Hermeto Pascoal (Arapiraca, 22 de junio de 1936) es un compositor, arreglista, productor musical y un virtuoso multinstrumentista (principalmente pianista, bandoneonista, flautista, melodista, saxofonista y guitarrista) de Brasil., comenzó a tocar flauta con solo ocho años de edad y ya con 14 años era músico profesional en Recife. Junto con sus hermanos, todos albinos, comenzó a tocar el piano en la década de los cincuenta en formato de trío. En 1964, formó el "Sambrasa Trío" , con Airto Moreira y el bajista Humberto Clayber. En 1966, Airto Moreira, que tocaba en un grupo llamado "Trío Novo", con el guitarrista, Heraldo do Monte y el bajista, Theo de Barros, animó a Hermeto a unirse al grupo, formando así el grupo que le dio a conocer internacionalmente: "Quarteto Novo", uno de los mas importantes grupos de música instrumental de la historia de Brasil. El grupo estaba provisto de una magnifica técnica y fue una de las claves de la fusión del jazz con los ritmos brasileiros. En 1968, Hermeto Pacoal, escribe su primer arreglo orquestal para la música de Gudin que se estrena en el Festival de la Canción de TV bajo el titulo de "Choro do Amor Vivido". Poco después, ya en los años setenta, recibe una invitación de Airto Moreira, para trasladarse a los Estados Unidos donde graba su primer disco para el sello "Cobblestone" titulado genéricamente "Hermeto".
Ya con una dilatada y reconocida experiencia, Miles Davis, le encarga algunos arreglos y de esa colaboración sale la invitación a que Hermeto Pascoal, colabore en la grabación del disco de Miles Davis, titulado "Live Evil". Hermeto vuelve a Brasil en 1973 y graba un disco titulado: "A Música Livre De Hermeto Pascoal", retornando en 1976 para los Estados Unidos, donde nuevamente graba otro disco titulado "A missa dos escravos". Hermeto Pascoal, es un compositor muy prolífico y tiene grabados cerca de 3000 canciones. Entre el 23 de junio de 1966 y 23 de junio de 1996, Hermeto escribe "Calendario do Som"; un total de 366 composiciones musicales, una para cada día del año en los mas diversos géneros, y que realizó con un tesón admirable, componiendo una canción por cada día. Sus composiciones fueron interpretadas por la Orquestra Sinfónica de Brooklyn, la Filarmónica de Berlín, la Orquesta Sinfónica de Sao Paulo, y otras por el estilo. Hermeto Pascoal, ha tocado con los mas grandes de la música brasileña e internacional, como Elis Regina, Ron Carter, o Raúl de Souza, y participó en el homenaje al gran bandoneista argentino, Astor Piazzola en Buenos Aires._(apoloybaco)
"Festa dos Deuses" es una obra que clasifico como Música Universal en todos los sentidos: rítmica, armónica y melódica, y principalmente original. Estoy muy contento de contar con personalidades ilustres, como el presidente Collor de Mello, la profesora de educación física Fabíula Pascoal y el gran actor-poeta Mário Lago como invitados especiales en este disco. Todos ellos cantan maravillosamente bien con el sonido del aura, captado con sensibilidad por mí. Es imposible explicar con palabras o adjetivos lo que es el Sonido del Aura, pero de una cosa estoy seguro: depende mucho del nivel musical y perceptivo del músico. Me dijo por teléfono: "Padrinho, sólo llego desde el Mi por debajo de la 3ª línea del suplemento inferior hasta el Fa de la 5ª línea", pero en el transcurso de la grabación se fue soltando cada vez más y acabó llegando al Re por encima de la 2ª línea del suplemento superior, y así grabó 7 canciones con nosotros. Me complace presentar a Luciana Souza, una nueva y hermosa voz. Soy suspicaz cuando hablo de estos grandes músicos instrumentistas, mis hermanos del grupo: Carlos, Jovino, Itibeê, Marcío, Fálbio y Pernambuco, pero tengo una semilla que agradecer por todo lo que dan de sí a la música con mucha verdad y amor._Hermeto Pacoal
Nacido en tierra santiaguera en 1961, Ángel Bonne comenzó desde muy pequeño sus estudios musicales, desarrollando destreza en el clarinete. Confiesa el artista que genéticamente su padre, Enrique Bonne, “tiene mucho que ver con su gusto musical”; creció viéndolo tocar el piano, y los tambores sonaban en el patio de su casa, donde se realizaban encuentros musicales que contaban con la presencia de grandes como Pacho Alonso y Omara Portuondo entre otros. Luego de graduarse de la Escuela Nacional de Arte, se desempeña como saxofonista en agrupaciones como: los Grupos Galaxia, el de Santiago Feliú, el de Beatriz Márquez (donde realizó además la función de director), Grupo Granma (de Santiago de Cuba) y Orquesta Cubana de Música Moderna (de Santiago de Cuba).También participó como saxofonista, en discos de cantantes reconocidos como Amaury Pérez Vidal y Evelyn García Márquez. Colaboró además con otras agrupaciones entre las que se destacan el Grupo Síntesis y el Grupo Irakere del maestro Chucho Valdés.
