Ignacio Piñeiro-Festival in Havana

Ignacio Piñeiro es uno de los fundadores de la música cubana. El líder de Septeto Nacional, un grupo que fundó en 1927, Piñeiro fue uno de los primeros líderes de la banda en agregar la trompeta a la instrumentación tradicional del son, el estilo de baile cubano que se convirtió en mambo, salsa y jazz latino. Según muchos historiadores, Piñeiro fue el primero en mencionar "salsa" en una canción cuando grabó Echale Salsita en 1933. Aunque la mayoría de los músicos en la formación original de Septeto Nacional han muerto, el grupo continúa tocando su única música latina. ~ Craig Harris, All Music Guide


En 2003, Milestone / Fantasy anunció que estaba reeditando el Festival en La Habana, una oscura grabación que se realizó en 1955 (antes de que Fidel Castro llegara al poder) y había estado agotada durante al menos 40 años. Aquellos que no estaban familiarizados con el LP original podrían haber esperado escuchar a una orquesta de baile cubana tocando son, cha-cha o mambo; tal vez esperaban escuchar algo parecido a la Sonora Matancera o las bandas de Beny Moré, Tito Rodríguez, Machito o Xavier Cugat. Todos esos artistas fueron muy populares en los años 50, y todos fueron maestros de la música que eventualmente se llamaría salsa (un término general que no se puso de moda hasta el apogeo de Fania Records en los años 70). 
Pero mientras el Festival en La Habana es auténticamente afrocubano, no es salsa; en realidad, las presentaciones en este CD favorecen un enfoque que se habría considerado de la vieja escuela incluso en 1955. Con el famoso Ignacio Piñeiro como líder / arreglista El Festival en La Habana es la música tradicional afrocubana en su forma más cruda, esquelética y básica. Oscar "Floresita" Velasco, un respetado músico cubano, aparece en la trompeta, pero el grupo que lidera Piñeiro está lejos de ser una orquesta de baile latino de los años 50; Velasco es el único trompetista, y la mayoría de la banda está compuesta por percusionistas y cantantes (incluidos Carlos Embale y Bienvenido Leon en las voces principales). Las canciones provienen del repertorio tradicional de guaguancó, rumba y conga, y aunque muchas de ellas se han tocado en un estilo de banda de baile (incluyendo "La Chambelona" y "Ave Maria Morena"), no se tocan de esa manera. Festival en La Habana - nuevamente, la crudeza prevalece a lo largo de este álbum. Los fanáticos de la salsa que están acostumbrados a escuchar orquestas de baile afrocubanas más elaboradas y pulidas podrían encontrar que estas actuaciones son demasiado crudas, pero para aquellos que no temen la crudeza, el Festival en el debut de La Habana en CD es motivo de celebración. ~ Alex Henderson



Ignacio Piñeiro-Festival in Havana (2003)

Temas:
01.Tumbando Caña
02.El Barracón
03.Consuelate Como Yo
04.Donde Estabas Anoche
05.Ultima Rumba
06.La Chambelona
07.Tumba La Caña
08.Siento Un Bombo
09.Desengaño De Los Roncos
10.Malanga
11.Ave Maria Morena
12.Mirala Que Linda Viene

Información cedida por Osvaldo M.

Kokopelli Latin Jazz Ensemble - La Luz Eterna

"La Luz Eterna" Turiya Mareya y el conjunto de América Kokopelli Jazz.
De 1998 a 2002 El Kokopelli Latin Jazz Ensemble fue uno de los grupos más creativos y populares en el sur de California. Kokopelli realiza desde hace 6 años en el Jazz de Croce ... DescriptionBar completo en el Gaslamp Quarter de San Diego. Apariciones en festivales incluyen: The Big Sur Festival de Jazz, El Festival de Jazz de Idyllwild, y La Calle Diez Festival Latino. Se han abierto de Eddie Palmieri, Pancho Sánchez, Arturo Sandoval, Bunnet Jane y de los Espíritus de la Habana. El grupo quedó inactivo en 2004 cuando el baterista Saltar Howlett fue diagnosticado con cáncer cerebral y pasó en 2004. Posteriormente pianista Turiya Mareya se trasladó a Europa. Este documento de CD del grupo a la altura de su creatividad y energía. "La Luz Eterna" cuenta con música original de Turiya Mareya y un tema compuesto por su mentor y maestro Daniel Jackson. Fue grabado en vivo en San Diego City College en 2002 como parte de su "Jazz en vivo", serie semanal. Este es el legendario grupo en que los mejores y es el primero de una serie de 3 CD's documentar la música de grupos espirituales, de gran alcance y la curación.
Turiya Mareya comenzó a estudiar jazz a los 15 años de edad. 

