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domingo, 19 de julio de 2015

Oskar Cartaya - My Music, My Friends, My Time


El título del primer disco en solitario del bajista Oskar Cartaya, My Music, My Friends, My Time, podría parecer ostentoso después de leer la lista de créditos. El personal del lanzamiento de 2004 se lee como una guía aproximada de los chicos malos y los chicos malos del jazz latino. Solo la sección de percusión, que incluye a Giovanni Hidalgo, Bobby Allende, Alex Acuña y Marc Quiñones, va más allá del estatus de equipo de ensueño. Es difícil creer que cualquier jugador pueda contar con un equipo así entre sus "amigos". Todas las dudas se eliminan después de echar un vistazo a la propia lista de créditos de Cartaya, que es incluso más impresionante que su lista de amigos personales. De alguna manera, logrando volar por debajo del radar del estrellato de la fusión latina, Cartaya ha estado jugando para y con los nombres más importantes y los jugadores más malos del género. Cartaya le da un muy buen uso a su alineación estelar, tal vez incluso dándoles una oportunidad por su dinero. Con ritmos esquivos y lánguidos y un tiempo de transformación regular, está claro que las composiciones de Cartaya vienen de abajo hacia arriba. Dejando a un lado algunas fuentes de sonido anticuadas de los 80, la música es increíblemente atractiva y la escritura a menudo es tan sofisticada como la interpretación. Desde Charles Mingus hasta Ray Brown, los bajistas a menudo han sido algunos de los mejores escritores de jazz, y Cartaya es una excelente prueba moderna. Aunque este jugador relativamente desconocido probablemente no obtendrá el reconocimiento, My Music, My Friends, My Time podría ser uno de los mejores lanzamientos de jazz latino de la década._Evan C. Gutierrez (allmusic)

Nacido en Nueva York y criado en Bayamón, Puerto Rico, Oskar Cartaya estaba determinado en convertirse en atleta profesional como su abuelo, Raúl Álvarez, que jugó para un equipo cubano. 'Entonces, un día, cuando tenía diez años, salí y le dije a todo el mundo que iba a ser músico’, recuerda. ‘No sé porqué-nadie en mi familia tiene oído. Creo que simplemente me hipnotizó la música’.
Le dieron una pequeña guitarra, una batería de niño y un teclado. A los doce años, se decidió por tocar el contrabajo. Un año después le invitaron a matricularse en la Escuela Libre de Música local. A la misma vez, estudiaba con el director de la banda municipal de Bayamón. Su talento también le ganó un lugar en la banda. Pero había un problema: era una banda de marcha, y el tocaba el bajo eléctrico. Así que el tocaba tambores mientras marchaban y tan pronto se detenían, salía el bajo con todo y amplificador. Sin embargo, al anunciar que lo habían aceptado en la Escuela Libre de Música, el director, molesto por perder un pupilo preferido, lo despidió.
La vida en la Escuela Libre de Música, sin embargo, fue más que consuelo. Sus maestros incluyeron varios de los principales músicos puertorriqueños y sus compañeros estudiantes están entre los principales artistas latinos y de Jazz de hoy.
El Jazz abrió sus oídos a una nueva expresión. Tan pronto cumplió 18, Oskar se dirigió a Los Angeles y el Musicians Institute of Technology, donde pasaba horas trabajando en su bajo---una dedicación que le mereció un premio como Músico Destacado del Año. En menos de dos años después de graduarse, estaba dando clases en la escuela y tocando con nombres como Joe Sample, Alex Acuña y Justo Almario.
Se mudó a Nueva York en 1984. El desaparecido pianista argentino Jorge Dalto lo contrató, y tocó y grabó con Tito Allen, Willie Colon, Ruben Blades, Celia Cruz, Dave Valentin, tal como lo había imaginado de niño en Puerto Rico. Sirvió como director musical de Willie Colon por dos años y de Tania Maria entre 1987 y 1988.
Se unió al grupo de jazz contemporáneo Spyro Gyra en 1988. Luego de cuatro años con el grupo, Cartaza regresó a Los Angeles a proseguir sus propios proyectos. Además de componer y arreglar, salió de gira con Robbie Robertson, el pianista de Latin jazz Eddie Palimeri y la cantante de R&B Deniece Williams.
Su album más reciente, My Music, My Friends, My Time, ha sido recibido con muy buenas críticas. Dice Oskar: ‘No creo que el mundo necesite otro album de bajo, pero si pienso que necesita una conciencia de que los músicos latinos pueden hacer cosas diversas y luego escoger regresar a sus raíces’. Cuando Oskar Cartaya toca los acordes de la creatividad, uno nunca sabe que puede suceder.
                                                                                 