Su calidad interpretativa y talento musical lo lleva a formar parte una de las orquestas más importantes de la música cubana: la Orquesta de Juan Formell, Los Van Van, donde además de interpretar el saxofón, realizó las funciones de arreglista y cantante. Su paso por esta agrupación musical, es calificado por el propio Ángel Bonne, como uno de los momentos más importantes de su carrera artística. A los 33 años decide hacer su carrera en solitario sin abandonar su rol de instrumentista y sus cualidades de compositor y se hace acompañar del Grupo LM Sobredosis. Desde entonces protagoniza varias producciones discográficas: “Pa’ decir lo que yo siento”, “Circunstancias”, “Esta es mi música”, “Por favor escúchame” y “Bonne and Bonne Co.”, y ha participado en más de 40 discos grabados junto a figuras reconocidas de Cuba.
Su versatilidad le permite incursionar en varios géneros musicales entre los que se destacan el jazz, la Nueva Trova y la música popular.
De la discografía de Bonne, siempre se recordarán temas como: ¨Usted volverá a pasar¨, ¨El caldero¨, ¨Pura vestimenta¨ o ¨Ya no soy un pepillo¨, los que además dan muestra de sus dotes de compositor, intérprete y director de orquesta._(suenacubano)
La evolución de New Yor-Uba, la minuciosa síntesis de jazz moderno y antiguas tradiciones folclóricas afrocubanas de la pianista Michele Rosewoman, ha sido un viaje de magnificencia a cámara lenta. Tres décadas completas después de estrenar su semigrupo en 1983, Rosewoman publicó su primera grabación, el doble disco en directo New Yor-Uba, 30 Years: A Musical Celebration of Cuba in America, con gran éxito de crítica. Ahora, seis años después, llega Hallowed, con Rosewoman ofreciendo sólo ligeros refinamientos de la plantilla única de New Yor-Uba.
La joya de la corona es "Oru de Oro", una "suite rítmica" de 10 canciones y casi 48 minutos encargada por Chamber Music America. Se apoya en los tambores batá, descritos por Rosewoman como "la orquesta del templo yoruba", con patrones recreados a partir de la tradición por el folclorista Román Diaz. New Yor-Uba se ciñe a las tradicionales "seis manos" del batá, tres tamborileros que golpean los tambores de doble cara para invocar el poder de los espíritus ancestrales. De vez en cuando la percusión asume el protagonismo, pero sobre todo proporciona una densidad que es a la vez entrecortada y sinuosa, creando un trampolín áspero pero flexible para los solos y coros de Rosewoman y cuatro o cinco trompetistas. Rosewoman golpea y corretea de una manera que recuerda a McCoy Tyner, mientras que los metales y las cañas tocan en general una mezcla de jazz latino postbop de tono bajo y alto calibre. Para apreciar su ambicioso arco y la importancia de sus ligeros cambios de ritmo, "Oru de Oro" se aprecia mejor directamente. Otras dos obras extendidas, de aproximadamente 10 minutos cada una, completan Hallowed.
"The Wind Is the First to Know" (El viento es el primero en saberlo) es una colección de canciones tradicionales cantadas por Díaz y Nina Rodríguez, con el ambiente aireado del Fender Rhodes de Rosewoman como instrumento dominante. También está el ritmo lento de "Alabanza", que le valió a la compositora Rosewoman un Grammy de Jazz Latino en 2016, cuando apareció en Cuba, the Conversation Continues, de la Afro Latin Jazz Orchestra.
