Luisito Quintero - Percussion Maddness

Luis Quintero Jr. (Luisito Quintero) músico percusionista nació en la ciudad de Caracas,

Venezuela el 24 de Agosto de 1967. 
Ganador de un premio Grammy y nominado a varios Grammy, Luisito Quintero creció con la tradición latinoamericana y africana de la percusión. Su padre es tan percusionista como su tío Carlos Nene Quintero y su primo Roberto Quintero . Llegó a ser miembro de la Orquesta Simfónica de Venezuela , pero pronto apareció con conjuntos como el Grupo Guaco y El Trabuco Venezolano y realizó giras con Oscar D'León .
Posteriormente se trasladó a Nueva York, donde trabajó con músicos de jazz latino como Willie Colón, Eddie Palmieri, Tito Puente y Celia Cruz. Después se decantó por la fusión de jazz, funk, salsa y música africana y actuó con George Benson , Herbie Hancock , Ravi Coltrane y Toshiko Akiyoshi , pero también con músicos pop como Gloria Estefan y Marc Anthony.
Su primer álbum "Percussion Maddness" fue producido por Louie Vega & LQ y publicado por BBE Records. Ahora 8 años después, reeditado en Vega Records con 4 temas nuevos también producidos por Louie Vega saldrá en un pack doble de vinilo en dos partes, una un pack doble de 12" y la segunda un pack doble de vinilo de 7". Disfruta de los sonidos brasileños, jazz, africanos, house y afrocubanos del gran percusionista Luisito Quintero en este vinilo tan especial.
“Percussion Maddness” el mismo fue lanzado al mercado a principios del año 2006 y fue el primer álbum donde Luisito Quintero debuta como solista. Producido por el reconocido Louie Vega (Master at Works).

El álbum incluye 13 temas producidos por Louie Vega y Co-producidos por Luisito Quintero, adicionalmente incluye 3 versiones de temas de destacados músicos del Latin Jazz como lo son Ray Barretto y Tito Puente.

Puede que el percusionista venezolano Luisito Quintero no sea un nombre muy conocido, pero en el pequeño mundo de la música latina de Nueva York se le considera uno de los timbaleros más calientes de la ciudad.
Tras sus comienzos en la Orquesta Sinfónica de Venezuela y una temporada con la cantante de salsa La India, Quintero aprendió las sutilezas de la percusión afrocubana tocando junto a una serie de leyendas de la música latina, como Óscar D'Leon y Eddie Palmieri.
Aunque Quintero rinde homenaje a sus mentores en algunos temas dedicados a los fallecidos Tito Puente y Ray Barreto, el CD en su conjunto lleva el sello del DJ y productor de house "Li'l" Louie Vega, la mitad del dúo neoyorquino Masters at Work.
El deep-house, el acid jazz y los sedosos grooves de bossa están muy en la línea de los álbumes de Louie Vega Nuyorican Soul y Elements of Life, en los que participó Quintero.
A veces se acusa a Vega de sobreproducir los temas hasta el punto de castrarlos, y la voz de la cantante caboverdiana Anane -la última conquista de Lil' Louie- en "Our Love" es tan suave que se acerca a la música muzak.

¿Pero ligero? No lo creo. Un tema de Fela Kuti con el cantante y guitarrista camerunés Francis
Mbappe da en el clavo del afrobeat, y una fiel reproducción del tema seminal de Ray Barreto, "Acid", es un merecido homenaje.

En general, la calidad de las colaboraciones del pianista Hilton Ruiz, el flautista Néstor Torres y el guitarrista venezolano Aquiles Báez hacen de este disco una delicia para los amantes de la música que buscan algo más que las típicas descargas de salsa que ofrecen muchos combos latinos en la actualidad.

                                                                           

                                                                                   

Luisito Quintero - Percussion Maddness (2006)

Temas:

01. Percussion Maddness

02. Tumbao

03. M'Bongi

04. Gbagada, Gbagada, Gbogodo, Gbododo feat. Francis Mbappe

05. Aquilas Coisas Todas

06. Our Love feat. Anane

07. Quintero's Jam feat. Hilton Ruiz

08. EOL Intro (Clap Your Hands)

09. Acid

10. Four Beat Mambo

11. Son Montuno

12. Oshagrina

13. Love Remains Tha Same feat. Blaze

Musicos: 

Luisito Quintero (Percusión, bongos, conga, batería, maracas, timbales, voz (negra), campanas, palmas, djembe, cajón, dun-dun, ngoma, shaker, shekere, güiro, instrumentos de juguete, ruido de la multitud, productor)

Kevin "KAcey" Jones (Voz 'bckgr', palmas, djembe, dun-dun, ngoma, shaker, productor)

Aquiles Baez Guitarra (Tres)

Luis Bonilla (Trombón)

Milton Cardona (Voz 'bckgr', shekere, lead)

Marc Cary (Fender Rhodes)

Mike Ciro (Guitarra eléctrica, Guitarra rítmica, solista)

Stephanie Cooke (Voz 'negra')

Kaïssa Doumbé (Voz 'bckgr')

Nelson Hernandez (Arreglos de trompa)

Adam Hill (Viola)

Brian Lynch (Trompeta, fliscorno)

Jose Mangual Jr. (Voz 'bckgr')

Francis Mbappe (Bajo, Guitarra rítmica, Voz, Voz 'negra', arreglos vocales)

Ozzie Melendez (Trombón)

Albert Sterling Menendez (Teclados, Fender Rhodes, solista)

Josh Milan (Voz, Voz 'bckgr', solista, teclado armónica)

Shuichi Morita (Sobregrabaciones vocales)

Gene Perez (Bajo)

Carlos "Nene" Quintero (Conga)

Ivan Renta (Saxo soprano, Saxo Tenor)

Carleen Robinson (Voz 'bckgr')

Reuben Rodriguez (Bajo eléctrico, bajo vertical, ampeg baby bass)

Hilton Ruiz (Piano)

John Scarpulla (Saxo barítono, saxo tenor)

Nestor Torres (Flauta)

El Chicano - The Best of El Chicano

A principios de la década de 1970, El Chicano ayudó a ser pionero y a popularizar el concepto de rock latino, haciendo una música ecléctica y distintiva que se inspiraba en la herencia mexicano-estadounidense de sus miembros y en la rica comunidad musical de su Este de Los Ángeles natal. La música de El Chicano moda durante ese periodo presentaba una oportuna mezcla de rock duro y ritmos latinos, incorporando a la perfección elementos de soul, funk, blues, jazz y salsa, así como influencias cubanas, puertorriqueñas y caribeñas. Las canciones de la banda también incluían letras bilingües que, por lo general, evitaban declaraciones políticas manifiestas, pero que reflejaban la realidad de la experiencia mexicano-estadounidense, así como el ambiente étnicamente consciente y políticamente cargado de la época.
El Chicano surgió de la misma escena musical fértil del este de Los Ángeles que engendró combos de rock 'n' roll latinos tan conocidos en los 60 como Cannibal y The Headhunters y The Premiers. El Chicano nació en 1968, a partir de The VIPs, un grupo popular local que incluía a los futuros miembros de El Chicano, Freddie Sánchez (bajo/voz), Bobby Espinosa (teclados/voz), Mickey Lespron (guitarra), John DeLuna (batería) y Andre Baeza (congas). Después de un periodo inicial de trabajo con una sección de vientos, El Chicano se asentó en una forma más compacta que mostraba el conmovedor órgano Hammond B3 de Espinosa, el jazz de Lespron. El sonido de la banda fue en gran medida el de un grupo de música que se convirtió en un grupo de música de la familia. El sonido de la banda se forjó en gran medida a través de las actuaciones en directo, durante sus primeros días tocando para audiencias racialmente diversas en Los Ángeles. "En aquella época", explica Sánchez, "tocábamos muchos estilos de música diferentes. Pero empezamos a darnos cuenta de que la gente cruzaba la ciudad en coche sólo para ver nuestro primer concierto, que consistía en nuestras interpretaciones de canciones de jazz latino". Uno de los temas más populares de los directos de El Chicano era una versión hipnóticamente funky de "Viva Tirado", del pianista de jazz Gerald Wilson, un homenaje instrumental al matador mexicano José Ramón Tirado. La popularidad local de la canción -y la reputación local de El Chicano como un acto de fuego en vivo- ayudó a que el grupo llegara a un acuerdo con el sello Kapp, afiliado a Decca Records.