                                                                                        

Oskar Cartaya - My Music, My Friends, My Time (2004)

Temas:
01. El Yunque
02. Latination
03. Lamento
04. Danzon Pa' Mi Viejo
05. O-Town
06. Jammin
07. Comecar De Novo
08. Pa' Que Aprenda
09. Spy Song
10. Tio
11. Taino Groove
12. Da' Break
13. Cuero Y Cuerda
14. Giova Talks - (bonus track)

Musicos:
Oskar Cartaya (Bajo)
Claudia Acuña (Voz)
Ron DeJesus, Rafael de Jesus, Ramón Stagnaro (Guitarra)
Alfredo de la Fé (Giolín)
Danilo Lozano (Flauta)
Justo Almario (Saxo)
Humberto Ramírez (Trompeta)
Arturo Velasco (Trombón)
Otmaro Ruíz (Piano, teclados)
Eddie Palmieri, Joe Rotondi, Jr. (Piano)
Fin Johnston (Piano Fender Rhodes, teclados)
Nick Smith, Rique Pantoja (Peclados)
Alex Acuña (Batería, percusión)
Tony Cintron, Jr., Sergio González, Tal Bergman (Batería)
Michito Sánchez (Congas, guiro)
Bobby Allende (Congas)
Rafael "Tito" DeGracia (Bata, timbales, percusión)
Luis Conte (Maracas, timbales, percusión)
Marc Quiñones (Timbales, percusión)
Fausto Cuevas (timbales)
Kevin Ricard (Percusión)
Dave Valentin (Flauta)
Kirk Whalum (Saxo)
Sheila E. (Batería, percusión)
Giovanni Hidalgo (Congas)

sábado, 18 de julio de 2015

Fernando Gelbard - Didi


Si me pidieran que nombrara a algunos grandes músicos de jazz argentinos, probablemente me quedaría en blanco después del Gato Barbieri, pero este bonito vinilo ha añadido un par más a la lista. Fernando Gelbard tocaba el piano con el tenorista Horacio Borraro, cuyo cuarteto ofrecía una visión ardiente, aunque poco original, del período modal de Coltrane a mediados de los 60. En 1974, Fernando se hizo con un Moog, un Fender Rhodes y un bonito jersey de cuello de polo, se asoció con una sección de percusión de tres hombres y arrastró a su antiguo jefe Horacio para que tocara algunos temas.
Didi comienza de forma poco prometedora con "Hola Didi", un trozo de bossa suave como un malvavisco que apesta a salón de hotel. Tiene una especie de encanto kitsch, pero justo cuando estás pensando "bueno, está bien pero no podría comerme una entera" llega "El Señor Mayor". El piano eléctrico de Gelbard, reflexivo y relajado, y las ocasionales ráfagas de sintetizador, cabalgan sobre un swing satisfactoriamente insistente, mientras que un Borraro sobregrabado acumula algunas ráfagas feroces de saxo tenor. Gelbard opta por un tono suave y nublado en su piano eléctrico, a veces pasándolo por un pedal wah wah para algunas puñaladas funky. Es un músico delicado, pero extravagante; sus escarceos con el sintetizador en el solo "Mojo Uno" tienen un toque de Sun Ra. 
Borraro tiene un mayor protagonismo en la segunda cara, y los percusionistas cambian las cosas con algunos ritmos latinos dulces y extravagantes, especialmente en "Alevecolaries", que tiene algo de la intensidad de una sesión de Pharoah Sanders Impulse.
"Sombrero de Flores" retoma el territorio de la bossa, pero la percusión lo endurece un poco, animando al líder a poner un poco más de mordiente en sus improvisaciones. El final, "Chau Ambrosio", permite a Gelbardo y Borraro disfrutar de un solo derivado del bebop; el Rhodes del líder recuerda los experimentos tentativos de Bill Evans con la electrificación..._Peter Marsh (bbc) 

