Spanish Harlem Orchestra - Imagenes Latinas

Cualquier álbum dedicado en parte a los difuntos hermanos González -Andy, cuyas líneas de bajo rebotaban con un profundo sabor latino, y su hermano Jerry, trompetista y percusionista con estilo- tiene un listón de oro que alcanzar, e Imágenes Latinas de la Spanish Harlem Orchestra lo consigue y mucho más. Cada una de las 11 pistas está impregnada de ritmos alegres, que requieren una gran disciplina para no saltar del asiento y dar unos pasos privados de salsa, mambo o chachachá. «Llego La Hispánica», compuesta y arreglada por el pianista Oscar Hernández (también productor del álbum) es un ejemplo febril de la manera que

tiene el conjunto de conjurar el ritmo de González, y esto se hace aún más evidente en “Mambo 2021”, donde la flauta de Jeremy Bosch se mezcla maravillosa y alternativamente con los licks del saxo barítono de Mitch Frohman. Las trompetas de Alex Norris y Manuel «Maneco» Ruiz contribuyen con interludios brillantes y chisporroteantes que llevan la canción a otro nivel de intensidad. Y luego el solo de piano de Hernández aumenta con gusto una pista que rebosa imágenes de un paseo veraniego por el este de Harlem. «Como Te Amo» ralentiza el ritmo, y la vocalización, a cargo de Marco Bermúdez, Carlos Cascante y Bosch, es tan armónica como los instrumentos._Herb Boyd (downbeat) 

         

                                                                               

Spanish Harlem Orchestra - Imagenes Latinas (2022)

Temas:
01. Llegó la Hispánica
02. Imágenes Latinas
03. Vestido de Flores
04. De mi para tí
05. Romance Divino
06. Como te Amo
07. Mambo 2021
08. Sentimiento y Son
09. Cuando la Hispánica Toca
10. Mi Amor Sincero
11. La Música Latina

Musicos:
Oscar Hernández (Piano y director musical)
Marco Bermúdez (Voz y coro)
Carlos Cascante (Voz y coro)
Jeremy Bosch (Voz, coro, flauta)
Manuel "Maneco" Ruiz (Trompeta)
Alex Norris (Trompeta)
Doug Beavers (Trombón)
Juan Gabriel Lakunza (Trombón)
Mitch Frohman (Saxo barítono, flauta travesera)
Jerry Madera (Bajo)
Luisito Quintero (Timbales, maracas, güiro)
George Delgado (Congas)

Jorge González (Bongos)

Conrad Herwig - The Latin Side of Mingus

El trombonista de jazz neoyorquino Conrad Herwig está considerado uno de los músicos de jazz
más completos del mundo, tanto en el campo de la interpretación como en el de la enseñanza del jazz, además de contar con numerosos créditos como compositor y arreglista.  Hasta la fecha, ha publicado 20 grabaciones como líder, además de participar en cerca de 200 sesiones de grabación con algunos de los artistas más notables del jazz.  Ha tocado y grabado con Miles Davis, Joe Henderson, Eddie Palmieri, Tito Puente, Frank Sinatra, Joe Lovano y Tom Harrell, entre muchos otros.   

Nacido el 1 de noviembre de 1959 en Lawton (Oklahoma), Herwig forma parte del Salón de la Fama del Jazz de ese estado.  Pasó sus años de formación musical en Hawai bajo el aura del trombonista Trummy Young, icono del jazz, y se graduó en el Punahou High School. El talentoso trombonista estudió después en la Universidad del Norte de Texas, donde formó parte de la famosa One O'Clock Jazz Lab Band. Más adelante en su carrera completaría sus estudios en el Goddard College de Plainfield, Vermont, donde se licenció en etnomusicología afrocaribeña.  Los estudios formales de Herwig concluyeron con un máster en estudios de jazz en el Queens College, una rama de la City University de Nueva York..._(allaboutjazz)

