El percusionista y vocalista de origen cubano Jesús Díaz llegó a Estados Unidos desde La Habana en 1980. Rápidamente identificó la escena musical del Área de la Bahía como el terreno para establecer su nuevo hogar. Sus actuaciones locales y mundiales en colaboración con artistas de renombre y aclamados en todo el mundo son reconocidas por sus contribuciones a la riqueza de un género musical en constante expansión. Multiinstrumentista, arreglista y vocalista, Díaz se ha consolidado como uno de los intérpretes y músicos de estudio más solicitados del mundo. Como educador, ha participado en varias clínicas y talleres destacados, como el Berklee College of Music, SFJAZZ, Stanford Jazz Workshop, Drummers Collective NY y Jazz Camp West, por nombrar algunos. En colaboración con su grupo Talking Drums, que incluye a sus compañeros percusionistas Michael Spiro y David Garibaldi, ha contribuido a varios libros y vídeos instructivos de Warner Brothers. Para ver más vídeos instructivos, visite congamasterclass.com.
Jesús Díaz ha actuado, girado o grabado con artistas como, Stevie Wonder, The Dave Mathews Band (DMB), Carlos Santana, Andy Narrell, Dizzy Gillespie, Bobbie Womack, Steve Coleman, Caribbean Jazz Project, Planet Drum, Talking Drums, Pete Escovedo / Sheila E, José Luis Quintana "Changuito", Giovanni Hidalgo, Rebecca Mauleón & Round Trip, Omar Sosa, Columna "B", John Calloway, y Conjunto Céspedes, entre muchos otros. Jesús Díaz está avalado por Pearl Drums and Percussion, baquetas Innovative Percussion, Istanbul Cymbals, Audix Mics y Remo Drum Heads._(jesusdiazqba)
Jesús Díaz y su Qba fue fundado en 1998 en el Area de la Bahia de San Francisco. A lo largo de los años, Qba se ha presentado en muchos en muchos festivales, incluido el festival de jazz de San Francisco, el festival de jazz de San José, el festival de jazz de Reno, El festival Reggae on the River, los eventos de Yerba Buena Garden, por nombrar algunos, Qba también se ha presentado en muchos eventos corporativos y privados.
Qba es una orquesta de 10 músicos que presentan composiciones originales basadas en la música tradicional afrocubana con la influencia del Funk y el Jazz. Este es el nuevo sonidode la música bailable cubana conocida como "Timba"._ (snwmf)
Imbue la noche con tonos luminosos de la pasión y las tonalidades brillantes de romance con los colores de Latin Jazz: Música Romántica. El sonido suave de un vibráfono Tito Puente florecer, el pulso hipnótico y relajado de un ritmo de bolero Poncho Sánchez, el melancólico lamento de un saxofón Gato Barbieri, y la bravura con lujuria apasionada de un solo de piano de Eddie Palmieri flotando por el aire como el persistente humo de un cigarro cubano prima-todo está aquí, y mucho más, en la definitiva colección romántica jazz latino. Una feliz combinación de música tropical latina, el jazz, y el romance, esta antología amorosa de boleros y otros ritmos latinos sin prisa es la banda sonora perfecta para una noche irresistiblemente romántico. Más información relacionada The Colors Of Latin Jazz-Musica Romantica (2004) Temas: 01.Sophisticated Lady - Tito Puente 02.Besame Mucho - Cal Tjader/Carmen McRae 03.Historia de un Amor - Larry Vuckovich 04.Dulce Amor - Poncho Sanchez 05.Alone Together - Ray Vega 06.Moon and Sand - Caribbean Jazz Project 07.Darn That Dream - Poncho Sanchez 08.Te Vas - Pete Escovedo 09.Last Kiss - Gato Barbieri 10.Tema Para Renee - Eddie Palmieri
