Roy Anthony Hargrove (Waco, Texas; 16 de octubre de 1969-Nueva York; 2 de noviembre de 2018) fue un trompetista de jazz estadounidense. Su potencial y talento fueron descubiertos por Wynton Marsalis, cuando éste visitó su escuela, Dallas's Booker T. Washington High School for the Performing and Visual Arts. Durante su estancia en esta escuela, Hargrove tuvo la oportunidad de escuchar a David "Fathead" Newman, que tocaba para la Ray Charles Band, y que se convertiría en una de sus influencias musicales más destacadas. Aunque el sonido de Hargrove es fácilmente reconocible y original, también ha recibido influencias de Freddie Hubbard, Fats Navarro, Miles Davis, Lee Morgan y Clifford Brown. Hargrove murió de un ataque cardíaco el 2 de noviembre de 2018, después de haber sido ingresado en el hospital por un problema renal (se sabía que había estado recibiendo diálisis durante varios años). Tenía 49 años..._(wikipedia)
El trompetista Roy Hargrove ha estado en algunos ambientes musicales exóticos en el pasado - desde sus diversos quintetos, cuartetos, su conjunto afrocubano Crisol, y su banda de funk el Factor RH, él ha hecho prácticamente de todo. Y aunque ya ha tocado en varias big bands, nunca
había liderado la suya propia hasta ahora. Emergence, en el sello Groovin' High, cuenta con una big band de 19 miembros, que interpreta un conjunto de 11 standards y originales de Hargrove y los miembros de la banda, así como un tema escrito para el líder nada menos que por el pianista Chucho Valdés, que no aparece aquí. Las raíces de este proyecto se remontan a 1995, cuando Hargrove formó una big band para tocar en el Festival de Jazz de Nueva York. El grupo sufrió muchas metamorfosis cuando Hargrove tocó en una serie de clubes y festivales a lo largo de los años siguientes. El set comienza con "Velera", un tema escrito y arreglado por Hargrove. Es una balada de estilo modal con armonías extendidas y una hermosa paleta de texturas. El compositor emplea la contención para hacer surgir su preciosa melodía. Le sigue "Ms. Garvey, Ms. Garvey", escrita y arreglada por el saxofonista barítono Jason Marshall. Cita abundantemente "Wade in the Water" y "Hit the Road Jack", pero es un blues estridente y rítmico por derecho propio, con la amplia gama cromática y armónica de la sección de metales en plena exhibición, y contiene un solo de Hargrove que echa humo. Algunos de los estándares que realmente brillan son "My Funny Valentine", inusualmente comedido y totalmente elegante, y "September in the Rain", el primero arreglado por el trombonista bajo Max Siegel y el segundo por Hargrove. Requiem", de Frank Lacy, es la melodía más imaginativa del conjunto; arreglada por el compositor, camina por una sólida línea entre el jazz post-bop moderno y la composición clásica moderna. Roberta Gambarini es la vocalista invitada en "Every Time We Say Goodbye",
y hace un trabajo impresionante. También hay un par de números latinos en el disco, y son una maravilla: "Mambo for Roy", escrita por Valdés, y "La Puerta", en la que también interviene Gambarini, demuestran el alcance de esta banda. Tschpiso" de Hargrove es un salvaje y retumbante número de metales lleno de síncopas, ritmos duros y un fuerte sentimiento de blues. En conjunto, Emergence es una maravilla de arriba abajo._Thom Jurek (allmusic)
Temas:
01. Velera
02. Ms. Garvey, Ms. Garvey
03. My Funny Valentine
04. Mambo For Roy
05. Requiem
06. September In The Rain
07. Every Time We Say Goodbye (feat. Roberta Gambarini)
08. La Puerta (feat. Roberta Gambarini)
09. Roy Allan
10. Tschpiso
11. Trust
Musicos:
Roy Hargrove (Trompeta, fliscorno, voz)
Justin Robinson , Bruce Williams (Saxos alto, flauta)
Keith Loftis, Norbert Stachel (Saxos tenor, flauta)
Jason Marshall (Saxo barítono, flauta)
Saul Rubin (Guitarra)
Ambrose Akinmusire, Darren Barrett, Greg Gisbert, Frank Greene (Trompetas)
Vincent Chandler, Saunders Sermons, Jason Jackson (Trombones)
Secta Sónica fue uno de los grupos de la escena laietana que surgió en los años 70 en la órbita del
combo formado por el sello barcelonés Edigsa, que aglutinó a la inmensa mayoría de los artistas más inquietos de la ciudad, y la sala Zeleste, local dirigido por Víctor Jou donde se reunían los citados músicos y que por entonces estaba situada en la calle Platería, cerca de Via Laietana.
