Walter Wanderley - Talkin' Verve

Walter Wanderley era un organista talentoso y dotado de un agudo oído para las nuevas armonías. Con 46 álbumes grabados en solitario en toda su carrera, tanto en Brasil como en Estados Unidos, alcanzó el número 26 en las listas de pop de Billboard en septiembre de 1966, abriendo una gran vía de éxito sólo amenazada por él mismo y su complejo carácter. Diez años después de su muerte por cáncer, con la llegada de una nueva moda, la industria del entretenimiento lo rebautizó como acto de salón, aumentando aún más sus ventas de discos y disparando el coste de sus álbumes descatalogados, pero todo ello a costa de minimizar su importancia. Se olvida que el paso del tiempo jugó en su contra y que lo que hoy es música lounge era entonces innovador y revolucionario. Con todos esos fans de las divas de la samba-canção sintiéndose personalmente insultados por esos ritmos percusivos que recuerdan una tradición negra brasileña que no era querida por el brasileño medio, hay que subrayar que el movimiento de la bossa nova, y Wanderley con él, tuvo el papel de afirmar la identidad brasileña en una industria cultural más amplia desarrollada a partir de raíces folclóricas. De hecho, también tiene un estilo de producción optimista, lleno de la energía que le proporciona su característico estilo de tartamudeo staccato, que recuerda inmediatamente a los auténticos elementos rítmicos y percusivos brasileños. También improvisaba extensos solos melódicos sin licks recalentados, pero éstos también quedaron fuera de sus álbumes más populares.

A los cinco años ya tocaba el piano. A los 12, cursó un año de teoría en el Liceo de Artes, y más tarde estudió armonía y arreglos. Comenzó su carrera profesional en Recife, una ciudad muy animada y con una vibrante escena cultural, donde trabajaba todas las noches al piano o al órgano. A los 26 años, en 1958, se trasladó a São Paulo e inmediatamente se convirtió en un músico activo en clubes nocturnos como The Claridge, The Captain's Bar y Oásis. La primera grabación de Wanderley fue en agosto de 1959 para Odeon, con "Lobo Bobo" de Carlos Lyra. Acompañando a su esposa, la cantante brasileña Isaurinha Garcia, grabó por segunda vez un mes más tarde. Actuó como acompañante y arreglista de Garcia, y grabaría seis LP más acompañándola, y otros 19 álbumes en solitario en Brasil para varios sellos; quedó fuera de algunos de los créditos debido a su contrato con Philips. Wanderley se dio a conocer en la escena artística por grabar a jóvenes artistas como Marcos Valle, Tom Jobim, João Donato y otros, hasta entonces sin esperanzas de tocar más allá de los pequeños clubes nocturnos donde actuaban cada noche. Pero como las melodías y los arreglos eran divertidos para bailar, los álbumes se vendían muy bien. João Gilberto, de 1961 (reeditado posteriormente como O Mito en Brasil y como The Legendary João Gilberto en EE.UU. en 1990 por World Pacific), también contaba con Walter. Un impaciente Wanderley se doblegó entonces bajo la opresiva y meticulosa dirección de Gilberto. Fue el tercer álbum que Gilberto grabó para Odeon y sería el último. Hasta entonces, Gilberto contaba con Tom Jobim como pianista y Aluísio de Oliveira como productor. A pesar de sus frecuentes discusiones con de Oliveira, el productor era la persona que mediaba en la dura relación de Gilberto con Jobim. Pero de Oliveira había dejado Odeon el septiembre anterior, y Jobim no quería ser programado para esa grabación. Gilberto, que no sabía escribir música, insistía en expresar su visión musical de los arreglos generales cantando, y eso no sólo incluía los tonos en sí, sino su expresión, timbre y articulación. Esto volvía loco a Wanderley, especialmente con cierto efecto de sonido de la sirena de un barco para "O Barquinho" ("Barquito"), nunca era lo bastante bueno para Gilberto. Al día siguiente, Gilberto interrumpió la grabación de aquel álbum, que sólo reanudó cinco meses después con Jobim como director musical. Wanderley siguió con su carrera y su vida, iniciando una asociación con la cantante Claudette Soares en 1963 como arreglista y acompañante. 

También grabó para varios cantantes brasileños de renombre en aquella época, entre ellos Dóris Monteiro y Geraldo Vandré. Fue entonces cuando Tony Bennett vio a Wanderley durante una gira brasileña y quedó prendado de su forma de tocar. Instó a Wanderley a trasladarse a EE.UU. y, él mismo habló de él al productor de Verve Records Creed Taylor, regalándole también algunos discos de Wanderley. Tras insistir, Taylor envió contratos para que Wanderley y su trío grabaran un sencillo. En 1966, grabaron "Samba de Verão" ("Samba de verano"), de los hermanos Marcos y Paulo Sérgio Valle. Fue un éxito inmediato, y las emisoras de radio la ponían cuatro o cinco veces por hora. Ese mismo año salió el LP Rain Forest, que también se vendió muy bien y obtuvo el certificado de platino en dos años. El trío acompañó a Astrud Gilberto en su álbum Una cierta sonrisa, una cierta tristeza, también en 1966. Hasta el año siguiente grabaría otros seis LPs o singles en solitario para Verve, y diez más en su carrera en EE.UU. Sus discos siempre se vendieron bien, y tenía una agenda repleta de actuaciones, en la que las presentaciones locales en el área de San Francisco se intercalaban con algunas giras a México. Nunca regresó a Brasil después de mudarse a EE.UU. y seguía viviendo allí cuando murió en 1986._Alvaro Neder (allmusic)

