Rolando Laserie (Santa Clara; 27 de agosto de 1923-Coral Gables; 22 de noviembre de 1998), también conocido como El Guapo o El Guapachoso, fue un cantante cubano-estadounidense de boleros, guarachas, son cubano, son montuno, tangos y bolero son. En 1998, The New York Times y la revista The Washington Post lo describieron como uno de los grandes cantantes cubanos de todos los tiempos y como uno de los más grandes vocalistas de la música cubana. Aprendió a tocar los timbales a los 9 años. En los inicios de su vida profesional alternó su condición de músico con el oficio de zapatero. Actuaba de forma esporádica como percusionista en la Banda Municipal de Santa Clara. Allí mismo, con 20 años de edad se presentó con la orquesta de Arcaño y sus Maravillas en sustitución de Miguelito Cuní.
En 1946 viaja a La Habana, y se desempeña como percusionista en la orquesta de los Hermanos Palau y colabora eventualmente con diferentes agrupaciones. Tiempo más tarde, pasó a ser timbalero y coro en la Banda Gigante de Benny Moré. Ernesto Duarte Brito junto los hermanos Álvarez Guedes, propietarios del sello discográfico Gema, le hicieron una producción de boleros que no tuvo la proyección que se esperaba. El disco fue arreglado por Duarte, con la característica sonoridad de jazz band cubana. Mentiras tuyas, grabado en 1957 y de la autoría de Mario Fernández Porta, fue definitorio en su manera de cantar, con incursiones coloquiales y diálogos. A lo largo de su carrera grabó más de treinta discos.
Con el advenimiento de la Revolución Cubana en 1959 grabó Chevere Guevara en honor al comandante Che Guevara ; sin embargo en 1960 emigró primero a Caracas, Venezuela, y después a Miami, donde siguió su carrera, contando con una buena parte de su público. En 1967 se traslada a México y graba varios exitosos Lps para el sello Musart. En los años '60 y '70 actuó asiduamente en Argentina, recordándose su participación en el ciclo televisivo Al Estilo de Mancera, conducido por Pipo Mancera en canal 11 de Buenos Aires, en 1978. También actuó junto a Cachao López en un concierto de reunión en 1996.
Murió en Coral Gables, Florida, el 22 de noviembre de 1998 por complicaciones cardíacas._ (wikipedia)
Joseph Caiani. Nacido el 31 de enero de 1929 en Filadelfia, Pensilvania. El nombre de Joe Cain aparece en bastantes discos de Space Age Pop, pero su principal contribución a la música ha sido como productor más que como intérprete. A pesar de no hablar español, ha sido uno de los productores de música latina más influyentes de América durante más de 40 años.
De niño, Cain se trasladó con su familia al Bronx y se inspiró en el ejemplo de Harry James para dedicarse a la trompeta. Tras graduarse en el instituto, se convirtió en músico profesional, trabajando primero en la sección de metales de la banda latina de Rey Dávila. Tenía un don para la música latina, y su habilidad para leer música a primera vista le permitió conseguir trabajo con algunas de las mejores bandas latinas que tocaban en Nueva York en aquella época, como la de Tito Rodríguez, Marcelino Guerra y Charlie Palmieri. A menudo trabajaba la primera parte de la noche en la orquesta de un espectáculo de Broadway y luego se dirigía a un club para tocar con una orquesta de baile hasta altas horas de la madrugada. También empezó a arreglar y componer para las bandas con las que tocaba, y buscó a Hugo Montenegro para que le enseñara el arte de los arreglos. Cain reconoció más tarde que la recomendación de Montenegro de «no arreglar demasiado para competir con el cantante» fue el mejor consejo que recibió en su vida. A mediados de la década de 1950, fue contratado para sustituir al trompetista Al Stewart en la banda de Vicentico Valdés, y Cain y Valdés iniciaron una colaboración que duraría hasta la muerte de Valdés en 1995. Valdés era quizás el mejor baladista latino de la época, y Cain tenía talento para componer arreglos lentos que sacaban el máximo partido a su voz. A finales de la década, Cain pudo pasar de la interpretación a la producción. Trabajó con diversas discográficas, tanto con las especializadas en repertorio latino, como Seeco y Tico, como con discográficas de pop convencional, como MGM. Sus créditos de principios de los 60 parecen una muestra aleatoria de una copia del catálogo de LPs de Schwann: versiones de temas de Broadway, álbumes que sacan provecho de modas bailables como la pachanga, trabajos con cantantes pop y aspirantes a rock, álbumes instrumentales con su propio nombre, incluso un disco de ejercicios para la revista Modern Screen. Su mejor álbum es probablemente Latin Explosion, una sesión de jazz latino en la que participaron Jerome Richardson, Clark Terry y otros gatitos del jazz convertidos en profesionales del estudio, que se reeditó recientemente en vinilo.