La fe permanente de Rosewoman en estos ritmos centenarios, transmitidos de forma encubierta de boca en boca para salvaguardar su potencia, dota a New Yor-Uba de una disciplina idiosincrásica similar a la de Zooid de Henry Threadgill o Five Elements de Steve Coleman. Al igual que con esos conjuntos, los oyentes se ven recompensados con creces si se sumergen en la música. La historia pasada sugiere que tendrá mucho tiempo antes de que haya otra ronda disponible._Britt Robson (jazztimes)
Michele Rosewoman's New Yor-Uba - Hallowed (2019)
Temas:
01. We Need You Now (Elegguá, Oggún, Ochisi)
02. Mountain Sky, Healthy High (Obaloke, Inle, Babalú-Ayé)
03. Forest of Secrets (Ossaín)
04. Color Crown (Osun, Dada, Oggue)
05. Hallowed (Obatalá)
06. Puntilla's Gift (Aganyú)
07. Two Bodies, One Heavenly Soul (Orúnmila, Orisha Oko, Ibedji)
08. The Heart of It (Changó)
09. Flowers That Bloom In the Dark (Oyá, Yewa, Ochún, Oba)
En virtud de su cálido y extravagante comportamiento en el escenario, su longevidad, sus constantes giras y sus apariciones en los medios de comunicación, Tito Puente es probablemente el símbolo más querido del jazz latino. Pero, además, Puente ha conseguido mantener su música extraordinariamente fresca a lo largo de las décadas; como virtuoso de los timbales, combinaba el dominio de todos los matices rítmicos con la espectacularidad a la antigua usanza: ver sus ojos desorbitados cuando hacía un solo dinámico era uno de los grandes placeres para los aficionados al jazz latino. Músico de formación, también era un fino y lírico vibrafonista, un talentoso arreglista y tocaba el piano, las congas, los bongos y el saxofón. Su atractivo sigue siendo para todas las edades y grupos étnicos, ayudado sin duda por las versiones más vendidas de Santana de "Oye Como Va" y "Para Los Rumberos" en 1970-1971, y las apariciones en The Cosby Show en la década de 1980 y la película The Mambo Kings en 1992. Su estilo de salsa clásica no suele tener un trasfondo oscuro, sino que irradia un ambiente de fiesta alegre y bailable. Arraigado en el Harlem español, de ascendencia puertorriqueña, Puente pretendía en un principio ser bailarín, pero esas ambiciones se vieron frustradas por un desgarro del tendón del tobillo sufrido en un accidente. A los 13 años empezó a trabajar en la big band de Ramón Olivero como baterista, y más tarde estudió composición, orquestación y piano en Juilliard y en la New York School of Music. Y lo que es más importante, tocó con Machito y absorbió su influencia, que estaba fusionando con éxito los ritmos latinos con el jazz progresivo. En 1947 formó el grupo Piccadilly Boys, formado por nueve músicos, y dos años más tarde lo amplió a una orquesta completa. Puente grabó para Seeco, Tico y, finalmente, RCA Victor, y contribuyó a alimentar la moda del mambo, que le dio el título no oficial -y, en última instancia, vitalicio- de "Rey del Mambo", o simplemente "El Rey". Puente también ayudó a popularizar el chachachá durante la década de 1950, y fue el único no cubano que fue invitado a la celebración de los "50 años de música cubana" patrocinada por el gobierno en Cuba en 1952.
