Cesare Mecca, nacido en 1996, se apasionó por la música a una edad temprana y comenzó a estudiar trompeta con Roberto Ferro a los siete años, en la Filarmonica Bosconerese (dirigida por el Maestro Pietro Marchetti), donde actualmente toca la 1ª trompeta. A los 11 años comenzó a estudiar trompeta clásica en el Conservatorio G. Verdi de Turín bajo la dirección del Maestro Paolo Russo. Fue seleccionado para la final del 'Premio Abbado 2015', sección de trompeta clásica (ex. Premio Nacional de las Artes). Obtuvo su diploma de trompeta a los 18 años y, al mismo tiempo, la Maturità scientifica en el Liceo A. Volta de Turín. Actualmente cursa el máster de trompeta de jazz en el 'Conservatorium van Amsterdam' - Holanda. Paralelamente a sus estudios en el Conservatorio, estudia trompeta jazz en la Filarmonica Jazz Band de Pianezza (To) con el maestro Sergio Chiricosta y piano jazz con el maestro Guido Canavese, gracias al cual, a los 12 años, pudo conocer y tocar con Marcello Rosa, Alfredo Ponissi, Mauro Battisti y Flavio Boltro. Actualmente está matriculado en el primer año de Composición en el Conservatorio G. Verdi de Torio con el Maestro Giuseppe Elos. Colaboraciones con orquestas: Orchestra Sinfonica del Conservatorio G. Verdi di Torino (dirigida por M° Giuseppe Ratti y -en una producción- por M° Donato Renzetti); Brass Band del Conservatorio G. Verdi di Torino (dirigida por M° Lorenzo Della Fonte); Participación en la primera interpretación nacional de la Sinfonía nº 3 de Kchachaturian con la Orchestra Vivaldi di Sondrio dirigida por M° Lorenzo Passerini.
Tocó en el Festival de Jazz de Turín y Andora Jazz con la Orquesta Gatsby de Alessandro Muner. Durante el Festival de Jazz de Turín en 2016 actuó en el escenario principal en Piazza Castello seleccionado durante el taller de la Juilliard School. Tras su participación en los talleres Juilliard, como parte de la colaboración entre la Juilliard School y el Departamento de Jazz del Conservatorio de Turín (basado en un proyecto del maestro Emanuele Cisi), tuvo la oportunidad de pasar una semana en el Lincoln Centre de Nueva York como invitado de la Juilliard School. Tocó como invitado del trío manouche Accordi Disaccordi. Ha actuado en los Festivales de Jazz de Ivrea y Novara. Actualmente colabora en dos cuartetos de jazz con el baterista Alessandro Minetto y en un septeto con Fabio Giachino, Luca Begonia, Gianni Virone, Paolo Porta, Ruben Bellavia y Davide Liberti.
En verano de 2016 participó en los Umbria Jazz Clinics, donde obtuvo una beca para la Berklee School of Music de Boston y fue seleccionado para abrir el Orvieto Jazz Winter 2016._(countbasie)
El segundo álbum del trompetista de jazz italiano de rápido ascenso, Cesare Mecca, es un bello y misterioso mundo de jazz afrocubano, ¡con trompetas románticas llenas de notas peligrosas!
Edward Simon (nacido el 27 de julio de 1969) es un pianista y compositor de jazz venezolano.Simon nació en Punta Cardón, Venezuela. A los diez años viajó a Estados Unidos para estudiar en la Performing Arts School de Filadelfia. Tras graduarse, asistió a la Universidad de las Artes de Filadelfia, donde estudió piano clásico, y después a la Manhattan School of Music, donde estudió piano jazz. En 1988, grabó como músico de acompañamiento con Greg Osby, y después trabajó como miembro de la banda Horizon, dirigida por Bobby Watson. Durante los ocho años siguientes fue miembro de la banda de Terence Blanchard. También ha trabajado con Herbie Mann, Paquito D'Rivera, Bobby Hutcherson, Jerry Gonzalez, John Patitucci, Arturo Sandoval, Manny Oquendo y Don Byron. Simon grabó Beauty Within (AudioQuest, 1994), su primer álbum como director de orquesta, con Horacio Hernández y el bajista Anthony Jackson. Ese mismo año fue finalista del Concurso Internacional de Piano Jazz Thelonious Monk. Al año siguiente compuso Rumba Neurótica para el Ensemble Relache.
Formó Ensemble Venezuela en 2003 para combinar el jazz con la música de Venezuela. Recibió un encargo de Chamber Music America para escribir «Venezuelan Suite». Grabó el álbum en 2012 con músicos de Venezuela, Colombia y Estados Unidos.