Poco a poco, sin embargo, fue eliminando la palabrería y concentrándose en la música latina. A principios de la década de 1970, trabajaba casi exclusivamente para el sello Tico de Morris Levy, y convenció a éste para que reviviera el sello Alegre Records para dar a conocer a artistas como Eddie Palmieri, pionero de lo que se convertiría en el gran movimiento salsero de la década de 1970. Cain desempeñó un papel decisivo en la producción de algunas de las mejores grabaciones latinas de la época, y habría seguido haciéndolo si Levy no hubiera vendido el sello a un competidor, que rápidamente volvió a desactivarlo.
Desde entonces, Cain ha hecho malabarismos con A&R, la producción, la gestión y otros trabajos musicales: sigue centrado en la música latina, pero también dirige la Red Parrot Orchestra, una big band neoyorquina de swing revival._(spaceagepop)
Joe Caín falleció víctima de cáncer 12 febrero 2007 Ciudad de Nueva York
Uno de los pocos álbumes publicados como líder por el gran Joe Cain -- ¡un maravilloso arreglista latino con un oído realmente loco para el groove! El enfoque de Cain es a menudo bastante entrecortado en los ritmos - cortos, duros y muy, muy agudos - y luego rematados con líneas más dulces y jazzísticas - interpretadas en este disco por Clark Terry a la trompeta, Jerome Richardson al tenor y la flauta, y Frank Anderson al piano y algunas líneas de órgano especialmente bonitas. La percusión es muy intensa, a cargo de José Mangual, Chocolate y Marcelino Valdés, con una vibración muy adecuada a los ritmos, y el apoyo adicional de Cachao al bajo y Herbie Lovelle a la batería. Los ritmos son increíbles, bastante diferentes de todo lo que había en Mainstream Records en aquel momento, e incluso diferentes de la mayoría de la escena neoyorquina, y entre los títulos se incluye el asombroso «It's A Mad Mad Mad Mambo (parts 1 & 2)» (también conocido en otros lugares como «Mambo Au Go Go»), un corte que suena como una especie de loco golpeteo de percusión vanguardista, todo hecho para seguir el ritmo del mambo, con solos de órgano jazzísticos por encima. Otros títulos son «Mungo Mungo Baby», «Pa-Pa Bajo», «Que Paso», «Tanga Pa Katanga» y «Chunga Uhuruh Chunga»._(dustygroove)
Edward Simon (nacido el 27 de julio de 1969) es un pianista y compositor de jazz venezolano.Simon nació en Punta Cardón, Venezuela. A los diez años viajó a Estados Unidos para estudiar en la Performing Arts School de Filadelfia. Tras graduarse, asistió a la Universidad de las Artes de Filadelfia, donde estudió piano clásico, y después a la Manhattan School of Music, donde estudió piano jazz. En 1988, grabó como músico de acompañamiento con Greg Osby, y después trabajó como miembro de la banda Horizon, dirigida por Bobby Watson. Durante los ocho años siguientes fue miembro de la banda de Terence Blanchard. También ha trabajado con Herbie Mann, Paquito D'Rivera, Bobby Hutcherson, Jerry Gonzalez, John Patitucci, Arturo Sandoval, Manny Oquendo y Don Byron. Simon grabó Beauty Within (AudioQuest, 1994), su primer álbum como director de orquesta, con Horacio Hernández y el bajista Anthony Jackson. Ese mismo año fue finalista del Concurso Internacional de Piano Jazz Thelonious Monk. Al año siguiente compuso Rumba Neurótica para el Ensemble Relache.