                                                                                
                                                                              

Fernando Gelbard - Didi (Original Analog Master, Bonus Tracks) (1974)

Temas:
01. Didi (Hola Didi)
02. El Senor Mayor
03. Mojo 1
04. Alevacolariea
05. Havana Nights
06. Flowers (Sombrero De Flores)
07. Chau Ambrosio 
08. Alevacolariea (Alternate Mix)

Musicos:
Fernando Gelbard (Fender Rhodes, Minimoog)
Ricardo Salas (Bajo)
Miguel "Chino" Rossi (Percusión, cuica)
Rubén Rada (Congas, surdo, percusión, voz)
Horacio "Chivo" Borraro (Saxo tenor)
Norberto Minichilo (Batería)

jueves, 16 de julio de 2015

Lisa Ono - Romance Latino Vol.2



Lisa Ono es una de las mejores intérpretes japoneses de la bossa nova contemporánea. Un cantante, violonista (guitarrista acústico), y compositor, que ha tenido sus discos editados a nivel internacional. Hasta la fecha, ha grabado 12 álbumes (Catupiry, 1989; Nana, 1990; Menina, 1991; Serenata Carioca, 1992; Namorada, 1993; Esperança, 1994; Minha Saudade, 1995; Río Bossa, 1996; Essencia, 1997; Bossa Carioca , 1998; Dream, 1999; y Pretty Mundial, 2000), con apariciones especiales de los mejores artistas como Tom Jobim, Sivuca, Paulo Moura, Danilo Caymmi, y Toots Thielemans. 
Después de haber vivido en Brasil hasta que ella tenía diez años, que se aprovechó de las conexiones de su padre - que era dueño de un club nocturno en la ciudad de São Paulo y fue gerente de Baden Powell. Volviendo a Japón, abrió la discoteca Saci Pererê, donde Lisa Ono comenzó a realizar el repertorio brasileño, especialmente la samba y la bossa nova. También fundó la etiqueta Nanã, que promueve la música brasileña en Japón._Alvaro Neder (allmusic) 

Más información relacionada





Lisa Ono - Romance Latino Vol.2 (2005)

Temas:
01.Historia de un Amor
02.Eclipse
03.Drume Negrita
04.Sabor a Mi
05.Aquellos Ojos Verdes / Green Eyes
06.Esta Tarde Vi Llover
07.Solamente una Vez
08.Acalanto de Amor
09.Tu Mi Delirio
10.Siempre en Mi Corazon    

domingo, 12 de julio de 2015

John Santos - Omar Sosa - La Mar



Omar Sosa, piano, voz hablada; John Santos, batá, juguetes, campanas, coro, agitadores y demás percusiones; Guillermo "Negro" Triana, voz principal, coro, clave; Lázaro Rizo, coro, voz hablada; Rahsaan Fredericks, bajo; María Márquez, voz; Andy Narell, steel pans.

I no podía esperar para poner este. La idea de John Santos, colaborando con el gran Omar Sosa es suficiente para que cualquier fan de Latin Jazz alegre. 