Simon ha tocado en varios discos de jazz nominados a los Grammy. Además de su trío lidera el Sexteto Venezuela, el Cuarteto Afinidad, y el grupo Simon, Simon, & Simon con sus hermanos. Ha enseñado en la New School for Jazz and Contemporary Music de Nueva York y ha sido artista residente en la Western Michigan University._(wikipedia)
Desde su actual residencia en San Francisco, Edward Simon recuerda la música que marcó su infancia. Una de las ventajas de crecer en Venezuela», escribe en las notas del CD, »fueron las diferentes influencias musicales de todas partes del continente americano y del Caribe. Hay tanta buena música en esta parte del mundo que uno podría dedicar fácilmente un álbum a cada país y no estaría a la altura de hacerle justicia». Por esta razón, el pianista decidió elegir sólo aquellas piezas que le son especialmente queridas, que mantienen una fuerte conexión con los recuerdos de la infancia. Tras la aclamada grabación de Venezuelan Suite con Ensemble Venezuela, volvemos a encontrar a Simon en el trío de piano más habitual, pero con una nueva pareja. En lugar de John Patitucci al contrabajo y Brian Blade a la batería, que le acompañaban desde 2003, tenemos ahora a Joe Martin y Adam Cruz, dos socios que ya han colaborado con el pianista en varias ocasiones. Es bien sabido que Simon no es el típico instrumentista latino y filtra las reminiscencias de estas piezas a través de la sensibilidad jazzística y la formación clásica. En este trabajo, se confirma como uno de los mejores pianistas de su generación al interpretar largas y coloristas improvisaciones, donde la impetuosidad del fraseo boppish se diluye en ocasionales abandonos melódicos de impronta latina o clásica.
Temas emblemáticos del tango y la bossa nova como «Libertango» y «Chaga de Saudade» se rediseñan a la luz de un ajustado directo, mientras que otros se impregnan de melancolía, entre la adhesión lírica a las melodías originales y los toques de música de cámara abstracta. Nos referimos en particular a «Alfonsina y el mar» y «Gracias a la vida». El primer tema fue escrito por Ariel Ramírez en memoria de la poeta Alfonsina Storni, fallecida por suicidio, y contiene un conmovedor diálogo con Joe Martin; el segundo pertenece a la gran Violeta Parra y Simón realza su identidad de himno humanista.
«Capullito» y “Volver” son los momentos en los que la síntesis de jazz y rasgos latinos resulta tan personal e imaginativa como siempre: piezas de rico aliento interno, en mágico equilibrio entre dinamismo rítmico y sutilezas tímbrico-armónicas._Angelo Leonardi (allaboutjazz)
Natural de Colombia, el guitarrista de jazz latino Juan Carlos Quintero comenzó su carrera discográfica con dos álbumes en Nova, un debut autotitulado publicado en 1990 (remasterizado y reeditado en 2000 por Native Language Music con el nuevo título de Medellín) y Through the Winds, de 1992, grabado con el compositor y arreglista Todd Cochran, el pianista Otmaro Ruiz y los percusionistas Munyungo Jackson y Walfredo Reyes. Way Home apareció en el sello Size 11 en 1997. Quintero ha mantenido un prolífico calendario de lanzamientos durante el nuevo milenio con grabaciones que incluyen Los Músicos (2001), Los Primos (2003), dos volúmenes de Guitarra de Pasión (2004 y 2005), y Las Cumbias...Las Guitarras (2006). En 2007 llegó el disco navideño Joy to the World, así como la recopilación Guitarra de Pasión, Vol. 3._John Bush (allmusic)
El exclusivo paquete navideño de Quintero está destinado a convertirse en uno de los favoritos de las fiestas. La mezcla de canciones favoritas de todo el mundo con la relajante voz de JC revela la refrescante receta para estas fiestas tan especiales. JTTW marca el debut discográfico del nuevo trío acústico de JC, que cuenta con el baterista Aaron Serfaty (Arturo Sandoval, Nester Torres) y el bajista acústico Eliseo Borrero (Strunz & Farah, Paco de Lucía, Juan Gabriel), quienes interpretan los arreglos de JC con elocuencia y estilo. El concepto del proyecto se mantiene constante ya que los arreglos musicales se entrelazan mezcla ndo la familiaridad de los títulos festivos con la distintiva mezcla de sonidos americanos/colombianos de JC - un sello distintivo a lo largo de la carrera discográfica de JC. JTTW marca el regreso a casa de una voz única en la guitarra... una voz de celebración y paz.