Posiblemente porque le gustaban los arreglos orquestados con ritmos de bossa nova, el organista Walter Wanderley nunca recibió mucha atención cuando grababa en los años sesenta. Sin embargo, en su afán por sacar a la luz grabaciones "lounge" olvidadas, Verve se topó con sus discos y decidió que merecía la pena reeditar su jazz latino exagerado y a veces extravagante. De sus tres álbumes para Verve recopilaron 16 pistas, seleccionando lo más destacado, como "Popcorn", "Agua de Beber", "The Girl from Ipanema", "Summer Samba", "Wave", "Beach Samba" y "Music to Watch Girls By". Es un buen resumen de sus años en Verve, con los mejores temas de sus desiguales álbumes. Sin duda hay mejores lugares para escuchar bossa nova, incluso jazz latino orientado al pop, pero todavía hay algunos buenos momentos en Talkin' Verve, especialmente si prefieres la cursilería a la calidad._Stephen Thomas Erlewine (allmusic)  

                                                                                  

                                                                                 

Walter Wanderley - Talkin' Verve (1998)

Temas:
01. Popcorn
2. Agua De Beber
3. Amazonas
4. The Girl From Ipanema
5. Summer Samba
6. Blue Island
7. Taste Of Sadness
8. Crickets Sing For Ana Maria
9. Canto De Ossanha
10. A Different Beat
11. Call Me
12. Wave
13. Beach Samba
14. Music To Watch Girls By
15. Goodbye Sadness (Tristeza)
16. Batucada Surgia

Musicos:
Walter Wanderley (Compositor, órgano, piano, piano eléctrico)
Marcos Valle (Arreglista, compositor, guitarra)
Luis Henrique (Compositor, Guitarra, Percusión, Voz)
Sivuca (Acordeón)
Bucky Pizzarelli (Guitarra)
José Marino (Bajo)
Tião Neto (Bajo)
Bobby Rosengarden (Percusión)
Lu Lu Ferreira (Percusión)
James Kappes (Batería)
Dom Um Romão (Batería)
Donald MacDonald (Batería)
Paulinho Da Costa (Batería)
Claudio Slón (Batería)
John Grimm (Flauta)
Melvin Tax (Flauta)
Romeo Penque (Flauta)
Jerome Richardson (Flauta)
Grimms (Flauta)
Urbie Green (Trombón)
Alfonso De Paula (Trompeta)
Talya Ferro (Voz)
Astrud Gilberto (Voz)

Art Blakey And His Jazz Messengers With Sabu - Cu-Bop

Art Blakey (Pittsburgh, 11 de octubre de 1919-Nueva York, 16 de octubre de 1990) fue un baterista estadounidense de jazz encuadrado en los estilos del bop y hard bop.

Lideró varios grupos, entre los que destaca el quinteto Jazz Messengers, del que tomó las riendas durante tres decenios tras la marcha de Horace Silver, actuando y grabando bajo el nombre de Art Blakey and The Jazz Messengers. La formación fue cuna de algunos de los mejores artistas de jazz de la historia y se convirtió en la representación por antonomasia del estilo hard bop y funky jazz..._(wikipedia)

Los Jazz Messengers fue un grupo de jazz moderno conducido por el baterista Art Blakey durante casi medio siglo. El grupo y su nombre fueron creados por el pianista Horace Silver y heredados por Blakey, quien, con perseverancia, lo mantuvo activo, transformándolo en la cantera de algunos de los mejores solistas de los años cincuenta, sesenta, setenta y ochenta.

La formación original era un quinteto, alternado con un sexteto y, en los últimos años, septeto y octeto. Fueron "descubiertos" por Blakey y dados a conocer a través de los Messengers, solistas como Clifford Brown, Lee Morgan, Freddie Hubbard, Wayne Shorter y Wynton Marsalis. Los Jazz Messengers siempre se mantuvieron fieles al estilo hard bop, considerado como "mainstream" de la era moderna del jazz.

El 17 de diciembre de 1947, Blakey dirigió un grupo conocido como "Art Blakey's Messengers" en su primera sesión de grabación como líder, para Blue Note Records. Los discos fueron lanzados en 78 rpm en la época y dos de las canciones fueron lanzadas en la compilación del LP New Sounds 10 (BLP 5010) .Este octeto incluyó a Kenny Dorham, Howard Bowe, Sahib Shihab, Musa Kaleem, Ernest Thompson, Jr., y LaVerne Barker...._(wikipedia)

Es curioso que este álbum aparezca en muy pocas notas biográficas sobre los Jazz Messengers. Tal vez sea un asunto menor en el gran esquema de las cosas en lo que respecta a The Jazz Messengers. Pero este grupo fue la segunda encarnación del legendario grupo liderado por Art Blakey. Aun así, el hecho de que ni siquiera Raúl Fernández lo mencione en Latin Jazz: (The Perfect Combination) es más que sencillamente curioso. Puede que exista una corriente de pensamiento que piense que es menos Latin-Jazz que otras grabaciones de alguien como Machito o Tito Puente puedan haber grabado durante el mismo periodo. Este tipo de comentarios (y los he oído en compañía de gente bastante cacareada) son, cuando menos, bazofia. Cu-Bop es un álbum con una emoción rítmica muy real y visceral. Escuchar la retahíla de solos de "Sakeena" es para morirse. Es una canción de 11 minutos. Aun así, podría escucharla una y otra vez. Los intercambios entre Blakey y su invitado, Luis "Sabu" Martínez, son fascinantes. Pero The Jazz Messengers hacen algo más que música considerablemente alegre.