Fue mentor originalmente por San Diego Jazz leyenda Daniel Jackson, Mareya siguieron su ejemplo al convertirse de dominio en el piano y las cañas y el enfoque sobre la reproducción de sus composiciones originales. Continuó su trabajo en Nueva York, estudiando en la Escuela de Música Creativa con el Art Ensemble of Chicago y estudió en privado con Joseph Jarman. Más tarde realizó una gira por México con el Conjunto Tambu Internacional. Todas estas experiencias ayudan a moldear su enfoque único basado en las influencias del mundo musical y sobre la base de inducir el trance y el espíritu llamado enfoque de los enfoques africana e indígena a la música. Perfeccionó sus habilidades en el Latin Jazz Ensemble partida Kokopelli Latin Jazz. Desde 2003 ha estado de gira y realizando a nivel internacional. Ha actuado en salas y festivales de Madrid, La Habana, Toronoto, Vacouver, Juneau, Anchorage, Veracruz, Ciudad de México, Tijuana y San Diego. Ha actuado en numerosos festivales de Jazz de apertura de artistas como Eddie Palmieri, Poncho Sánchez, Jane Bunnett, Arturo Sandoval y David Murray.
David Millard realiza en saxo alto, flauta alto, flauta C, Piccolo, guitarra y violonchelo. Este músico original e innovador es conocido por su estilo único y apasionado. San Diego nació, estudió guitarra en España y también trabajó en Nueva York, Texas y México. En San Diego ha trabajado con Tambu, Daniel Jackson y Moran Jaime y muchos otros.
Skip Howlett toca la batería y timbales. Este artista de renombre internacional se basa desde hace 20 años en Nueva York. Ha trabajado con Mongo Santamaría, Dave Valentin, Jorge Dalto y Xavier Cugat, Poncho Sánchez y Tito Puente. Él era un miembro original de la banda de Jerry González Fort Apache. Después de mudarse a San Diego que fue rápidamente de la demanda de sus habilidades técnicas y destreza como solista y se hizo conocido como uno de los más respetados y trabajar más duro de San Diego artistas de jazz latino. Actualmente Skip es en las últimas etapas de un cáncer terminal.
Russel Blake ha estado llevando a cabo profesionalmente desde la edad de doce años. Hasta el momento, se ha presentado, una gira que se imparte en veintidós países de cuatro continentes. Ha tocado con muchos artistas de talla mundial como: Hugh Masakela, Sonny Rollins, Mongo Santamaría, Alguaciles Wynton y Pharoah Sanders.
Steve Feierabend es un compositor virtuoso saxofonista y magistral que acaba de publicar su segundo CD. Obtuvo una maestría en Música de la Universidad de Brown y actualmente enseña en la San Diego State. Él es un músico de duro trabajo y es conocido por su maestro de su instrumento y apasionados solos. En la actualidad vive y trabaja en San Francisco.
Irving Soto realiza en las congas. Es originario de Nueva York y ha tocado con Charlie Palmieri, Dizzy Gillespie, Chick Corea y Quintana Ismael. Él tiene un estilo agradable y de gran alcance multitud.
Ignacio Arango nació en La Habana Cuba, donde estudió en una de conservatorios de La Habana musical de mayor prestigio. Ha tocado con la Orquesta Tropicana Cabaret durante 10 años y una gira por Europa y México. Más recientemente, en Cuba fue la grabación con la Orquesta de Radio de La Habana y Televisión. En los EE.UU. realizó una gira de dos años con el gigante de personas y ha actuado con Kokopelli, Unidos y Brasil Samba en San Diego. En la actualidad es uno de los bajistas de la demanda en el sur de California.
Daniel Jackson es una leyenda del jazz del sur de California. Nacido en La Jolla, en 1937, Daniel Jackson ha estado estudiando, enseñando y tocando música de jazz en San Diego desde hace muchos años, excepto cuando está de gira por el saxofón en todo el mundo jugando en las grandes orquestas de Ray Charles, Buddy Rich, y Art Farmer . Él es un purista del jazz, reconociendo y respetando la capacidad espiritual de la música de jazz para mover y transformar. También toca el piano, y se puede ver tocando jazz de San Diego.
                                                                                 

                                                                                     

Kokopelli Latin Jazz Ensemble - La Luz Eterna (2002)

Temas:
01. La Luz Eterna
02. La Frontera
03. Nigeria
04. To See What Must Be Seen
05. Wisdom

Musicos:

Turiya Mareya (Piano, Dirección Músical)

Dave Millard (Flauta, Guitarra, Flauta Alto), Piccolo, Violonchelo)

Saltar Howlett (Bateria, Timbales)

Ignacio Arango, Russell Blake (Bajo)

Daniel Jackson (Compositor, Saxo Tenor)

Steve Feierabend (Saxo Tenor)

Irving Soto (Congas)

Johnny Pacheco Y Su Charanga Vol. III Que Suene La Flauta

Juan Azarías Pacheco Kiniping (Santiago de los Caballeros, 25 de marzo de 1935), conocido popularmente como Johnny Pacheco, es un músico, compositor, arreglista, director y productor dominicano de música cubana y demás ritmos caribeños como1​ salsa. Es de origen dominicano y considerado una de las figuras más influyentes de la música latina y caribeña por ser el cofundador junto con Jerry Masucci del sello disquero Fania. Se le considera el creador del concepto musical "salsa" aplicada a los ritmos nacidos en el Caribe antillano de habla hispana, principalmente de Cuba, República Dominicana y Puerto Rico y que tiene su fundamento rítmico y origen - como heredero directo- en la guaracha.
Pacheco es hijo de Rafael Azarías Pacheco (hijo ilegítimo de José Manuel López Rodríguez, quien era hijo de un soldado español2​) quien en su país era director y clarinetista de la Orquesta Santa Cecilia y de Octavia Kiniping Rochet (bisnieta del comerciante alemán Wilhelm Knipping3​4​ y nieta del colono francés Cristophe Rochette). Fue de su padre de quien recibió su primer instrumento musical. A los once años emigra con su familia a Nueva York donde aprendió a tocar instrumentos de percusión en la Academia Juilliard.
A finales de los años 50 fue parte del conjunto del pianista Charlie Palmieri. En 1960 forma su primera orquesta llamada Pacheco y su Charanga. La orquesta firma con el sello Alegre Records con el cual vende más de 100.000 copias de su primer álbum titulado Pacheco y su Charanga Vol. 1. A partir de entonces y hasta finales de 1963, se convirtió en una estrella de fama internacional y realizó giras en los Estados Unidos, Europa, Asia y América Latina. Por otra parte "Pacheco y su Charanga", fue la primera banda latina en presentarse en Teatro Apollo en 1962 y 1963.
A fines de 1963 crea la disquera Fania Records junto a Jerry Masucci. En 1964, el sello lanzó su primer disco "Cañonazo", el álbum contaba con Pete "El Conde" Rodríguez como vocalista. En 1968 crea la orquesta Fania All Stars que contó en sus filas con artistas como Larry Harlow, Celia Cruz, Willie Colón, Hector Lavoe, Ray Barretto entre otros. Como ejecutivo de la compañía, director creativo y productor musical, Pacheco se encargó de lanzar las carreras de muchas estrellas jóvenes que formaban parte de la Fania Records...(wikipedia)