"Viva Tirado" se convirtió en la canción principal del primer LP de El Chicano en 1970. Con la distribución nacional, la canción se convirtió en un éxito sorpresa, alcanzando el número 28 en la lista de singles pop de Billboard y el número 20 en su lista de R&B. Fue un éxito mayor en el área de Los Ángeles, encabezando algunas listas regionales durante 13 semanas, algo casi inaudito para un instrumento de jazz. El éxito de la canción puso a El Chicano en el mapa de la corriente principal, al tiempo que consolidó la popularidad de la banda en los barrios mexicano-americanos de todo el suroeste de Estados Unidos. El éxito de "Viva Tirado" también dio lugar a acontecimientos inesperados como una invitación para actuar en el Festival de Jazz de Ohio de 1970, cuyos organizadores escucharon la canción y asumieron que El Chicano era un conjunto de jazz experto en lugar de un conjunto de bastidor. Durante la misma gira, dieron un concierto en el legendario Teatro Apollo de Harlem, donde, a pesar del nombre del grupo, el público, según se dice, acudió esperando ver un acto de bloque. A finales de año, El Chicano fue nombrado grupo de jazz del año por las revistas de la industria musical Billboard y Record World. Sánchez cree que el éxito de "Viva Tirado" le ha dado a El Chicano la libertad de experimentar en sus futuros lanzamientos. "Tuvimos la suerte de tener nuestro primer éxito con un instrumental de jazz latino", observa. "Eso nos dio un poco de influencia, así que nunca nos encontramos con nadie que intentara cambiar nuestro enfoque". El Chicano siguió grabando seis álbumes más para Kapp/Decca y luego para MCA: Revolución (1971), Celebración (1972), El Chicano (1973), Cinco (1974), Lo mejor de todo (1975) y Pirámide de amor y amigos (1976). Celebration generó otro éxito en una efervescente lectura latino-folk-rock de "Brown-Eyed Girl" de Van Morrison, con Sánchez y el cantante invitado Steve Salas, un veterano de la escena del Eastside que más tarde alcanzaría el éxito como miembro fundador de Tierra. El LP El Chicano dio lugar al segundo mayor éxito de la banda  El grupo se lanzó al mercado con el clásico del soul de ojos marrones "Tell Her She's Lovely", escrito por David Batteau, con el nuevo miembro Jerry Salas (sin relación con Steve) como vocalista. Aunque el tema sólo alcanzó el número 40 en la lista de singles pop de Billboard y el 98 en la lista de R&B de la revista, fue un éxito mucho mayor en los mercados hispanos. 

A lo largo de los años 70, El Chicano experimentó varios cambios de personal, añadiendo varios miembros, incluyendo a Ersi Arvisu (voz), Max Garduno (congas), Brian Magness (bajo), Joe Perreira (bajo), Hector "Rudy" Regalado (timbales, voz) y el ex-baterista de los Midniters Danny Lamonte (batería). El contrato de MCA de El Chicano expiró en 1976. Desde entonces, han seguido actuando y grabando, conservando un público fiel en Estados Unidos y en el extranjero. Han actuado en lugares tan lejanos como Japón, Nicaragua, Malasia y Corea, y han sido sampleados por Kid Frost en su "La Raza" en 2001. En el momento de escribir estas líneas, los miembros originales, Espinosa y Sánchez, están trabajando en un nuevo proyecto de El Chicano, la partitura de un documental sobre el organizador sindical y amigo de los lazos, César Chávez, sindicalista y amigo de lazos César Chávez, y preparando un libro que documenta la larga historia de su grupo. La formación actual de El Chicano (cuyas actividades están documentadas en su propio sitio web) mantiene una apretada agenda de actuaciones, tocando unas 100 fechas al año en todo el mundo. Mientras tanto, la influencia de El Chicano perdura en más de una generación de rockeros hispanos. Sánchez y Espinosa, socios desde hace mucho tiempo, recuerdan con orgullo el legado musical de la banda. "Nos gusta pensar que fuimos decisivos a la hora de crear el terreno de juego para muchos de los que vinieron después". afirma Sánchez. "Fuimos muy conscientes de los artistas latinos que nos dieron esa estrella en el cielo a la que disparar, y nos permitieron mantenernos centrados en nuestro viaje"_Scott Schinder. Nueva York, julio de 2004

                                                                                

                                                                              

El Chicano - The Best of El Chicano (2004)

Temas:

01. Viva Tirado (Gerald Wilson)

02. Brown-Eyed Girl (Van Morrison)

03. El Cayuco (Tito Puente)

04. Tell Her She's Lovely (David Batteau)

05. The Latin One (El Chicano)

06. Sabor A Mi (Alvaro Carrillo)

07. Juntos (Andre Baéza, Robert Espinosa, Alfredo Sanchez, John DeLuna, Michael Lespron)

08. (Se Fue Mi) Cha Chita (Andre Baéza, Robert Espinosa)

09. Cubano Chant (Bryant Ray)

10. Cantaloupe Island (Herbie Hancock)

11. Ahora Si (Ray Barretto)

12. Gringo En Mexico (Wendy Waldman)

Pistas: 1, 10 de El Chicano - Viva Tirado

Pistas: 2, 7 de El Chicano - Celebración

Pistas: 3, 5, 11, 12 de El Chicano - Cinco

Pistas: 4, 8 de El Chicano - El Chicano

Pistas: 6, 9 de El Chicano - Revolución

Miembros "El Chicano":

Freddie Sanchez (Bajo - 1970)

Bobby Espinosa (Órgano - 1970, fallecido el 27 de febrero de 2010)

Mickey Lespron (Guitarra - 1970)

John De Luna (Batería - 1970)

Andre Baeza (Congas - 1970)

Ersi Arvisu (Voz principal - 1970s)

Max Garduno (Congas - 1970s)

Danny Lamonte (Batería - 1970s)

Brian Magness (Bajo - 1970s)

Joe Perreria (Bajo - 1970s)

Rudy Salas (Voz, 1970 murió el 29 de diciembre de 2020)

Steve Salas (Voz, 1970 murió el 10 de febrero de 2022)

Rudy Regalado (Timbales - se unió c. 1971, murió el 4 de noviembre de 2010)

Jerry Salas (Voz principal, guitarra - se unió en 1973)

Walfredo "Wally" Reyes, Jr. (Batería, congas, 2010-2012)

Joseph Baeza (Congas (2011-2013, fallecido el 18 de octubre de 2016)

David "Chango" Chávez (Congas, 2015-actualidad)

Eddie Avila  (Batería, 2010 - actual)