Art Blakey y sus Jazz Messengers con Sabu - Cu-BopHay una relación enigmática entre melodistas y armonistas que resulta evidente a primera escucha. Existe esta cuestión de tonalidad e incluso cuando el lenguaje es más lineal y austero, y hay muy pocas piezas en las que esto sea así, en "Dawn on the Desert" de Charlie Shavers. 

Lo que podría convertirse en una pieza árida se levanta de la página gracias a la apasionada defensa de The Jazz Messengers, que aportan aquí refinamiento tonal a la música. Los elementos refinados se pierden un poco en el álbum por la presencia de dos fuertes percusionistas que parecerían dominar los procedimientos. Afortunadamente, esto no ocurre con demasiada frecuencia. Johnny Griffin y Bill Hardman se aseguran de que cada vez que los focos se centran en los percusionistas, éstos se retiran a las sombras, pero no por mucho tiempo. Solos elementalmente bellos de los dos interlocutores mantienen el ritmo de la caravana del desierto maravillosamente en la pieza extraordinariamente escrita del Sr. Shavers. La escritura contrapuntística siempre da paso a algo más fluido y lírico, y a una gama más amplia de sonoridades. Un extraordinario solo de sordina del Sr. Hardman habla un lenguaje más tonal, con frases rítmicas repetitivas basadas en drones que, a su vez, suenan bastante orientales. Gran parte del encanto, en general, procede de las controladas y espaciosas interpretaciones que suben y bajan en extáticas líneas modales.

Se trata de un álbum precioso, a pesar de que sólo dura 35 minutos y 45 segundos. Desde el punto de vista de la historia de The Jazz Messengers representa un documento importante de la segunda Jazz Messengers después de que la Jazz Messengers "original" empezara a grabar en 1954, bajo el liderazgo de Art Blakey. Sin embargo, más que una relevancia histórica, se trata de una grabación alegre que merece la pena explorar tanto si eres un acólito de los Jazz Messengers como si simplemente sientes curiosidad. Sea quien sea, la grabación le cautivará a su manera._Raul Da Gama (latinjazznet)

                                                                             

                                                                          

Art Blakey And His Jazz Messengers With Sabu  - Cu-Bop (1957)

Temas:

01. Woodyn' You (Dizzy Gillespie)

02. Sakeena Art Blakey)

03. Shorty (Johnny Griffin)

04. Dawn On The Desert (Charlie Shavers)

Musicos:

Art Blakey (Batería)

Bill Hardman (Trompeta)

Johnny Griffin (Saxo tenor)

Sam Dockery (Piano)

Spanky DeBrest (Bajo)

Sabu Martínez (Congas, bongos)

 

Orquesta Anacaona - Ay!...

Anacaona. Orquesta cubana, actualmente compuesta por catorce mujeres que cultivan la música popular y que son conocidas en Cuba como Las Mulatísimas del Sabor.
La agrupación fusiona los ritmos más tradicionales con la música cubana contemporánea y es considerada como uno de las principales exponentes de la llamada música salsa. Con su talento, su música y su gracia femenina, Anacaona ha alcanzado un lugar respetable dentro de la música cubana.
Anacaona es el nombre de la reina indígena de Quisquella, fue la primera mujer en sublevarse contra los colonizadores, le pusieron este nombre a la Orquesta porque el año 32 también era un símbolo de rebeldía, ya que el son y la mujer eran muy discriminados. [...] Para una orquesta de mujeres, la vida y, en general todo, es más complicado. Georgia Aguirre González, directora musical de la orquesta femenil Anacaona.

Anacaona fue fundada el 19 de febrero de 1932 por Concepción Castro y sus hermanas: Alicia, Ada, Xiomara, Algimira, Caridad y Olga. En sus inicios fue el primer sexteto femenino de son; su creación estuvo relacionada con la huelga contra el tirano Machado. Causaron furor en el café El Dorado, existente en el Paseo del Prado. Tocaban y cantaban son, una música discriminada por la burguesía criolla, luego, en el año 1934, se amplía al formato de jazz band y charanga típica, proyectándose al mundo muy exitosamente desde el famoso restaurante Aires Libres, ubicado en El Prado Habanero.
Entre los años 40 y 60, sus integrantes recorrieron el continente americano de norte a sur, el Caribe y Francia. En México, uno de los países más visitados por la Orquesta en esta etapa, quedaron registrados sus imágenes y sonidos en algunas películas del cine mexicano, entre las que se cuentan «La noche es nuestra», «No niego mi pasado» y «Mujeres de teatro», en las que alternaron con algunas de las más connotadas figuras de la música y el cine mexicanos.
La actuación de aquellas jóvenes mestizas habaneras (hijas de negra criolla mezclada con un progenitor chino) apasionó a la ciudad, que las escuchó y bailó al ritmo de sus sones, de raíces africanas y letras atrevidas. Medio siglo después de su nacimiento, la orquesta Anacaona fue declarada Patrimonio Cultural de Cuba, ya que fueron ellas las que más tiempo actuaron de manera ininterrumpida con las mismas integrantes, hasta 1989.
Luego de tocar el Son, el nacimiento de otras formaciones femeninas hizo que Anacaona incursionara en otros géneros. Ganan fama y prestigio no sólo en nuestro país, sino igualmente en el extranjero. Cinco años después de su debut, la firma norteamericana RCA Víctor les graba tres discos.