Johnny Pacheco es seguramente famoso en su propia vida, algo que rara vez le sucede a un hombre, especialmente en la música. Su gusto por lo correcto, junto con un sentido de actitud articulada y refractiva en la flauta, le ha asegurado un papel en "La Música Latina" como una de sus fuerzas y aliados más fuertes.
Después de tocar y grabar con Tito Puente, Stan Kenton, Pérez Prado y Xavier Cugat. Pacheco unió fuerzas con Charlie Palmieri. Juntos formaron la charanga más original y popular de Nueva York. Con Charlie enfatizando la melodía y la armonía y el profundo compromiso de Johnny con el ritmo, estos dos se hicieron responsables de abrir y desarrollar el prototipo para todas las bandas de charanga después de 1959 en Nueva York. Decidiendo ampliar aún más sus ideas, Pacheco grabó en 1960, como líder por primera vez, su famoso "Pacheco y su Charanga Volumen uno". Las canciones "Oyeme Mulata" y "El Guiro De Macorina" fueron la historia que estableció la fama de Pacheco. Jugó sus pachangas, son montunos, danzones y descargas en los lugares más conocidos de Nueva York. Pacheco era charanga a principios de los años sesenta. Muchos cientos de personas atascaron hoteles, clubes y Palladium para ver su charanga arder hasta bien entrada la noche.
Un swing cubano oscuro y profundo siempre estuvo presente en la banda de Johnny. Su flauta de madera (sin llaves), su impulso y su constante entusiasmo hicieron que los bailarines, en los locales nocturnos y las fiestas donde se tocaban sus discos, supieran que aquí había un músico maestro cuya importancia era incuestionable.
Su sentido del tiempo y el espacio es el corazón y el alma de estas grabaciones. Sabiendo que una frase omitida es tan importante como dos, Pacheco realmente elige sus lugares. Sus solos están bien construidos y su influencia en términos de mentores, pero Pacheco era entonces, como lo es ahora, su propio hombre.
Grabado en 1962, este LP se reedita en medio de una explosión de charanga como alternativa a la escena de la salsa. Cuando uno nota el ambiente relajado de las melodías en este álbum, puede ver la sorprendente diferencia de las bandas de charanga de hoy que insisten en acelerar el ritmo o saltar la clave. Con David Pérez en el bajo, Manny Oquendo y Johnny Palomo en la percusión, "Chombo" Silva en el primer violín, y Rudy Calzado y Elliot Romero en el coro principal, las melodías de Pacheco arden aún conservando la belleza musical en términos de concepto melódico.
Al escuchar el Pacheco de los años 60, tenga en cuenta que muchos años pueden opacar el brillo de una cosa que alguna vez fue dorada. Sin embargo, en este caso, no temas, porque Pacheco es tanto hoy como gran parte de ayer._ Andy Kaufman
                                                                                               

Johnny Pacheco Y Su Charanga Vo. III Que Suene La Flauta (1962)

Temas:
01. Que Suene La Flauta (Víctor Marín) Danzón
02. Pita Camión (Walfrido Guevara) Pachanga
03. El Piñazo  (Johnny Pacheco, Rudy Calzado) Guajira
04. Mentiras Criollas  (Félix Chapottín) Pachanga
05. Vuela La Paloma  (Félix Reina) Pachanga
06. Acuyuye (Johnny Pacheco) Pachanga Twist
07. Rosalía (Gil Suárez) Cha Cha Chá
08. A Caballo (Alberto Cruz "Pancho El Bravo") Pachanga
09. Cachita (Rafael Hernández) Pachanga
10. Alto Songo (Luis Matínez Griñán) Pachanga

CD (Alegre A 6016) AÑO: 1962
Produced by Al Santiago
Cantan: Elliot Romero & Rudy Calzado

René Touzet And The Cha-Cha Rhythm Boys - Blue Bongo

Nacido en La Habana, René Touzet estudió bajo los maestros Pérez Sentenat y Joaquín Nin en el Conservatorio Falcón antes de los diez años. Él ganó el primer premio en el piano en la graduación en dieciséis. Dirigió su propia orquesta de 16 piezas en el Hotel Nacional hasta que se unió a la orquesta de Enric Madriguera en Estados Unidos en 1946. Esto fue seguido por las transiciones con Xavier Cugat y Desi Arnaz. Después de sólo un año comenzó su propio combo en Hollywood, que permaneció como su ciudad natal durante toda su carrera. Ganó medallas de oro del Club de Prensa de Cuba en 1945 y en 1953 ganó la Medalla de Oro como el mejor compositor popular de Cuba.

El primer concierto de Touzet dirigía una orquesta de 16 piezas en el Grand Nacional Casino de La Habana. En 1946 partió para los Estados Unidos para unirse a la banda de Enric Madriguera durante un año antes de comenzar sus propios grupos. También estudió composición bajo Castelnovo-Tedesco. Touzet tenía el poco envidiable deber de contrarrestar la contaminación de Hollywood con la auténtica música cubana fusionada en formas originales en los años cincuenta. Su banda crió muchos de los grandes latinos de por lo menos la costa oeste, y todos los devotos del estilo latino y latino de la costa oeste le deben una enorme deuda.
Gene Norman fue un campeón temprano que finalmente hizo el equipo Touzet su banda de la casa en el club Crescendo y un elemento básico de la etiqueta GNP-Crescendo. La mayor parte de los mejores percusionistas de California tocaron en sus discos de GNP, entre ellos Aguabella, el equipo de Bobo-Santamaría, y Carlos Vidal. También se destacaron los principales actores de trompa cubana y vocalistas como Manuel Ochoa (a.k.a. Kaskara).

Conocido por una "rumba diferente", Touzet era un maestro del tempo, y su papel de líder de los Muchachos de Rhythm Cha Cha confirma esto. Los muchachos jugaban en el estilo de "estrictamente para bailar", sincopado, demasiado metrónico para la mayoría de los gustos. Pero estaba en casa con el jazz latino y el latín clásico y popular, y muchas de sus contribuciones como compositor son indispensables. Un álbum típico tendrá himnos de la cena-club, música para bailar, y un par de fumadores progresivos.
Así que, con todas estas credenciales, ¿por qué los registros de Touzet no se toman más en serio? Parte de la respuesta, además de estar en la costa equivocada de los Estados Unidos, es que una vez compuso un tributo a Fidel Castro. A pesar de que fue antes de la Revolución y sacó rápidamente del mercado (mismo título y chaqueta como otro LP, pero diferente # & melodías), los cubanos floridanos de los años 1960 nunca le perdonaron. Touzet fue prohibido de las ondas y los estantes de la tienda en varios lugares clave. Muchos californianos, sin embargo, lo consideran altamente, como él merece._hipwax





René Touzet And The Cha-Cha Rhythm Boys - Blue Bongo (Fiesta Records FLP 1224)

Temas:
01. I Love You   
02. Lessons In Cha Cha Cha    
03. So In Love    
04. Mambo En Espana    
05. Serafin
06. Night And Day    
07. Love For Sale    
08. Estrellita Del Sur
09. I've Got You Under My Skin    
10. Mambo Negro
11. In A Little Spanish Town
12. Begin The Beguine

Información cedida por Pedro A. Sifonte

Panchito Riset - Panchito

Francisco Hilario Riset Rincón. Se destaco como cantante formando parte de grupos y orquestas. Su voz y estilo le han servido para llevarlo a un puestp de distinci'on entre los cantantes.

Nació en la calle Fernandina No 54 entre Vigía y Quinta, barrio de Atares, el 21 de octubre de 1910 en La Habana, Cuba. Hijo del catalán Francisco Riser y Juana María Rincón, cubana. Desde pequeño aprendió a tocar el tres y la guitarra, también como oficio se hizo pailero en el taller de José Antonio Laburdette en la calle Vive entre Carmen y Figura, oficio que nunca utilizó.

Los primeros pasos como trecero aficionado los realizó en el Sexteto “Juvenil Atarés”, después creó el “Sexteto Esmeralda”, fue su fundador y director, más tarde Manolo Romero lo lleva a la música profesional y se lo presenta a Miguel Zaballa ingresando en el “Sexteto Candado”, más conocido por el público.

