Arturo Sandoval (Artemisa, 6 de noviembre de 1949) es un trompetista y pianista cubano de jazz. Sandoval ha recibido 9 premios Grammy y ha sido nominado 17 veces. El tambien ha ganado 6 premios Billboard y un premio Emmy. Sandoval comenzó a estudiar música a la edad de 13 años. Tras probar suerte con varios instrumentos musicales, finalmente se decidió por la trompeta. Después de su servicio militar ayudó a fundar el grupo Irakere con el saxofonista Paquito D'Rivera y el pianista Chucho Valdés, y se convirtió en el conjunto de jazz más importante de Cuba. Tuvieron un gran éxito mundial y su presentación en 1978 en el Festival de Jazz de Newport en Nueva York los introdujo al público americano. Tras este éxito, huyó de Cuba y vivió autoexiliado en Miami, donde se convirtió en profesor de la Universidad Internacional de Florida y pronto grabó su primer disco en EE. UU. con el título: "Flight to Freedom" para el sello GRP. El gran talento musical de Sandoval ha sido asociado con muchos músicos, pero sin duda el más importante sería Dizzy Gillespie a quien Sandoval considera su padre espiritual. Gillespie es considerado como uno de los grandes difusores de la música afro-cubana, y fue determinante en la posterior carrera de Sandoval. Los dos músicos se conocieron en Cuba en 1977 cuando Gillespie hacía actuaciones improvisadas por el Caribe con el saxofonista Stan Getz. Debido a la situación política, Cuba había estado aislada de los músicos americanos durante varios años. Gillespie quería saber qué clase de música se hacía allí, entre otras su guaguancó. Sandoval se ofreció de particular cicerone musical, y posteriormente le confesaría que él mismo también era músico. Arturo Sandoval en el Hard Rock Cafe, de Times Square, NYC. Además de su larga trayectoria en el mundo jazzístico, Arturo Sandoval tiene también una carrera musical como intérprete clásico. Su grabación "The Classical Álbum", contiene conciertos para trompeta de Hummel y Mozart así como su propio Concierto Para Trompeta y Orquesta. Sandoval ha participado como compositor e interprete en varias bandas sonoras de cine, como "Vampiros en La Habana I", "La Familia Pérez", "Los Reyes del Mambo" y "La Habana". La propia vida de Sandoval también fue llevada al cine en el año 2000 e interpretada por Andy García, con el título "For Love or Country: The Arturo Sandoval Story". Este drama biográfico fue producido por HBO.
En abril de 2006, Arturo Sandoval abrió un local musical en Miami Beach con el nombre de The Arturo Sandoval Jazz Club. Por su escenario han pasado desde artistas locales hasta figuras internacionales del mundo del jazz como Joshua Redman, Roberta Flack, Roy Haynes, Omar Sosa, The Bad Plus, Moe Goldstein y Danilo Pérez o el mismo Sandoval. En Cuba, Sandoval, aunque recordado con cariño por las generaciones mayores, ha recibido numerosas críticas por su fuerte oposición al concierto que ofreció el cantante Juanes en La Habana._wikipedia.org
Nacido el 22 de octubre de 1928 en Durand, Michigan, Clare Fischer es un músico extraordinariamente versátil, un maestro con muchas musas. Formado en los clásicos, inspirado por artistas de jazz, curado por los ritmos de la música latina y brasileña, su sonido ecléctico encuentra expresión en cada tabla e instrumento que toca.
Músico de estudio veterano y compositor de calidad excepcional, Fischer comenzó sus estudios en Grand Rapids, Michigan, en South High School con el director de música Glenn Litton. Después de obtener su maestría en composición de la Universidad Estatal de Michigan, donde estudió con el Dr. H. Owen Reed, viajó extensamente con "The Hi-Lo's" como pianista y director durante 5 años. Casi al mismo tiempo, su ascenso musical comenzó con sus arreglos aclamados por la crítica para "A Portrait of Duke Ellington" de Dizzy Gillespie. Las influencias de Fischer, absorbidas en el camino, son tan distintas como su música: Stravinsky y Shostakovich, Bartok y Berg, Dutilleux, el pianista de boogie-woogie Meade Lux Lewis, Nat “King” Cole, Duke Ellington, Bud Powell y los primeros Lee Konitz - Fischer la autoexpresión no conoce fronteras.
“Me identifico con todo”, explica. “No soy solo jazz, música latina o clásica. Realmente soy una fusión de todos esos, no la fusión de hoy, sino mi fusión ".