Tito Puente & Maynard Ferguson - Special Delivery

En virtud de su cálido y extravagante comportamiento en el escenario, su longevidad, sus constantes giras y sus apariciones en los medios de comunicación, Tito Puente es probablemente el símbolo más querido del jazz latino. Pero, además, Puente ha conseguido mantener su música extraordinariamente fresca a lo largo de las décadas; como virtuoso de los timbales, combinaba el dominio de todos los matices rítmicos con la espectacularidad a la antigua usanza: ver sus ojos desorbitados cuando hacía un solo dinámico era uno de los grandes placeres para los aficionados al jazz latino. Músico de formación, también era un fino y lírico vibrafonista, un talentoso arreglista y tocaba el piano, las congas, los bongos y el saxofón. Su atractivo sigue siendo para todas las edades y grupos étnicos, ayudado sin duda por las versiones más vendidas de Santana de "Oye Como Va" y "Para Los Rumberos" en 1970-1971, y las apariciones en The Cosby Show en la década de 1980 y la película The Mambo Kings en 1992. Su estilo de salsa clásica no suele tener un trasfondo oscuro, sino que irradia un ambiente de fiesta alegre y bailable.
Arraigado en el Harlem español, de ascendencia puertorriqueña, Puente pretendía en un principio ser bailarín, pero esas ambiciones se vieron frustradas por un desgarro del tendón del tobillo sufrido en un accidente. A los 13 años empezó a trabajar en la big band de Ramón Olivero como baterista, y más tarde estudió composición, orquestación y piano en Juilliard y en la New York School of Music. Y lo que es más importante, tocó con Machito y absorbió su influencia, que estaba fusionando con éxito los ritmos latinos con el jazz progresivo. En 1947 formó el grupo Piccadilly Boys, formado por nueve músicos, y dos años más tarde lo amplió a una orquesta completa. Puente grabó para Seeco, Tico y, finalmente, RCA Victor, y contribuyó a alimentar la moda del mambo, que le dio el título no oficial -y, en última instancia, vitalicio- de "Rey del Mambo", o simplemente "El Rey". Puente también ayudó a popularizar el chachachá durante la década de 1950, y fue el único no cubano que fue invitado a la celebración de los "50 años de música cubana" patrocinada por el gobierno en Cuba en 1952.

Puente Goes Jazz. Entre los congueros de las grandes ligas que tocaron con la banda de Puente en los años 50 se encontraban Mongo Santamaría, Willie Bobo, Johnny Pacheco y Ray Barretto, lo que dio lugar a algunos explosivos tiroteos de percusión. Puente no se encerró en un rincón de la música latina, sino que abarcó el jazz de grandes bandas (Puente Goes Jazz) y, en los años 60, temas de bossa nova, éxitos de Broadway, boogaloos y música pop, aunque en los últimos años tendió a ceñirse a los estilos de jazz latino más antiguos que se conocieron popularmente como salsa. En 1982, empezó a grabar una serie de álbumes de jazz latino con octetos o grandes bandas para Concord Picante que le dieron una mayor exposición y respeto en el mundo del jazz.
Entre los congueros de las grandes ligas que tocaron con la banda de Puente en los años 50 se encontraban Mongo Santamaría, Willie Bobo, Johnny Pacheco y Ray Barretto, lo que dio lugar a algunos explosivos tiroteos de percusión. Puente no se encerró en un rincón de la música latina, sino que abarcó el jazz de grandes bandas (Puente Goes Jazz) y, en los años 60, temas de bossa nova, éxitos de Broadway, boogaloos y música pop, aunque en los últimos años tendió a ceñirse a los estilos de jazz latino más antiguos que se conocieron popularmente como salsa. En 1982, empezó a grabar una serie de álbumes de jazz latino con octetos o grandes bandas para Concord Picante que le dieron una mayor exposición y respeto en el mundo del jazz. 

Su álbum número 100. Puente, un infatigable visitante de los estudios de grabación, grabó su álbum número 100, The Mambo King, en 1991 en medio de mucha ceremonia y afecto (un concierto de música latina con todas las estrellas en el Universal Amphitheatre de Los Ángeles en marzo de 1992 conmemoró el hito), y siguió añadiendo más títulos a la cuenta durante los años 90. También apareció como invitado en innumerables álbumes a lo largo de los años, y estrellas del jazz como Phil Woods, George Shearing, James Moody, Dave Valentin y Terry Gibbs tocaron en los últimos álbumes del propio Puente. Apenas unos meses después de aceptar su quinto premio Grammy, murió el 1 de junio de 2000. Varios meses después, Puente fue reconocido en la primera edición de los premios Grammy Latinos, ganando el premio a la mejor interpretación tropical tradicional por Mambo Birdland._Richard S. Ginell (allmusic)

Walter Maynard Ferguson (Montreal, Quebec; 4 de mayo de 1928-Ventura, California; 23 de agosto de 2006) fue un trompetista y fliscornista canadiense de jazz.

Comenzó su carrera a los 13 años como solista en Canadá, llegando de muy joven a formar su propio grupo. Tocó con músicos de la talla de Dizzy Gillespie y Stan Kenton. Su fama se extendió al realizar la música de la película Rocky, «Ahora voy a volar (Gonna fly now», protagonizada por Sylvester Stallone. Por dicha canción fue nominado a los premios Grammy en 1978..._(wikipedia)

Tito Puente, el padrino del jazz latino, ha celebrado sus 50 años en la música con este CD candente. "Be-Bop" se lanza con un duelo entre los trompetistas Bobby Shew y Maynard Ferguson. El infravalorado saxofonista alto Bobby Porcelli y el tenor Mario Rivera hacen que esta versión de "Stablemates" sea un éxito. La rara vez escuchada "Venus De Milo" se revive con un cálido homenaje al compositor Gerry Mulligan por parte del saxofonista barítono Mitch Forman. Special Delivery es jazz latino de banda grande en su máxima expresión._Ken Dryden (allmusic)

                                                                           

                                                                                  

Tito Puente & Maynard Ferguson - Special Delivery (1996)

Temas:

01. Be-Bop (Dizzy Gillespie) 

02. Misterioso (Thelonious Monk) 

03. Point East Memories (Mitch Frohman) 

04. Stablemates (Benny Golson) 

05. On Green Dolphin Street (Bronislaw Kaper, Ned Washington)  

06. Autumn in Rome (Vernon Duke) 

07. Venus de Milo (Gerry Mulligan) 

08. Tito's Colada (Tito Puente) 

09. Barbara (Horace Silver) 

10. Where You At? (Horace Silver) 

11. Flying Home (Benny Goodman, Lionel Hampton, Sydney Robin) 

Musicos:

Tito Puente (Percusión, timbales, vibráfono en "Point East Memories & "Autumn In Rome", marimba en "Tito's Colada")

Ray Vega (Trompeta)

Jhon Walsh (Trompeta)

Michael Philip Mossman (Trompeta, Trombón)

Wayne Bergeron (Trompeta en "Be-Bop" y "On Green Dolphin Street")

Bobby Shew (Trompeta en "Be-Bop" y "On Green Dolphin Street")

Jorge Reynaldo (Trombón)

Lewis Kahn (Trombón) 

Tom Garling (Trombón on "Be-Bop" & "On Green Dolphin Street")

Mario Rivera (Saxo tenor y soprano, flauta, flautín)

Bobby Pporcelli (Saxo alto)

Mitch Frohman (Saxo barítono) 

Don Menza (Saxo tenor en "Be Sop" y "On Green Dolphin Street")

José Madera (Percusión) 

John Rodriguez (Percusión) 

Jimmy Delgado (Percusión)

Louis Bauzó (Percusión)

Sonny Bravo (Piano, excepto en "Misterioso" & "Point East Memories")

Rubén Rodríguez (Bajo)

Musicos invitados: 

Maynard Ferguson (Trompeta en "Be-Bop", "On Green Dolphin Street, "Fiying Home", más fliscorno en "On Green Dolphin Street)

Hilton Ruiz (Piano en "Misterioso & "Point East Memories") 

Noche De Salsa con Ray Barretto

                                               

En 1975,  Ray Barretto vive su momento culminante en el mundo de la salsa al publicar el famoso disco rojo o disco de las congas, bautizado simplemente "Barretto", (Fania SLP-486). Para su grabación se apoyó en dos cantantes: Tito Gómez, ex-vocalista de la "Sonora Ponceña", recién llegado de Puerto Rico, y el panameño Rubén Blades quien inicia su carrera en la salsa. Figuran como los principales temas Ban-Ban Queré, de Calixto Varela; Guararé, composición de Juan Formell, bajista cubano director del grupo los "Van Van"; Testigo fui y Mas vale un guaguancó de Curet Alonso y Esto es amor y Canto Abacuá de Rubén Blades. El tema Guararé fue ganador de un premio en ese año, y el álbum también fue nominado para el premio Grammy en el año 1976. Completan el álbum Vine pa’ echar candela, de Ray; y El presupuesto, de Roberto Rodríguez. “Rubén Blades me dio un cassette de unos números originales de él, pero lo que me fascinó fue su voz. Tenía una voz distinta a la de Adalberto y Tito Allen y me imaginé combinándolo con Tito Gómez y en vez de hacer una orquesta con una sola voz, comenzar a hacer armonías”, comenta Ray._Herencialatina 