El trombonista Conrad Herwig, miembro clave del grupo La Perfecta II de Eddie Palmieri desde principios de la década de 2000, así como antiguo y actual miembro de la Mingus Big Band, lleva realizando homenajes con temática de jazz latino a iconos del jazz desde The Latin Side of John Coltrane, nominado a los Grammy en 1996. Este homenaje a Charles Mingus, alimentado por la clave, combina dos aspectos paralelos de su extraordinaria carrera. Herwig, un técnico superior en su instrumento, que muestra en solos estelares en las interpretaciones salseadas de «Boogie Stop Shuffle», «Gunslinging Bird» y «Better Get Hit in Your Soul» de Mingus, también se beneficia enormemente de la apretada sección rítmica del pianista Bill O'Connell, el bajista Luques Curtis, el batería Robby Ameen y el conguero Camilo

Molina, que colectivamente impulsan estos temas con mucho fuego. Otros solos destacados incluyen el ataque de notas altas del trompetista Randy Brecker en «Boogie Stop Shuffle» y el intercambio a tres bandas sobre un groove de son montuno entre Herwig, Brecker y el saxofonista Craig Handy en una acelerada «Hora Decubitus». El trompetista habitual de la Mingus Big Band, Alex Sipiagin, también brilla en una versión cha cha cha de «Goodbye Pork Pie Hat» y en una hermosa versión bolero de «Duke Ellington's Sound of Love», en la que destaca su radiante fliscorno._(theabsolutesound)   

                                                                                   

Conrad Herwig - The Latin Side of Mingus (2022)

Temas:
01. Gunslinging Bird (Arreglos-Conrad Herwig)
02. Boogie Stop Shuffle (Arreglos-Bill O'Connell)
03. No Dejes Que Pase Aqui (Don't Let It Happen Here) (Arreglos-Conrad Herwig, Howard Johnson)
04. Goodbye Pork Pie Hat (Arreglos-Bill O'Connell, Conrad Herwig)
05. Hora Decubitus (Arreglos-Conrad Herwig)
06. Duke Ellington's Sound Of Love (Arreglos-Marc Stasio)
07. All The Things You Could Be By Now If Sigmund Freud's Wife Was Your Mother (Arreglos- Bill O'Connell)
08. Better Get Hit In Your Soul (Arreglos-Bill O'Connell)

Musicos:
Conrad Herwig  (Trombón, lider)
Randy Brecker (Trompeta)
Alex Sipiagin (Trompeta, fliscorno #6)
Craig Handy (Saxo tenor #1,2,5-8, flauta #4, clarinete bajo #3)
Bill O'Connell (Piano, Fender Rhodes #6)
Luques Curtis (Bajo)
Robby Ameen (Batería)
Camilo Molina (Congas)
Ruben Blades (Narración #3)

Grabado en Trading 8s Recording Studio, Paramus, NJ.

David Virelles - Igbo Alakorin (The Singer's Grove), Vol. I & II

David Virelles nació en Cuba en 1983 y creció en Santiago. Su padre es José Aquiles, cantautor; su madre era flautista de la Sinfónica de Santiago de Cuba. Virelles comenzó sus estudios de piano clásico a los siete años y escuchó diversas formas de música cubana durante su infancia. Conoció a la música canadiense Jane Bunnett en Cuba y ella le invitó a Toronto. Con el tiempo, estudió en la Universidad de Toronto y en el Humber College. Virelles también grabó y realizó giras con Bunnett, incluso para su álbum Alma de Santiago, de 2001. Comenzó a comunicarse por correo electrónico y teléfono con Steve Coleman alrededor de 2006; el saxofonista le respondía detalladamente a preguntas sobre música.
Una beca del Consejo Canadiense de las Artes permitió a Virelles estudiar con Henry Threadgill en Nueva York. Virelles se trasladó a Nueva York de forma permanente en 2009 y pronto tocó con importantes figuras del jazz, como los saxofonistas Coleman, Chris Potter y Mark Turner.