No me decepcionó. Aparece la primera canción como sintonía de "Niño Santo" un Afro-Cuban folklore, sin embargo suena como una melodía de mi infancia llamada "Frére Jacques" (hermano John). Comienza con una simple repetición del tema y luego procede a permitir Omar Sosa a pintar un hermoso solo de piano, antes de que la pieza migra en una inquietante historia vocal acompañada por percusiones y entonces se descolora lejos en el final. 
La pista del título, "La Mar" es como las notas del trazador de líneas sugieren, más de gran alcance espiritual. María Márquez vocal en esta canción literalmente hecho gallina subida en mis brazos. Jugué este uno sobre varias veces. 

Este es un CD de nueve pista. Dos piezas compuestos por Sosa, tres Santos y Sosa, dos de Sosa y Santos y dos Afro-Cuban folk tunes.by Haybert K. Houston




John Santos-Omar Sosa - La Mar (2002)
Temas:
01. Niño Santo
02. Angustia
03. La Mar
04. El Comentario
05. Abuela
06. De Allá Lejos
07. Toridanzon
08. Nganga
09. Indio 

Información cedida por Hector Guillermo Copete

sábado, 11 de julio de 2015

Michael Phillip Mossman & WDR Big Band Cologne-Misa Afro Cubana



Un trompetista de bop duro fino con una amplia gama, Michael Mossman ha demostrado para ser un activo para muchas sesiones de balanceo. Un músico flexible, recorrió Europa en 1978 con una orquesta dirigida por Anthony Braxton y tocaron en dos tours con Roscoe Mitchell. Pero Mossman en un entorno más lógico cuando estaba con Lionel Hampton (1984) y durante un mes que tocó con mensajeros del Jazz de Art Blakey. Tocó con Machito y Gerry Mulligan en 1985 y luego giras y grabó con de la nada (OTB). Mossman tocaba trompeta principal orquesta de Jazz de Toshiko Akiyoshi, en grupo de Horace Silver (1989-1991) y fue miembro del renacimiento de Gerry Mulligan de la banda Cool (1992). Además, recorrió con orquesta de la nación unida de Dizzy Gillespie, la superbanda de Philip Morris y orquesta de maestros de Jazz de Slide Hampton. También ha tocado con las bandas de jazz latinas Eddie Palmieri, Michel Camilo y Mario Bauza. Michael Mossman co condujo sesiones de EGT and Red y tuvo un lanzamiento 1995 en Claves. __Scott Yanow (allmusic)


La religión santería, que se transmite de boca en boca de una generación a la siguiente, todavía se practica en cerca de ochenta por ciento de todos los cubanos. En este conjunto de creencias, origen de la religión de la tribu Yoruba en Nigeria, sino también incorporando elementos del catolicismo romano, un papel central se juega por el llamado Orishas. Estos espíritus o dioses encarnan diversas manifestaciones de la gran dios creador Obatalá (también llamado Orichanla) y además de simbolizar las fuerzas de la naturaleza. Para los seguidores de la religión santería, los Orishas, ??que una vez trajo esclavos desde África hasta el continente americano, no son poderes distantes sino seres que son llamados en la vida diaria para ayudar a resolver una variedad de problemas, más bien como los santos cristianos.

En las ceremonias de santería, la música es particularmente importante. En estos rituales, se supone que los ritmos febriles para establecer contacto entre los dioses y los seres humanos mediante el envío de los fieles bailando en un trance. Durante mucho tiempo, Michael Philip Mossman ha estado fascinado por el poder espiritual de este culto. A principios de 1990, el percusionista Daniel Ponce le preguntó a participar en un álbum llamado "Changó te Llama" dedicado al dios Changó; esto le dio una impresión duradera de la Santería. En 1992 fue parte en los últimos discos que Mario Bauzá grabó para el sello Messidor, y organizó una serie de elementos de santería (por ejemplo, en la canción "Canto Lucumí"). En 2001, en su álbum conceptual "El Orisha Suite", Mossman, trompetista, jugador fliscorno y trombón de vez en cuando, una vez más, se trataron los temas religiosos y dio una interpretación musical de las características de una serie de Orishas.