Pero esta historia comienza con el regreso a Barcelona de Xavier Pérez después de su infructuosa búsqueda de un contrato discográfico en algún sello londinense. Una vez en Barcelona pasa por diferentes formaciones como el grupo country-rock Sloblo y Gato, grupo pop-rock con fuerte influencia anglosajona. Pero ninguno de estos estilos le gusta demasiado, en palabras del mismo Xavier “no queríamos hacer cançó, por supuesto, ni queríamos abdicar del rock, pero tampoco caer de narices en la mera copia de grupos angloparlantes, como habíamos hecho con Gato”. Entonces Xavier se junta con Rafael Zaragoza, con quien había militado en Sloblo, y amante de los sonidos jazz-rock que habían surgido en la ciudad en los inicios de los años 70. Ambos, junto con Jordi Bonell y Víctor Cortina, formaron el núcleo más estable de la banda, por la cual pasaran diferentes percusionistas. En un principio tuvieron el nombre de Secta de la Sabiduría Estelar pero más tarde lo cambiaron por el que sería su nombre definitivo, Secta Sónica. Para su álbum debut “Fred Pedralbes” (Edigsa, 1976) cuentan con la ayuda de otros artistas del sello como fueron Jordi Sabaté, Lucky Guri, componente de Música Urbana, o Xavier Batalles que tocaba en Orquestra Mirasol, entre otros. En él prevalecen los sonidos más progresivos, acercándose por momentos al rock sinfónico, y reivindicando el uso de la guitarra eléctrica como instrumento melódico.
Al año siguiente lanzaron su segundo y, a la postre, último álbum “Astroferia” (Edigsa, 1977), un disco más arriesgado y experimental que su predecesor y en donde se palpa de forma más notoria las diferentes inquietudes de los componentes del grupo.
Después de este trabajo el grupo desapareció. Xavier Pérez tenía claro su objetivo: “Quería contar en tres minutos las cosas que me sucedían y veía a mi alrededor, pero no daba con la fórmula. Tenía muy claro, eso sí, que lo de cantar en inglés era una majadería y que no tenía ningún sentido contar historias de surfers”. Esa formula la encontraría gracias a Jordi Vilella, batería del grupo, que llevó a Xavier a las fiestas del barrio de Gràcia. Una vez allí descubre la rumba catalana, quedando tan fascinado que decide adoptarlo como su forma de expresión artística. A finales de ese año, ya como el Gato Pérez, lanza “Carabruta” (Belter, 1977), que dio el inicio a una carrera con la que acabaría convirtiéndose en uno de los máximos exponentes de la rumba catalana.~Roberto Macho
Para bautizar su disco de debut Secta Sonica deciden usar el nombre del barrio pudiente donde reside la alta burguesía barcelonesa, el barrio de Pedralbes. En él, la banda se hermana con otros grupos del mismo sello, parten de una base de rock progresivo con fuertes influencias jazzies llevando su música en algunos momentos más allá hasta llegar al rock sinfónico, que ya habían practicado otros grupos foráneos como Yes o The Alan Parsons Project.
Un elemento curioso en la constitución del grupo es la inclusión de tres guitarristas, que si bien en algunos temas tocaban por separado, en la mayoría suenan de modo conjunto como en la balada “I left my heart in El Aaiun”, demostrando que uno de sus puntos fuertes eran tanto el dominio, como la perfecta ejecución de sus instrumentos.