Virelles formó parte de un trío en 2010, con el bajista Ben Street y el batería Andrew Cyrille, que tocaba música en gran parte improvisada. 

El pianista añadió más tarde a este grupo al percusionista Román Díaz. En 2011, Virelles tocó el piano preparado, la celesta y el armonio en el álbum de Potter The Sirens. Virelles hizo su debut como líder de ECM Records con el lanzamiento de 2014 Mbókò. El crítico de The Guardian informó que «Virelles explora antiguas músicas sagradas y rituales afrocubanas a través de fusiones imaginativas con materiales contemporáneos. Principalmente lo hace utilizando los dos bajos como drones, mezclando espaciosos ambientes de acordes con estallidos de sorprendente improvisación en un flujo de estilos, y centrando gran parte de la melodía en [los dos] bateristas"._(wikipedia)

Los oyentes -sencillos y sofisticados- que ya se han acostumbrado a la música de David Virelles pueden esperar que con cada grabación se amplíen los límites de la música que ha surgido de su herencia afrocubana, especialmente desde sus dos últimas grabaciones con músicos de jazz legendarios como Henry Threadgill y Steve Coleman. 

Con Igbó Alákorin The Singer's Grove Vol. I & II les espera, no una sorpresa, sino una conmoción; sorpresa porque con esta grabación el Sr. Virelles vuelve a los días de gloria de los trovadores (de hace al menos cien años) y sorpresa porque toca la música en el auténtico estilo que se tocaba entonces, a la gran manera de los músicos de Santiago de Cuba (u Oriente, como se llamaba antes de 1905), y de músicos como los de la Orquesta Chepín-Chovén (como nos cuenta en sus breves notas), una de las legendarias bandas afrocubanas de Cuba.

Sin embargo, aunque se trata de un nostálgico regreso a su propia herencia afrocubana, en la que nació y fue educado por su padre (y su madre), está lejos de ser sentimental y retrógrado, sino más bien una excursión musical a lo que hace que la música afrocubana -danzón, oriental, chepinsón, pregón, bolero y trova- sea tan mágica. Y aunque haya que esperar hasta "Sube la Loma, Compay" para que la disonancia angular emerja del pianismo del Sr. Virelles, es un viaje de ensueño en todo momento. En muchos aspectos, este viaje musical podría hacerse innumerables veces y cada una de ellas se sentirá como si fuera la primera vez, al igual que lo es escuchar los Lieder de Schubert o los de Mahler por primera vez, porque al igual que la canción clásica, esta música, que lleva siglos gestándose, está siempre fresca, sin duda como lo está en esta grabación.

La música también sitúa al joven Sr. Virelles en la envidiable compañía de sus antepasados, como Bebo y Chucho Valdés, por la deslumbrante sencillez tanto de su musicalidad como de su pianismo. En ningún momento se distrae al oyente con virtuosismos gratuitos. Cada nota y cada frase, con cada matiz acentuado, es un modelo de artesanía. Este único disco consta de dos volúmenes. El primero destaca la música interpretada en un entorno orquestal y presenta a los incomparables trovadores Emilio Despaigne Robert y Alejandro Almenares, que también se acompaña a sí mismo en el requinto, una guitarra única de Cuba, ambos evocan los días felices de los trovadores. El segundo volumen destaca al Sr. Virelles en un dúo con Rafael Ábalos, que le acompaña al güiro en una interpretación virtuosa que pone el listón a una nueva altura para ese instrumento.