En "Misa Afro Cubana" que una vez más rinde homenaje a los seres del panteón. Junto con la WDR Big Band y un número de solistas destacados, Mossmann, compositor, arreglista y director de orquesta, todo en uno, celebra una masa afrocubana en honor de los Orishas. La pista "La Justicia de Oyá" se trata de Oyá, la diosa del viento. "Yemayá por Luz de la Luna" cuenta una historia musical de Yemayá, la patrona de los marinos; por último, "Orichanla" está dedicado al gran padre de todos los Orishas y toda la raza humana.

Una de las prácticas más importantes de la religión santería es el diálogo con los antepasados ??muertos, que Mossmann refiere en su furiosa álbum abridor de "La Llamada de los Antepasados". Con la ayuda de un ritmo intrincado América y latón voladura, Orisha Ellegua, que guarda la puerta del reino de los muertos, se le pide ponerse en contacto con los antepasados. Sobre el tema de los antepasados: en "Mario's Lullaby" Mossman paga sus respetos más profundos a Mario Bauzá, su gran maestro, que le enseñó en sus primeros años de la escuela: esta canción de cuna es su manera de hacer contacto con una persona muerta en particular.

Mossman fue capaz de ganar amigos músicos para su ambicioso proyecto de sonido "Misa Afro Cubana". El WDR (Westdeutscher Rundfunk) Big Band ha durante sesenta años fue un popular "made in Germany" de exportación, valorado por los amantes de la música en todo el mundo. Este conjunto popular, que se deriva de la Colonia Danza y Light Orchestra (fundada en 1947), lleva a cabo con los más altos estándares internacionales. Los "agregados culturales de las orillas del Rin" versátiles comando todos los estilos musicales, desde las normas de swing para experimentos de vanguardia. Y ellos están familiarizados con el género del jazz latino, como lo demostraron tan bien junto a Paquito D'Rivera en 2003. Ese espléndido ejemplo de cooperación musical titulado "Big Time Band" fue recompensado poco después con una nominación al Grammy.

Junto con el trombonista Juan Pablo Torres (Tito Puente, Eddie Palmieri y Los Van Van) y el percusionista Pernell Saturnino (Joe Zawinul, Gilberto Gil) de la isla caribeña de Curazao, Mossman logró alistar a otros músicos de alto calibre para participar en "Misa Afro Cubana ". El baterista Mark Walker es otro músico superior que ha hecho su nombre como un verdadero maestro "percusión latina"; encendió su fuego rítmico en su álbum en solitario "Tambores Latina - El Ritmo De Las Américas", tamborileó en producciones de CD de Oregon "paso del noroeste" y "Oregon En Moscú", estuvo de gira con Andy y Dave Samuels Narell y en el curso de su carrera ha sido invitado a unirse a Milton Nascimento, Ivan Lins, Michael Brecker y muchos otros.


El vocalista en el micrófono delante es Xiomara Laugart. Ella es una "Guantanamera" nativo, lo que significa que ella viene de Guantánamo, la provincia más oriental de Cuba. Después de ganar el concurso de "Adolfo Guzmán" grabó una serie de álbumes de éxito en su propio nombre y pronto sus compatriotas se refirió cariñosamente a ella como "La Negra". Deseando ampliar sus horizontes, Laugart, que es miembro del movimiento "Nueva Trova", dejó su país de origen y se fue hacia el mundo de ancho; ella se quedó en Roma por un tiempo y ha vivido en Nueva York durante los últimos años, donde rápidamente progresó a ser un vocalista codiciados. Después de lanzar CDs con el Yerba Buena colectiva y encontrarse con compañeros de músicos como Kip Hanrahan, Jacky Terrasson, Carlinhos Brown, Arto Lindsay y el Fun Loving Criminals, este cantante excepcional comenzó una notable carrera como actor de teatro; desde agosto de 2007 ha desempeñado el papel principal en el off-Broadway musical "Celia: La vida y música de Celia Cruz"; cada noche se pone el manto de su legendario compatriota, recibiendo comentarios eufóricos de la critics._(in-akustik)