En 1983, el concertista clásico Richard Stoltzman encargó a Fischer que escribiera una obra sinfónica utilizando temas de Duke Ellington y Billy Strayhorn. La composición resultante, "The Duke, Swee’pea and Me", presenta a Stoltzman al clarinete y se interpreta con orquestas sinfónicas de todo el mundo. Más recientemente, Stoltzman le encargó a Fischer que escribiera una “Sonatina para clarinete y piano” en tres movimientos, que ha grabado con RCA en su álbum “American Clarinet” y que está siendo publicada por Advance Music en Alemania.
En 1986, Clare ganó su segundo premio Grammy, este por su álbum, "Free Fall", el primero lo ganó en 1981 por su álbum, "Salsa Picante plus 2 + 2". Desde entonces, ha pasado más tiempo como educador de jazz, realizando conciertos de piano solo y dirigiendo clínicas y clases magistrales en universidades y conservatorios de música en Escandinavia, Europa y en todo Estados Unidos.
En los últimos años, Clare ha actuado en París, Suiza, Croacia, Finlandia, Noruega, Alemania con la WDR Big Band, Holanda con la Metropole Orchestra, Austria en Graz y en la Konzerthaus de Viena y en la Ciudad de México en la Sala de Conciertos Ollin Yolítzli. en un concierto conmemorativo de la música de Antonio Carlos Jobim en el aniversario de su muerte en diciembre de 1996. En 1998 también actuó en el Festival del Choro con Hélio Delmiro en Sáo Paulo, Brasil y regresó en julio de 2000 para una gira por tres ciudades. en ese país con Delmiro.
Además de Dizzie Gillespie, Fischer ha escrito para Cal Tjader, George Shearing, Diane Schuur, Natalie Cole, Prince, Chaka Khan y Rufus, The Jacksons, Earl Klugh, Prince, Robert Palmer, Paul McCartney, Michael Jackson, Spike Lee, João Gilberto, Paula Abdul y, más recientemente, Brian McKnight, Regina Belle, J. Spencer, Norman Whitfield, Branford Marsalis, Tori Amos, un grupo francés - "Charts", un grupo japonés - "Sing Like Talking", Vanessa Williams, Brandy, Tony! ¡Toni! ¡Tono! y muchos otros. Sus arreglos para cuerdas son verdaderamente una revelación.
Desde el comienzo de su carrera profesional, Fischer ha grabado más de 45 álbumes como líder y ha arreglado, compuesto y / o tocado en otros 100 álbumes para otros artistas. Su discografía se lee como un "Quién es quién" de la industria discográfica. Los lanzamientos recientes incluyen "Clare Fischer’s Jazz Corps", un álbum de big band compuesto por 20 metales, 6 instrumentos de viento de madera más ritmo; y “Symbiosis”, grabada con Hélio Delmiro en guitarra brasileña sin amplificación y Clare en piano digital. En enero de 2001, Fischer produjo su primer CD clásico, “After the Rain”, compuesto íntegramente por sus propias obras sinfónicas. A esto le siguieron sus últimas grabaciones, "On a Turquoise Cloud", en 2002 con un coro de clarinete completo, "Introspectivo", una grabación para piano solo en 2005, y en 2006 su última grabación para coro de clarinete, "A Family Affair".
En diciembre de 1999, la Escuela de Música de la Universidad Estatal de Michigan otorgó un Doctorado Honorario en Bellas Artes a Clare en reconocimiento a su "creatividad y excelencia como compositor, arreglista e intérprete de jazz".
Clare tiene tres hijos mayores; Lee, Brent y Tahlia. De los tres, es Brent quien se ha convertido en el compositor para continuar con la tradición de escritura de su padre, y también es el bajista habitual de Clare y su manager.
En cuanto a este álbum en particular, Clare escribe: “Cuando la mayoría de la gente piensa en Latin-Jazz, invariablemente se refieren a ritmos de Cuba. Igualmente importantes son los de Brasil que componen una gran parte de este álbum. Sin embargo, no considero que toco música “cubana” o “brasileña”, sino que uso el sentimiento de ambos para mis propios fines. A la luz de este enfoque personal, encontrará música en escenarios inusuales. “Considero que 'Clare Fischer y sus amigos' (seis cantantes y todos los músicos) son parte de un grupo. Este no se considera un grupo de cantantes con músicos de respaldo, todos somos uno. Este es un disco de jazz y las voces se convierten en instrumentos en relación al grupo.