Formó Ensemble Venezuela en 2003 para combinar el jazz con la música de Venezuela. Recibió un encargo de Chamber Music America para escribir «Venezuelan Suite». Grabó el álbum en 2012 con músicos de Venezuela, Colombia y Estados Unidos.
Simon ha tocado en varios discos de jazz nominados a los Grammy. Además de su trío lidera el Sexteto Venezuela, el Cuarteto Afinidad, y el grupo Simon, Simon, & Simon con sus hermanos. Ha enseñado en la New School for Jazz and Contemporary Music de Nueva York y ha sido artista residente en la Western Michigan University._(wikipedia)
Desde su actual residencia en San Francisco, Edward Simon recuerda la música que marcó su infancia. Una de las ventajas de crecer en Venezuela», escribe en las notas del CD, »fueron las diferentes influencias musicales de todas partes del continente americano y del Caribe. Hay tanta buena música en esta parte del mundo que uno podría dedicar fácilmente un álbum a cada país y no estaría a la altura de hacerle justicia». Por esta razón, el pianista decidió elegir sólo aquellas piezas que le son especialmente queridas, que mantienen una fuerte conexión con los recuerdos de la infancia. Tras la aclamada grabación de Venezuelan Suite con Ensemble Venezuela, volvemos a encontrar a Simon en el trío de piano más habitual, pero con una nueva pareja. En lugar de John Patitucci al contrabajo y Brian Blade a la batería, que le acompañaban desde 2003, tenemos ahora a Joe Martin y Adam Cruz, dos socios que ya han colaborado con el pianista en varias ocasiones. Es bien sabido que Simon no es el típico instrumentista latino y filtra las reminiscencias de estas piezas a través de la sensibilidad jazzística y la formación clásica. En este trabajo, se confirma como uno de los mejores pianistas de su generación al interpretar largas y coloristas improvisaciones, donde la impetuosidad del fraseo boppish se diluye en ocasionales abandonos melódicos de impronta latina o clásica.
Temas emblemáticos del tango y la bossa nova como «Libertango» y «Chaga de Saudade» se rediseñan a la luz de un ajustado directo, mientras que otros se impregnan de melancolía, entre la adhesión lírica a las melodías originales y los toques de música de cámara abstracta. Nos referimos en particular a «Alfonsina y el mar» y «Gracias a la vida». El primer tema fue escrito por Ariel Ramírez en memoria de la poeta Alfonsina Storni, fallecida por suicidio, y contiene un conmovedor diálogo con Joe Martin; el segundo pertenece a la gran Violeta Parra y Simón realza su identidad de himno humanista.
«Capullito» y “Volver” son los momentos en los que la síntesis de jazz y rasgos latinos resulta tan personal e imaginativa como siempre: piezas de rico aliento interno, en mágico equilibrio entre dinamismo rítmico y sutilezas tímbrico-armónicas._Angelo Leonardi (allaboutjazz)
D´Eva es una agrupación femenina fundada en febrero del 2013, conformada por cinco integrantes egresadas de las Escuelas Nacionales de Artes (Cuba): Sadi Montano, Raquel García, Yaneris Carbonell, Lia Beatriz Finalé y Rachelle Díaz. La agrupación presenta un repertorio que defiende la música cubana alternando con números del Pentagrama Internacional. A partir de un sostenido trabajo vocal conceden un sello particular a una sonoridad basada en la tradición de la música nacional. Hoy son seis muchachas para las cuales se cerraron las barreras de lo imposible. D´Eva, una agrupación que nació en 2013, definiéndose como herederas y defensoras de lo más raigal de la música cubana; pero por si fuera poco han logrado un repertorio que, con acierto y sumo respeto, trasciende las fronteras de lo puramente tradicional y mezclan sonoridades foráneas contemporáneas, conservando la esencia de casa.