Más informacion relacionada





Michael Phillip Mossman & WDR Big Band Cologne-Misa Afro Cubana (2008)

Temas:
01. La Flecha En Le Viento
02. La Llamada De Los Antepasados
03. La Justicia De Oya
04. Las Aguas Caprichosas
05. Atestasion
06. Orichanla
07. Yemaya Por Luz De La Luna
08. Mario's Lullaby
09. Las Almas Gemelas 

miércoles, 8 de julio de 2015

Maracaibo Oriental - Maracaibo Oriental


No puede parar: incluso en la vejez, José Artemio Castañeda, alias Maracaibo, no para. Aunque ya tiene unos ochenta años (se desconoce su fecha exacta de nacimiento), este famoso intérprete de tres podría retirarse y disfrutar del sol cubano desde su tumbona, pero nada más lejos de su mente y sus dedos siguen moviéndose. Con una energía incesante, sigue recorriendo el mundo para tocar en conciertos o festivales, y entre medias se mete en un estudio de grabación para contribuir a que el patrimonio cultural de su patria no caiga en el olvido.
"Maracaibo Oriental" es otro álbum en el que actúa como preservador de los tesoros culturales nacionales. Este álbum ofrece la quintaesencia de la música cubana, ya sea en números alegres para cantar ("Estoy como yo quería") o en temas bailables, respaldados por instrumentos de viento ("Como mi son", "Quiéreme amor", "Si al besarte"), baladas románticas ("No tuve la culpa", "Como te extraño") e irresistibles melodías pegadizas ("Yamile").
Junto con los músicos que dan excelentes prestaciones de sus composiciones, Maracaibo demuestra aquí su talento como músico tres virtuosos; a pesar de su edad sus ágiles dedos se deslizan fácilmente sobre el diapasón de tres. Con su hábil juego lleva en la gran tradición de treseros cubanos (Nené Manfugás, Arsenio Rodriguez, Isaac Oviedo, Nino Rivera, Jorge Cabrera) con notable serenidad. El tres es un instrumento algo como una guitarra con tres cuerdas dobles (seis en total), que desempeñó un papel crucial en el desarrollo del son cubano. Musicólogo presume que este hermano menor de la guitarra española se originó entre la gente campesina de la provincia de Oriente (ahora Santiago de Cuba). 
Junto a los músicos que interpretan de forma excelente sus composiciones, Maracaibo demuestra aquí su talento como virtuoso del tres; a pesar de su avanzada edad, sus ágiles dedos se deslizan con facilidad sobre el diapasón del tres. Con su habilidad, continúa la gran tradición de los treseros cubanos (Nené Manfugás, Arsenio Rodríguez, Isaac Oviedo, Nino Rivera, Jorge Cabrera) con notable serenidad. El tres es un instrumento parecido a la guitarra, con tres cuerdas dobles (seis en total), que desempeñó un papel crucial en el desarrollo del son cubano. Los musicólogos suponen que este hermano menor de la guitarra española se originó entre los campesinos de la provincia de Oriente (actual Santiago de Cuba).
José Artemio Castañeda también nació y creció allí. Aprendió a tocar el tres a los ocho años. Su padre era bongocero, y desde muy pronto tocaban juntos con regularidad. El joven José comenzó su carrera profesional con Arquimides Soto y Jorge Montero en el Trío Juvenil y más tarde trabajó con Roberto Duanes, Carlos Delgado, Los Pachucos, Quiniquini y las Estrellas Cubanas. Conoció a Ibrahim Ferrer y a Compay Segundo (ahora famoso a través del Buena Vista Social Club) y a los Soneros de Verdad, por mencionar sólo algunos de los momentos más destacados de su vita. También realizó un trabajo muy creativo con Caridad Hierrezuelo, una de las voces más significativas de Cuba. La colaboración musical con ella dura ya más de cincuenta años (y puede escucharse en el álbum "Con sabor").
