disfrutar. Destacan los originales de Fischer "Samba da Borboleta" y "Pensativa". ~ Stephen Cook (allmusic)

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George Shearing - Shearing Bossa Nova (1962)

Temas:

01. One Note Samba

02. Blue Prelude

03. Desafinado

04. Nevermore

05. Butterfly Samba

06. Pensative Woman

07. O Green Dolphin Street

08. Come Rain or Come Shine

09. Manha de Carnaval

10. Algo Novo

11. Black Satin

12. Amazona's Legend

Musicos:

George Shearing (Piano)

Laurindo Almeida (Guitarra)

Douglas Marsh (Vibráfono)

Ralph Peña (Bajo)

Vernell Fournier (Batería)

Clare Fischer (Arreglos)

Bossa nova

Nadie está seguro de que sólo lo es, o incluso lo que su nombre implica: según diversos expertos, el argot portugués bossa nova expresión puede significar "la última cosa" o "el nuevo beat" o "la nueva arruga". Bossa, literalmente, significa una protuberancia, pero en el argot de Río, que connota un talento natural o knack, al igual que en la línea, "El Duque tiene mucho de bossa". Los únicos puntos de todo el mundo está de acuerdo en que son 1) la bossa nova es un extraño mestizaje de cool jazz con chile salpicada de ritmos latinos y 2) es grande, y obtener aún más grande.Si bien es generalmente demasiado lento para bailar al son, bossa nova ha sido la furia de la sociedad brasileña café durante varios años. En su país de origen se ha convertido en casi una religión. "Filosófico", dice Jazzman brasileño Ronaldo Boscoli, "bossa nova es un estado de ánimo de la misma manera que Chaplin, Picasso, Prokofiev, Debussy, Beethoven e incluso representó un nuevo estado de ánimo. Eran bossa nova en su tiempo" Tal EE.UU. jazzmen como flautista Herbie Mann escuchado la música nueva, le gustó y comenzó a ponerlo en sus programas de vuelta a casa. ( "Twist música", dijo Mann, "es mostrar todas las promesas-y no fuego interior. Bossa nova es justamente lo contrario.") Otro principios de convertir fue Guitarrista de Jazz Charlie Byrd, que escucha bossa nova, mientras que en un Departamento de Estado patrocinado por gira por América Latina.Es simple, descubrió Byrd, "a desempeñar un muy completo de jazz en solitario con estas cosas, usted puede hacer mucho que no se puede hacer con cuatro ordinarios y cuatro de tiempo." Byrd cortar un álbum de bossa nova con el saxofonista tenor Stan Getz. Pronto hubo grabaciones bossa nova, entre otros, por Vibraharpist Cal Tjader, orquesta Lionel Hampton, Saxophonists Sonny Rollins y Zoot Sims. Las compañías discográficas, hambrientos de una tendencia, ya están listos para apresurarse 15 álbumes más o menos con los números de bossa nova en el mercado. Entre los que figuran los artistas intérpretes o ejecutantes: Peggy Lee, George Shearing. Vic Damone, Paul Anka. Vic Damone, Paul Anka.Bossa nova es un suelto, relajado y música infecciosa que pone mucho más énfasis en la melodía que es habitual en el jazz moderno.En la práctica, puede sonar como música de samba directamente con un solo ocasional o dos twitter arrojados por el jazz en sabor, o como la meditación, Moody llega más lejos de la cámara de jazz.Pero cuando se hace con gusto, tiene un gran atractivo, con el tiempo, sinewy líneas de improvisación jazzmen depositado dramáticamente contra ricamente filigreed percusión antecedentes. ~time.com