Las hermanas Georgia y Dora Aguirre, músicos de una sólida formación profesional y egresadas del Conservatorio Amadeo Roldán, comenzaron a trabajar con las fundadoras a partir de 1983, bajo la dirección de Alicia Castro, quien fue la segunda directora cuando su fundación, con quienes ganaron la valiosa experiencia de la tradición y la disciplina en este trabajo.
A partir de la jubilación de las hermanas Castro en Diciembre de 1987, asume la dirección de la orquesta Georgia Aguirre González, quien junto a su hermana y otras jóvenes también egresadas de las escuelas de música, continúan la labor iniciada por las fundadoras, consolidando un estilo que combina la tradición con la modernidad, que conserva y engrandece la historia de Anacaona, en sus casi 80 años de trabajo ininterrumpido.

Han viajado por más de 20 países de Europa, Asia, África, América y el Caribe actuando en importantes festivales y múltiples escenarios entre los que más se destacan: La gira por 34 ciudades de la República Popular China; su participación en la obra teatral El burgués tropical, bajo la dirección de Gerome Sabarí, inspirada en el clásico de Molière, El burgués gentilhombre. La gira realizada en agosto de 1999 por algunas ciudades de los Estados Unidos en la que también sostuvieron un encuentro muy emotivo con Graciela Pérez, cantante y fundadora de Anacaona y el show Sabor de la Habana que abrió la temporada de espectáculos cubanos en el Cabaret del Gran Casino Montecarlo del Principado de Mónaco.
También la orquesta ha participado en varias películas como La bella del Alhambra, del director Enrique Pineda Barnet, Vidas paralelas, de Pastor Vega, y en la coproducción cubano-suiza, Barrio negro, así como en los documentales La ruta del ritmo, del realizador Harry Belafonte, Anacaona, 70 años después, del director Jorge Aguirre, producido por la Televisión Cubana, y un documental musical realizado por la NHK de Japón.
Anacaona es considerada la Orquesta Femenina Insigne de Cuba, y se cuenta entre las agrupaciones de primer nivel de la música popular cubana.

Motivo de inspiración para muchas agrupaciones femeninas, tanto en Cuba como en el extranjero, ha sido sin duda alguna la orquesta Anacaona, que al arribar a su aniversario 85, realizó para celebrarlo una gira por los barrios de la capital._(ecured)

                                                                 

                                                                          

Orquesta Anacaona - Ay!... (1992)

Temas:

01. Anacaona ¡Ay! (Juan Formell)

02. Si Me Pudieras Querer (Ignacio Villa)

03. Para Vivir Y Amar (Javier Gutiérrez "letra", Luis A. Varona)

04. Si Te Vas No Me Escribas (Juan Formell) 

05. La Mulata Rumbera (Alejandro Ramírez)

06. Lágrimas Negras (Miguel Matamoros)

07. Tú Te Vas Por Miedo (Giraldo Piloto)

08.Se Fue Y No Está (Raúl Torres)

09. La Engañadora (Enrrique Jorrín)

10. Besitos De Coco (Tony Mayarit Herrera)

Musicos:

Georgia Aguirre Glez (Dirección, bajo, coros y voz en·tema #10)

Dora Aguirre Glez (Saxo tenor, voz y coros) 

Virginia Quesada  Ramos (Voz, teclado  y coros)  

Magaly Rodríguez Morell (Piano)

Margarita Suárez Ríos (Pailas)

Madelaine Gómez Matos (Tumbadoras)

Leisy Ferrer Sánchez (Bongó y percusión menor) 

Iliana Raymat Peña (Saxo alto)

Dorys Alvarez Tejada (Trompeta)

Vivian  Jiménez Valdez (Flauta) 

Bárbara Zamora Vargas (Percusión, voz en tema#5)

Agradecimientos por la colaboración  en este  disco para:

Luis  A. Varona

Rafael  Yenks

Enrique Lazaga

Hugo Morejon

Changuito

Pucho López

Ernesto Nodarse

AJÍ Ko

Bobby Valentín - Young Man With A Horn

Roberto Valentín Fret, conocido como Bobby Valentín (Orocovis, 9 de junio de 1941), es un arreglista, bajista y director de orquesta puertorriqueño de Salsa y Latin Jazz.

Roberto Valentín Fred, nacido en 1941 en la localidad puertorriqueña de Orocovis, comenzó de niño a tocar la guitarra y a la edad de 11 años ganó un concurso con una banda que dirigía el mismo. Comienza sus estudios de trompeta los 15 años, poco antes de mudarse con su familia a Nueva York, donde continua sus estudios bajo la dirección de Carmina Caruso. En 1958 comienza su carrera profesional con la orquesta de Joe Quijano. Valentin pasa los años siguientes trabajando como trompetista, guitarrista, bajista o arreglista para artistas como Willie Rosario, Charlie Palmieri, Ray Barreto, Tito Rodríguez o Willie Bobo, hasta que en 1965 debuta con una orquesta a su nombre editando dos discos, uno de ellos bajo el sello Fania de Johnny Pacheco.​ 

Durante los años siguientes Valentin siguió editando discos a su nombre bajo el sello de Pacheco, pero también comenzó a grabar y realizar arreglos para la banda propia del sello, la legendaria Fania All Stars por donde pasarían figuras tan importantes como Rubén Blades, Celia Cruz, Willie Colon, Eddie Palmieri, Papo Lucca o Mongo Santamaría, entre otros muchos. En 1975 comienza a grabar para su propio sello, pero su trabajo con la Fania All Stars continua hasta hoy día.​ Desde entonces el músico sigue actuando con su orquesta por los más importantes festivales de salsa y jazz de todo el mundo, además de seguir editando álbumes para su propio sello, el último de los cuales vio la luz en 2016 bajo el nombre "Mi Ritmo es bueno"._(wikipedia)