Música para bailar y escuchar, solos que remedan la tradición en instrumentos como la flauta y el tres, este último en manos de su directora Yaneris Carbonell, una chica de la cual el Maestro Efraín Amador aplaudió su forma de expresarse, son algunos elementos que destacan dentro de su quehacer; pero hay mucho más en torno a los arreglos y referencias intertextuales que la agrupación hace suya en pos de la selección de un buen repertorio.El más reciente concierto en grande de la agrupación se produjo como cierre del verano en el Pabellón Cuba y demostró la cohesión interpretativa de estas artistas que han logrado en poco tiempo más que un buen sonido de mujer. Justamente con su directora compartimos estas líneas..._(cubarte)
Siete músicos forman este combo cubano, dos de ellos Michel Salazar al bajo y Michel Padrón a la trompeta y a la dirección musical (arreglista, como en los buenos tiempos), para un servidor pasan ya a ocupar un puesto destacado entre los músicos que uno descubre sin referencias. Vamos con los temas de este “Junio Groove” Astar. 2010. Abre el disco El cantante, tema de Ruben Blades (entre son y rumba) deja ya claro el gran nivel instrumental del septeto, Oriente (zona sonera por excelencia) insiste en el son y sirve para ir presentando a los otros grandes músicos, Juan Alarcón a los bongos, Vicente Arencibia a la voz, el otro cantante es David Echevarria, van alternando sus voces y como no, juegan a hacer coros y bromas como es típico en los cantantes de son. Es el momento de presentar uno de los invitados, el pianista Rafael Guzmán (heredero directo de Rubén González) . El siguiente tema es Psicologia, curiosa letra sobre la mala influencia de Lacan y Freud lo mejor del tema esa guitarra de Andrés Valdés que ya se ira instalando con fuerza con ese sonido (flamenco) que ira diferenciando el disco de otros productos puramente cubanos. En Harissa es como si hubiésemos saltado el estrecho en dos brazadas y el violín de Alexis Lefebre (siguiente invitado) y la guitarra de Valdés, nos pasan directamente al mundo del mediterráneo sur, la trompeta de Padrón se une sin complejos, un tema precioso.
Yo nací en un solar, es un tema difícil, creo que debe ser el mas difícil de interpretar, las percusiones totalmente africanas, los cambios de cueros, las voces, la guitarra eléctrica anárquica, la clave mandando siempre, compleja pero imprescindible. Palo Santo, como si renaciese Compay Segundo, Valdés al tres, ese solo brutal, de nuevo el violín de Lefebre, la trompeta de Padrón y toda la tragedia actual de ese pueblo cubano, orgulloso de su música (como no). Junio Groove, es el tema más diferente y el que debería identificar al grupo, desde el principio la trompeta de Padrón deja claro que la palabra groove no está para hacer bonito, la guitarra de Alejandro Albar y el órgano, que para la ocasión usa Michel Salazar, dan forma a este temazo, habrá que escucharlo en directo, debe tumbar. Y para ir cerrando, como no un Tumbao Sangreao donde la guitarra de Valdés anticipa y comenta su filosofía de fusión, al final Sonamos flamenco donde dejan patente que musicalmente, esa guitarra parece nacida en La Calle Nueva, pueden fundir flamenco y son, si señor, y en el fondo si el oyente está atento vuelve a recordar a aquel Gato Pérez, que tan bien entendió las fusiones, la rumba tiene eso, se lleva bien con mucha gente, un placer. Somos latinos, somos cubanos, sonando flamenco con el son cubano._Candido Querol (b-ritmos)
Michel Salazar (Bajo, órgano en "Junio Groove" y coros)
Alejandro (Flecha) Albar (Guitarras de acero, Guitarra eléctrica en "Junio Groove", tres y Coros)