“Espero que disfrutes de esta música. Pasé un tiempo maravilloso armándolo".
El 8 de enero de 2012, Fischer sufrió un paro cardíaco en Los Ángeles, luego de una cirugía menor unos días antes. Su esposa de 18 años, Donna, estaba a su lado y le practicaba RCP. Permaneció en la UCI con soporte vital y murió el 26 de enero de 2012. Le sobrevive su esposa; tres hijos, Lee, Brent y Tahlia; y dos hijastros, Lisa y Bill Bachman._Clare Fischer
El tecladista y compositor siempre creativo Clare Fischer está de vuelta con otro gran tema de inspiración latina, llena de melodías fuertes y ritmos infecciosos. La sesión incluye seis cantantes que se aplican las voces-como-los instrumentos de la Hi-Lo de sonido a los gráficos originales y éxitos de jazz. Inventivo Fischer fusión de "Take the ATrain" con una canción brasileña "O Pato" que tiene los mismos cambios de apertura crea un surco alegre en "O Pato Takes A Train". La canción se juega en cubano de 6/4, mientras que la norma "Speak Low" se da una firma 3/2. Cada pista es una celebración jubilosa de la música latina, con las notas del trazador de líneas de Fischer proporcionar una guía para escuchar valioso. Sexteto La sesión incluye Don Shelton, anteriormente con el Hi-Lo y Singers Unlimited, que tanto canta y toca cañas, hijo de Fischer, Brent, en el bajo eléctrico, el guitarrista John Pisano y percusionistas Walfredo Reyes y Michito Sanchez.__Patricia Myers (jazztimes)
Clare Fischer desarrolló una variada carrera como teclista, compositora, arreglista y directora de orquesta. Compositor de dos estándares, "Pensativa" y "Morning", Fischer se interesó durante mucho tiempo por los ritmos latinos. Tras licenciarse en la Universidad Estatal de Michigan, se trasladó a Los Ángeles en 1957, donde trabajó como acompañante y arreglista de los Hi-Lo's. Escribió para un disco de Dizzy en 1960. Escribió para un álbum de Dizzy Gillespie de 1960 (A Portrait of Duke Ellington) y grabó bossa nova ya en 1962; ese mismo año grabó dos conjuntos de trío y al año siguiente dirigió su primera cita con una big band. Fischer, que alternó ambos formatos a lo largo de los años, grabó en una gran variedad de escenarios, desde piano solo hasta liderar un grupo latino dominado por la voz, Salsa Picante. Afincado en Los Ángeles, Fischer (que también es un eficaz organista y un gran teclista eléctrico) ha grabado numerosos discos para sellos como Pacific Jazz/World Pacific, Revelation, Discovery, MPS y Concord. En 2003, produjo su primer CD de música clásica, After the Rain. Clare Fischer falleció el 26 de enero de 2012 en un hospital de Burbank, California, tras sufrir un infarto dos semanas antes. Tenía 83 años.~ Scott Yanow Más información relacionada Clare Fischer & Salsa Picante - Crazy Bird (1984) Temas:
01. Bernie's Tune
02. Where Are the Children? (Ay, los Pequeños)
03. Serenidade
04. La Mucura
05. Crazy Bird (Pájaro Loco)
06. Solar Patrol (Patrulla Solar)
07. Canto Africano
08. Pavillon
Musicos:
Clare Fischer (Órgano, notas de fondo, piano eléctrico)
Brent Fischer (Percusión, bajo eléctrico), marimba, vibráfono)
Guillermo Klein es un pianista talentoso y muy original y compositor de Argentina que es el más conocido por liderar su grupo Los Guachos. Nacido en 1970, empezó a tocar el piano cuando tenía 11 años, componiendo sus primeras canciones del año siguiente. Klein, quien considera Astor Piazzolla para ser su primera influencia, jugó a nivel local, y después de graduarse de la escuela secundaria, él tocó la guitarra en una banda de rock. En 1990 se trasladó a Boston para estudiar en el Berklee College of Music. Su intención original era estudiar y escribir la música clásica, pero pronto descubrió el jazz, sobre todo las grabaciones de Wayne Shorter. Además de Piazzolla y Menor, Klein está fuertemente influenciado por su patrimonio argentino en general, sobre todo en su escritura, que puede combinar boleros, barroca, jazz straightahead, tangos y ragas. En 1994 se formó una big band, Los Guachos, que jugó en el Small en una base semanal durante el período 1995-2000, además de realizar durante un tiempo en la galería de Jazz. Klein grabado tres CDs con Los Guachos de Sunnyside y Fresh Sound, que documenta su escritura única y piano colorido. También