Bobby Valentin es un auténtico talento que, a lo largo de su carrera musical, a demostrado un sorprendente dominio de los instrumentos que tocaba, entre ellos el bajo, la guitarra, el saxofón y la trompeta. También se hizo un nombre como consumado arreglista. Estas cualidades fueron reconocidas por Johnny Pacheco, que en aquel momento era el director y productor de Fania Records. Pacheco decidió fichar a Valentín, convirtiéndolo en el primer acto que firmaría. Este fichaje convirtió a Bobby Valentín en un miembro destacado de la familia Fania.

Desde las primeras etapas de su carrera, su reputación como músico excepcional cimentó su posición en el sector. Artistas como Joe Quijano, Willie Rosario, Tito Rodríguez y el propio Johnny Pacheco le confiaron sus arreglos musicales, a los que a menudo contribuía también como músico.

¡Su álbum seminal Young Man With A Horn se presenta aquí con una transferencia digital totalmente nueva!

El híbrido de R&B y salsa conocido como boogaloo fue muy popular a finales de los 60 y principios de los 70, y la mayoría de las canciones aquí incluidas así lo reflejan. La inclusión de temas con sabor a boogaloo con números tradicionales de salsa y boleros de tempo lento hacen que este álbum sea muy interesante.

Un gran trabajo del gran Bobby Valentin, su primer álbum, ¡editado cuando era un trompetista de jazz! El disco ofrece "lo mejor del boogaloo", como reza la portada, y presenta una mezcla muy moderna de temas que realmente captan la energía mestiza de la escena del Harlem español de finales de los 60. Destacan "Batman's Boogaloo", una reelaboración del tema de "Batman"; un remake del éxito "Good Lovin", que realmente expone sus raíces latinas; una descarga llamada "The Gate"; un remake en latin jazz de "Song For My Father"; y el tema "Geronimo", super-hip, super-swingin -- ¡un ganador del soul latino hasta el final!

                                                                 

                                                                          

Bobby Valentín - Young Man With A Horn (1965)

Temas:

01. Que Pollito (Joe Pastrana) 

02. Maina (Bobby Valentín)

03. Batman's Bugaloo (Neal Hefti) 

04. Amor Ciego (Rafael Hernández)

05. The Gate (Bobby Valentín) 

06. Que Buena la Rumba (Bobby Valentín)  

07. Song For My Father (Horace Silver)

08. Óyeme Bien (Bobby Valentín) 

09. Geronimo (Bobby Valentín) 

10. La Rumba Te Espera (Bobby Valentín) 

11. Good Lovin' (Arthur Resnick, Rudy Clark) 

Musicos:

Bobby Valentin (Trompeta)

Humberto Del Valle (Bajo)

Joey Pastrana (Timbales)

Tony Fuentes (Bongos)

Willie Pastrana (Congas)

Rudy Martin (Piano)

Cookie Mattero (Saxo)

Joe Orange (Trombón)

Marcelino "Junior" Morales (Voz)

Bamboleo - Ya No Hace Falta

Al igual que el ron dulce y los puros suaves, bamboleo es otro de esos exquisitos productos cubanos que, una vez que se prueban, no son suficientes. El grupo de timba de 14 miembros es un número ardiente, desde su música y coreografía hasta sus bien vestidos cantantes y músicos. Lázaro Valdés dirige el grupo, toca el piano, hace arreglos, compone y escribe canciones. Nacido en La Habana, estudió en la Academia Alejandro García Caturla en la década de 1970. Creó Bamboleo después de pasar tiempo actuando con artistas como Pachito Alonso, Bobby Carcasses y Héctor Téllez. Seleccionó a los mejores músicos e incorporó a su nueva compañía a muchos que se habían formado en la Escuela Nacional de Arte de La Habana. Añadió chispa con la vocalista Haila Mompie, que a su vez reclutó a la vocalista Vannia Borges. Otra habanera, Borges empezó a estudiar música a los cinco años, y cantó profesionalmente por primera vez con un grupo femenino conocido como D'capo a principios de los 90. Cuatro años más tarde, pasó a formar parte de la banda D'capo. Cuatro años más tarde, pasó a Pachito Alonso y su Kini Kini, que abandonó en 1997 para añadir su talento a Bamboleo. La guantanamera Yordamis Megret llegó al grupo en 1998, un año después de la marcha de Mompie. Comenzó su formación musical a los 10 años y se aficionó a la guitarra. Al igual que Borges, también es alumna de la Escuela Nacional de Arte. Tras graduarse, empezó a cantar profesionalmente con Ricacha. Antes de unirse a

Bamboleo, Megret cantó en el grupo de salsa PG, de José Luis Cortés. Bamboleo empezó a hacer giras fuera de Cuba en 1996, el mismo año en que el grupo debutó con Te Gusto o Te Caigo Bien. El grupo ha actuado en las principales ciudades de Estados Unidos, de Chicago a Miami, y de Nueva York a Los Ángeles. Tras el lanzamiento de Yo No Me Parezco A Nadie y Ya No Hace Falta, el grupo realizó una gira por todo el mundo, con paradas en Europa, Estados Unidos y Japón, así como en el Festival Mundial de Música Heineken 2000 de China. Bamboleo también colaboró en el álbum Ear-Resistable de los Temptations, ganador de un Grammy. Además, el grupo ha aparecido en el programa Road Rules de la MTV y ha trabajado con artistas como James Brown, Femi Kuti y George Benson._Linda Seida (allmusic) 