Noche De Salsa con Ray Barretto 

Temas: 

Canto Abacua 

Guarare 

Vine Pa' Echar Candela 

Ban Ban Quere 

Musicos: 

Ray Barreto (Líder, congas) 

Gil López (Piano) 

Louie Colón (Bajo) 

Ray Romero (Timbales) 

Tony Fuentes (Bongos) 

Joe Román (Trompeta)

Roberto Rodríguez (Trompeta)

Ite Jerez (Trompeta) 

Art Webb (Flauta) 

Ruben Blades (Voz)

Tito Gómez (Voz)

Raymond Barreto Pagán, más conocido como Ray Barretto (Nueva York, 29 de abril de 1929 - Hackensack, Nueva Jersey, 17 de febrero de 2006)

Triste - Cal Tjader - Tributo (1998)

"Triste" Cal Tjader - Tributo (1998) 

Músicos:

Dave Samuels (Vibes, marimba)

Alain Mallet (Piano, teclados)

Dave Valentin (Flauta, percusiones)

Robbie Ameen (batería)

Jose Santiago (Bajo)

Paoli Ramos (Congas)

Callen Radcliffe Tjader, hijo (San Luis, Misuri, Estados Unidos, 16 de julio de 1925 - Manila, Filipinas, 5 de mayo de 1982), conocido como Cal Tjader, fue un vibrafonista y compositor estadounidense que llegó a ser el más famoso líder de una banda de jazz afrocubano que no era de origen latino. Intérprete inicialmente de bop y de cool, su evolución musical lo llevó a especializarse en la fusión del jazz con la música cubana. Tocaba también la batería y los bongóes. De origen sueco, e hijo de un director musical y productor de vodevil y de una pianista, Tjader creció en medio de un ambiente musical y teatral, llegando a recibir clases de baile durante un breve periodo de tiempo. Estudió en el San Francisco State College, donde se inició en el estudio de la batería bajo la supervisión de Walter Lawrence. A finales de los años 40 empezó a tocar la batería en pequeños grupos musicales de California. Inmediatamente, pasó a formar parte del trío de Dave Brubeck, con quien grabó varios discos, como batería (1949-1951). En 1953 se unió al grupo de George Shearing como vibrafonista y percusionista. Aunque su estancia con el pianista ciego no duró mucho, fue precisamente durante su estancia en el grupo cuando Tjader se enamoró de la música latina. Cuando dejó este conjunto, al año siguiente, formó su propia banda, que precisamente enfatizó el elemento latino, aunque también tocaba jazz tradicional. Tjader

grabó una serie de álbumes, principalmente de jazz afrocubano, para Fantasy desde mitad de los 50 hasta principios de los 60, cuando cambió a Verve. Ahí, bajo la dirección de Creed Taylor, expandió su paleta estilística y tuvo la oportunidad de colaborar con artistas como Lalo Schifrin, Anita O'Day, Kenny Burrell y Donald Byrd. Durante ese tiempo tuvo un éxito en las listas con "Soul Sauce", una versión del tema de Dizzy Gillespie y Chano Pozo "Guachi guaro" y grabó uno de sus mejores álbumes, Cal Tjader Plays the Contemporary Music of Mexico and Brasil (1962). En 1968 creó, junto a Gábor Szabó y Gary McFarland, el sello Skye Records, un proyecto que solo duró dos años. Tjader regresó a Fantasy en los 70, compañía con la que grabó otro de sus mejores discos, Tambu (1973), en colaboración con el guitarrista acústico Charlie Byrd, llamado el embajador de la música brasileña en Estados Unidos y que en esta ocasión tocó excepcionalmente la guitarra eléctrica. En 1979 volvió a cambiar de compañía, en este caso a Concord, en la que permaneció hasta su muerte. Otros músicos con los que trabajó fueron Eddie Palmieri, Vince Guaraldi, Charlie Palmieri, Tito Puente, Hermeto Pascoal, Laurindo de Almeida, Attila Zoller, Ray Barretto, Mongo Santamaría, Clare Fischer, Stan Getz, Carmen McRae y Airto Moreira, entre otros.

Mambo Sentimenlal - Cal Tjader - Tributo (1998)

"Mambo Sentimenlal" Cal Tjader - Tributo (1998) 

Músicos: 

Dave Samuels (Vibes, marimba)

Eddie Palmieri (Piano, teclados)

Dave Valentin (Flauta, percusiones)

Robbie Ameen (Batería)

Jose Santiago (Bajo)

Paoli Ramos (Congas) 

Callen Radcliffe Tjader, hijo (San Luis, Misuri, Estados Unidos, 16 de julio de 1925 - Manila, Filipinas, 5 de mayo de 1982), conocido como Cal Tjader, fue un vibrafonista y compositor estadounidense que llegó a ser el más famoso líder de una banda de jazz afrocubano que no era de origen latino. Intérprete inicialmente de bop y de cool, su evolución musical lo llevó a especializarse en la fusión del jazz con la música cubana. Tocaba también la batería y los bongóes. De origen sueco, e hijo de un director musical y productor de vodevil y de una pianista, Tjader creció en medio de un ambiente musical y teatral, llegando a recibir clases de baile durante un breve periodo de tiempo. Estudió en el San Francisco State College, donde se inició en el estudio de la batería bajo la supervisión de Walter Lawrence. A finales de los años 40 empezó a tocar la batería en pequeños grupos musicales de California. Inmediatamente, pasó a formar parte del trío de Dave Brubeck, con quien grabó varios discos, como batería (1949-1951). En 1953 se unió al grupo de George Shearing como vibrafonista y percusionista. Aunque su estancia con el pianista ciego no duró mucho, fue precisamente durante su estancia en el grupo cuando Tjader se enamoró de la música latina. Cuando dejó este conjunto, al año siguiente, formó su propia banda, que precisamente enfatizó el elemento latino, aunque también tocaba jazz tradicional.

Tjader grabó una serie de álbumes, principalmente de jazz afrocubano, para Fantasy desde mitad de los 50 hasta principios de los 60, cuando cambió a Verve. Ahí, bajo la dirección de Creed Taylor, expandió su paleta estilística y tuvo la oportunidad de colaborar con artistas como Lalo Schifrin, Anita O'Day, Kenny Burrell y Donald Byrd. Durante ese tiempo tuvo un éxito en las listas con "Soul Sauce", una versión del tema de Dizzy Gillespie y Chano Pozo "Guachi guaro" y grabó uno de sus mejores álbumes, Cal Tjader Plays the Contemporary Music of Mexico and Brasil (1962). En 1968 creó, junto a Gábor Szabó y Gary McFarland, el sello Skye Records, un proyecto que solo duró dos años. Tjader regresó a Fantasy en los 70, compañía con la que grabó otro de sus mejores discos, Tambu (1973), en colaboración con el guitarrista acústico Charlie Byrd, llamado el embajador de la música brasileña en Estados Unidos y que en esta ocasión tocó excepcionalmente la guitarra eléctrica. En 1979 volvió a cambiar de compañía, en este caso a Concord, en la que permaneció hasta su muerte. Otros músicos con los que trabajó fueron Eddie Palmieri, Vince Guaraldi, Charlie Palmieri, Tito Puente, Hermeto Pascoal, Laurindo de Almeida, Attila Zoller, Ray Barretto, Mongo Santamaría, Clare Fischer, Stan Getz, Carmen McRae y Airto Moreira, entre otros.