trabajó con Kurt Rosenwinkel y de vez en cuando llevó a su propio trío. En 2000, Klein regresó a Argentina y se estableció en Barcelona, ??España en 2002. Es profesor en San Sebastián, lleva a cabo a nivel local y todavía visita a los EE.UU. de forma ocasional. Klein actualmente lidera un septeto que cuenta con Jorge Rossy en los teclados y percusión, un saxofonista, cello, contrabajo, batería y cantante. -------------------------------------------------------------------------------------------------- La llegada del músico argentino Guillermo Klein en Barcelona en 2003 fue bien recibido por la comunidad de jazz de la ciudad. Esta recepción era bueno, sin embargo, no es sorprendente dado el prestigio que Guillermo disfrutado en Nueva York como compositor, arreglista y director de su banda Los Guachos. En Barcelona actualmente toca el piano con grupos como los de Giulia Valle y Joe Smith y ha creado su propia banda, que cuenta con Gorka Benítez, David Xirgu y Carme Canela, entre otros. En otoño de 2004, Guillermo volvió a Nueva York para realizar con Los Guachos. Dos monthes de tarde, fue invitado a tocar con Los Guachos en el Festival de Jazz de Barcelona 36a. Para una ocasión tan especial, Juan de la Cruz Urquiza y Richard Nant en avión desde Buenos Aires, Chris Cheek, Bill McHenry, Haskins Taylor, Tomasi Sandro, Jeff Ballard y Ben Monder vino de Nueva York y Fernando Huergo de Boston. Guachos Los unieron por dos artistas. regulares Fresh Sound New Talent, Gorka Benítez y Carme Canela. El resultado fue un concierto intenso y brillante que tuvo lugar en el ambiente acogedor de la sala Luz de Gas. Reseñas de prensa:
"Tejida con el colorido tapiz de una orquesta de jazz completa, esta grabación en vivo en Barcelona captura la música del pianista y compositor argentino Guillermo Klein, quien se destaca por su música cerebral, progresiva y culturalmente rica. El concierto fue capturado en un ambiente íntimo del Teatro-Sala Luz de Gas y transmite cercanía entre los músicos y un público entusiasta. Las composiciones altamente orquestadas van desde la apertura gauchoísta “Blues de Liz” hasta la vibra callejera de “Juana” y el romanticismo de “ Ojos Cerrados ”, con la vocalista Carme Canela. Klein utiliza su orquesta en todo su potencial. La música cambia a través de muchas formas, como a lo largo de las líneas surrealistas de “Intercambio Moral”, donde el piano y otros instrumentos proporcionan notas disonantes detrás de la melodía sombría. El ritmo de baile de "Child's Play" está mezclado con un riff de guitarra funky; “Chucaro”, cargado de complejos arreglos de trompa, hermoso trabajo de flauta y rica percusión. Las complejidades de las habilidades de escritura de Klein se capturan en "Richard", con su trabajo de trompeta en movimiento, adición de voz y patrones melódicos y solos detallados. Hay muchos esfuerzos individuales memorables, pero el acento está inequívocamente en la orquesta en su conjunto, que se da cuenta plenamente de su papel a través del ingenioso uso de la música y la interpretación de Klein para capturar la imaginación ". _ Mark F. Turner (freshsoundrecords)
Orquesta Riverside, también conocida como Havana Riverside. Es una Agrupación musical cubana fundada en La Habana en 1938, bajo el formato de jazz band por el compositor, violinista y director de orquesta Enrique González Mántici. Llegó a tener gran popularidad en la Isla durante las décadas de 1940 y 1950 en las que se presentó en los principales circuitos comerciales de la Isla y realizó varias giras internacionales. En las décadas de 1970 y 1980 del pasado siglo, animó interrumpidamente fiestas bailables en La Habana y fuera de la capital cubana e hizo giras a Colombia, Venezuela y Finlandia. Durante esa etapa mantuvo su habitual y frecuente presencia en la radio y la televisión. Tanto así, que ha sido considerada la orquesta cubana con más largo tiempo de permanencia y difusión ininterrumpida en los programas de medios de comunicación de la Isla. En la actualidad la Riverside la conforman jóvenes graduados las academias musicales cubanas bajo la dirección del Raúl Nacianceno. La orquesta se fundó en el mes de agosto de 1938 cuando un grupo de jóvenes músicos cubanos se agruparon en el formato de