«La presentación limpia y sencilla de la música ejemplifica la paz y la buena voluntad que todos necesitamos en estos momentos. Quintero presenta su nuevo trío acústico en ocho de las diez canciones, y toca en solitario en las otras dos («Angels We Have Heard on High» y la nana tradicional española «A la Nanita Nana»). Es un guitarrista soberbio, y la elegancia discreta y sin esfuerzo de sus interpretaciones me parece perfecta. Las canciones brillan con el oropel del talento, y resplandecen con integridad. JOY TO THE WORLD será uno de esos álbumes que me gusta escuchar al final de la Nochebuena, cuando todo el mundo se ha retirado a dormir, la casa está en silencio y las suaves luces del árbol y la chimenea son lo único que acentúa la oscuridad. Es el momento en que uno puede sentir realmente la paz y la tranquila alegría de estas fiestas. Esa es exactamente la sensación que le invadirá cuando escuche esta maravillosa colección. JOY TO THE WORLD de Juan Carlos Quintero pasará la prueba del tiempo como un clásico navideño de todos los tiempos. ~Scott O'Brien (bandcamp)
Hace unos diez años tuve la satisfacción de invitar al gran escritor Julio Cortázar a la presentación de un grupo de jazz que actuaba en el cabaret Parisién, del hotel Nacional, en La Habana. El momento culminante de la interpretación del grupo era un duelo de trompetas entre Jorge Varona, de los lrakere, y Arturo Sandoval. "increíble", me dijo el autor de Rayuela. "No podía imaginar que en Cuba hubiera trompetistas de jazz de esa calidad". Esta opinión no era intrascendente. Cortázar, gran fanático del jazz en Rayuela y su narración El perseguidor, basada en la figura de Charlie Parker, que están entre lo mejor que se haya escrito sobre el tema, sin olvidar a Thomas Merton o Jack Kerouac. Un año más tarde el encuentro de Cortázar con Sandoval, el joven trompetista cubano tocaba con uno de los grandes del jazz al mismo tiempo era su ido/o, Dizzie Gillespíe, durante la visita que éste hizo a Cuba en 1977. Y al año siguiente se presentaba con el grupo lrakere en el Festival de Newport, donde entonces le tocó el turno de asombrar a Maynard Ferguson. En el propio año 1977, en el Teatro de los Campos Elíseos, el joven pianista cubano Jorge Luis Prats ganaba el Primer Gran Premio del Concurso Marguerite Long, y además los premios Chevillon-Bonnaud y Maurice Ravel. En esa ocasión el novelista y musicólogo cubano Alejo Carpentier, que como Cortázar trabajaba entonces en París escribió una elogiosa nota en la que aseguraba hacerse eco de la crítica al calificar a Prats de "pianista fenomenal". Toot suite, del compositor francés Claude Bolling, unió a estos dos asombrosos instrumentistas. La obra en si, una suite para trompeta y "piano de jazz" se pudiera calificar de ecléctica y en gran medida lo es, pues integra de manera muy funcional el barroquismo de un Vivaldi con el clasicismo de un Mozart y toda una tradición francesa que incluye los nombres de lbert, Lalo, D'lndy, Massenet, Frank, Paul Dukas Ravel, Paul Bonneau, Eugene Bozza, Faure, Jolivet, Henri Broser, Michel Lagrand, y en sus últimos exponentes incorpora elementos del jazz, género que siempre tuvo su avanzada europea en Francia. Lo más sorprendente y paradójico en apariencia la ejecución de esta obra por estos dos solistas es descubrir al jazzista Sandoval como un intérprete impecable dentro de la gran tradición concertante europea y al concertista Prats atacar con sabor y swing genuinos las inflexiones jazzístícas de la obra.
Pero la sorpresa se diluye si recordamos una vez más al propio Carpentier, cuando al señalar las condiciones excepcionales de Prats como intérprete citaba que su ejecución de las Danzas rituales de André Jolivet había provocado el asombro de la viuda del compositor, autora de un libro sobre Edgar Varese, a tal punto que le dijo al novelista: " al escuchar a su compatriota creía oír al autor interpretándola". Y en cuanto a Arturo Sandoval, nos muestra de nuevo su facilidad en cualquier linea de trabajo, igualmente en el jazz la música ligera y la música popular cubana. Por eso se le ha visto desempeñarse con igual maestría junto al gran sonero Félix Chappotín y en festivales o jam' sessions con los mejores trompetistas de jazz de hoy : Gillespíe, Ferguson, Woody Shaw, John Faddis y Wynton Marsalis, y a semejanzas de este último, incursionar cada vez más en los dos terrenos más exigentes y repartir su trabajo entre lo "clásico" y el jazz.
Este disco es, por tanto, un regalo. Tanto para los más exigentes en los matices del jazz como para los aficionados a la música llamada "culta". Y un banquete para quienes esperan de la música solo y todo lo que es, música. Desarrollada por dos colosos._ Leonardo Acosta
Brian Bromberg es un bajista acústico y eléctrico muy versátil, capaz de tocar jazz directo, funk y fusión. Se ha labrado una respetada carrera tocando con numerosas luminarias y publicando sus propios álbumes, que gozan de gran prestigio. Influenciado por el virtuoso estilo de Stanley Jordan, Bromberg a veces suena como tres bajistas a la vez durante sus solos, a menudo estruendosos. Su talento le llevó a formar parte del grupo de Stan Getz a los 19 años. Desde entonces, ha sido un valioso acompañante de artistas como Dave Grusin, Billy Cobham y Michael Bublé, entre otros. Grabó sus primeros álbumes como líder en los años 80 con fechas como 1988's Basses Loaded with Ernie Watts, y desde entonces ha equilibrado el trabajo de sesión con la grabación de sus propias fechas variadas, como 1991's It's About Time: The Acoustic Project, 2010's Bromberg Plays Hendrix, y 2021's A Little Driving Music. Nacido en 1960 en Tucson (Arizona), Bromberg creció en una familia de músicos. Hijo de un batería, empezó tocando la percusión, pero pronto se decantó por el bajo. Cuando terminó el instituto ya era un intérprete impresionante, y se convirtió en un músico de directo muy solicitado, que tocaba en conciertos durante toda la semana. En 1979, llamó la atención del bajista Marc Johnson, quien más tarde conectó al joven bajista con el saxofonista Stan Getz. Bromberg estuvo de gira con Getz durante aproximadamente un año antes de unirse al pianista Bob Ravenscroft y lanzar su propia carrera. Los primeros álbumes de Bromberg como líder fueron de jazz suave, como A New Day (1986), Basses Loaded (1988) y Magic Rain (1989).