Sammy Figueroa & His Latin Jazz Explosion - ... And Sammy Walked In

                                                                        

Sammy Figueroa (nacido el 16 de noviembre de 1948 en el Bronx , Nueva York) es un percusionista estadounidense. A los 18 años se unió a la banda del bajista Bobby Valentín y también codirigió el grupo de fusión brasileño / latino Raíces.

Después de años de tocar con todos los artistas importantes, desde Miles Davis hasta Mariah Carey, Sammy Figueroa hace su debut discográfico en Savant Records como líder de una de las bandas más populares del jazz latino actual, Sammy Figueroa y su explosión de jazz latino. Fundada en septiembre de 2002, esta configuración de músicos de talla mundial ya ha generado un gran número de seguidores en el sur de Florida con un entusiasmo que se extiende hasta la ciudad de Nueva York. En la gran tradición de Ray Barretto, Mongo Santamaria y Tito Puente, esta banda se centra en uno de los percusionistas más creativos y emocionantes de la actualidad, el gran Sammy Figueroa. 

The Latin Jazz Explosion ha aparecido en el JVC Jazz Festival, el Hollywood Jazz Festival, O'Hara's Jazz and Blues Club, y se ha convertido en la banda más popular en la historia de su club local, Van Dyke's Café en South Beach. Con los talentos de Mike Orta, Nicky Orta, John Lovell, John Michalak y Gotz Kujack, Sammy da un puntapié a la banda con diez números vibrantes tan latinos y tan calientes como el sol en la playa de Copacabana._(jazzdepot)

El conguero / percusionista Sammy Figueroa encabeza un sexteto en esta fecha que suena a versión latinizada de Jazz Messengers de Art Blakey. La música es esencialmente hard bop, consolos del trompetista John Lovell, el saxofonista John Michalak (quien es reemplazado por Tyler Kuebler en dos de las diez selecciones) y el pianista Michael Orta. Del material menos conocido, la "Eugenología" basada en "I Got Rhythm" es la más memorable y los otros aspectos destacados incluyen "Bolivia" de Cedar Walton y "Mambo Influenciádo" de Chucho Valdés. El número final, "Duermeté Mi Cielito", presenta a Figueroa sin compañía, cantando y tocando la percusión. Con suerte, Sammy Figueroa podrá mantener unido a este grupo accesible y dinámico durante muchos años, manteniendo vivas las tradiciones de Art Blakey y Tito Puente._Scott Yanow (allmusic)                                      

     

                                                                               

Sammy Figueroa & His Latin Jazz Explosion - ... And Sammy Walked In (2005)

Temas:

01. Syncopá O No (Olegario Diaz)

02. Niko's Dream (Eugene Uman)

03. Bebé (Hermeto Pascoal / Arreglos-Brian Murphy)

04. And Sammy Walked In (Michel Camilo / Arreglos-Tyler Kuebler

05. Eugenology (Eugene Uman / Arreglos-Carlos Averhoff

06. Mirage (John Lovell)

07. Bolivia (Cedar Walton)

08. Swimming Gaia (Eugene Uman)

09. Mambo Influenciadó (Jesús "Chucho" Valdés)

10. Duermete Mi Cielito (Mardoqueo S. Figueroa)

Musicos:

Sammy Figueroa (Voz, Congas, Percusión) 

John Michalak (Flauta, Saxo) 

Tyler Kuebler (Saxo) 

John Lovell (Trompeta, Flugelhorn, Percusión) 

Michael Orta (Piano, Teclados) 

Nicky Orta (Bajo) 

Götz Kujack (Batería)

Henri Guédon - Afro Temple

Henri Guédon (nacido el 22 de mayo de 1944 en Fort de France en Martinica - fallecido el 12 de febrero de 2006 en París, Francia, tras una operación de corazón) fue un percusionista francés de Martinica. Su primera banda se llamaba La Contesta y la organizó cuando tenía 20 años. Fue galardonado con un Maracas d'or el primer año que se concedieron los premios. En 1983, Philippe Langlais le invitó a componer una mezcla de música clásica y jazz con su orquesta, la composición resultante se llamó Opéra Triangulaire. Fue campeón de judo entre 1963 y 1965. Múltiples álbumes fusionaron los ritmos antillanos con otras músicas del mundo. Guedon contribuyó a exportar el nuevo sonido latino de los años 60 y 70 -guaguanco, boogaloo, salsa, descarga- a Francia y al resto de Europa. Cuando Guedon empezó a colocar sus instrumentos de percusión en la parte delantera del escenario, al estilo de su gran influencia Ray Barretto, el público francés se quedó sorprendido e intrigado. Muy pronto, grandes como El Conde y Pacheco estaban de gira por Francia. Si no fuera por Henri Guedon, Europa podría haber tardado años en avanzar desde el mambo y el chachachá._ (wikipedia)

El jazz interpretado en Francia por músicos franceses, a los que se suman artistas de todos los orígenes, merece nuestra atención porque la música que se interpreta aquí proporciona a menudo un placer equivalente al que se busca en los confines del mundo.

El "Afro Temple" de Guédon es un jazz solar, con los colores de un verano eterno, constantemente azul profundo, pero no sin tormentas, borrascas y relámpagos intermitentes. El título general hace referencia, como es habitual, a un tema en el que se celebra una misa africana según el rito yoruba, en el que Guédon se aplica a la percusión (en gopishang, campana tubular, timbal, guijada o gong) y en el que brilla el tenor de Enrique Femondez, uno de los grandes colaboradores del disco.

En este álbum, el espíritu del continente negro y el de Europa se mezclan, llevando los perfumes de las Antillas. Zoulou es beou de jazz latino, Nêg Macouba una biguine donde la conga sustituye al tambor de bata, que vuelve en Ese Huevo Quiere Sal, un homenaje a la salsa de Machito. Estos tres temas cuentan con notables solistas: en el primero, Bobby Rangel (flauta y soxofón soprano) y Pedro Pereo (piano), en el segundo, Arturo Sandoval (trompeta), en el último, Glem Ferrls (trombón).

En cuanto a Sêpen Maig, orquestado por Fernández y que reúne biguine, bomboa, mozambique y cubana, revive el viejo "hit" de Alexandre Stellio: toda la tradición martinica estalla como un torrente de inmenso dolor y alegría._ Lucien Malson (Le Monde)
                                                                            

                                                                                  

Henri Guédon - Afro Temple (1984)

Temas:

01. Nêg' Macouba (H. Guédon)

02. Ese Huevo Quiere Sal (H. Guédon)

03. Zoulou (H. Guédon)

04. L'Orage (H. Guédon)

05. Fanfaria Seis Por Ocho (E. Fernandez, H. Guédon)

06. Sêpen' Maig (Traditional)

07. Afro Temple (H. Guédon)

Musicos:

Henri Guédon (Percusión, mezclado)

Enrique Fernández (Flauta bambú), clarinete, saxo tenor)

Russel "Skee" Farnsworth (Bajo, piano)

Pedro Perea (Piano, sintetizador)

Glen Ferris (Trombón)

Bobby Rangel (Flauta, saxo soprano y tenor) 

Tony Barrero (Trompeta, trompa)

Anacaona Guédon (Voz "efectos")

Pedro Urbina (Voz, maracas, claves)

Shamyal Maitra (Goblet drum "Tabla", en tema #4)

Christian Nicolas (Percusión)

Wilson "Shamboo" Corniel (Percusión) 

Arturo Sandoval (Trompeta, en tema #1)

André Rougier (Director de orquesta, en tema del coro #7)

Henri Texier (Contrabajo, en tema #4)

Arreglados: Enrique Fernandez, en tema #4, #5, #6, Henri Guédon, en temas #1, #3, Hilair Durand en temas #1, #3, Mattias Pizaro en temas #4, #7, Skee Farnworth en tema #2