Beny Moré conoció a José Artemio Castañeda por primera vez en una emisora de radio de Santiago de Cuba, y gracias a él Castañeda adoptó el nombre artístico de Maracaibo. A este veterano de la música todavía le gusta contar cómo surgió. La historia es la siguiente: En algún momento de los años 50, José Artemio Castañeda estaba actuando con su banda de la época en Jutinicú, una zona rural, y animando al público a bailar. En medio del espectáculo, un guajiro borracho (como se llama a los campesinos y plantadores de tabaco en Cuba) se le acercó balbuceando: "¡Mulato, toca el Maracaibo!". Maracaibo no es sólo el nombre de la segunda ciudad más grande de Venezuela, sino también un ritmo musical del país. Las canciones que más les gustaban a Castañeda y a sus compañeros de banda eran de Celia Cruz, la Sonora Matancera y el Conjunto Casino, canciones todas ellas populares en aquella época, y no querían apartarse de su repertorio habitual sólo para complacer a un campesino borracho. Sin embargo, la experiencia inspiró al tresista a componer "Maracaibo Oriental". Después de que José Artemio Castañeda se trasladara de Santiago a La Habana, llevó la partitura de la canción a Beny Moré en su casa del barrio de La Cumbre. Beny no tardó en grabar el número en su estudio y consiguió un gran éxito. Después, cuando le preguntaban quién había escrito su número de éxito, respondía: "José Maracaibo". Al principio era una broma, pero pronto todo el mundo le llamaba Maracaibo. Al principio se sintió ofendido y se quejó a Beny Moré, que le explicó que no era un término despectivo, sino que le había dado, al autor de "Maracaibo Oriental", un nombre artístico distintivo.
Poco a poco, a José Artemio Castañeda le fue gustando su nuevo nombre, y ahora, por supuesto, medio siglo después, lo lleva con orgullo. Todo el mundo le llama ahora Maracaibo y está encantado de que el músico del insólito seudónimo siga haciendo apariciones en directo, como en la gira "El bar de Buena Vista". Como miembro de la célebre revista musical, en los últimos tres años Maracaibo ha dado la vuelta al mundo en compañía de las también envejecidas leyendas Guillermo "Rubalcaba" Gonzáles y Reynaldo Creagh. Los abuelos de la música cubana fueron recibidos con los brazos abiertos en todas partes. Tarde tras tarde, "El Bar de Buena Vista" encantó a su público con música de son tradicional, mientras las faldas de las bonitas y jóvenes bailarinas giraban, los cubitos de hielo tintineaban en las copas de cóctel y las nubes de humo se elevaban de los gordos puros de La Habana de los años cincuenta.
Pero lo que más fascinó a las cerca de 300.000 personas que acudieron a ver el espectáculo fue la notable vitalidad de estas maduras leyendas de la música cubana. Y es esta vitalidad la que hace del disco "Maracaibo Oriental" un acontecimiento inolvidable. La música de son de su tierra natal sigue palpitando inconfundiblemente por las venas de Maracaibo y sus tres solos son impresionantes como siempre. Simplemente brilla con vida. Con la edad o sin ella, ¡no hay quien pare a este hombre!_(in-akustik)
                                                                  
                                                                           

Maracaibo Oriental - Maracaibo Oriental  (2009)

Temas:
01. Como Mi Son
02. Como Lo Pediste
03. Estoy como yo Queria
04. Quiereme Amor
05. No Tuve La Culpa
06. Yamile
07. Nadie Puede Lo Negar
08. Imposible Vivir Sin Ti
09. Si Al Besarte
10. Como Te Extrano
11. Maracaibo 
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
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De donde viene el nombre de L'Ostia???

A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados.
Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta.
Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio.
Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.

No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.

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