Siendo joven, Panchito Riser Rincón obtuvo una beca para estudiar pintura en la Academia San Alejandro, en la cual se mantuvo un período corto porque pudo más su vocación por el canto. También en años posteriores fue entrevistado por el musicólogo Cristóbal Díaz Ayala, donde aparecen muchos detalles interesantes de su vida en ese trabajo.
Trayectoria artística
En 1927 entró en el Sexteto Cauto, dirigido por Mozo Borgellá, con el que debutó en el cabaret Sans-Souci, de Marianao; en 1928 pasó a integrar las filas del Sexteto Habanero que tocaba en la academia de bailes Habana Sport; y en 1929 era uno de los cantantes del Quinteto Luna; también fue miembro del sexteto de Manuel Zaballa, del Trío Fantasma, con Ismael Díaz y Marcelino Guerra (Rapindey), y del Sexteto Arca Triunfal, dirigido por Machaco Pérez.

Ingresó en 1933 al Sexteto Caney, con el que se presentó en el cabaret Eden Concert, de la calle Zulueta; en este lugar fue «descubierto» por J. Tellería, que por entonces buscaba un cantante para suplir la ausencia de Antonio Machín en la orquesta de Los Antobal Cubans, que amenizaba las noches del club Maison Royal de Nueva York. Ese mismo año cantó en el Club Cubanacán con el grupo de Font en el Patio Cubano, donde lo acompañó la orquesta del catalán Xavier Cugat.

En Nueva York grabó en 1934 con el Cuarteto Marcano del compositor puertorriqueño Pedro Flores, las canciones "Sin bandera", de Flores, y "Abandonada"', de Manolo Romero, sus primeros éxitos en esa ciudad. Además debutó en el Cabaret Cubanacán con el Cuarteto Caney de Davilita.

En 1935 actuó en el cabaret Yumurí de los cubanos Roche y Roldán, y con las orquestas de Pedro Díaz y Pedro Flores. Panchito Riset formó, en 1936, su propia orquesta, con la que debutó en el Trocadero de Hollywood con Eleanor Powell en la primera temporada, y en la segunda con Ann Miller y Desi Arnaz. Con la agrupación de Eliseo Grenet fue aplaudido en el cabaret Yumurí, y posteriormente en La Conga.

A partir de 1937 se mantuvo durante varios años en el cabaret Versalles y más tarde en el Hispano de Nueva York. Con su orquesta se presentó por espacio de quince años en el Versalles, y allí alternó con Edith Piaff, Jean Sablon y Carl Brissón; en 1939 fue cantante de la orquesta de Eric Madriguera, y en 1949, contratado por Radio Cadena Suaritos, vino a La Habana, donde fue acompañado por la orquesta de Obdulio Morales.
En 1956 actuó en los carnavales de Venezuela; más tarde, de regreso a Nueva York, trabajó con su orquesta en el Château Madrid, de Ángel López. En 1957 firmó contrato como artista exclusivo de la compañía de discos Ansonia, y en 1958 fue aplaudido en el club Alameda Room.

La primera grabación de Francisco Riser Rincón salió con el nombre de Panchito Riset, y como él no puso objeción, así quedó grabado su nombre por el resto de sus días. El ya famoso intérprete nunca hizo concesiones con otros ritmos y temas que surgieron en el siglo XX, y siguió su forma de cantar desde su época del “Sexteto Habanero” cuando escuchó al joven José Cheo Jiménez (fallecido prematuramente). Esto le trajo detractores y admiradores en el continente de habla hispana, donde llegó a ser un ídolo para muchos imitadores como: Domingo Lugo, Carlos Días “Kaito”, Florencio Hernández “Carusito” y otros.

Desde entonces, y hasta su fallecimiento, se presentó con las mejores agrupaciones y en los cabarets y clubes más importantes de Nueva York. Debido férrea diabetes se alejó su presencia en otros países, manteniéndose casi toda su vida en la ciudad de los rascacielos ya que esa enfermedad llevaba un tratamiento y dieta inalterable.
Grabaciones_ (ecured)





 Panchito Riset - Panchito (2003)

Temas:
01. El Cuartito (Bolero)
02. No Hay Cáscara Peor (Bolero)
03. Me Enteré de Todo
04. Blancas Azucenas (Bolero)
05. Dicen Que Dices (Bolero)
06. Vendida (Bolero)
07. Allí Donde Tu Sabes (Bolero)
08. Me Contaron de Ti (Bolero)
09. Bebiendo y Pensando (Bolero)
10. El Tren de la Libertad (Mambo)
11. Lo Presentía (Bolero)
12. Cita a las Seis (Bolero

Beny Moré - Pare...Que Llego El Barbaro

El mayor de dieciocho hijos, Bartolomé Maximiliano Moré nació en Santa Isabel de las Lajas (24 de agosto de 1919), en la antigua provincia de Las Villas, actual provincia de Cienfuegos, en el centro de Cuba. Su tatarabuela materna, Ta Ramón Gundo Paredes, se dice que era la  hija del rey de una tribu en el Congo que fue capturada por traficantes de esclavos y vendida al propietario de una plantación cubana.

Cuando era niño, Benny aprendió a tocar la guitarra con un primer instrumento fabricado por su madre y él mismo a los seis años, con un tablero y unos alambres. En 1936, a los diecisiete años de edad, salió de Las Lajas para La Habana, donde trabajó vendiendo frutas y verduras y hierbas medicinales. Seis meses más tarde regresó a Las Lajas y se fue a cortar caña durante una temporada con su hermano Teodoro. Con el dinero que ganó y el ahorro de Teodoro, se compró su primera guitarra decente. 

En 1940, Moré regresó a La Habana. Vivió tocando en bares y cafés, pasando el sombrero. Su primer gran logro fue ganar un concurso de radio que le dio cierto reconocimiento en la zona.  A principios de la década de 1940, la emisora CMQ tenía un programa llamado "La Corte Suprema del Arte" en el que participó una amplia variedad de artistas, entre ellos, Moré. Posteriormente, obtuvo su primer trabajo estable con el conjunto liderado por Mozo Borgellá. También cantó  en la emisora CMZ con el sexteto Fígaro de Lázaro Cordero, con lo que obtuvo un gran éxito. En 1941, hizo su debut en Radio Mil Diez con el Sexteto de Mozo Borgella. 