Bamboleo, uno de los grupos más conocidos en la cresta de la ola de la timba, un nuevo estilo que mezcla salsa con elementos funk y jazz y que emana de las calles de Cuba, se mantiene a la vanguardia con Ya No Hace Falta, de 1999. Tras saltar a la notoriedad internacional con Yo No Me Parezco a Nadie en 1997, la presión estaba puesta en cumplir con su recién ganada base de fans. Con unos arreglos suaves y una banda muy compenetrada con la batería, Bamboleo no tuvo problemas para hacer buena su reputación y, en todo caso, elevaron el listón para todo el género. Tanto la sección de vientos como los vocalistas tienen un enfoque fresco y suave que contrasta con el sonido enérgico de grupos similares como la Charanga Habanera o NG la Banda. Esta sensibilidad ahumada y jazzística yuxtapuesta a las esquinas afiladas de la sección rítmica superfunky hace que la escucha sea fácil y placentera. Al grupo no le falta calor, con los montunos salados del pianista/arreglista Lázaro

Valdés y un montón de cambios de tiempo de una sección de percusión tan buena como cualquiera de las que operan hoy en día. Desde el punto de vista sonoro, los oídos se regocijan al escuchar un disco de timba al que no le falta fidelidad ni sensibilidades de producción modernas. Gracias a su equilibrado sonido global, su enfoque único y su experta musicalidad, Bamboleo marcará tendencias y borrará fronteras durante décadas._Evan C. Gutierrez (allmusic)

                                             

                                                                              

Bamboleo - Ya No Hace Falta (1999)

Temas:
01. Opening  (Lázaro Valdés)
02. Ya No Hace Falta  (Lázaro Valdés)
03. Se le Fue la Mano (Manuel "Manolin" González)
04. El Protagonista (Rafael Lavarrera)
05. Recapacita (Darmielis Cárdenas)
06. La Tremenda (Rafael Lavarrera)
07. El Manisero (Moises Simons)
08. Candil de Nieve (Raúl Torres)
09. El Pillo (Rafael Lavarrera)
10. Lo Mio  ( (Rafael Lavarrera, Lázaro Valdés)
11. Lo Que Quiero Es Bamboleo (Giraldo Piloto)
12. Ya No Hace Falta  (Radio Versión)

Musicos:
Lázaro M. Valdés Rodríguez (Director, piano, compositor)
Abel Fernández Arana (Saxo alto)
Carlos Valdés Machado (Saxo tenor)
Anselmo "Carmelo" Torres Trompeta
Dunesky Barreto Pozo (Congas)
Alberto Para (Maracas)
Herlon Sarior (Timbales)
Jorge David Rodríguez (Voz)
Yordamis M. Mergret Planes (Voz)
J. Frank Cintra Cruz (Trompeta)
Alejandro Borrero Ramírez (Vocales)
Vannia Borges Hernández (Voz)
José Antonio Pérez Fuentes (Violín)
Maylin de la Caridad González Aldama (Violonchelo)
Ludwig Nunez Pastoriza (Batería)
Rafael P. Pacerio Monzón (Banjo)

Ulises Texidor Pascual (Bongos)

Luisito Quintero - Percussion Maddness

Luis Quintero Jr. (Luisito Quintero) músico percusionista nació en la ciudad de Caracas,

Venezuela el 24 de Agosto de 1967. 
Ganador de un premio Grammy y nominado a varios Grammy, Luisito Quintero creció con la tradición latinoamericana y africana de la percusión. Su padre es tan percusionista como su tío Carlos Nene Quintero y su primo Roberto Quintero . Llegó a ser miembro de la Orquesta Simfónica de Venezuela , pero pronto apareció con conjuntos como el Grupo Guaco y El Trabuco Venezolano y realizó giras con Oscar D'León .
Posteriormente se trasladó a Nueva York, donde trabajó con músicos de jazz latino como Willie Colón, Eddie Palmieri, Tito Puente y Celia Cruz. Después se decantó por la fusión de jazz, funk, salsa y música africana y actuó con George Benson , Herbie Hancock , Ravi Coltrane y Toshiko Akiyoshi , pero también con músicos pop como Gloria Estefan y Marc Anthony.
Su primer álbum "Percussion Maddness" fue producido por Louie Vega & LQ y publicado por BBE Records. Ahora 8 años después, reeditado en Vega Records con 4 temas nuevos también producidos por Louie Vega saldrá en un pack doble de vinilo en dos partes, una un pack doble de 12" y la segunda un pack doble de vinilo de 7". Disfruta de los sonidos brasileños, jazz, africanos, house y afrocubanos del gran percusionista Luisito Quintero en este vinilo tan especial.
“Percussion Maddness” el mismo fue lanzado al mercado a principios del año 2006 y fue el primer álbum donde Luisito Quintero debuta como solista. Producido por el reconocido Louie Vega (Master at Works).

El álbum incluye 13 temas producidos por Louie Vega y Co-producidos por Luisito Quintero, adicionalmente incluye 3 versiones de temas de destacados músicos del Latin Jazz como lo son Ray Barretto y Tito Puente.