Andres V. Valdés (Guitarras españolas, coros, percusión de mano y guitarra eléctrica en "Yo Nací en un Solar")
Juan (Luzbrillante) Alarcón (Bongos, cencerro, cajón, caja, platillo, udu y percusión de mano)
David Echevarria (Voz principal en temas #1, #3, #8, #9, 2ª Voz en "Palo Santo" y "Yo Nací en un Solar", Coros en temas #2, #5, #6, Percusión de mano y Bongos en "Sonamos Flamenco")
Vicente P. Arencibia (Voz principal en los temas #2, #5,# #6, 2ª Voz en "Psicología", Congas, Bongos en "Harissa", Batería y Timbales en "Oriente", Percusión de mano y Coros en los temas #1, #3, #5, #8, #9) Michel Padrón (Trompeta, Fliscorno, Coros y Dirección Musical)
Músicos invitados:
Alexis Lefevre (Violín en "Palo Santo" y "Harissa")
Natural de Colombia, el guitarrista de jazz latino Juan Carlos Quintero comenzó su carrera discográfica con dos álbumes en Nova, un debut autotitulado publicado en 1990 (remasterizado y reeditado en 2000 por Native Language Music con el nuevo título de Medellín) y Through the Winds, de 1992, grabado con el compositor y arreglista Todd Cochran, el pianista Otmaro Ruiz y los percusionistas Munyungo Jackson y Walfredo Reyes. Way Home apareció en el sello Size 11 en 1997. Quintero ha mantenido un prolífico calendario de lanzamientos durante el nuevo milenio con grabaciones que incluyen Los Músicos (2001), Los Primos (2003), dos volúmenes de Guitarra de Pasión (2004 y 2005), y Las Cumbias...Las Guitarras (2006). En 2007 llegó el disco navideño Joy to the World, así como la recopilación Guitarra de Pasión, Vol. 3._John Bush (allmusic)
El exclusivo paquete navideño de Quintero está destinado a convertirse en uno de los favoritos de las fiestas. La mezcla de canciones favoritas de todo el mundo con la relajante voz de JC revela la refrescante receta para estas fiestas tan especiales. JTTW marca el debut discográfico del nuevo trío acústico de JC, que cuenta con el baterista Aaron Serfaty (Arturo Sandoval, Nester Torres) y el bajista acústico Eliseo Borrero (Strunz & Farah, Paco de Lucía, Juan Gabriel), quienes interpretan los arreglos de JC con elocuencia y estilo. El concepto del proyecto se mantiene constante ya que los arreglos musicales se entrelazan mezcla ndo la familiaridad de los títulos festivos con la distintiva mezcla de sonidos americanos/colombianos de JC - un sello distintivo a lo largo de la carrera discográfica de JC. JTTW marca el regreso a casa de una voz única en la guitarra... una voz de celebración y paz.
«La presentación limpia y sencilla de la música ejemplifica la paz y la buena voluntad que todos necesitamos en estos momentos. Quintero presenta su nuevo trío acústico en ocho de las diez canciones, y toca en solitario en las otras dos («Angels We Have Heard on High» y la nana tradicional española «A la Nanita Nana»). Es un guitarrista soberbio, y la elegancia discreta y sin esfuerzo de sus interpretaciones me parece perfecta. Las canciones brillan con el oropel del talento, y resplandecen con integridad. JOY TO THE WORLD será uno de esos álbumes que me gusta escuchar al final de la Nochebuena, cuando todo el mundo se ha retirado a dormir, la casa está en silencio y las suaves luces del árbol y la chimenea son lo único que acentúa la oscuridad. Es el momento en que uno puede sentir realmente la paz y la tranquila alegría de estas fiestas. Esa es exactamente la sensación que le invadirá cuando escuche esta maravillosa colección. JOY TO THE WORLD de Juan Carlos Quintero pasará la prueba del tiempo como un clásico navideño de todos los tiempos. ~Scott O'Brien (bandcamp)
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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2019.
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