Sin embargo, en 1991 cambió de rumbo con It's About Time: The Acoustic Project, un disco de jazz acústico más convencional. Sin embargo, en su siguiente álbum, Brian Bromberg, de 1993, volvió al estilo de jazz suave de sus primeros discos. Tras firmar con Zebra Records, Bromberg publicó en 1998 You Know That Feeling, en el que colaboraron Rick Braun, Joe Sample, Jeff Lorber, Everette Harp y otras figuras notables del género del smooth jazz. Bromberg volvió al jazz directo en Wood, de 2002, seguido de un homenaje al bajista Jaco Pastorius, titulado simplemente Jaco, en 2003. La continuación de Wood, Wood II, apareció en 2005, y Bromberg había salido claramente de su etapa de smooth jazz, sobre todo con los rápidos y sorprendentes solos de bajo de Metal, que apareció más tarde en 2005. También se convirtió en un productor muy solicitado, con varios proyectos de éxito en su currículum. En 2009, Bromberg se salió de lo convencional con It Is What It Is. Al año siguiente, rindió homenaje a la leyenda de la guitarra Jimi Hendrix con Bromberg Plays Hendrix. Después reunió a un elenco de músicos de lujo, como Alex Acuña, Randy Brecker, George Duke y Béla Fleck, para Compared to That, de 2012.
Dejando a un lado su trabajo en solitario, Bromberg apareció en álbumes de Till Brönner, Andrea Bocelli y Andreas Varady, entre otros. En 2016, regresó con Full Circle, que incluía apariciones como invitados de Arturo Sandoval, Kirk Whalum y otros. Thicker Than Water llegó en 2018 y contó con la participación de Najee, George Duke y Randy Brecker, entre otros. Tras un álbum navideño en 2020, Bromberg volvió a sus composiciones originales funky con A Little Driving Music de 2021._Scott Yanow (allmusic)
En su debut como líder, el bajista Brian Bromberg alterna la música acústica con la eléctrica y recibe a invitados como el tenor Ernie Watts, Joe Farrell (en su última grabación) y, durante "Take a Walk in the Park With Me", el fliscornista Freddie Hubbard. Este variado LP (que aún no se ha reeditado en CD) va desde un estilo bastante directo hasta algo de funk y fusión; Bromberg interpreta seis originales, además de "Summertime" y "My Funny Valentine". Un conjunto agradable, aunque no esencial._Scott Yanow (allmusic)
Nacido en Caracas de padres españoles, el saxofonista Ed Calle, afincado en Miami, debe su carrera musical al amor de su padre por la música. Cuando Calle y su familia se trasladaron a Estados Unidos en 1966, su padre le sugirió que tomara clases de música. Calle eligió el saxofón tenor y se aficionó rápidamente, por lo que pronto dedicó casi todo su tiempo libre a practicar. Cuando estudiaba en la Universidad de Miami, Calle decidió que la música era su vocación y obtuvo un máster en interpretación de jazz. Sin embargo, incluso antes de dejar la universidad, Calle tocó con artistas como Gloria Estefan y Miami Sound Machine, y realizó giras con artistas como Julio Iglesias y Bob James. También ha trabajado como músico de acompañamiento para Arturo Sandoval, Jon Secada, Vanessa Williams y Frank Sinatra, y ha colaborado en bandas sonoras de televisión y cine.
Además de sus raíces latinas, el estilo de tocar de Calle está influenciado por su amor a las matemáticas: también es licenciado en Matemáticas por la Universidad Internacional de Florida. Calle comparte sus conocimientos técnicos y su herencia con los niños de primaria a los que da clases como profesor de música itinerante. Sus álbumes en solitario Nightgames (1986), Double Talk (1996) y Sunset Harbor (1999) también reflejan su destreza y pasión como músico. En el nuevo milenio publicó Twilight (2001) en Concord Jazz._Heather Phares (allmusic)
La necesidad de poner títulos bonitos a los álbumes a veces puede ir en detrimento de lanzamientos cuya música es demasiado profunda, intrincada y explosiva para que las palabras puedan transmitirla.