Ciro Rodríguez, del famoso Trío Matamoros, escuchó a Moré cantando en el bar El Templete y quedó muy impresionado. En 1942, el Conjunto Matamoros fue contratado para una actuación en vivo, pero Miguel Matamoros  estaba indispuesto, por lo que el Trío pidió a Mozo Borgellá (director del Septeto Cauto), que le prestara un cantante. Borguellá envió a Moré, quien permaneció varios años colaborando con el Trío Matamoros, haciendo una serie de grabaciones. 

Moré sustituyó a Miguel Matamoros como cantante principal, y este se dedicó a liderar la banda. El 21 de junio de 1945, se fue con el Conjunto Matamoros a México, donde actuó en dos de los más famosos cabarets de la época, el Montparnasse y el Río Rosa. Realizó varias grabaciones en México. 

En la Ciudad de México, Moré hizo grabaciones para RCA Victor, con Pérez Prado: "Bonito y sabroso", "Mucho corazón", "Pachito Eche", "La Mucura", "Rabo y oreja" y otra canciones. Grabó, además, "Dolor Karabalí", que Moré consideraba su mejor composición grabada con Pérez Prado. 

Moré también grabó con la orquesta de Mariano Mercerón: "Me voy pal pueblo" y "Desdichado", "Mucho corazón", "Ensalada de Mambo", "Rumberos de Ayer" y "Encantado de la Vida".

Durante la primavera de 1952, Moré regresó a Cuba. Él ya era una estrella reconocida en México, Panamá, Colombia, Brasil y Puerto Rico, pero prácticamente desconocido en la isla. Sus primeras grabaciones cubanas fueron con Mariano Merceron y su Orquesta, canciones como "Fiesta de Tambores", "Salomón", "La Chola", etc. Moré comenzó alternando actuaciones en la Cadena Oriental y viajes a La Habana para grabar en los estudios RCA en CMQ Radio Centro.

En La Habana, Moré trabajó para la emisora RHC Cadena Azul, con la orquesta de Bebo Valdés, quien presentó el nuevo estilo llamado "batanga". 

A raíz de la Revolución cubana, muchas de las principales figuras musicales cubanas emigraron, pero Moré se quedó en Cuba con, como él dijo, "mi gente". 

Años depués, fundó la llamada Banda Gigante de Benny Moré cuya primera actuación tuvo lugar en el programa Cascabeles Candado de la emisora CMQ. La banda la formaban más de 40 músicos y podía compararse en tamaño con la big band de Xavier Cugat.  Entre 1956 y 1957 la agrupación realizó una gran gira por Venezuela, Jamaica, Haití, Colombia, Panamá, México y Estados Unidos, donde actuó en la ceremonia de entrega de los Oscar. 

En 1960 Moré era alcohólico, y comenzó a mostrar signos de insuficiencia hepática. Cuando murió en 1963 con 43 años de cirrosis en el hígado(La Habana, 19 de febrero de 1963), se estima que 100.000 aficionados asistieron a su funeral._(cibercuba)

Más información relacionada



Beny Moré - Pare...Que Llego El Barbaro (1958)

Temas:
01. Mi Amor Fugaz
02. Soy Campesino
03. Maracaibo Oriental
04. Preferí Perderte 
05. Camarera del Amor
06. Que Me Hace Daño
07. Oh, Vida
08. Pongan Atención
09. Fiebre de Ti
10. Como Arrullo de Palma
11. No Puedo Callar
12. De La Rumba Al Cha, Cha, Cha

Información cedida por Osvaldo M.

David Lugo-Viva Latin Jazz

Nacido el 25 de diciembre en la ciudad de Nueva York, East Harlem "El Barrio". David Lugo se convirtió en uno de los más talentosos y percusionista muy respetado en el jazz latino, el género de la salsa, R & B. Su primera actuación en las Grandes Ligas llegó a la edad de 15 congas de juego con el percusionista legendario, José Mangual Jr.

David Lugo sirvió como facilitador / profesor de veterano músico Johnny Colón y La Escuela de Música de East Harlem en East Harlem City "El Barrio" de Nueva York por más de 10 años en el desempeño y recorrer el mundo con los mejores artistas de renombre mundial y en el negocio como Héctor Lavoe, Ray Barretto, Tito Puente, Dizzy Gillespie, Stanley Turrentine, Johnny Colón, Celia Cruz, Willie Colón, Rubén Blades, Jon Faddis, Jorge Dalto, Adela Dalto, Joe Cuba, Oscar D'León, Ismael Miranda, Eddie & Charlie Palmieri, Jaco Pastorius, Dave Valentin, Lalo Rodríguez, Jimmy Sabater, Johnny Pacheco, Carlos "Patato" Valdez, José Mangual Jr., Bobby Rodriguez Y La Compañia, Orlando Watussi, Jimmy Bosch, Xavier Cugat Orquesta y muchos más.
 
Actualmente, David Lugo tiene su propio grupo llamado David Lugo & Latin Jazz movimiento en el que incorpora todos los sabores Jazz á ritmos de jazz latino. Sus talentosos músicos realizan muchas selecciones de temas de jazz para el disfrute de todos. Usted puede encontrar David Lugo & Latin Jazz Motion realizar en Savannah, Georgia, y Hilton Head, Carolina del Sur en clubes como, The Jazz Corner, Cintas Jazz'd, Cha-Bella, Il Pasticcio, The Mansion On Forsyth Park, Club de Jazz de Kokopelli , North Beach Grill En la isla de Tybee, de Isaac, de Vic en el río, el Four Points, Savannah Down Under, Club Tropicana y muchos otros._ Susanne Talentino





David Lugo & Latin Jazz Motion-Viva Latin Jazz (2012)

Temas:
01.Lush Life (Tribute to Billy Strayhorn)
02.Red Clay (Tribute to Freddie Hubbard)
03.Jordu (Tribute to Duke Jordan)
04.Bernie's Tune (Tribute to Bernie Miller) 
05.Tito (Tribute to Tito Puente)
06.Killer Joe (Tribute to Benny Golson)
07.Cubano Chant (Tribute to Ray Bryant)
08.On Green Dolphin Street (Tribute to Kaper & Washington)
09.Nica's Dream (Tribute to Horace Silver)
10.You Go to My Head (Tribute to Fred Coots)
11.Manteca (Tribute to Chano Pozo & Dizzy Gillespie)
12.Abidjan (Tribute to Ray Barretto)

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Antobal’s Cuban All-Stars – Agua! Agua!

                                  

Producción discografica de la decada del 60 realizada en la Habana, Cuba con arreglos de "Chico" O´Farril, Rene Hernandez y Rafael Sonavilla para el sello Felsted.