Un talentoso vibrafonista y músico de marimba, Dave Samuels ganó su mayor fama por sus muchos años con Spyro Gyra. Comenzó con su primer instrumento, la batería, cuando tenía seis años, pero cuando asistió a la Universidad de Boston (se graduó en psicología), estaba estudiando instrumentos de mazo. Samuels asistió a la Escuela de Música de Berklee, donde uno de sus maestros fue Gary Burton, y pronto se convirtió él mismo en educador. Samuels tuvo la oportunidad de trabajar con Pat Metheny y John Scofield mientras estaba en Boston, y luego, en 1974, realizó una gira y grabó con Gerry Mulligan. Otras experiencias tempranas incluyeron trabajar con el grupo Timepiece, Frank Zappa y Double Image, donde interactuó con su colega vibrafonista Don Friedman de 1977 a 1980. Samuels comenzó su asociación con Spyro Gyra en 1979 como invitado en sus grabaciones; finalmente, en 1986, se convirtió en un miembro cuyos solos los críticos de jazz se desvivían por elogiar. Lanzó sus propios discos, que tendían a ser comerciales, para MCA y GRP. Después de dejar Spyro Gyra a mediados de los 90, Samuels hizo un trabajo impresionante con el Caribbean Jazz Project. Se apega principalmente a la marimba con la banda (que codirigió con el baterista de acero Andy Narrell y contralto / clarinetista Paquito D'Rivera ), Samuels estuvo en su mejor momento durante sus muy agradables conciertos. Después de una enfermedad prolongada, murió en 2019._Scott Yanow Cuando los críticos de jazz escribieron sobre Spyro Gyra en el pasado, casi siempre tenían algo bueno que decir sobre el vibrafonista Dave Samuels, lo que implicaba que si salía solo, se produciría música creativa. Este CD es la prueba de lo contrario: música fácil de escuchar que es muy predecible, con ritmos funk ligeros que son optimistas pero que se pueden olvidar al instante. Samuels juega bien en todo momento, con "Footpath" como una característica impresionante sin acompañamiento. Sin embargo, a pesar de la presencia del guitarrista Steve Khan , el bajista John Patitucci y el clarinetista invitado Eddie Daniels, el resto de este conjunto cae en el relajante y vacío mundo del jazz airplay._Scott Yanow (allmusic) Más información relacionada Dave Samuels - Ten Degrees North (1989) Temas:
01. White Nile
02. Ten Degrees North
03. Real World
04. Para Pastorius
05. Rendezvous
06. Intro to Ivory Coast
07. Ivory Coast
08. Walking on the Moon
09. Freetown
10. Angel Falls
11. Footpath
Musicos:
Dave Samuels (Vibraphone, marimba, xilófono, baliphone y K&K Studio Midi Trigger System)
Steve Khan (Guitarras eléctricas excepto en el "Real World")
John Patitucci (Bajo eléctrico y acústico)
Alex Acuña (Batería, percusión y voz)
Eddie Daniels (Clarinete)
Cliff Carter (Piano acústico)
Julio Fernandez (Guitarras eléctricas y acústicas en "Real World")
William Galison (Armónica)
Jay Beckenstein (Kalimba)
Barry Danelian (Trompeta, fliscorno y horn arreglos)
Scott Kreitzer (Saxo tenor, flauta y clarinete bajo)
Aaron Heick es un saxofonista e instrumentista de viento-madera estadounidense nacido el 13 de septiembre de 1961 en Seattle y residente en Nueva York. Es conocido sobre todo por su trabajo en la orquesta de la CBS para el Late Show con David Letterman.
Ha trabajado con Chaka Khan, con quien grabó y realizó giras durante la mayor parte de la década de 1990, Richard Bona, Barbra Streisand, Paul Simon, Aretha Franklin, Frank Sinatra, Bruce Springsteen, Sir Elton John, Carly Simon, Donald Fagen, James Taylor, Lady Gaga, Lenny Kravitz, Sheryl Crow, Billy Joel, Suzanne Vega, Vonda Shepard, Cyndi Lauper, Audra McDonald, Philip Glass, Vanessa Williams, Boz Skaggs, Christopher Cross, Ben E. ¡King, Bobby Caldwell, Steps Ahead, The Manhattan Transfer, Ray Baretto, Willie Colon, The Caribbean Jazz Project y Panic! At The Disco._(wikipedia)
A veces, músicos de gran talento y valía tardan mucho tiempo en publicar un álbum en el que llevan la voz cantante. Algunos músicos nunca lo hacen. Por suerte, Aaron Heick se ha reunido con el sello japonés Venus Records para publicar su primer álbum bajo su propio nombre. Fácilmente uno de los mejores saxofonistas altos modernos de Estados Unidos, Heick ha actuado y grabado con estrellas como Chaka Khan, Barbra Streisand, Paul Simon, Frank Sinatra y Richard Bona.