Este repertorio consta de catorce canciones y, en conjunto, la grabación se desarrolla como la banda sonora de una película clásica en la que las imágenes aparecen como lienzos mojados que se funden unos con otros mientras la música fluye y refluye hasta su desenlace final. A lo largo de todo el disco, tanto si aparece con su instrumento como si toca en la sombra de los focos que iluminan a uno u otro vocalista o músico solista, el Sr. Virelles nos ofrece un testimonio estelar de su ingeniosa musicalidad, mientras nos quedamos hipnotizados no sólo por la belleza desnuda de esta música, sino también por el genio desenfrenado del joven pianista que está devolviéndole la vida eterna._ Raul Da Gama (latinjazznet)

                                                         

David Virelles - Igbo Alakorin (The Singer's Grove), Vol. I & II (2018)

Temas:

Vol.I David Virelles Introduces Orquesta Luz de Oriente:

01. Bodas de Oro

02. El Rayaero 

03. Grato Recuerdo 

04. Echa Pa' Allá 

05. Canto a Oriente 

06. Un Granito de Arena 

07. Sube La Loma, Compay 

08. Cosas de Mi Cuba 

09. Ojos de Sirena 

Vol. II Danzones de Romeu at Café La Diana:

10. Tápame Que Tengo Frío 

11. Tira la Cuchara y Rompe el Plato 

12. Mojito Criollo 

13. Mares y Arenas 

14. Tres Lindas Cubanas 

Musicos en Vol.I:

David Virelles (Piano, coros)

Alejandro Almenares (Requinto, voz en temas #3,#5,#8,#9, coros)

Emilio Despaigne Robert (Voz en temas #2,#7, coros)

Rafael Ábalos (Timbal, güiro, coros)

José Ángel Martínez (Bajo)

Lázaro Bandera (Congas)

Román Filiú (Saxo alto)

René «La Flor» Domínguez (Saxo tenor)

Baudelis Rodríguez (Saxo barítono)

Abel Virelles (Trompeta)

José Aquiles Virelles (Coros)

Gabriel Montero (Pailitas criollas, claves en temas#2,#7)

- con John Benitez (Bajo en temas #5,#8)

Musicos en Vol.II:

David Virelles (Piano)

Rafael Ábalos (Güiro)

Mulatu Astatke & His Ethiopian Quintet - Afro-Latin Soul

Mulatu Astatke (o Astatqé) (Jimma, Etiopía, 19 de diciembre de 1943) es un músico, compositor y arreglista etíope. Se le considera el padre del ethio-jazz. Su formación musical se realizó en el Trinity Laban Conservatoire of Music and Dance de Londres, donde estudió clarinete, piano y armonía, Nueva York y Boston, donde fue el primer estudiante africano y también el primer africano en conseguir un doctorado del Berklee College of Music; allí estuvo formándose en vibráfono y percusiones. Posteriormente combinó la influencia del jazz y la música latina con la música tradicional etíope..._(wikipedia)

Mi deseo de empezar a hacer Ethio-jazz empezó en Londres mientras estudiaba allí en los años 50; entonces supe que quería ser diferente con mi música. Busqué músicos de distintos orígenes africanos y vi que tenían éxito y promocionaban la cultura de su país. Sin embargo, había muy poco de África Oriental y Etiopía, así que decidí en ese momento que crearía algo único basado en el rico patrimonio de nuestra música y mostraría lo mucho que hemos contribuido al mundo de la música en general.