Johnny Pacheco Y Su Charanga Vol. III Que Suene La Flauta

Juan Azarías Pacheco Kiniping (Santiago de los Caballeros, 25 de marzo de 1935), conocido popularmente como Johnny Pacheco, es un músico, compositor, arreglista, director y productor dominicano de música cubana y demás ritmos caribeños como1​ salsa. Es de origen dominicano y considerado una de las figuras más influyentes de la música latina y caribeña por ser el cofundador junto con Jerry Masucci del sello disquero Fania. Se le considera el creador del concepto musical "salsa" aplicada a los ritmos nacidos en el Caribe antillano de habla hispana, principalmente de Cuba, República Dominicana y Puerto Rico y que tiene su fundamento rítmico y origen - como heredero directo- en la guaracha.
Pacheco es hijo de Rafael Azarías Pacheco (hijo ilegítimo de José Manuel López Rodríguez, quien era hijo de un soldado español2​) quien en su país era director y clarinetista de la Orquesta Santa Cecilia y de Octavia Kiniping Rochet (bisnieta del comerciante alemán Wilhelm Knipping3​4​ y nieta del colono francés Cristophe Rochette). Fue de su padre de quien recibió su primer instrumento musical. A los once años emigra con su familia a Nueva York donde aprendió a tocar instrumentos de percusión en la Academia Juilliard.
A finales de los años 50 fue parte del conjunto del pianista Charlie Palmieri. En 1960 forma su primera orquesta llamada Pacheco y su Charanga. La orquesta firma con el sello Alegre Records con el cual vende más de 100.000 copias de su primer álbum titulado Pacheco y su Charanga Vol. 1. A partir de entonces y hasta finales de 1963, se convirtió en una estrella de fama internacional y realizó giras en los Estados Unidos, Europa, Asia y América Latina. Por otra parte "Pacheco y su Charanga", fue la primera banda latina en presentarse en Teatro Apollo en 1962 y 1963.
A fines de 1963 crea la disquera Fania Records junto a Jerry Masucci. En 1964, el sello lanzó su primer disco "Cañonazo", el álbum contaba con Pete "El Conde" Rodríguez como vocalista. En 1968 crea la orquesta Fania All Stars que contó en sus filas con artistas como Larry Harlow, Celia Cruz, Willie Colón, Hector Lavoe, Ray Barretto entre otros. Como ejecutivo de la compañía, director creativo y productor musical, Pacheco se encargó de lanzar las carreras de muchas estrellas jóvenes que formaban parte de la Fania Records...(wikipedia)

Johnny Pacheco es seguramente famoso en su propia vida, algo que rara vez le sucede a un hombre, especialmente en la música. Su gusto por lo correcto, junto con un sentido de actitud articulada y refractiva en la flauta, le ha asegurado un papel en "La Música Latina" como una de sus fuerzas y aliados más fuertes.
Después de tocar y grabar con Tito Puente, Stan Kenton, Pérez Prado y Xavier Cugat. Pacheco unió fuerzas con Charlie Palmieri. Juntos formaron la charanga más original y popular de Nueva York. Con Charlie enfatizando la melodía y la armonía y el profundo compromiso de Johnny con el ritmo, estos dos se hicieron responsables de abrir y desarrollar el prototipo para todas las bandas de charanga después de 1959 en Nueva York. Decidiendo ampliar aún más sus ideas, Pacheco grabó en 1960, como líder por primera vez, su famoso "Pacheco y su Charanga Volumen uno". Las canciones "Oyeme Mulata" y "El Guiro De Macorina" fueron la historia que estableció la fama de Pacheco. Jugó sus pachangas, son montunos, danzones y descargas en los lugares más conocidos de Nueva York. Pacheco era charanga a principios de los años sesenta. Muchos cientos de personas atascaron hoteles, clubes y Palladium para ver su charanga arder hasta bien entrada la noche.
Un swing cubano oscuro y profundo siempre estuvo presente en la banda de Johnny. Su flauta de madera (sin llaves), su impulso y su constante entusiasmo hicieron que los bailarines, en los locales nocturnos y las fiestas donde se tocaban sus discos, supieran que aquí había un músico maestro cuya importancia era incuestionable.
Su sentido del tiempo y el espacio es el corazón y el alma de estas grabaciones. Sabiendo que una frase omitida es tan importante como dos, Pacheco realmente elige sus lugares. Sus solos están bien construidos y su influencia en términos de mentores, pero Pacheco era entonces, como lo es ahora, su propio hombre.
Grabado en 1962, este LP se reedita en medio de una explosión de charanga como alternativa a la escena de la salsa. Cuando uno nota el ambiente relajado de las melodías en este álbum, puede ver la sorprendente diferencia de las bandas de charanga de hoy que insisten en acelerar el ritmo o saltar la clave. Con David Pérez en el bajo, Manny Oquendo y Johnny Palomo en la percusión, "Chombo" Silva en el primer violín, y Rudy Calzado y Elliot Romero en el coro principal, las melodías de Pacheco arden aún conservando la belleza musical en términos de concepto melódico.
Al escuchar el Pacheco de los años 60, tenga en cuenta que muchos años pueden opacar el brillo de una cosa que alguna vez fue dorada. Sin embargo, en este caso, no temas, porque Pacheco es tanto hoy como gran parte de ayer._ Andy Kaufman
                                                                                               

Johnny Pacheco Y Su Charanga Vo. III Que Suene La Flauta (1962)

Temas:
01. Que Suene La Flauta (Víctor Marín) Danzón
02. Pita Camión (Walfrido Guevara) Pachanga
03. El Piñazo  (Johnny Pacheco, Rudy Calzado) Guajira
04. Mentiras Criollas  (Félix Chapottín) Pachanga
05. Vuela La Paloma  (Félix Reina) Pachanga
06. Acuyuye (Johnny Pacheco) Pachanga Twist
07. Rosalía (Gil Suárez) Cha Cha Chá
08. A Caballo (Alberto Cruz "Pancho El Bravo") Pachanga
09. Cachita (Rafael Hernández) Pachanga
10. Alto Songo (Luis Matínez Griñán) Pachanga

CD (Alegre A 6016) AÑO: 1962
Produced by Al Santiago
Cantan: Elliot Romero & Rudy Calzado

Azuquita Mami - (fania All Stars canta.Pete "El Conde" Rodríguez)

"Azuquita Mami" (fania All Stars canta.Pete "El Conde" Rodríguez)

Pedro Juan Rodríguez Ferrer (Ponce, 31 de enero de 1933 - Bronx, 2 de diciembre de 2000) fue un cantante puertorriqueño de Salsa. Por su forma de interpretación del son, apegado a las raíces se le conoce «el más cubano de los soneros boricuas». Fue el segundo de los tres hijos procreados por Emiliano Rodríguez y la dominicana Anatilde Ferrer Colón. Músico por intuición, a la edad de diez años ya tocaba el bongó en el conjunto El Gondolero dirigido por su padre. A los trece años, fue a vivir con su familia al barrio latino de Nueva York y a los 17 años comenzó a trabajar en una imprenta, empleo que mantuvo hasta que fue reclutado por el ejército norteamericano para cumplir su servicio militar en el conflicto bélico de Corea. 
Durante dicho período (1953-1956) fue paracaidista de la Fuerza Aérea Estadounidense. A su regreso a New York, formó parte del conjunto de Johnny Soler y poco después se unió a la Orquesta Oriental Cubana, cuyo repertorio seguía la más genuina tradición sonera. Más tarde se unió a la orquesta Jóvenes Estrellas de Cuba, dirigida por el trompetista y cantante Roberto Rodríguez, quien más adelante sería pieza clave de la Orquesta de Ray Barretto y la Fania All Stars. En esta agrupación cubrió el periodo entre (1959-1961) y realizó sus primeras grabaciones. Luego de un breve lapso en la Orquesta Típica Novel del pianista Willie Ellis (1961-1962), fue reclutado junto a Chirivico Dávila y Monguito "el único" para remplazar a Rudy Calzado y Elliot Romero en la charanga de Johnny Pacheco. En su primera etapa grabó temas como Suavito, Como Mango, Yo soy Guajiro, Alto Songo, Guachinango y Soy del Monte. A raíz de algunos conflictos con Monguito dejó el grupo de Pacheco y se unió al Conjunto Sensación del pianista Ray Roig (1964-1966). Pero cuando Monguito decidió pasar a las filas de la Orquesta de Larry Harlow, se reintegró a la charanga de Pacheco. El binomio Pacheco - Rodríguez bautizado como La Perfecta Combinación y Los Compadres ha sido uno de los más influyentes de la historia de la salsa. El Conde hizo su última grabación en 1999 junto a Tito Puente & Eddie Palmieri (master piece), donde se aprecia el tema "marchando bien". el dúo con Cheo Feliciano interpretando el tema Soneros de bailadores fue grabado en 1993 para el sello RMM y su agrupación de estrellas "LA COMBINACION PERFECTA". El Conde sufrió problemas cardíacos por muchos años pero fue renuente a una cirugía de corazón abierto. Pete “El Conde” Rodríguez falleció de un ataque al corazón el sábado 2 de diciembre de 2000 y sus restos fueron llevados a su natal Puerto Rico. Le sobrevivieron su esposa Francis, sus dos hijos Cita y Pedro Emilio y sus nietos._(wikipedia)