El sonido de la banda va desde temas tan vibrantes como la canción con la que abren el disco,
“Violentos los correas” o “Acoyte”, que les hermana con otro grupo de la escena como fueron Iceberg, hasta temas más folk como “La terra es plana”
En la parte más experimental del disco se encuentra “La Palmèria”, donde el grupo se acerca más al rock sinfónico, al igual que en “Puré de rissos” donde el tema se sustenta en el sonido acústico de la guitarra y “Wad-ras”, cuyo uso del wah-wah le da un aire muy funky al tema.
El principal peligro con el que nos encontramos en los discos instrumentales es que escuchados de forma continua a la larga acaban cansando, y este “Fred Pedralbes” no es una excepción, a pesar de los intentos bastante notables del grupo y que de primeras sorprenda. El disco gana si se escucha de vez en cuando, dejando pasar el tiempo para poder descubrir los diferentes matices y apreciarlo en todo su esplendor.~Roberto Macho
Wolfgang Meyer, nació en Crailsheim, Alemania. Ha sido ganador de numerosos concursos, de los que cabe destacar el Concurso Internactional ARD de Munich. Estudió con Otto Hermannn en la Staatlichen Hochschule für Muzik de Stuttgart y en la Muzikhochschule de Hanover con Hans Deinzer. En 1970 terminó sus estudios y recibió el diploma de la Muzikhochschule de Karlsuhre y desde 1989 es profesor en dichas Escuelas Musicales. Adicionalmente ha impartido clases magistrales en Brasil, Italia, Japón, Canadá, Finlandia, USA y España. Como solista ha hecho hincapié en la música contemporánea, en particular, los trabajos de Tiberiu Olah, Jean Francais, Péter Etötvös y Edison Denissow. Mr. Meyer es miembro fundador del Trio di Clarone, tocando con su hermana, Sabine Meyer y Reiner Wheel. También ha colaborado con numerosos artistas como Nicolas Harnoncourt, Musicus Wien Quintet, Quatuor Mosaïques realizando una grabación del Quinteto para Clarinete de Mozart y el Trio “Kegelstatt” con instrumentos de época.~allerporlamusica
Temas:
01.Obsesion
02.Delirio
03.Memories
04.Bolero For A Bird
05.Cake Waltz
06.Claudia
07.Linda Chicana
08.Song To My Son
09.Night In Englewood
10.Oblivion
Vicenç Solsona Ha actuado en festivales nacionales e internacionales acompañando artistas como Bebo Valdés, Paquito D’Rivera o la cantante cubana Lucrecia, con la que ha colaborado como arreglista, productor y director musical. Habitualmente trabaja con diversas formaciones de Jazz y música latina por todo el estado español y colabora con artistas como Nina, Rocío Jurado, Marina Rossell, Delmar Brown, Manolo García o Maria del Mar Bonet. Ha gravado discos con Eladio Reinón, & Bebo Valdés, Joan Monné Trio, Bernardo Sassetti, Lucrecia, Ai Ai Ai, La Big Latin Band, Rai Ferrer Trio y un largo etcétera. De su discografía como líder destacan Ida y vuelta, Passejada e Insomne. En verano del 2009 saldrá su último trabajo Belmonte.
Desde 1988 es profesor de guitarra y conjunto instrumental del Taller de Músics y actualmente es Director Musical y jefe de área de la sección de jazz y de música latina en este mismo centro.
El liderazgo de la dinámica Afrocuba Grupo ha sido transmitida como un tallo de caña de azúcar grasa entre instrumentistas brillantes que, inevitablemente, primero pasar a través de las filas de los miembros del grupo. El saxofonista Nicolás Reinoso fue el director original del grupo, empezando en 1977 con la idea de mezclar música de raíces cubanas con nuevos estilos como el jazz e incluso el jazz fusión. El nombre completo del conjunto es Grupo Afrocuba de Matanzas, lo que denota la base de la banda de la casa original, enlazando con el talento que en otros locales, como Los Muñequitos de Matanzas. Reinoso crear una sección de saxofones de tres piezas de la participación de los hermanos Carlos Acosta y Fernando Acosta, tamponado con trompetas y una sección de ritmo interesante en el que se jugó una línea de bajo a veces por un par de guitarras.