Puede que el percusionista venezolano Luisito Quintero no sea un nombre muy conocido, pero en el pequeño mundo de la música latina de Nueva York se le considera uno de los timbaleros más calientes de la ciudad.
Tras sus comienzos en la Orquesta Sinfónica de Venezuela y una temporada con la cantante de salsa La India, Quintero aprendió las sutilezas de la percusión afrocubana tocando junto a una serie de leyendas de la música latina, como Óscar D'Leon y Eddie Palmieri.
Aunque Quintero rinde homenaje a sus mentores en algunos temas dedicados a los fallecidos Tito Puente y Ray Barreto, el CD en su conjunto lleva el sello del DJ y productor de house "Li'l" Louie Vega, la mitad del dúo neoyorquino Masters at Work.
El deep-house, el acid jazz y los sedosos grooves de bossa están muy en la línea de los álbumes de Louie Vega Nuyorican Soul y Elements of Life, en los que participó Quintero.
A veces se acusa a Vega de sobreproducir los temas hasta el punto de castrarlos, y la voz de la cantante caboverdiana Anane -la última conquista de Lil' Louie- en "Our Love" es tan suave que se acerca a la música muzak.

¿Pero ligero? No lo creo. Un tema de Fela Kuti con el cantante y guitarrista camerunés Francis
Mbappe da en el clavo del afrobeat, y una fiel reproducción del tema seminal de Ray Barreto, "Acid", es un merecido homenaje.

En general, la calidad de las colaboraciones del pianista Hilton Ruiz, el flautista Néstor Torres y el guitarrista venezolano Aquiles Báez hacen de este disco una delicia para los amantes de la música que buscan algo más que las típicas descargas de salsa que ofrecen muchos combos latinos en la actualidad.

                                                                           

                                                                                   

Luisito Quintero - Percussion Maddness (2006)

Temas:

01. Percussion Maddness

02. Tumbao

03. M'Bongi

04. Gbagada, Gbagada, Gbogodo, Gbododo feat. Francis Mbappe

05. Aquilas Coisas Todas

06. Our Love feat. Anane

07. Quintero's Jam feat. Hilton Ruiz

08. EOL Intro (Clap Your Hands)

09. Acid

10. Four Beat Mambo

11. Son Montuno

12. Oshagrina

13. Love Remains Tha Same feat. Blaze

Musicos: 

Luisito Quintero (Percusión, bongos, conga, batería, maracas, timbales, voz (negra), campanas, palmas, djembe, cajón, dun-dun, ngoma, shaker, shekere, güiro, instrumentos de juguete, ruido de la multitud, productor)

Kevin "KAcey" Jones (Voz 'bckgr', palmas, djembe, dun-dun, ngoma, shaker, productor)

Aquiles Baez Guitarra (Tres)

Luis Bonilla (Trombón)

Milton Cardona (Voz 'bckgr', shekere, lead)

Marc Cary (Fender Rhodes)

Mike Ciro (Guitarra eléctrica, Guitarra rítmica, solista)

Stephanie Cooke (Voz 'negra')

Kaïssa Doumbé (Voz 'bckgr')

Nelson Hernandez (Arreglos de trompa)

Adam Hill (Viola)

Brian Lynch (Trompeta, fliscorno)

Jose Mangual Jr. (Voz 'bckgr')

Francis Mbappe (Bajo, Guitarra rítmica, Voz, Voz 'negra', arreglos vocales)

Ozzie Melendez (Trombón)

Albert Sterling Menendez (Teclados, Fender Rhodes, solista)

Josh Milan (Voz, Voz 'bckgr', solista, teclado armónica)

Shuichi Morita (Sobregrabaciones vocales)

Gene Perez (Bajo)

Carlos "Nene" Quintero (Conga)

Ivan Renta (Saxo soprano, Saxo Tenor)

Carleen Robinson (Voz 'bckgr')

Reuben Rodriguez (Bajo eléctrico, bajo vertical, ampeg baby bass)

Hilton Ruiz (Piano)

John Scarpulla (Saxo barítono, saxo tenor)

Nestor Torres (Flauta)

Eva Cortes - El Mar De Mi Vida

Eva Cortés (Tegucigalpa, 1972) es una cantante y compositora hondureña de jazz.

Se encuadra en el movimiento de la fusión, al incorporar a su música las influencias de la música tradicional latinoamericana (zamba, bolero), el blues, la música tradicional andaluza y el jazz. Canta con un español de cadencia latinoamericana y ecos y acento andaluz.
Eva Cortés nació en Tegucigalpa (Honduras), creció en Sevilla y reside actualmente entre Madrid y Nueva York.
Se dio a conocer en el año 1980 tras grabar un álbum de canciones infantiles titulado Cosas de niños junto a cantantes como Ana Belén, Víctor Manuel, Mocedades y Miguel Bosé.
En la actualidad, su música refleja las influencias recibidas de su mestizaje cultural, así como de los diferentes géneros musicales desarrollados a lo largo de su trayectoria. Al crecer en una familia de gran tradición musical, estuvo expuesta a la música latinoamericana. Aunque escuchamos en sus primeras composiciones, a la edad de 16 años, una fuerte influencia del blues.
En enero de 2006 voló hasta Santiago de Chile para grabar y coproducir Sola Contigo, su primer álbum en solitario que fue mezclado y masterizado posteriormente en París. En dicho trabajo podemos encontrar ritmos sudamericanos fusionados con el jazz y con un suave toque proveniente del sur de España.