Puente Goes Jazz. Entre los congueros de las grandes ligas que tocaron con la banda de Puente en los años 50 se encontraban Mongo Santamaría, Willie Bobo, Johnny Pacheco y Ray Barretto, lo que dio lugar a algunos explosivos tiroteos de percusión. Puente no se encerró en un rincón de la música latina, sino que abarcó el jazz de grandes bandas (Puente Goes Jazz) y, en los años 60, temas de bossa nova, éxitos de Broadway, boogaloos y música pop, aunque en los últimos años tendió a ceñirse a los estilos de jazz latino más antiguos que se conocieron popularmente como salsa. En 1982, empezó a grabar una serie de álbumes de jazz latino con octetos o grandes bandas para Concord Picante que le dieron una mayor exposición y respeto en el mundo del jazz. Entre los congueros de las grandes ligas que tocaron con la banda de Puente en los años 50 se encontraban Mongo Santamaría, Willie Bobo, Johnny Pacheco y Ray Barretto, lo que dio lugar a algunos explosivos tiroteos de percusión. Puente no se encerró en un rincón de la música latina, sino que abarcó el jazz de grandes bandas (Puente Goes Jazz) y, en los años 60, temas de bossa nova, éxitos de Broadway, boogaloos y música pop, aunque en los últimos años tendió a ceñirse a los estilos de jazz latino más antiguos que se conocieron popularmente como salsa. En 1982, empezó a grabar una serie de álbumes de jazz latino con octetos o grandes bandas para Concord Picante que le dieron una mayor exposición y respeto en el mundo del jazz.
Su álbum número 100. Puente, un infatigable visitante de los estudios de grabación, grabó su álbum número 100, The Mambo King, en 1991 en medio de mucha ceremonia y afecto (un concierto de música latina con todas las estrellas en el Universal Amphitheatre de Los Ángeles en marzo de 1992 conmemoró el hito), y siguió añadiendo más títulos a la cuenta durante los años 90. También apareció como invitado en innumerables álbumes a lo largo de los años, y estrellas del jazz como Phil Woods, George Shearing, James Moody, Dave Valentin y Terry Gibbs tocaron en los últimos álbumes del propio Puente. Apenas unos meses después de aceptar su quinto premio Grammy, murió el 1 de junio de 2000. Varios meses después, Puente fue reconocido en la primera edición de los premios Grammy Latinos, ganando el premio a la mejor interpretación tropical tradicional por Mambo Birdland._Richard S. Ginell (allmusic)
Walter Maynard Ferguson (Montreal, Quebec; 4 de mayo de 1928-Ventura, California; 23 de agosto de 2006) fue un trompetista y fliscornista canadiense de jazz.
Comenzó su carrera a los 13 años como solista en Canadá, llegando de muy joven a formar su propio grupo. Tocó con músicos de la talla de Dizzy Gillespie y Stan Kenton. Su fama se extendió al realizar la música de la película Rocky, «Ahora voy a volar (Gonna fly now», protagonizada por Sylvester Stallone. Por dicha canción fue nominado a los premios Grammy en 1978..._(wikipedia)
Tito Puente, el padrino del jazz latino, ha celebrado sus 50 años en la música con este CD candente. "Be-Bop" se lanza con un duelo entre los trompetistas Bobby Shew y Maynard Ferguson. El infravalorado saxofonista alto Bobby Porcelli y el tenor Mario Rivera hacen que esta versión de "Stablemates" sea un éxito. La rara vez escuchada "Venus De Milo" se revive con un cálido homenaje al compositor Gerry Mulligan por parte del saxofonista barítono Mitch Forman. Special Delivery es jazz latino de banda grande en su máxima expresión._Ken Dryden (allmusic)
Tito Puente & Maynard Ferguson - Special Delivery (1996)
Temas:
01. Be-Bop (Dizzy Gillespie)
02. Misterioso (Thelonious Monk)
03. Point East Memories (Mitch Frohman)
04. Stablemates (Benny Golson)
05. On Green Dolphin Street (Bronislaw Kaper, Ned Washington)
06. Autumn in Rome (Vernon Duke)
07. Venus de Milo (Gerry Mulligan)
08. Tito's Colada (Tito Puente)
09. Barbara (Horace Silver)
10. Where You At? (Horace Silver)
11. Flying Home (Benny Goodman, Lionel Hampton, Sydney Robin)
Musicos:
Tito Puente (Percusión, timbales, vibráfono en "Point East Memories & "Autumn In Rome", marimba en "Tito's Colada")
Ray Vega (Trompeta)
Jhon Walsh (Trompeta)
Michael Philip Mossman (Trompeta, Trombón)
Wayne Bergeron (Trompeta en "Be-Bop" y "On Green Dolphin Street")