Ese viaje empezó a tomar forma en el Berklee College de Bastan. Fui el primer músico africano que estudió allí y ese periodo fue muy importante para mí. Aprendí los aspectos técnicos de muchas formas musicales diferentes y mis profesores me dieron la confianza necesaria para avanzar en mi propia dirección, enseñándome que estaba bien ser diferente en mi música y probar algo completamente nuevo. La música cultural etíope se basa en cuatro modos -tezeta, bati, anchihoy y ambassel- y, dentro de mi música, sabía que esos modos no se podían tocar. Tenían que permanecer en el centro de mi música o todo el carácter del sonido cambiaría y se distorsionaría. Empecé a añadir hermosos colores con acordes, voicings, líneas de bajo y secciones rítmicas, escribiendo progresiones que encajaran bien. Es muy difícil escribir música de 12 notas en torno a los modos etíopes sin destruirlos.
A mediados de los 60 volví a Addis, pero seguía yendo y viniendo a Estados Unidos. En aquella época, nadie fusionaba la música etíope con el jazz. En mi país existía la Primera Orquesta del Teatro Nacional y tanto la policía como el ejército tenían sus propias orquestas. También había bandas como la Echoes y la Ras Band. Los músicos de entonces basaban sus melodías estrictamente en los cuatro modos etíopes, utilizando técnicas como el «canon», con líneas melódicas que se hacían eco unas a otras. Con el Ethio jazz, quise conscientemente ampliar y explorar los modos de diferentes maneras.
Formé un grupo llamado The Ethiopian Quintet en Nueva York, compuesto por una mezcla de músicos etíopes, latinos y afroamericanos (en aquella época no había muchos músicos etíopes en Estados Unidos). La banda incluía al trompetista y pianista Rudy Houston, que más tarde tocó con Yambu, y a Félix Torres, que tocó con la Sonora Ponceña. Siempre he sentido una profunda conexión entre la música latina y la africana; viajé a Cuba para averiguar dónde desembarcó el primer americano, escuché a sus músicos tocar y bailar y, aunque cantaban en español, el tempo, el ritmo y el sentimiento eran muy similares a aspectos de la música africana.

Así que, con el Quinteto Etíope, quise mostrar la contribución africana a la música latina y fue mi primera oportunidad de experimentar y empezar a desarrollar mi visión del Ethio-jazz con esta banda. Con los músicos estadounidenses y puertorriqueños en el grupo creamos un ambiente y unos arreglos diferentes. Fue una gran oportunidad para mí y a ellos les encantó lo que componía y la dirección que intentaba tomar.
Hicimos bastantes conciertos, algunas bodas españolas, eventos al norte de Nueva York y en Manhattan. Tocamos en el Village Gate con Dave Pike, un gran amigo mío por aquel entonces, uno de los mejores músicos de vibráfono del mundo. Tocaba mucho con Herbie Mann y recuerdo que me senté a ver una de sus sesiones de grabación. Vi a muchos otros grandes músicos en conciertos, desde Coltrane a Bud Powell y Bill Evans. En el live circ uit de Nueva York conocí a un productor llamado Gil Snapper. Gil era un tipo muy agradable e interesante y trabajaba con músicos de muchos estilos diferentes. Entendió mi música muy rápidamente; nos llevamos bien y me invitó a grabar con The Ethiopian Quintet, así que nuestros primeros álbumes con él fueron 'Afro Latin Soul' Volúmenes 1 y 2, ambos grabados durante 1966.

En el primer volumen, interpreté una adaptación de una antigua canción guerrera etíope, «I Faram Gami I Faram». Me habría gustado contar con un cantante etíope para el tema, pero estaba cantado en latín y la letra se tradujo al cantante para que pudiera cantarla en español. No obstante, resultó una bonita combinación. El álbum incluía otras composiciones que fueron pasos importantes para mí: 'Mascaram Setaba' (Viene el verano) 'Shagu' y 'Almaz'. En el segundo volumen, Rudy Houston sugirió una pieza musical que llamamos «The Panther» (La pantera), en referencia al animal, pero también en reconocimiento a las Panteras Negras, muy activas en la lucha por los derechos civiles en Estados Unidos en aquella época. En este álbum, una de mis favoritas es mi composición «Girl From Addis Ababa», que funcionaba muy bien como fusión de modos etíopes y ritmos R&R, un indicador del sonido de jazz etíope más afinado de mi álbum posterior para Worthy, «Mulatu Of Ethiopia» (1972). También incluía mi nuevo arreglo de la melodía de los años 50 «Lover's Mambo». Ambos álbumes incluyen bonitos arreglos también por Osear García, Rudy Houston y Gil Snapper también.