una jazz band bajo la batuta del compositor, violinista y director Enrique González Mantici. El nombre escogido para la agrupación fue Havana Riverside. A partir de ese año la popularidad de esta agrupación musical creció y se hizo presente en los medios de difusión y centros bailables y de entretenimiento existentes. La orquesta Riverside llegó a ser una de las más aclamadas de Cuba durante las décadas de 1940 y 1950 y realizó giras por Centro y Sudamérica con gran éxito, acompañando a figuras nacionales y extranjeras del canto. Rápidamente surgió el interés de las disqueras por grabar sus éxitos. Firmas con renombre en la época como Puchito y Panart llevaron al acetato los éxitos de la orquesta, lo que contribuyó a aumentar su popularidad. En la parte vocal varios cantantes a lo largo de la historia tuvieron mucho éxito en la orquesta, aunque la voz más relevante de todas fue la de Tito Gómez, quien por más de 30 años lideró esta cuerda. Decenas de buenos músicos durante años desfilaron por su nomina. En cuanto a sus directores, después del fundador Enrique González Mantici, la Riverside fue liderada por Antonio Sosa, y en 1947 pasó a estar bajo la batuta del saxofonista Pedro Vila, quien supo en su etapa llevarla a planos más estelares. Posteriormente pasó a ser dirigida sucesivamente por Argelio González, el gran pianista y compositor Adolfo Guzmán y por Nelson Arocha Enseñat, pianista que imprimió su sello de gran arreglista. De manera ocasional la orquesta fue conducida varias veces por destacados músicos cubanos o extranjeros como Agustín Lara. En diferentes momentos la orquesta estuvo integrada por: Saxofones: René Ravelo, Gregorio Brenes, José Simpsonn, Raúl Nacianceno Mijares, Miguel Antuña Benítez y Roberto Arocha Morales Trompetas: Marcos Urbay, Enrique Osorio, José Martínez Daussac, Mario del Monte Cossío, Armando Galán Alfonso Trombones: Emilio Temprano y Roberto Morell del Campo Batería: Edgar Díaz, Sergio Núñez Molina y Rolando Piloto Álvarez Contrabajos: Orlando López (Cachito) y Roberto Martínez Capote Bongós: Baudilio Carbonell. Piano: Pedro Jústiz (Peruchín) Tumbadora: Pedro Soroa y Ángel Fernández de la Osa Guitarra: Carlos Montero Bello Cantantes: Alberto Ruiz, Tito Gómez y Orlando Montero Maldonado. En las décadas de 1970 y 1980 del pasado siglo, animó interrumpidamente fiestas bailables en La Habana y fuera de la capital cubana e hizo giras a Colombia, Venezuela y Finlandia. Durante esa etapa mantuvo su habitual y frecuente presencia en la radio y la televisión. Tanto así, que ha sido considerada la orquesta cubana con más largo tiempo de permanencia y difusión ininterrumpida en los programas de medios de comunicación de la Isla. La Orquesta tuvo una presencia habitual entre las agrupaciones que animaban el cabaret Tropicana y el Parisienne del Hotel Nacional y el Caribe del Hotel Habana Libre. En el año 1993 por la dífícil situación económica del país la posibilidad de trabajo y contrato se vio disminuida y hubo una dispersión de muchos de sus músicos. Algunos marcharon a emprender otros proyectos personales, dentro y fuera del país y la orquesta Riverside se desintegró. Raúl Nacianceno Miyares, quien fuera uno de sus puntales saxofonistas decidió rescatar la orquesta y tras años de arduo trabajo de rescate del repertorio y organización musical, emprendió la paciente tarea de ir transcribiendo a partir de grabaciones, pieza por pieza e instrumento por instrumento, respetando la tradición. Con ese trabajo listo presentó el poyecto al Ministerio de Cultura quien apoyó inmediatamente la idea y la orquesta se reconstituyó. En la actualidad la Riverside la conforman jóvenes graduados las academias musicales cubanas bajo la dirección del Raúl Nacianceno. Los temas y arreglos son los mismos de antes y así se busca que permanezcan. Los temas de la orquesta se caracterizan por el respeto a los diferentes sectores sociales, especialmente la mujer, en contraposición con otras tendencias musicales contemporáneas quela denigran._ecured.cu
Johnny Conga ha dado la impresión de ser un músico excepcionalmente tranquilo, ya que ha publicado un álbum, Rompiendo la piel, en 2009, y ahora, ¡Oye! En realidad, sin embargo, tiene una larga carrera que abarca 45 años.