En este cuarteto de un solo cuerno con el extraordinario John di Martino y su Romantic Jazz Trio, Heick muestra su fenomenal técnica, su sólido sonido y su emotividad. Algunas de las selecciones de este álbum incluyen "Europe" de Carlos Santana, la funky "Comin' Home, Baby" del flautista Herbie Mann, una canción de los Beatles "And I Love Her" y la evocadora "Infant Eyes", escrita por Wayne Shorter.
También hay dos composiciones originales del propio Heick.
Las potentes interpretaciones de los músicos se ven realzadas por el sonido clásico producido por el equipo de ingenieros de Venus. Se trata de un fantástico y sólido debut de un músico con un talento increíble._(elusivedisc)
B. C. 1965, Buenos Aires, Argentina. El padre de Urcola era director del Departamento de Música del Colegio Ward y fue allí donde comenzó a estudiar música a los nueve años. Concentrándose en la trompeta, luego se convirtió en Profesor Nacional de Música, Conservatorio Nacional de Música, luego se mudó a los Estados Unidos para asistir al Berklee College Of Music, luego de lo cual se estableció en la ciudad de Nueva York. Compartió su tiempo, jugando profesionalmente y también estudiando para su maestría en CUNY / City College-Queens. Entre los músicos con los que Urcola ha trabajado se encuentran Paquito D’Rivera (en cuyo quinteto tocó desde 1991), Jimmy Heath (su asesor en CUNY) y Conrad Herwig, todos los cuales aparecen como invitados en Viva de 2006. Otros incluyen a Claudia Acuña, Dee Dee Bridgewater, Avishai Cohen, Slide Hampton, Joe Henderson, Milt Jackson, Guillermo Klein, Danilo Pérez, Juan 'Pollo' Raffo, Guillermo Romero, Antonio Sanchez, Pernell Saturnino, Edward Simon y Steve Turre. Las bandas con las que ha trabajado Urcola incluyen la Dizzy Gillespie Alumni All Star Big Band, dirigida por Jon Faddis, Calle 54 All Star Band y ha sido miembro del Caribbean Jazz Project de David Samuels. En el repertorio de Urcola se encuentran sus propias composiciones, ‘Clara’, ‘Dancing In The Closet’, ‘Buenos Aires’, ‘Super Mario’, ‘Samba Para Claudio’ y ‘Blues For Astor’. Las características sorprendentes de la interpretación de Urcola son su enfoque directo y apasionado y su sonido cálido y cremoso. His Soundances (2003) y Viva fueron nominados a los premios Grammy.
Este prometedor debut muestra los prodigiosos talentos del trompetista argentino Diego Urcola con excelentes resultados. Con su tono cálido e imparcial y su ataque preciso, el sonido de Urcola es único y aporta un estilo sofisticado y contemporáneo a su versión del jazz latino con raíces argentinas. El álbum se abre con un guiño al genio musical argentino Astor Piazzolla en "Blues For Astor", escrito por Urcola. El triste bandoneón de Juan Dargenton canaliza a la perfección los tangos vanguardistas de Piazzolla antes de que Urcola conduzca al conjunto a una sesión de soplo directo y lleno de swing.