Chico Mendoza & the Latin Jazz Dream Band

La herencia musical de Ira Roberts Jr. (más conocido como Chico Mendoza) era inevitable, ya que creció en una familia muy musical. Lo que su familia nunca esperó fue que se convirtiera en un amante tan ardiente de la música latina. Nació el 20 de julio de 1939 en Jacksonville, Florida. Su padre, Ira J. Roberts, era parte cubano y su madre Evelyn era mitad afroamericana y mitad nativa americana (cherokee).
Criado en Montclair, Nueva Jersey, se graduó de la escuela secundaria local en 1957, en un momento en que el área era mayormente negra, con algunos enclaves de familias italianas e irlandesas muy cerca. No muchos hispanos residieron allí durante este período, pero de alguna manera Chico logró hacerse amigo de los pocos que conoció. "Supongo que estaba en mis genes", dice con tanta frecuencia.
Hijo único, Mendoza estaba rodeado de música, y en realidad comenzó sus estudios de música (percusión) a la tierna edad de ocho años. Ese entrenamiento temprano fue crucial, y continuó durante sus años de escuela secundaria. Para cuando tenía 12 años, se había enseñado a tocar el piano y el vibráfono. Instrumental en su desarrollo como músico fue su tío Charles Singleton, quien escribió, entre otras canciones pop, Spanish Eyes and Strangers In the Night. De hecho, fue Singleton quien le compró a Chico su primer juego de vibraciones (en realidad, era un xilófono). Por muy bien unidos que estuvieran, sus caminos musicales eventualmente los llevarían a diferentes reinos. La radio seguía siendo la cosa en aquel entonces, por lo que sus influencias musicales eran tan variadas como los programas que emanaban de la pequeña caja, y aunque creció en un vecindario predominantemente negro, se sintió instintivamente atraído por lo que entonces se conocía como "español "música. Esto fue mucho antes de que supiera que su abuelo paterno era cubano.
Chico recuerda con cariño aquellos primeros años en los que se encontraba bajo el hechizo mágico de la música: "Cuando tenía alrededor de cuatro o cinco años, solía quedarme en la casa de mi abuela, y todos los viernes y sábados por la noche, mi madre, mis tías y mis tíos habría un atasco de discos en la habitación de la abuela. Había tantos discos que tuvieron que apilarlos verticalmente como pilares o columnas en su pasillo. Todos sabíamos exactamente dónde estaba ubicado cada registro. La pila # 1 era para el conde Basie, Billy Eckstine estaba en la Pila # 4, Ella en la Pila # 8, etc. Rutinariamente, veía a todos mis parientes y sus amigos bailar hasta altas horas de la madrugada, y finalmente me dormía en el sofá, sin darme cuenta de que esta música estaría incrustada en mi mente para toda la vida. Al mismo tiempo, mi padre era un marino mercante y navegaba con bastante frecuencia a América del Sur, Cuba, Panamá y otras regiones exóticas del Caribe, siempre trayendo de vuelta los registros y otras golosinas de los lugares que visitó ".
Chico Mendoza ingresó oficialmente al mundo del entretenimiento a la edad de dieciséis años, cuando se unió a The Cubaneers, una banda local que se especializó en tocar calipso, mambo y jazz directo. En el área de Montclair, esta era la banda con la que asociarse. Al principio, Mendoza alternó algunas canciones con el director de la banda, que también era pianista. En poco tiempo estaba tocando la mayor parte del repertorio y haciendo algunos arreglos también. El líder de la banda finalmente cambió al trombón, y Chico se convirtió en el pianista habitual.
Debido a que la mayoría de los miembros de la banda se negaron a tocar listas, Chico decidió formar su propia banda, por lo que se asoció con algunos excelentes percusionistas con sede en Newark, trayendo al nuevo grupo a un par de trompetistas cubanos también. A sugerencia de uno de los percusionistas, el grupo se llamó The Chico Mendoza Band. Tenía dieciséis años en ese momento, alrededor de 1955. No pasó mucho tiempo después que cayó profundamente bajo la influencia de Machito, Tito Rodríguez y Tito Puente. Los Tres Grandes, como más tarde se conocerían.
Recientemente, Chico me contó sobre este período en particular en su vida: "Todo comenzó en un baile local, cuando probé por primera vez la música de baile afrocubana. La canción que me llamó la atención fue Mambo Diablo, de Tito Puente Recuerdo que seguí volviendo al DJ y pidiéndole que lo tocara una y otra vez. Después de conseguir mi primer trabajo, comencé a comprar discos para mí. Todos los viernes, cuando me pagaban, me apresuraba a ir al local de discos y gastar la mayor parte de mi dinero en R&B, blues, jazz y especialmente en discos latinos. Los primeros pianistas que realmente escuché fueron músicos de jazz como Errol Garner, Earl 'Fatha' Hines, Nat King Cole, Tiny Bradshaw y de Por supuesto, Count Basie. Pero también había algo sobre el estilo de piano latino que me cautivó. Quería tocar mambo como lo hizo Pérez Prado, pero la mayoría de esas grandes bandas cubanas no estaban por venir a tocar en el local. Saltos de grabación de VFW en Montclair. Tuve que conformarme con escucharlos a través de sus registros y en la radio ".
Fascinado por el sonido pulsante y sincopado de Prado, Mendoza buscó a varios maestros que pudieran darle orientación y ayudarlo a mejorar su técnica. Y como todo buen estudiante de este género, descubrió la clave. Para cuando llegó a la mayoría de edad, Mendoza había dominado todo tipo de percusión cubana, así como el piano, la marimba, el vibraharp y el xilófono. Al principio, se dio cuenta de que estos mismos ritmos de baile, que habían sido importados de Cuba a principios de siglo, ahora también formaban parte integral de la música norteamericana. Y se deleitaba rociando su sabrosa salsa sobre su propia base musical. Escuchó la influencia cubana en todas partes, en canciones gospel y espirituales, melodías folk y blues, y en rock 'n' roll, pero en ninguna parte fue más evidente que en la música de Ellington, Kenton y Gillespie. También notó cómo la música de estos maestros del jazz había influido en el trabajo de Prado, Machito, Miguelito Valdés y otros grupos básicamente afrocubanos. La emoción salvaje y desinhibida que estos ritmos generaron, junto con la riqueza, el estado de ánimo y el colorido del jazz, lo fascinaron hasta el punto de que no podía esperar para comenzar a experimentar por su cuenta.
El término "jazz latino" no existía realmente en este momento, e incluso si existiera, no se usaba comercialmente. No obstante, los dos estilos de música parecían haber sido hechos el uno para el otro, y Chico sintió que este era su vocación. Recuerda cuando finalmente todo se concretó: "Estaba escuchando muchos discos, principalmente de pianistas, pero no fue hasta 1958 que finalmente pude ver y escuchar un verdadero montunero en vivo. Fue en Asbury Park, y el pianista se llamaba Charlie Palmieri. De alguna manera conseguí un concierto en uno de los hoteles donde Charlie tocaba con su banda, en otro piso. Durante mis descansos me escabullí y escuché al maestro en el trabajo. ¡verlo tocar los marfiles! Me recordó a Errol Garner por su enfoque agresivo y a dos manos. Aprendí más sobre tocar el piano al estilo latino esa noche de lo que he aprendido en cualquier otro momento de mi carrera ".