Me siento orgulloso de la grabación cuando la escucho de nuevo. Fue un momento importante en mi carrera y fue una época muy interesante y progresista estar en Nueva York a mediados de los años 60. Estuve allí al mismo tiempo que Hugh Masekela, Miriam Makeba y Fela Kuti y, cada uno a su manera, intentamos hacer nuestra parte para poner a África en el mapa del jazz contemporáneo._ Mulatu Astatke, abril de 2018

                                                                               

Mulatu Astatke & His Ethiopian Quintet - Afro-Latin Soul (1966, R-2018)

Temas:

Afro Latin Soul:

01. I Faram Gami I Faram (Mulatu Astatke)

02. Mascaram Setaba (Mulatu Astatke)

03. Shagu (Mulatu Astatke)

04. One For Buzayhew (Mulatu Astatke)

05. Alone In The Crowd (Gil Snapper)

06. Almaz (Mulatu Astatke)

07. Mulatu's Hideaway (Mulatu Astatke)

08. Askum (Rudy Houston)

09. A Kiss Before Dawn (Gil Snapper & Weiss) 

10. Playboy Cha Cha (Oscar Garcia)

Afro Latin Soul Vol. 2:

11. The Panther (Boogaloo) (Rudy Houston)

12. Konjit (Pretty) (Oscar Garcia)

13. Soul Power (Rudy Houston)

14. Lover's Mambo (Tradicional, Arr. Mulatu Astatke) 

15. Love Mood For Two (Rudy Houston)

16. Jijiger (Rudy Houston)

17. Girl From Addis Ababa (Mulatu Astatke)

18. Karayu (Oscar Garcia)

19. Raina (Rudy Houston)

Musicos:

Mulatu Astatke (Vibráfono, piano, batería)

Rudy Houston (Piano, trompeta)

Robert Cuadrado (Bajo)

Felix Torres / John Perez (Congas / Bongos en Vol.1)

Pete Iglesias (Congas en Vol.2)

Tony Pearson (Timbales)

Grupo De Experimentacion Sonora Del Icaic

Grupo musical que nada tenía en común con esas agrupaciones tan frecuentes que a ratos aparecen para luego eclipsarse con la misma celeridad, el Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC reunía artistas jóvenes (y otros no tan jóvenes) empeñados en hacer «otro tipo de música». Experimentación de la más auténtica, creatividad y lejanía de los facilismos, esos eran los preceptos del GES, dedicado a buscar caminos nada trillados en la música, a crear y experimentar con novedosas sonoridades.
Creado en 1969 por Alfredo Guevara, presidente del ICAIC, en sus inicios el GES estuvo integrado por Silvio Rodríguez, Pablo Milanés, Noel Nicola Sergio Vitier, Eduardo Ramos, Emiliano Salvador, Leonardo Acosta y Genaro Caturla. Posteriormente se les unirían Sara González y Pablo Menéndez. El director era Leo Brouwer quien ya, a esas alturas, había compuesto música para cine, así como música popular y de concierto.
El grupo surgió con la petición concreta de hacer música para el cine cubano y a su cargo estaría la musicalización de los filmes de ficción, documentales y noticieros que se realizaban en el Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC). Pero en la práctica el Grupo de Experimentación Sonora se convirtió en una auténtica escuela formadora de grandes músicos, de creadores en toda la extensión de la palabra.