De hecho, salvo una versión en bandoneón de "Blue in Green" de Miles Davis, todas las melodías del álbum fueron compuestas por argentinos, incluidos los testaferros nativos Virgilio Esposito y Ariel Ramirez (la abierta y a la deriva "Alfonsina y el Mar" de este último es una de los aspectos más destacados del álbum). "Artigas, Mano Izquierda" de Juan Raffo combina el sabor latino con el funk emergente de la fusión de fines de la década de 1970, y le da a Urcola mucho espacio para desplegar sus chuletas. El trompetista está flanqueado por un excelente personal en todo momento, y SOUNDANCES brilla con una química y cohesión que complementa la magnífica elección de melodías. Diego Urcola - Soundances (2003) Temas:
01. Blues For Astor
02. Despedida (Farewell)
03. Artigas, Mano Izquierda (Artigas, On the Left)
Han pasado nueve años desde la última vez que el guitarrista Steve Khan lanzó un álbum como líder. Pero no ha estado inactivo, viajando con artistas como Terri Lyne Carrington y Greg Osby y codirigiendo el Caribbean Jazz Project. Sin embargo, ha pasado demasiado tiempo desde que lanzó un álbum que pone su estilo inmediatamente reconocible al frente y al centro.
Puede que Khan no tenga el prestigio de compañeros como Pat Metheny y John Scofield , pero desde las primeras notas de la grabación, está claro que no se trata de nadie más que de Steve Khan. Su enfoque distintivo, a veces casi pianístico, hace que su posición menos prominente sea misteriosa. Ojalá el campo verde, su disco más completo hasta la fecha, llegará a la mayor audiencia que tanto se merece.
Khan se reúne con el bajista John Patitucci y el baterista Jack DeJohnette , quienes tocaron juntos por última vez en Got My Mental (Evidence, 1996). Si bien el trío solo ha trabajado juntos durante los ensayos y las sesiones de grabación de estos dos lanzamientos, estos músicos comparten una química notable. En ninguna parte es esto más evidente que en el bop gratuito de la canción principal de dieciocho minutos. También con el percusionista / vocalista Manolo Badrena, un colaborador clave que jugó un papel decisivo en el grupo Eyewitness de Khan, "The Green Field" puede ser la pieza más libre que Khan haya grabado. Aunque los motivos claros surgen estratégicamente, se trata tanto de la textura como del desarrollo temático, lo que es aún más notable durante los momentos en que el cuarteto se fusiona mágicamente, antes de dirigirse a territorios inexplorados más grandes.
El juego libre liberado de la canción principal puede parecer nuevo para los fanáticos de Khan, pero tenga la seguridad de que su fuerte sentido del ritmo también está en plena vigencia. El modal "El Viñón se abre con un vampiro con las voces únicas de Khan y DeJohnette tocando todo el tiempo, pero finalmente se resuelve en una sección intermedia donde Patitucci y DeJohnette se balancean amablemente detrás de la linealidad relajada y detrás del ritmo de Khan. El guitarrista se inclina hacia con cuidado construyó líneas que sirven desinteresadamente a la música, pero de vez en cuando se suelta con la velocidad del rayo, solo para hacerte saber que las chuletas están ahí cuando sea necesario. Su capacidad para intercalar melodías fuertes y frases de acordes vívidas se ha convertido en una característica definitoria, y nunca lo ha hecho mejor.
Lo mismo puede decirse de la escritura de Khan. "Fist in Glove es un blues tan radicalmente alterado armónicamente que es casi irreconocible, mientras que" Cosecha lo que Has Sembrado, con los percusionistas invitados Ralph Irizarry y Robert Quintero, mina visceralmente el territorio afrocubano que ha sido parte del continuo musical de Khan durante años..
Igualmente notable es la reinvención de Khan del material de Thelonious Monk , Herbie Hancock , Ornette Coleman y Wayne Shorter . Al integrar inteligentemente "Sanctuary y" Nefertiti de Shorter en un todo perfecto, Khan demuestra una asombrosa habilidad para interpretar con claridad material bien conocido. Si no fuera tan familiar, pensarías que lo había escrito él mismo.
Quizás el hecho de que Khan evite la grandilocuencia musical explica por qué nunca ha alcanzado la popularidad de sus compañeros. Pero The Green Field es maduro e imaginativo, mostrándolo en la cima de su juego._John Kelman (allaboutjazz)
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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