Y entonces Chico Mendoza siguió su camino, construyó su biblioteca de discos y amplió su conocimiento de la música afrocubana. Durante sus años de formación, fue como una esponja, absorbiendo todo lo que escuchó, adaptándolo a su propio estilo y personalidad. Ya sea improvisando en un solo de solo montuneando (vamping), Mendoza invariablemente daría rienda suelta a sus impulsos sin apartarse nunca de ese elemento en el que había aprendido a confiar, los patrones clave. Hoy es un consumado compositor, arreglista e intérprete que ha sido nominado para el prestigioso premio Grammy. Ha compartido escenario con luminarias como Paquito D'Rivera, Tito Puente, George Benson, Ray Barretto, Jon Faddis, Arturo Sandoval, Hilton Ruiz, Aretha Franklin, Billy Taylor, Michel Camilo, Herbie Hancock, Dizzy Gillespie, Sarah Vaughan y Al Hibbler.
Pero seguramente fue durante sus primeras experiencias de prueba y error, con artistas y músicos menos conocidos, que estableció el patrón para el resto de su vida. Invariablemente, es el proceso de aprendizaje lo que finalmente le da al artista su impulso. Si logran atravesar este período, tienen la seguridad de obtener al menos una cantidad nominal de éxito. Después de muchos años de pagar sus cuotas, Mendoza estaba listo para el gran momento. De hecho, estaba listo para cualquier cosa que le arrojaran, y sintió que algo grande estaba por suceder. El éxito estaba a la vuelta de la esquina para el vibraharpista de Montclair.
A finales de los años sesenta, Mendoza formó uno de los primeros grupos afroamericanos que tocaron exclusivamente música de baile latino. Mi primer encuentro con él tuvo lugar en el Kenya Club, un lugar nocturno en Bayonne, Nueva Jersey. Estaba tocando vibras esa noche, a la cal Tjader. Una vez le pregunté si el tranquilo músico residente en San Francisco tuvo una gran influencia en su estilo de interpretación. Su respuesta fue un rotundo "sí", y luego agregó: "Cal Tjader fue mi principal influencia a la hora de tocar el latín, pero mi primera influencia y la razón por la que tomé el instrumento en primer lugar fue Hamp, y por supuesto, más tarde, Milt, quien por cierto, también influyó en Tjader ".
Chico elaboró ​​un poco más sobre sus respectivos estilos: "Tanto Milt como Tjader fueron extremadamente melódicos en su enfoque, y la forma en que interpretaron una balada fue simplemente hermosa. Aunque ambos habían tocado con lo mejor de los hard boppers, Tjader fue más rítmicamente en sintonía con la clave. Al igual que yo, Tjader debe haberse sentido atraído por la estructura polirrítmica de la música de baile cubana. Luego estaba Hamp, que estaba solo en una clase. No es de extrañar que Benny Goodman lo contratara. Era un percusionista, y esa era su marca registrada. Con Hamp en la banda, el Rey del Swing no necesitaba ningún otro jugador de trompeta. Era la combinación perfecta de ritmo y melodía, armoniosamente entrelazados. Se complementaban maravillosamente ". No pude evitar notar una gran sonrisa en su rostro cuando mencionó a estos gigantes del jazz.
No fue hasta un par de años después que descubrí que Chico Mendoza también era un pianista talentoso, cuyo enfoque al piano era como el de un percusionista. Su estilo en ese instrumento solo puede describirse como "doble," y su entusiasmo mientras juega es comparable al de un niño pequeño que se deleita en golpear los marfiles solo para ver y escuchar lo que sucede después. Seguramente, este gentil gigante debe haber poseído una memoria fotográfica, almacenando en él una abundancia de melodías y ritmos. Hasta el día de hoy, nombra la melodía y Chico se sienta y la toca. Jugamos juntos con bastante frecuencia durante ese período, y siempre fue obvio para mí que Charlie Palmieri fue una gran influencia para él. En la superficie, sus estilos de juego parecen tener muy poco en común, ya que el estilo de Charlie se basó en las formas clásicas cubanas de una época anterior, directamente de la escuela peruana. Por el contrario, el enfoque de Chico se unió al estilo más nuevo y sofisticado que surgió del jazz afrocubano. Aún así, su virtuosismo y talento para el espectáculo estaban en el mismo plano, y ambos pianistas hicieron música técnicamente exigente que entusiasmó tanto al oyente como al bailarín.
Charlie Palmieri favoreció un ritmo constante de la mano izquierda que subrayó su compleja sincopación de la mano derecha, y esto también se convirtió en la plantilla para la metodología de Chico. Físicamente, los dos eran muy diferentes, y Chico a menudo aprovechaba su gran cuerpo bien construido, moviéndose de un lado a otro como lo hizo Ray Charles, intimidando a cualquiera que estuviera a pocos metros de él. Por supuesto, cada vez que Charlie se ponía en marcha, también hacía esto, naturalmente, y en ese sentido eran casi idénticos. Aunque el estilo clásico que Charlie y otros de esa época habían empleado comenzaba a menguar cuando Chico entró en escena, todavía era bastante dominante cuando comenzó a tocar, y eso puede explicar la dualidad en su vocabulario pianístico.
Muchas de esas tácticas que Mendoza aprendió de esas primeras grabaciones se convertirían en las suyas. Mendoza utilizó cambios clave abruptos y ciertos pasajes extraídos de la música clásica europea durante los solos, digitaciones llamativas y la mezcla de notas "calientes" y "geniales", evidentes durante la primera parte del desarrollo de la música, así como más modernistas. son. Ocasionalmente, uno podía escuchar a Chico tocando los estilos tradicionales y modernos simultáneamente. En el centro de su interpretación estaba su amor y comprensión por los ritmos intrincadamente basados ​​en claves. Escucho la obra madura de Chico Mendoza y escucho la culminación de todo lo que se ha establecido desde que el hijo emergió de Cuba a principios del siglo XX, con todas sus tendencias guitarrísticas y sus obvias influencias norteamericanas. Tanto el conde Basie como Errol Garner están presentes en esta ecuación, al igual que Milt Jackson y John Coltrane. Recuerdo a alguien (que obviamente no era músico) comentando las teclas "extrañas" en las que Chico solía tocar a veces, tonalidades que pueden haber sido extrañas para la música de jazz, pero no para el blues y otras canciones rurales populares..._(thefreelibrary)





Chico Mendoza & the Latin Jazz Dream Band (1989)

Temas:
01. One for Tito
02. Macho's Latin Satin
03. All This Love
04. Swinging Guaguancó
05. I'm So Excited
06. Sal Sangre
07. Guaguancó Tropicana

Musicos:
Chico Mendoza - Musical Director y Arreglista
John Blodgett - Piano
Bill Ware - Bass
Tony Barrero - Trompeta
E.J. Allen - Trompeta
Rob Henke - Trompeta
Barry Danielian - Trompeta
Bob Knapp - Sax
Bill Davis - Sax
Leo Johnson - Sax
Mike Kaplan - Sax
Tom Brown Sax
Len Pollara - Trombon
Steve Turre - Trombon
Norman Hogue - Trombon
Reinaldo Jorge - Trombon
Jorge Gonzalez- Bongoes
Butch Johnson - Timbales
"Manteca" Ronnie Hill - Congas
Tom De Faria - Traps