El debut del saxofonista Ed Calle en Concord Vista tiene todo el chisporroteo íntimo de Gato Barbieri, toda la alegría percusiva juguetona de Arturo Sandoval (que participa como invitado), toda la intimidad flamenca de Ottmar Liebert y todo el alma retro de los héroes inspiradores de Calle, Earth, Wind & Fire. Sin embargo, el título Sunset Harbor sólo transmite el lado despreocupado de la personalidad del veterano músico de acompañamiento, maravillosamente expresado en las tiernas, dulces y pegadizas "Rachel's Song" y "Marianne". La actitud alegre del disco se transmite mucho mejor en "Strollin'", en la que Calle se acelera con una sección de vientos creada por él mismo (doblando y triplicando su tenor) sobre un incontenible ritmo latino. "Nightfall" es un apodo apropiado para un baile lento de salsa al estilo de Gato con trasfondos retro soul como el sonido Rhodes generado por el sintetizador de Jim Gasior.
Calle se atreve con el hip-hop en "Suds", envolviendo con su tenor y su EWI el mismo tipo de acentos de teclado y la guitarra wah-wah de Dan Warner. Sin embargo, "San Sebastián" es la pieza central, el equivalente musical de una cantina de ritmo perezoso (guitarra flamenca proporcionada por el viejo socio de Sandoval, René Toledo) incendiándose con la melodía galopante del saxo de Calle y la ardiente trompeta de Sandoval actuando como pirómanos principales. Los homenajes de Calle a Earth, Wind & Fire y Chicago ("Colour My World") le permiten tocar antes que las secciones de vientos, pero no tienen nada que ver con el deslumbrante material original que presenta._Jonathan Widran (allmusic)
Nacido en Caracas de padres españoles, el saxofonista Ed Calle, afincado en Miami, debe su carrera musical al amor de su padre por la música. Cuando Calle y su familia se trasladaron a Estados Unidos en 1966, su padre le sugirió que tomara clases de música. Calle eligió el saxofón tenor y se aficionó rápidamente, por lo que no tardó en dedicar casi todo su tiempo libre a practicar. Cuando estudiaba en la Universidad de Miami, Calle decidió que la música era su vocación y obtuvo un máster en interpretación de jazz. Sin embargo, incluso antes de dejar la universidad, Calle tocó con artistas como Gloria Estefan y Miami Sound Machine, y realizó giras con artistas como Julio Iglesias y Bob James. También ha trabajado como músico de acompañamiento para Arturo Sandoval, Jon Secada, Vanessa Williams y Frank Sinatra, y ha colaborado en bandas sonoras de televisión y cine.
Además de sus raíces latinas, el estilo de tocar de Calle está influenciado por su amor a las matemáticas: también es licenciado en Matemáticas por la Universidad Internacional de Florida. Calle comparte sus conocimientos técnicos y su herencia con los niños de primaria a los que da clases como profesor itinerante de música. Sus álbumes en solitario Nightgames (1986), Double Talk (1996) y Sunset Harbor (1999) también reflejan su destreza y pasión como músico. En el nuevo milenio publicó Twilight (2001) en Concord Jazz._Heather Phares (allmusic)
Los Terry son una familia de músicos de la provincia cubana de Camagüey. Su mezcla única de estilos musicales incluye elementos del folclore, la charanga clásica y el jazz moderno, creando un puente entre generaciones. El título De África a Camagüey refleja las profundas influencias africanas en la música y la cultura de Camagüey. Eladio Terry, el patriarca de la familia, conocido por muchos como Don Pancho, creció rodeado de la música de las religiones afrocubanas y aprendió los tambores tradicionales y los estilos vocales que se remontan a siglos atrás. Eladio siguió el camino del aprendiz de tamborilero mientras aprendía las oraciones, canciones y ritmos que acompañan a las ceremonias religiosas, observando, escuchando y tocando durante horas. Como muchos músicos cubanos, también aprendió a tocar estilos de música popular, incorporando sus conocimientos de las tradiciones africanas a la música de baile secular de la época. La influencia de Eladio Terry en la música cubana comenzó con el legendario grupo de charanga Maravillas de Florida, de la localidad camagüeyana de Florida. Utilizó el chekere con el formato tradicional de charanga de violines, timbales bajos, flauta, piano y guïro, añadiendo un instrumento ampliamente utilizado en las religiones africanas sincretizadas que han sobrevivido y florecido en Cuba. El chekere es un instrumento fabricado con una calabaza ensartada con cuentas que requiere una sofisticada destreza física para producir ritmos y timbres armónicos. Eladio Terry y sus hijos manejan el chekere como veteranos jugadores de baloncesto que se burlan de sus oponentes mientras sacan sin esfuerzo ritmos y tonos de estas calabazas huecas. A principios de la década de 1960, Eladio ingresó en el recién creado Conservatorio de Música de La Habana. Allí conoció a compañeros estudiantes de música de Mali que se convirtieron en figuras legendarias de la música africana contemporánea cuando formaron Maravillas du Mali y compusieron el tema principal de Radio Mali en un estilo de charanga cubana. Eladio recuerda que habían asimilado gran parte de los ritmos cubanos, pero no entendían el papel del bajo. Él se atribuye el mérito de haberles enseñado las sutilezas del tumbao o "swing" del bajo, que no se pueden notar ni entender fácilmente sin comprender la estructura fundamental de la música cubana. Viajando con las Maravillas de Florida en los años 70, Eladio visitó muchos países africanos, así como Europa del Este y Oriente Medio. Como director, violinista y arreglista, pudo incorporar a su música muchas de las influencias musicales de sus viajes. Las grabaciones de las Maravillas de esta época están aderezadas con ritmos, armonías y timbres de base africana que él introdujo, dando a la charanga un aire muy afrocubano. Yosvany recuerda que cuando los Maravillas tocaban Son Wambari en bailes al aire libre, el público se quedaba en trance al oír los cantos yorubas y los conjuros familiares que invocaban a Elegua. Cuando los Maravillas hicieron una gira por África, se dieron cuenta de que mucha gente entendía el significado de las palabras de los cantos yorubas y congoleños que entonaban y que forman parte de rituales religiosos en Cuba.