Por desgracia, su reputación entre los entendidos y los aficionados al jazz latino y los idiomas que lo componen debe basarse en la herencia de estos dos álbumes. Su lanzamiento de 2009 fue una revelación: Porque aquí había un percusionista cuya habilidad y virtuosismo igualaba, si no superaba, a la mayoría de los conguistas y sin duda rivalizaba con algunos de los percusionistas que tocan hoy en día. Tres años después de aquel episodio, Conga publica su continuación. ¿Cómo está a la altura de aquel primer álbum de belleza explosiva? Oye! es un álbum más sofisticado de uno de los percusionistas con más talento de la actualidad. De hecho, es un disco infinitamente más musical, en el que el Sr. Conga ha aplicado toda su habilidad, virtuosismo e intelecto.
Estas son algunas de las características que Johnny Conga posee en abundancia. La prueba está primero en el repertorio que el Sr. Conga ha seleccionado para este álbum. Wayne Shorter tiene un lado latino y el trombonista Conrad Herwig grabó un maravilloso álbum transcribiendo algunos de los clásicos del Sr. Shorter. Sin embargo, el Sr. Conga también ha sobresalido en una tarea que pocos se habrían atrevido a emprender: ha hecho una transcripción hipnótica y majestuosa de "Footprints" de Wayne Shorter. El cuadro tiene algo de amenazador cuando se toca con el saxofón, ya que cualquiera adivina de qué huellas habla el Sr. Shorter; por otro lado, éstas podrían percibirse como algo generacional, ya que el Sr. Shorter habla de los antepasados musicales con profundo y ponderado respeto. Y así es exactamente como el Sr. Conga trata este gráfico clásico. Otro tema sencillamente maravilloso es uno de los temas menos conocidos de Django Reinhardt, al que Tony Bennett escribió la famosa letra. Mientras que el Sr. Bennett trató la canción como una balada melancólica, Johnny Conga infunde a la canción una alegría bulliciosa. Esto es típico de la música del Sr. Conga y es evidente en las dos interpretaciones en solitario de este disco.
"Mullaly Park-Bronx Rumba" y "Rumba y Guarapachangeo" se cuentan entre las mejores muestras de coloración rítmica aplicada a las texturas armónicas de la canción. El hecho es que probablemente haya varias sobregrabaciones en ambas pistas; sin embargo, a pesar de este dispositivo, el Sr. Conga ha logrado la interpretación de su vida. De hecho, basándose únicamente en estos dos temas, el Sr. Conga puede afirmar que se encuentra entre los mejores conguistas fuera de Latinoamérica. Aquí es seguro que Johnny Conga ha absorbido el sonido y la sustancia de sus antepasados espirituales con mucha profundidad. De hecho, no sería una falacia afirmar que se oye a Tata Güines en su forma de tocar, ya que el Sr. Conga es uno de los intérpretes más melódicos y musicales que existen. En cuanto a la musculatura rítmica, el Sr. Conga parece haber absorbido la angulosidad de Patato Valdés y, en los timbales, ¿quién puede escapar a la influencia de Tito Puente? Sin embargo, Johnny Conga ha conservado una voz singular y esto se puede escuchar en su tierno homenaje a Cal Tjader en "Mambo for Tjader". La originalidad del Sr. Conga también puede comprobarse en su sofisticado cha cha chá blues, "Chablue". Estas dos listas podrían fácilmente apuntar en la dirección de la próxima aventura de Johnny Conga: un álbum de originales, tal vez, porque ciertamente ha llegado el momento de que Johnny Conga dé expresión a los impulsos de su alma profunda y excitada._Raul da Gama(latinjazznet)
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
Bombino – Sahel (2023)
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El cantante y guitarrista tuareg nigerino *Omara Bombino" Moctar* presenta
*Sahel* en 2023, otra soleada fusión de ritmos bereberes tradicionales con
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Música para Gatos - Ep. 90 - Referencias gatunas.
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Hoy os vamos a entregar uno de aquellos capítulos a los cuales solemos
denominar Jazz Free, es decir, un...
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Symphony No.1 in G minor "To the Red Army" - Mieczysław Weinberg
Gothenburg Symphony Orchestra conducted by Thord Svedlund
I - Allegro moderato - Larghetto...
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