Acerca de Antobal: Director de orquesta. Cienfuegos, de abril de 1890-USA, 1966. Eusebio Santiago Aspiazu, hermano de Don Aspiazu, hizo estudios regulares en Estados Unidos. Al parecer, su padre era un político local vinculado con el Presidente Menocal, y fue objeto de una famosa conga pre-electoral del Partido Liberal contrario: "Aé, aé, aé la Chambelona/ Aspiazu me dio botella/ y yo voté por Varona".(Botella = puesto laboral donde no se trabaja y se cobra un salario). En 1922 Antobal está en Nueva York y se relaciona con la cantante y bailarina Marion Sunhine, con la cual casa. Viaja a Cuba y de ahí marcha a París, donde en circunstancias que nunca se han aclarado, toma la dirección de la Orquesta de su hermano, Don Aspiazu. Más tarde fundó su propia orquesta, donde tuvo una actuación destacada su esposa Marion. Hacen grabaciones en 1932 en Estados unidos. "La orquesta siguió la misma trayectoria que había seguido la de Don Azpiazu: mientras el primer número que tuvo éxito de esta orquesta era un son lento cantado por Antonio Machín, El Manisero, las grabaciones posteriores introducen cantantes en inglés, o se hace que Machín cante en inglés; los números son muchas veces mixtos de música cubana con el fox-trot en boga en aquellos momentos, o sea, empiezan como son y terminan como fox, o viceversa. El propósito era evidente: crear una banda, un estilo, que interesara al público norteamericano. Pero ni Azpiazu, ni Antobal, lograron encontrar la fórmula perfecta de los dos ingredientes, música latina y sajona, capaz de interesar a los sajones. Eso lo lograría Xavier Cugat".(Díaz Ayala) Con la orquesta de Antobal trabajaron numeroso vocalistas latinos, como Panchito Riset, Antonio Machín y Alfredito Valdés, así como músicos de la isla de la calidad del flautista Alberto Socarrás, Julio Brito. Obdulio Morales hizo algunos arreglos para esta orquesta, y la condujo para algunas grabaciones. También contó con arreglos de Peruchín, como en el disco Lp Brunswick BL-54104 "Antobal's latin all stars.~(soncubano) 
                                                                               

                                                                

Antobal’s Cuban All-Stars – Agua! Agua!(1959)

Temas:

01. Agua! Agua!

02. Güe-LeLe

03. Mambo Mambi

04. My Cuban Sombrero

05. Mama Teresa

06. Cuban Blues

07. Los Timbales

08. Batamú

09. Creo En Ti

10. Mambo Tropical

11. That Cuban Cha Cha Cha

12. Chupa Chupa

Musicos:
Obdulio Morales (Director)
Pedro "Peruchín" Justiz (Piano)
"Felo" Hernández (Bajo)
Alejandro "El Negro" Vivar (Trompeta)
Alfredo "Chocolate" Armenteros (Trompeta)
Domingo Corbacho (Trompeta)
Generoso "Toto" Jimenez (Trombón)
Antonio Linares (Trombón)
Santiago Peñalver (Saxo alto)
Amado Valdes (Saxo alto)
Emilio Peñalver (Saxo tenor)
Emilio Chao (Saxo tenor)
Oswaldo "Mosquitin" Urrutia (Saxo baritono)
Guillermo "Barretico" Barreto (Batería)
"Oscarito" Valdes (Bongo y Güiro)
Giraldo Rodriguez (Tumbadora)
"Justico" Antobal (Maracas)

Roberto Cordero (Voz)

Información cedida por Osvaldo M.

Lalo Schifrin - Brazilian Jazz

                                                  

Lalo Schifrin (Boris Claudio Schifrin, (Buenos Aires, 21 de junio de 1932), es un pianista, arreglista y compositor argentino de música clásica, jazz y música popular. Sus mayores éxitos los ha obtenido con sus bandas sonoras para cine y televisión, como por ejemplo, la banda sonora de la serie Misión: Imposible.Animado por su padre, violinista sinfónico, Lalo comenzó a tocar el piano a los seis años de edad. Cursó su secundario en el Colegio Nacional de Buenos Aires. En 1952, entró a estudiar en el Paris Conservatoire y participó de la vida jazzística nocturna parisina. Tras regresar a Buenos Aires, Schifrin formó una big band. En 1956 conoce al trompetista Dizzy Gillespie quien luego le encargaria que escribiera para él. el trabajo fue una suite de cinco movimientos, titulada Gillespiana, que termina en 1958; ese mismo año, se convierte en el arreglista del músico español Xavier Cugat. En 1960, se traslada a Nueva York y se une al quinteto de Gillespie que, tras grabar "Gillespiana",

obtiene un gran éxito. Schifrin se convierte en el director musical de Gillespie hasta 1962.A partir de ese año, se centra en su carrera como compositor y director, casi siempre con una orientación de jazz latino y de bossa nova; acepta, además, en 1963 su primera colaboración con el mundo del cine. Schifrin se traslada a Hollywood, consiguiendo grandes éxitos con sus temas para series como Misión: Imposible y Mannix.Durante la década de los setenta, escribe la música para películas como The Cincinnati Kid, Bullitt, Cool Hand Luke, Harry el sucio y Enter the Dragon. Como músico de jazz, escribió la suite "Jazz Mass" en 1965, y se aproximó al funk jazz con su disco de 1975 Black Widow. Schifrin continuó con su trabajo para el cine a lo largo de la década de los noventa; grabó, además, una serie de discos de jazz orquestal llamados Jazz Meets the Symphony y se convirtió en el principal arreglista para Los Tres Tenores, llevándole a su actual interés por la música clásica.Pagina oficial
                                                                                     

                                                                           

Lalo Schifrin - Brazilian Jazz (1962)

Temas:
01. O Amor E A Rosa
02. Boato (Bistro)
03. Chora Tua Tristeza
04. Poema Do Adeus
05. Apito No Samba
06. Chega De Saudade
07. Bossa Em Nova York
08. O Menino Desce O Morro
09. Menina Feia
10. Ouça
11. Samba De Uma Nota So
12. Patinho Feio

Musicos:

Lalo Schifrin (Piano)

Leo Wright (Saxo, flauta)

Chirstopher White (Bajo)

Rudy Collins (Batería)

Jose Paulo, Jack Del Rio (Percusión)