El programa nacional de educación musical de Cuba ha tenido un profundo efecto en el desarrollo de innumerables músicos de talento. Cuba siempre ha tenido una gran riqueza de talento musical, pero pocos de los jóvenes de familias pobres tenían los recursos para recibir la formación formal y el tiempo de práctica que les permitieran dominar formas de música distintas de aquellas con las que tenían experiencia directa. Los hijos de Eladio Terry, Yosvany, Yoel y Yunior, han pasado por una intensa formación en conservatorios musicales, además de pagar sus cuotas en grupos de música popular, y han perfeccionado sus habilidades tocando jazz de improvisación. Camagüey ha producido recientemente una cosecha de jóvenes músicos de jazz que han cambiado la opinión de que sólo los habaneros tienen madera para tocar jazz. Yoel, Yosvany y Yunior han tocado con una amplia gama de grupos en La Habana y son los mejores en sus instrumentos para grabaciones y conciertos. Yosvany tocó con el grupo Diakara de Silvio Rodríguez, abriendo un nuevo camino en la fusión de la Nueva Trova y el jazz afrocubano. Ha grabado con Roy Hargrove y Jane Bunnett, así como la aclamada grabación Cubanismo con Jesús Alemañy. Recientemente ha estado trabajando con Steve Coleman y un innovador taller de jazz en Oakland y enseñando en el prestigioso Stanford Jazz Workshop. Sin duda, los oyentes escucharán más de este saxofonista y arreglista de 25 años en los años venideros. Yunior, el hijo menor, es un consumado bajista y violinista de la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba. Yoel, el hermano mayor, graba y toca con varios grupos, entre ellos el Grupo Perspectiva, formado por el trompetista de jazz Arturo Sandoval antes de llegar a Estados Unidos. Estos jóvenes músicos son también parte vital de muchos grupos jóvenes de jazz que están ampliando los límites de la música cubana.
Además de los miembros de la familia, contamos con la participación del pianista Iván "Melón" González. Cuando vino a la sesión como sustituto de Yosvany le miramos con escepticismo por su juventud y por la camiseta de los Chicago Bulls y la gorra de béisbol al revés que llevaba, que no parecían encajar con la imagen del pianista de jazz serio. Después de almorzar a lo grande, nos asombró con su virtuosismo y su capacidad para pasar de un estilo a otro y adaptarse a los complicados arreglos con tanta facilidad. Melón es actualmente el pianista de la banda del salsero cubano Isaac Delgado y miembro de varios combos de jazz en Cuba. La familia Terry combina la energía dinámica del nuevo movimiento del jazz cubano con las tradiciones musicales que han sobrevivido y evolucionado a lo largo de los siglos. Eladio Terry ha sido durante mucho tiempo un innovador en la música cubana, añadiendo nuevos elementos del folclore y la cultura cubanos a la música y evolucionando constantemente mientras buscaba nuevas posibilidades. Sus hijos le han seguido en este camino. La composición "Los Orishas" es una referencia alegórica a los cantos y oraciones de las ceremonias y rituales de la Santería. Esta pieza recuerda la obra de Bola de Nieve, el gran pianista cubano que mezclaba elementos de las tradiciones musicales afrocubanas con el piano de jazz y una voz grave única. "Voy Buscando Mi Destino" aúna la búsqueda existencial del movimiento de la Nueva Trova con los cantos de la religión yoruba en una emocionante mezcla en la que destaca el saxofón soprano de Yosvany. "Actitud ante el trabajo" es una canción sobre la actitud positiva ante el trabajo, un concepto con un significado diferente en una sociedad socialista. El formato de charanga swing casi se burla del llamamiento de la letra a amar tu trabajo y no llegar nunca tarde. Por otro lado, "Que Tiene Esa Cintura" es un homenaje a las caderas oscilantes de las mujeres cubanas y a la sensualidad del baile cubano. Fue un gran éxito de los Maravillas en los años 70 y se actualiza aquí con los arreglos de Yosvany.