El pianista Ernán López-Nussa asumió el papel de comandante supremo de Reinoso, efectuando una especie de golpe de estado de la línea de fondo en el que los percusionistas Mario Luis Pino y Anselmo Febles continuaron asaltando más y más hacia adelante.
Otros cambios en la composición no hizo nada para disminuir una reputación cada vez mayor a través de la exposición internacional y premios nacionales. El trompetista Roberto García pudo haber sentido que su ejecución de las notas más altas constantemente requerido en los arreglos del grupo le concedió el derecho de iniciar la emisión de órdenes hacia los años 90. Lo que todos estos líderes de Grupo Afrocuba han tenido en común es la consistencia en el compromiso de crear un sonido combo tan singular como una célula de ADN. Más información relacionada Grupo Afrocuba-Acontecer (1995)
Temas: 01.En Lloró 02.Sahara 03.Cascadas 04.Rayos de Sol 05.Acontecer 06.Amor Blindado 07.Jocuma Información cedida por Osvaldo M.
Israel "Cachao" López (La Habana, 14 de septiembre de 1918, Coral Gables - 22 de marzo de 2008, Miami), a menudo conocido simplemente como "Cachao", fue un músico y compositor cubano. Se convirtió en una leyenda de la música cubana con su magistral manejo del contrabajo y se destacó por sus actuaciones musicales en el mambo y el jazz latino. Su talento lo llevó a obtener dos premios Grammy (en 1995 y 2005), un Grammy latino en 2003, el título de Doctor Honoris Causa otorgado por la Universidad de Berkeley y una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood. Ha sido descrito como "el inventor del mambo". Se le considera un maestro de la descarga (improvisaciones en vivo).
Comenzó tocando distintos instrumentos, hasta que se quedó con el contrabajo, que le permitió, siendo un adolescente, ingresar en la Orquesta Filarmónica de La Habana, donde tocaban su padre y su hermano mayor. "Cachao" salió de Cuba en 1962 con una larga lista de éxitos y aseguró en una entrevista concedida el 2007 que si no fuera por su compatriota y colega Dámaso Pérez Prado "no se hubiera escuchado el mambo mundialmente". Su primera parada fue Madrid, donde permaneció un año antes de emigrar a Estados Unidos. En ese país residió en las ciudades de Nueva York, Las Vegas y Miami. López también tocaba el bajo acústico con su hermano, el multi-instrumentista Orestes López. Ambos compusieron literalmente más de 3.000 canciones juntos y fueron muy influyentes en la música cubana desde los años 1930 a la década de 1950. Crearon el "nuevo ritmo" hacia fines de los años 1930, el cual transformó el danzón mediante la introducción de ritmos africanos en la música cubana, que llevó al mambo. Ganó varios premios Grammy tanto por su propio trabajo y sus contribuciones en álbumes de estrellas de la música latina, incluyendo a Gloria Estefan. En 1995, ganó un Grammy por Master Sessions Volumen 1. En 2003, ganó un Grammy Latino al Mejor Álbum Tropical Tradicional Latina junto con Bebo Valdés y Patato por El Arte Del Sabor. Volvió a ganar un Grammy en 2005 por su trabajo ¡Ahora Sí!.
Su sobrino, Orlando "Cachaíto" López se convirtió en uno de los pilares del famoso Buena Vista Social Club.
Cachao tocó con artistas como Tito Puente, y su música ha aparecido en películas como La jaula de las locas, y la banda sonora del videojuego Grand Theft Auto: Vice City. El actor Andy García produjo un documental titulado Cachao ... Como Su Ritmo No Hay Dos en 1993 acerca de su música. También compartió escenarios con Celia Cruz y su esposo Pedro Knight, así como con el trombonista Generoso Jiménez. Su última colaboración musical la realizó con Gloria y Emilio Estefan en el álbum de la cantante titulado 90 Millas.
López falleció en la mañana del 22 de marzo de 2008 en Coral Gables, Florida, a la edad de 89 años, producto de complicaciones tras una insuficiencia renal.
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
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