Era la génesis de lo que pocos años después conoceríamos como Movimiento de la Nueva Trova, con sus canciones de compromiso político y letras en su mayor parte de protesta, implicadas con el quehacer revolucionario del mundo y de su tiempo. Sin embargo, desde el punto de vista musical no dejaban a un lado las influencias de la mejor música, fundamentalmente de Latinoamérica y el Caribe, pasando por el rock, el bossa nova, el jazz o de la más pura escuela norteamericana. El GES tenía la capacidad de interpretar cualquier tipo de música, desde bailable hasta sinfónica, y las canciones surgidas de sus trovadores pasarían a ser parte de lo más significativo del cancionero cubano.
Uno de los primeros directores en utilizar la música del GES en sus largometrajes fue Manuel Octavio Gómez, quien en La primera carga al machete utilizó canciones compuestas especialmente para este filme por Pablo Milanés.
No obstante el GES no tenía una difusión regular, no era programado por la televisión o la radio, y sus interpretaciones podían escucharse únicamente en las pantallas de cine, o en algún que otro concierto en el cine de la Cinemateca de Cuba, la mayoría de las veces únicamente para trabajadores del ICAIC.
Luego de un impasse en su trabajo, el grupo se reestructuró bajo la dirección de Eduardo Ramos y todavía son memorables sus actuaciones en el Teatro Amadeo Roldan con repertorios de Silvio, Noel, Vitier, Pablo y Sara.
El Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC apenas grabó discos, si acaso dos o tres acetatos que hoy son tesoro de coleccionistas, y solo gracias al apoyo invaluable de Haydée Santamaría y la EGREM, pero su música se escuchaba semanalmente en las salas de cine en los noticieros de Santiago Álvarez, en los documentales de la época y en la mayoría de los filmes cubanos. Las composiciones de sus integrantes, mayormente músicos muy jóvenes, pasó a formar parte de la historia de la música cubana junto con los grandes de todos los tiempos.

El trabajo del GES dejó una huella indeleble, tanto en el cine cubano de la época como en el Movimiento de la Nueva Trova constituido en Manzanillo, en 1972, y es, así mismo, innegable su influencia en los grupos musicales que surgieron posteriormente, independientemente del género musical que interpretaran.
El Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC fue modelo y estímulo a la experimentación, a la música comprometida y a la innovación permanente.

*El espacio Nuestra América publicará diversos textos dedicados al Grupo de Experimentación Sonora del ICAIC, por su importancia y trascendencia dentro y fuera de Cuba._ (ipscuba)

                                                                                    

Grupo De Experimentacion Sonora Del Icaic (1974)

Temas:

01. Granma (Sergio Vitier/Pablo Milanés/Silvio Rodríguez) 

02. Danzaría (Sergio Vitier)

03. La Contradanza (Emiliano Salvador)

04. La Oveja Negra (Silvio Rodríguez) 

05. Canción Con Todos (Eduardo Ramos) 

06. Grifo (animal mitológico) (Pablo Menéndez)

Dirección musical: Leo Brouwer y Juan Márquez Lacasa

Arreglos musical: Sergio Vitier, Emiliano Salvador, Silvio Rodríguez, Eduardo Ramos y Pablo Menéndez.

Grabado en La Habana en 1972, en los Estudios de grabación de EGREM

Sérgio Mendes - The Swinger From Rio

Sérgio Santos Mendes (Niterói, Río de Janeiro, 11 de febrero de 1941-Los Ángeles, California, 5 de septiembre de 2024) fue un cantautor, arreglista, pianista y músico brasileño de bossa nova. Con más de 35 publicaciones, fusionó la bossa nova con otros ritmos como el jazz y el funk.​ Es uno de los referentes internacionales de la música brasileña. Fue nominado al Óscar a la mejor canción original en 2011 como coautor de la canción «Real in Rio» de la película de animación Río..._(wikipedia)

En el último año nos hemos familiarizado más con la música de América Latina y especialmente con la de Brasil. La nueva música de Brasil (más conocida como bossa nova) ha sido absorbida por la corriente principal de nuestra propia música. Esto es completamente natural. Mientras nosotros escuchábamos su música, los músicos latinoamericanos escuchaban la nuestra. La música de jazz, en particular, les fascina desde hace tiempo, y sería exacto describir la bossa nova como un matrimonio entre la música brasileña moderna y el jazz estadounidense. La música contenida en este álbum es el feliz resultado de un encuentro entre estrellas de la bossa nova brasileña y músicos de jazz estadounidenses.