La voz del legendario Laito adorna esta grabación con los tonos suaves que encarnan el alma de la charanga. Cantó durante años con los Maravillas y actualmente canta con varias de las mejores orquestas de charanga de La Habana. El maestro de la percusión y babalao Octavio Rodríguez se unió a nosotros como asesor musical, vigilando la sección rítmica para mantener la integridad de la clave y añadiendo bata y clave a muchas canciones. El joven y polifacético percusionista Dafnis Prieto, que ha realizado giras por Europa y toca con muchos grupos de jazz, contribuyó enormemente, al igual que John Santos, que pacientemente tocó percusión adicional, incluidos timbales y bongos, añadiendo las piezas que faltaban a este proyecto grabado rápidamente. Su experiencia y dedicación a la música cubana hicieron posible que rellenáramos los huecos sin perder la sensación de las sesiones originales_.(Gred Landau) (afrocubaweb)
Los compartimentos musicales no significan nada para David Amram, cuyas composiciones y actividades han cruzado sin miedo el mundo clásico y el del jazz, así como los del jazz latino, el folk, la televisión y la música de cine. Además de su rara especialidad (para el jazz), la trompa, Amram también ha grabado con el piano, la flauta dulce, la guitarra española y varios instrumentos de percusión.
Amram pasó un año en el Conservatorio del Oberlin College (1948), pero se licenció en Historia por la Universidad George Washington en 1952. Su larga relación con la música latina comenzó en 1951 en D.C., cuando tocó la trompa y la percusión en la banda latina de Buddy Rowell, a la vez que era trompa clásica en la Orquesta Sinfónica Nacional. Destinado con el Séptimo Ejército en Europa, Amram grabó con Lionel Hampton en París en 1955, y luego regresó a Nueva York ese mismo año para unirse al Taller de Jazz de Charles Mingus, actuando con Mingus y Oscar Pettiford. Amram dirigió un cuarteto con el saxofonista tenor George Barrow que grabó un álbum para Decca en 1957 y más tarde tocó regularmente en el Five Spot de Nueva York en 1963-1965. Sin embargo, la carrera de Amram se orientó principalmente hacia la música clásica después de la década de 1950, produciendo piezas orquestales e instrumentales, música incidental (su partitura para J.B. de Archibald MacLeish ganó un premio Pulitzer) y otras obras que atrajeron suficiente respeto como para que la Filarmónica de Nueva York lo contratara como su primer compositor residente (1966-1967).
La Habana/Nueva York. En 1977, Amram navegó en el crucero Daphne desde Nueva Orleans a La Habana con Dizzy Gillespie, Stan Getz y Earl "Fatha" Hines, que fueron de los primeros ciudadanos estadounidenses en visitar legalmente Cuba en 16 años. Se realizó una emocionante grabación en directo de "En Memoria de Chano Pozo" de Amram en La Habana con miembros de Irakere (incluidos Arturo Sandoval y Paquito D'Rivera) y varios estadounidenses de visita, que puede escucharse en el álbum Havana/New York (Flying Fish). La visita de Amram a Cuba recibió una amplia cobertura informativa en su momento y también proporcionó a muchos estadounidenses su primera visión de Irakere.
La mayoría de las grabaciones disponibles de Amram también pueden encontrarse en Flying Fish. Además, se puede escuchar al abierto Amram tocando alegres cornos franceses, flautas de pico y pianos obligatorios en algunos extraños temas de 1971 del poeta beat Allen Ginsberg (títulos de muestra: "Vomit Express" y "Going to San Diego"), que posteriormente se publicaron en el sello homónimo de John Hammond._Richard S. Ginell (allmusic)
Músico muy versátil, interesado en combinar la música folclórica de otros países con el jazz, David Amram ha grabado sorprendentemente pocos discos a lo largo de los años como líder. De hecho, este excelente conjunto de Flying Fish fue sólo su tercer álbum, y el primero desde 1957. En 1977, varios músicos estadounidenses pudieron viajar a Cuba para realizar una breve visita, lo que dio como resultado el largo "En Memoria de Chano Pozo", que combina a Amram (en la guitarra, el piano, la flauta, el penny whistle, la trompa, el xilófono y la percusión) con una sección rítmica estadounidense y dos cubanos entonces desconocidos: el contralto Paquito D'Rivera y el trompetista de 20 años Arturo Sandoval. Otras dos selecciones en el set presentan principalmente a estadounidenses (incluyendo al trompetista Thad Jones, el baritonista Pepper Adams y el tenor de Billy Mitchell) con algunos cubanos expatriados (incluyendo a Cándido y Ray Mantilla entre los percusionistas), mientras que "Broadway Reunion" tiene a Amram en la flauta sentado con una banda cubana visitante en las calles de Nueva York. Este disco poco conocido cruza varias fronteras musicales y merece la pena buscarlo._Scott Yanow (allmusic)