Bobby Shew (Trompeta en "Be-Bop" y "On Green Dolphin Street")
Jorge Reynaldo (Trombón)
Lewis Kahn (Trombón)
Tom Garling (Trombón on "Be-Bop" & "On Green Dolphin Street")
Mario Rivera (Saxo tenor y soprano, flauta, flautín)
Bobby Pporcelli (Saxo alto)
Mitch Frohman (Saxo barítono)
Don Menza (Saxo tenor en "Be Sop" y "On Green Dolphin Street")
José Madera (Percusión)
John Rodriguez (Percusión)
Jimmy Delgado (Percusión)
Louis Bauzó (Percusión)
Sonny Bravo (Piano, excepto en "Misterioso" & "Point East Memories")
Rubén Rodríguez (Bajo)
Musicos invitados:
Maynard Ferguson (Trompeta en "Be-Bop", "On Green Dolphin Street, "Fiying Home", más fliscorno en "On Green Dolphin Street)
Hilton Ruiz (Piano en "Misterioso & "Point East Memories")
La música del difunto y gran Woody Shaw (1944-1989) - un léxico musical innovador y altamente individual, expresado tanto por su inigualable virtuosismo con la trompeta como por sus composiciones igualmente distinguidas- estableció un estándar de excelencia y modernidad que no ha sido superado en los 53 años transcurridos desde que apareció en la escena del jazz. Para los trompetistas, sigue siendo el alfa y el omega de la sensibilidad progresiva en la música clásica afroamericana. La visión expansiva de Shaw como compositor y artista abarcaba la amplitud de la expresión musical afrodiaspórica, como demuestra el uso frecuente de ritmos afrocaribeños y afrobrasileños en su obra, junto con sus exploraciones de la armonía modernista y su compromiso constante con los valores fundamentales de la sensibilidad del jazz; es decir, ¡contando una historia y haciendo swing!
Madera Latino es una exploración de la música de este gigante vista a través de la lente del auténtico ritmo afrocaribeño y enmarcada por mi tratamiento cariñoso de sus composiciones al estilo del jazz latino. También es un sentido homenaje al genio de Woody por parte de una alineación de estrellas de los mejores trompetistas de hoy: yo mismo, Sean Jones, Dave Douglas, Diego Urcola, Michael Rodríguez, Etienne Charles, Josh Evans y Philip Oizack. En combinaciones que van del dúo al cuarteto, exploramos los clásicos de Shaw junto con dos piezas originales -una de ellas una suite extendida- escritas en homenaje a la profunda influencia que Woody ha tenido en mí como músico y compositor.
La banda de Madera Latino cumple la promesa del concepto del álbum con brío, precisión y alegre creatividad. Los percusionistas Pedrito Martínez y Little Johnny Rivero, junto con el bajista Luques Curtis, fueron fundamentales para el éxito de mi CD Simpático de 2006, ganador de un premio Grammy@ en la categoría de Jazz Latino. Si añadimos al baterista Obed Calvaire, al percusionista Anthony Carrillo y al pianista Zaccai Curtis, surge un poderoso equipo rítmico que estimula y desafía a los trompetistas a esforzarse al máximo para alabar a Shaw.
La combinación de la música de Woody y el concepto de la clave afrocaribeña fue siempre algo natural para mí. Estoy muy contento, después de muchos años de pensar en esta idea, de poder finalmente hacer realidad este homenaje a mi héroe musical, Woody Shaw, en la distinguida compañía de estos increíbles trompetistas y de mi familia musical._Brian Lynch
Durante años, muchos de los miembros de la "comunidad de Woody Shaw" hemos esperado el momento en que la música de mi padre fuera finalmente conmemorada de una manera que hiciera justicia al nivel de ardor, dedicación y sacrificio que Woody invirtió en su amada forma de arte, el jazz, y en nombre del avance de su instrumento. Pocos trompetistas o directores de banda se han mantenido tan firmes en ese sentimiento particular como mi amigo Brian Lynch.
Alumno de las escuelas de vida y música de Art Blakey y Horace Silver, Brian ha mantenido un nivel de integridad y respeto por los arquitectos originales de esta música a través de su homenaje a los grandes trompetistas que le precedieron. Woody Shaw, al ser uno de los últimos grandes innovadores y conceptualistas que influyeron en la evolución de la forma de tocar la trompeta moderna, es quizás el tema más adecuado y contemporáneamente relevante para la conmemoración de la gran tradición de la trompeta 'bop de la que tanto Woody Shaw como Brian Lync forman parte.