Sergio Mendes, el joven que adorna la cala de este LP, es uno de los talentos más brillantes surgidos de los círculos musicales brasileños. Posee un estilo de piano nítido que domina claramente todas las interpretaciones de este álbum. La claridad del pensamiento musical de Sergio es siempre evidente, tanto si está tocando solo, en conjunto o acompañando el solo de otro. Además, inspira algunos de los mejores trabajos discográficos de los conocidos intérpretes de jazz Art Farme, Phil Woods y Hubert Laws.
Sergio está acostumbrado a tocar con los principales músicos del país. Se convirtió en pianista profesional a los dieciséis años. Un año más tarde organizó su propio grupo para actuar en fiestas y clubes nocturnos de Niteroi, su ciudad natal, situada frente a la bahía de lpanema, la ciudad más famosa de Brasil. El compositor y músico Antonio Carlos Jobim escuchó tocar a Sergio y quedó muy impresionado. Le dio muchos ánimos, y en poco tiempo Sergio se unió al círculo de músicos de Río que estaban creando un nuevo estilo musical que llegó a conocerse como bossa nova.

Es imposible concebir una mayor compenetración musical que la que muestran Sergio, el fluegelhomista Art Farme, el saxofonista Phil Woods y el ftutista Hubert Lwas en este álbum. Escuchando la forma en que encajan sus solos, uno podría suponer fácilmente que estos músicos han trabajado juntos durante muchos años. Sergio tiene la extraordinaria facilidad de adaptar la calidad tonal de su instrumento a la del músico con el que toca. Obsérvese, por ejemplo, que cuando él y Art Farmer intercambian frases al final de Useless Panorama, el sonido de sus instrumentos mantiene un flujo uniforme. En So Danco Samba y Maria Moita, el piano de Sergio tiene un poco más de garra que el robusto saxofón de Phil Woods. Aunque estos músicos hayan nacido a miles de kilómetros de distancia, son almas gemelas. El buen amigo de Sergio y el hombre al que llama su menor, Antonio Carlos Jobim, está presente en muchos de los números. Más conocido como el compositor de los temas clásicos de la bossa nova (Desafinado, One Note Samba, etc.), Jobim es también un consumado guitarrista. Los músicos que componen la sección rítmica son miembros del trío del propio Sergio, Tiao Netto al bajo y el batería Chico DeSouza, que mantienen el ritmo en todos los tempos. Desde el punto de vista geográfico, Sergio Mendes podría ser el Swirtger de Río, pero a juzgar por los éxitos que interpreta en este álbum, también podría ser el Swinger de EE.UU._Bob Altshuler 

                                                                                   

                                                                                  

Sérgio Mendes - The Swinger From Rio (1964)

Temas:

01. Maria Moita (Carlos Lyra, Vinicius de Moraes)

02. Sambinha Bossa Nova (Antônio Carlos Jobim)

03. Batida Diferente (Durval Ferreira, Maurício Einhorn)

04. Só Danço Samba (Antônio Carlos Jobim, Vinicius de Moraes)

05. Pau Brazil (Sérgio Mendes)

06. The Girl From Ipanema (Antônio Carlos Jobim, Vinicius de Moraes)

07. Useless Panorama (Antônio Carlos Jobim)

08. The Dreamer (Antônio Carlos Jobim, Gene Lees)

09. Primavera (Carlos Lyra)

10. Consolação (Baden Powell)

11. Favela (Antônio Carlos Jobim)

Musicos:

Sérgio Mendes (Piano)

Antônio Carlos Jobim (Guitarra)

Tiao Neto (Bajo)

Chico DeSouza (Batería)

Art Farmer (Fliscorno en temas #2, #6, #7)

Phil Woods (Saxo alto en temas #1, #4, #8)

Hubert Laws (Flauta en temas #3, #5, #9, #11)

Grabado en Nueva York del 7 al 9 de diciembre de 1964