La cantante y compositora Elsa Valle nacida en Cuba -descendiente de una prestigiosa familia de músicos- residente ahora en Europa estudió en la mejor academia de música de La Habana Escuela Nacional De Artes donde se graduaron grandes músicos como Paquito D 'Rivera, Chucho Valdés, Arturo Sandoval, etc. Poco después de graduarse recibió su primer reconocimiento en el famoso Tropicana de La Habana. Actuó en los festivales cubanos y sudamericanos más reconocidos, mereciendo dignamente elogios de público y crítica en el famoso festival cubano “Boleros De Oro”. Su estilo se puede definir como una interesante y fantástica mezcla de canto cubano tradicional y contemporáneo. Su voz y canto es melancólico, delicioso y explosivamente improvisado al mismo tiempo. Llevó su música y su maravillosa voz a un público mundial al aparecer en jazz, Festivales latinos y pop como San Remo Festival o La Bienal Flamenco Festival. Actuó en escenarios cautivados por Estremeno, Santana, Al di Meola o los legendarios músicos cubanos del Buena Vista Social Club. Junto a José Luis Monton y su hermano, el pianista cubano Ramón Valle, colaboró en varias giras del espectáculo de baile flamenco de María Serano. Numerosas revistas, como la española “Pais” y otras, apreciaron su arte con las mejores críticas. Además de las apariciones internacionales, capturó a la audiencia con su maravillosa voz y talento también en los grandes escenarios húngaros como Pepsi Sziget, como teloneros de Omara Portuondo, Cachao Lopez o Ibrahim Ferrer. Junto a José Luis Monton y su hermano, el pianista cubano Ramón Valle, colaboró en varias giras del espectáculo de baile flamenco de María Serano. Numerosas revistas, como la española “Pais” y otras, apreciaron su arte con las mejores críticas. Además de las apariciones internacionales, capturó a la audiencia con su maravillosa voz y talento también en los grandes escenarios húngaros como Pepsi Sziget, como teloneros de Omara Portuondo, Cachao Lopez o Ibrahim Ferrer.
Junto a José Luis Monton y su hermano, el pianista cubano Ramón Valle, colaboró en varias giras del espectáculo de baile flamenco de María Serano. Numerosas revistas, como la española “Pais” y otras, apreciaron su arte con las mejores críticas. Además de las apariciones internacionales, capturó a la audiencia con su maravillosa voz y talento también en los grandes escenarios húngaros como Pepsi Sziget, como teloneros de Omara Portuondo, Cachao Lopez o Ibrahim Ferrer. Ella ganó el premio especial del Festival Lyra. Recientemente trabaja con su propio grupo manteniendo viva la tradición cubana cantando el jazz en su estilo único mezclándolo con el ritmo y melodías de la música cubana. En sus más recientes grabaciones -que tuvieron gran éxito en Europa- discos Mi Gente y Abracadabra y Salsa y Picante toca con músicos de jazz tan destacados como Ramon Valle, Omar Rodríguez Calvo, Armando Vidal, y el más grande cantante de jazz europeo Gabor Winand. Elsa Valle recibió gran aprecio de los periodistas musicales de todo el mundo, su trabajo admirado por Latin Beat Magazine, entre otros ganó el premio especial del Festival Lyra, y con su último disco "Salsa Y Picante" ganó el premio a la Mejor del Caribe. Álbum y Mejor Canción del Caribe en 2009. Just Plain Folks Music Awards._(allaboutjazz)
El Grupo de Jazz Latino de Elsa Valle combina elementos del estilo de la música latina con un alto nivel de armonía y melodía de jazz.
La formación se formó en 2003 bajo el liderazgo de la cantante Elsa Valle, quien nació en Cuba y actualmente vive en Budapest. La orquesta toca la excelencia de la vida del jazz húngaro, intérpretes que intentan inspirarse en una amplia gama de lenguajes y tradiciones musicales y crear un mundo nuevo y original utilizando estas enormes posibilidades del jazz improvisado.
La confianza en el escenario y la sugestión de Elsa han conquistado a los amantes de la música dondequiera que haya aparecido hasta ahora.
Este es el segundo disco de Elsa Valle grabado en Hungría, para el que también pidió el refuerzo de su banda latinoamericana en la persona de su hermano, el pianista Ramón Valle, el percusionista Armando Vidal y el bajista Omar Rodríguez Calvo, pero el contingente húngaro Gábor, Kristóf Bacsó, que toca el saxofón soprano, alto y tenor, e István Fekete, el trompetista, también suenan completamente auténticos.
Elsa es una intérprete tan fuerte y abrumadora que, lo cual es muy raro, en muchos casos sobresale en condiciones de estudio inevitablemente estériles y en varias grabaciones evoca la atmósfera de los conciertos espeluznantes del sonido. El material consta de composiciones geniales y completamente frescas, una a una de la propia Elsa.
Elsa Valle Latin Jazz Syndicate - Abracadabra (2005)
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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