Machito - Afro Cuban Jazz

Machito desempeñó un papel muy importante en la historia del jazz latino, por sus bandas de la década de 1940 fueron probablemente los primeros en lograr una fusión de potentes ritmos afro-cubanos y la improvisación jazzística. En el mejor de su fragor, la banda tenía un sonido muy intenso para evitar, cargado con empujones, bongos y congas hiperactivos y latón riffs afiladas. Machito fue el líder, el canto, la conducción, sacudiendo las maracas, mientras que su hermano-en-ley Mario Bauza fue el innovador detrás de las escenas, consiguiendo Machito contratar arreglistas de jazz-orientadas. Hijo de un fabricante de cigarros, Machito se convirtió en un músico profesional en Cuba en su adolescencia antes de emigrar a América en 1937 como vocalista de La Estrella Habanera. Trabajó con varios artistas y orquestas de América en los años 30 a finales, la grabación con el entonces dominante artistas españoles Xavier Cugat. Después de un intento abortado antes de lanzar una banda con Bauzá, Machito fundó los Afro-cubanos en 1940, asumiendo al año siguiente Bauza como director musical, donde permaneció durante 35 años. Después de hacer algunos discos de 78 principios para Decca, el afro-cubanos realmente comenzó a hacerse popular después del final de la Segunda Guerra Mundial, que aparece con - y sin duda influyen - orquesta de Stan Kenton (Machito tocando las maracas en Kenton grabaciones de "El Manicero "y" Cuban Carnival ") y grabar algunas partes interesantes de Mercurio y Clave de Fa. A Bauza que impulsaba, la banda de Machito aparece una galaxia de solistas de jazz estadounidense en sus grabaciones desde 1948 hasta 1960, incluyendo a Charlie Parker (oído memorable en "No Noise"), Dizzy Gillespie, Flip Phillips, McGhee Howard, Buddy Rich, Harry "Dulces" Edison, Cannonball Adderley, Herbie Mann, Fuller Curtis y Johnny Griffin. Tocando con regularidad en el Palladium de Nueva York, la banda de Machito alcanzó su pico de popularidad durante la manía del mambo de la década de 1950, sobrevivió a los disturbios de los años 60 ya pesar de la pérdida de Bauza en 1976, siguió trabajando con frecuencia en los años 60, 70, y principios de los 80 cuando el término "salsa" entró en uso. La banda grabó para Pablo (junto con Gillespie) y sin tiempo en sus últimos años, y tocaba el club Ronnie Scott's en Londres en 1984, cuando sufrió un derrame cerebral Machito fatal. Una película documental de Carlos Ortiz, Machito: A Latin Jazz Legacy, fue lanzado en 1987. Richard S. ~ Ginell, All Music Guide


Más información relacionada



Machito - Afro Cuban Jazz (1997)

Temas:
01-Tin Tin Deo
02-Wild Jungle
03-Oyeme
04-Ring-A-Levio
05-Conversation
06-Kenya
07-Minor Rama
08-Blues a la Machito
09-Frenzy
10-Congo Mulence
11-Holiday
12-Cannonology
13-Mambo, Pts. 1 & 2
14-Mango Mangue
15-Okiedoke

Irving Fields & Roberto Rodriguez (2006) Oy Vey.....Ole!!!

Oy Vey! Ole! es un homenaje obligado. Se combinan temas del repertorio de Irving Fields, en el que no falta el conocidísimo Miami Beach Rhumba, y versiones de los dos primeros discos de Roberto Rodríguez. El piano de Irving Fileds ingénuo y divertido, le pega que ni pintado a la música de Rodríguez. En realidad Rodríguez está haciendo lo del veterano Fields, pero en versión moderna y pelín intelectual. Es bonito ver como se entienden los dos músicos a pesar de su gran diferencia de edad. El disco es delicioso, y amablemente sencillo.


Las 12 canciones en Oy Vey! Ole! son momentos de alegría; es un lugar donde los ritmos afrocubanos, klezmer tradicional / melodías hebreas, inmediatez pop y la economía, y Elan jazz enriquecido unen en convergencias de frío. El noventa y algo pianista Irving Fields escribió canciones interpretadas por Dinah Shore, Xavier Cugat, y Sarah Vaughan y tenía un álbum instrumental golpear (Panecillos y Bongos) en 1959. El percusionista Roberto J. Rodríguez es un percusionista con sede en la ciudad de Nueva York de origen cubano que se sumergió en caldo de cultivo de la cultura judía de Miami, y aparte de que lleva sus propias bandas, que ha jugado con Rubén Blades, Joe Jackson, y Marc Ribot. Es una pareja improbable de hepcats, pero funciona. Basta con escuchar a la mezcla efervescente de sonidos: Tango en el templo con el elegante "Pirulí". Luego disfrutar de cócteles al suave "El Polaco" y pretender que estás envuelto en una intriga en Madrid, Tel Aviv, o Brooklyn (o Boca Raton, para el caso). Oy Vey! ... Ole!

Más información relacionada Irving Fields

Mas información relacionada Roberto Rodriguez



Irving Fields & Roberto Rodriguez  Oy Vey.....Ole!!! (2006)

Temas:
01. El Danzon De Moises
02. A Turkish Chasseneh 
03. El Polaco 
04. Miami Beach Rhumba
05. Dice El Sabio Solomon
06. Elephant Tap Dance 
07. Paseo Del Prado 
08. Managua, Nicaragua 
09. Piruli 
10. Pago Pago (Pango Pango) 
11. Wolfie's Corner 
12. Song Of Manila 

Musicos:
Irving Fields (piano)
Roberto Rodríguez (percusión)
Meg Okura (violín)
Gilad Harha (clarinete)
Uri Sharlin (acordeón, órgano)
Natalh Michal (voz)
Jennifer Vincent (bajo acústico)