Estoy muy orgulloso de lo que Brian ha hecho con este proyecto, y particularmente de la profundidad de la sinceridad y la meticulosidad con la que ha tratado la reinterpretación de las obras originales de Woody Shaw dentro del lenguaje afro-latino. Resulta que las incursiones de mi padre en el mundo del jazz comenzaron con un concierto que cambió su vida con nada menos que el difunto y gran percusionista puertorriqueño y líder de la banda de jazz latino Willie Bobo. Desde entonces, Woody Shaw admiró y exploró apasionadamente la música latina, formando parte con frecuencia de bandas de salsa en Nueva York y sus alrededores y, como menciona Brian, incorporando regularmente elementos afrolatinos en su propia interpretación y en sus composiciones originales.
Mi respeto y gratitud a los músicos de esta grabación por mantener el espíritu de esta música - y de uno de sus últimos grandes innovadores- vivo y fuerte en el siglo XXI. Más allá de todos los límites._Woody Louis Armstrong Shaw, III
Brian Lynch - Madera Latino: A Latin Jazz Interpretation on the Music of Woody Shaw (2016)
Nacido en Memphis, Tennessee, en 1920, Roscoe Weathers, multiinstrumentista, trabajaría con Vern Mallory y haría giras con el pianista y prolífico arreglista musical negro Fletcher Henderson, que tendría bajo su tutela a Coleman Hawkins, Benny Carter y Roy Eldridge. Weathers también trabajaría junto al pianista y director de orquesta Jay McShann, de cuya banda formaba parte Charlie Parker. Una gira por Europa, una visita a Mali, un trimestre en Seattle y más actuaciones reconocidas por Los Ángeles, San Francisco y Santa Mónica, todo ello antes de que la Beat Scene le proporcionara trabajo regular y la oportunidad de aparecer en jam sessions habituales en las que participaban los poetas Lawrence Lipton y Shanna Baldwin-Moore. El famoso Gaslight Café de MacDougal Street, en Nueva York, donde se formaron los poetas Bob Ludin y Allen Ginsberg, resultó ser un escenario perfecto para Weathers y, aunque no hay pruebas de ello, estoy seguro de que también se benefició de la moda de "Alquilar un Beatnik" de la época. Su agudo trabajo con la flauta y su experiencia le habrían servido de mucho cuando Ted Jones, Gregory Corso y LeRoi Jones llevaron Greenwich Village al siguiente nivel. Algunos de los músicos más interesantes de la época eran Walter Bowe, Ahmed Abdul-Malik, Danny Barker, Ephie Resnick y Kenny Davern.
Aquí se nos presenta una colección de archivo de grabaciones que abarcan los años 60 recopiladas por el apasionado sello Jazzman. Roscoe Weathers, con su Quinteto y Orquesta, produjo un álbum en 'His Sterling Flute And Piccolo Around The World' y varios 45s de los cuales 9 de los 11 temas incluidos aparecieron por primera vez entre 1959 y 1971. Los 2 temas restantes no han sido identificados por este escritor en cuanto a su origen - la nota de la carátula del álbum se refiere a un álbum llamado 'Roscoe Weathers Quintet' que podría ser la fuente - recuerde que estamos hablando de la etiqueta que "cava más profundo"... Blue Cha Cha' aparece tanto en 1959 como en 1962 - galardonado con 3 estrellas en ambas ocasiones por Billboard - con 'Dandelion Wine' más tarde en 1971, cuando uno podría suponer el año de lanzamiento del álbum, con fechas para los demás durante los años 60 con 'Root Flute' llamando la atención en la revista Cash Box de octubre de 1960..._(ukvibe)
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
John Zorn – Gnosis - The Inner Light (2021)
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*Gnosis es el sustantivo griego común para el conocimiento (γνῶσις,
gnōsis) El término se utiliza en varias religiones y filosofías
helenísticas. Se...
The Zawose Queens – Maisha (2024)
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la presencia de los ancestros a través de instrumentos tradicionales: el
violín...
Celia Cruz y la censura vergonzante
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Hoy os vamos a entregar uno de aquellos capítulos a los cuales solemos
denominar Jazz Free, es decir, un...
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Symphony No.1 in G minor "To the Red Army" - Mieczysław Weinberg
Gothenburg Symphony Orchestra conducted by Thord Svedlund
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