Havana Mambo – Guantanamera & Other Cuban Favourites

Havana Mambo no es la única banda de salsa / afrocubana que tiene su sede en Italia, pero adiferencia de otros conjuntos de salsa que se pueden encontrar en Milán, Roma, Palermo, Venecia o Florencia, Havana Mambo no está dominado por italianos: el Los fundadores de la banda son originarios de Cuba. Havana Mambo, de hecho, se formó en La Habana, Cuba, en 1994 por diez músicos cubanos que habían sido miembros de la Nueva Orquesta de Pérez Prado, una llamada "orquesta fantasma" que se inspiró en las bandas del seminal Pérez Prado. , quien fue uno de los artistas cubanos más influyentes de los años 40, 50 y 60 y murió en 1989 a la edad de 73 años. Aunque Cuba es el lugar de nacimiento de los muchos ritmos que componen lo que ahora se conoce como música salsa - son, cha cha, mambo, guaguancó y danzón, entre otras cosas - Havana Mambo se dio cuenta de que también había público para la salsa en Europa y se embarcó en una extensa gira europea en 1996. Descubrieron que el público era especialmente receptivo en el norte de Italia y pasó varios meses en un club en Turín llamado Sabor Latino, que es uno de los mejores clubes de salsa en esa parte del país y ha atraído a importantes salseros como Willie Colón, Adalberto Alvarez y La India (entre otros). 
En 1997, se le pidió a Havana Mambo que actuara en Umbria Jazz, que es el festival de jazz más famoso de Italia, pero también incluye algo de música latina, y también fue en 1997 cuando los miembros de la banda decidieron permanecer en Italia de forma permanente y se establecieron en Milán. Aunque el nombre Havana Mambo implica que están orientados al mambo, los músicos no tocan exclusivamente mambo y son bastante capaces de abrazar una variedad de estilos afrocubanos. Han sido influenciados por el trabajo clásico de los 40 y 50 de favoritos cubanos como Beny Moré, Machito, Xavier Cugat y, por supuesto, Pérez Prado (quien es conocido como el Rey del Mambo e hizo más que nadie por popularizar ese estilo. en los años 40 y 50), pero también están de moda con la salsa al estilo de la ciudad de Nueva York que Fania Records hizo popular en los años 70. Y aunque la música afrocubana es el enfoque principal de la banda, Havana Mambo ocasionalmente se desvía hacia el merengue dominicano (que también tiene una audiencia en Italia y otros países europeos) y aprecia a estrellas influyentes del merengue como Wilfrido Vargas y Johnny Ventura.
Havana Mambo ha grabado algunos álbumes para el sello italiano Tauri, incluidos Ula Ula y Havana Mambo Hasta el Amanecer de 2002; el grupo también tiene un lanzamiento homónimo en Max Music. En 2003, Putumayo World Music incluyó una de sus canciones en la compilación Salsa Around the World, que tenía la intención de demostrar que no todas las bandas de salsa o influenciadas por la salsa tienen su sede en Cuba, Puerto Rico, Miami o la ciudad de Nueva York._Alex Henderson (allmusic)
                                                                              

                                                                                   

                                                                                
Havana Mambo – Guantanamera & Other Cuban Favourites (2008)

Temas:
01.Guantanamera (Elmer Ferreira)
02.Buena Vista Social Club (Havana Mambo)
03.Cuban Mambo (Havana Mambo)
04.Mambo Jambo (Havana Mambo) 
05.Rumbah Tumbah (Havana Mambo
06.La Negra Tomasa (Elmer Ferreira)
07.Oye Como Va (Havana Mambo)
08.Patricia (Havana Mambo)
09.Mambo No. 5 (Havana Mambo)
10.Mambo No. 8 (Havana Mambo)
11.Te Quedaras (Havana Mambo)
12.Chan Chan (Havana Mambo)
13.Mambo Sinuendo (Havana Mambo)
14.Havana (Elmer Ferreira) 

Metrotang - Lights Out

Berardo "Chacho" Ramírez es director de orquesta, compositor y baterista de su banda "MetroTang" Jazz latino con un juego Afro-beat. MetroTang abrió el JazzFest Narrowsburg mayo 2006 como su estreno. El CD recientemente publicado, "Lights Out", presenta canciones originales, más una de Paquito d'Rivera y uno de Bobby Martone. El CD está recibiendo elogios, como "Chacho ha creado un sonido contemporáneo que expresa su medio cultural de hoy" (Hal Galper).

Nacido en Nueva York en 1951 de Cuba y el fondo de Puerto Rico, Chacho comenzó a tocar la batería a la edad de 12 años. Sus padres no querían comprarle una batería, por lo que dispuso cajas de comestibles almacena como un conjunto en torno a él, tenía que reemplazar las cajas con frecuencia. Más tarde, con una batería y que viven en apartamentos, Chacho era frecuentemente perseguida desde su local de ensayo en la cuadra, a veces con una escoba. Sin embargo, perseveró a través de los años, estudiando de forma intermitente con Ian Finkel (Xavier Cugat Band), Steve Barrios (Mongo Santamaría, Fort Apache Band), Freddie Waits (McCoy Tyner, Stevie Wonder, Marvin Gaye), y Pablo Rieppi (Profesor de la Columbia Universidad de la Universidad Hofstra). Chacho también se enseña en talleres, tambor clínicas y clases magistrales junto a Max Roach, Alan Dawson, Joe Morello, Bernard Purdie, Jim Chapin y.

Chacho ha viajado y actuado con los siguientes artistas: Ahmad Jamal, Merritt Jymie, Hal Galper, Wiley Lee, José Fajardo, Babatunde Olatunji, Turrentine Tommy, Bo Diddley, Foster Herman, Nanton Morris, Sol y Yaeger. Ha grabado con el grupo de Ron Gill, Richie Vitale (en el CD de reciente aparición "New York Salsa."), Iguazú, Jorge Sánchez, y Bonada Jazz Ensemble.

Chacho es percusionista en "Universal Richie Vitale Orquesta" y está tocando bongos, congas y percusión latina en el CD Además, toca la percusión en Chacho "Jorge Jiménez Sabor a Conga", actuando regularmente en locales de salsa de Manhattan.

Como profesor, Chacho trabaja extensamente como Artista en Residencia a través de Nueva York para Público Joven / Nueva York. Durante cuatro años, él era el director / profesor de la Escuela Secundaria Adlai Stevenson Latin Band. Escribió una guía de estudio sobre la historia de la música salsa para uso de profesores de escuelas públicas. Chacho también compuso "Maracudu", un conjunto de percusión obra encargada y realizada por el conjunto de percusión de la Universidad de Hofstra

Lights Out, por MetroTang nuevo quinteto percusionista Chacho Ramírez, late con el pulso de la música latina urbana. La combinación de la salsa y el jazz con sus raíces cubanas, Chacho ha creado un sonido contemporáneo que expresa su medio cultural de hoy. Ya sea para escuchar, bailar o de fiesta, este disco debe estar en la colección de todos. "- Hal Galper

“Chacho Ramirez's CD Lights Out impresiona en todos los sentidos - a partir de las líneas de bajo ranurado a los ritmos y solos fantásticamente entrelazadas emocionante. Grabado musicalmente con la mayor claridad, aún después de varias escuchar no pude obtener lo suficiente de esta grabación. Hay magia en cada rincón de este tapiz espumosos. Aquí yace la llegada de un compositor estreno, arreglista, director y percusionista de la más alta calidad. No te pierdas este CD - no va a defraudar. "- Sarah Jane Ción, Ganador del Concurso de Jazz 1999 Gran Piano de América y autor de Modern Jazz Piano.





MetroTang - Lights Out (2006)

Temas:
01. Coco Loco
02. Funky Voyage
03. Full Moon in Philly
04. I'm Moanin' 2
05. Melba's Mambo
06. Blues For Y'all
07. Lights Out
08. Who's Smoking?

Musicos:

Chacho Ramirez (Batería)

Eldad Zvulun (Piano)

Gary Damanti (Guitarra)

Phil Palombi (Bajo)

Jorge Jimenez (Congas)

Información cedida por Candela