Eva se siente honrada por haber contado con la colaboración de músicos con una gran prestigio internacional : Jerry González, Antonio Serrano, Pepe Rivero y Nono García entre otros. En abril de 2008 Eva graba su segundo trabajo Como Agua entre los Dedos, que es un álbum de temas originales compuestos en su mayoría por Eva Cortés, aunque también destacan en el dos adaptaciones al castellano de dos standards como son You don’t know what love is y La Vie en Rose.
Edita su tercer álbum El Mar de Mi Vida el 6 de abril de 2010. Con su personal jazz fusión, ha conseguido hacerse un hueco entre las propuestas más interesantes y prometedoras del panorama jazzístico en español. [cita requerida] El Mar de Mi Vida reúne 12 temas que resultan exponentes máximos del mestizaje cultural. 

En esta ocasión además, se unen el grande del flamenco Miguel Poveda en la versión del tema C'est si bon, Perico Sambeat, Lew Soloff (considerado uno de los trompetistas más brillantes de los últimos tiempos y que ha colaborado entre otros con Marianne Faithfull o Frank Sinatra), Santiago Cañadada, Rémy Decormeille, Georvis Pico, el bajista eléctrico del momento Hadrien Feraud y el batería inglés Mark Mondesir (ambos músicos de John McLaughlin). Eva firma una vez más la mayoría de los cortes y comparte autoría en un par de temas con el guitarrista brasileño Kiko Loureiro. Además encontramos temas como Alfonsina y el Mar (Ariel Ramírez-Felix Luna), Une chanson Douce (Henrie Salvador- Maurice Pon), C'est si bon (André Hornez-Henri Betti) y Que reste-t-il de Nos Amours (Charles Trenet-Leo Chauliac)..._(wikipedia)

                                                                            

                                                                                   

Eva Cortes - El Mar De Mi Vida (2010)

Temas:

01. El Mar De Mi Vida

02. Casi

03. C'es Si Bon / ¿Qué Es Mejor? (Feat. Miguel Poveda)

04. Desterrado

05. Valsa Da Menina

06. Recordando El Mañana

07. Poco Importa Si Después

08. Que Reste-T-Il De Nos Amours / I Wish You Love

09. Mujer

10. Alfonsina Y El Mar

11. Da Igual

12. Une Chanson Douce

David Matthews & The Super Latin Jazz Orchestra - Watermelon Man

El teclista David Matthews ha sido, entre otras cosas, una fuente constante de funk, ya sea bebiéndolo del sudor del rítmicamente innovador padrino del soul James Brown o intentando verterlo sobre la cabeza del algo más enclenque Paul Simon. Entre las tendencias, para bien o para mal, a las que Matthews ha estado asociado desde los años 70 se incluyen también el sonido CTI, una exhaustiva lista de bandas sonoras para televisión y anuncios comerciales, y una serie de lanzamientos de la Manhattan Jazz Orchestra que han sido elogiados por la crítica. No hay que confundirlo con el Dave Matthews de la jam band, ni con el anterior arreglista y músico de cañas de la época de las big bands, aunque parece que ambos trabajaron para Frank Sinatra en su día.

Licenciado en composición por la Universidad de Cincinnati, Matthews comenzó su carrera como líder de una banda de baile a finales de los años sesenta. Este grupo realizó numerosas giras por varias partes de Europa y Matthews también empezó a establecer su presencia en la escena jazzística de Cincinnati. En 1970 empezó a trabajar como arreglista y director de orquesta para James Brown, lo que le permitió trasladarse a Nueva York y aprovechar la conexión con Brown para conseguir encargos independientes. Entre sus clientes se encontraban artistas tan exigentes como el batería y director de orquesta Buddy Rich, los cantantes Mark Murphy y Bonnie Raitt, y la Starland Vocal Band, entre muchos otros. A mediados de los 70, se convirtió en arreglista del sello CTI, lo que dio lugar a una serie de producciones suaves que fueron amadas por algunos aficionados al jazz y detestadas por otros. A partir de entonces, Matthews formó sus propios grupos, como el Manhattan Jazz Quintet. Compuso muchas películas para Hollywood, como The Parallax View, la primera versión de The Stepford Wives y Night Moves. También ha tenido bastante notoriedad por sus actividades en Japón._Eugene Chadbourne (allmusic) 

                                                                       

                                                                          

David Matthews & The Super Latin Jazz Orchestra - Watermelon Man (1997)

Temas:

01. Caravan (Duke Ellington, Juan Tizol)

02. Watermelon Man (Herbie Hancock)

03. Carioca (Vincent Youmans)

04. Oye Como Va (Tito Puente)

05. Historia de Un Amor (Carlos Almaran Eleta)

06. Bonita Rosita (David Matthews)

07. Nica’s Dream (Horace Silver, Weaver Copeland)

Musicos: 

David Matthews (Director, arreglos)

Lew Soloff (Trompeta)

Ryan Kisor (Trompeta)

Conrad Herwig (Trombón)

Chris Hunter (Saxo alto)

George Young (Saxofón tenor)

Joe Temperley (Saxo barítono)

Ross Traut (Guitarra)

Jon Werking (Sintetizador)

Mark Egan (Bajo)

Sammy Figueroa (Congas, cowell)

Gordon Gottlieb (Timbales, pandeiro)

James Saporito (Bongos, shaker, güiro)

Terry Silverlight (Batería)

Grabado en Warehouse Studio, N.Y. 27 y 28 de enero de 1997

Randy Weston and his African Rhythms Sextet - The Storyteller

Randy Weston (Brooklyn, Nueva York; 6 de abril de 1926-ib., 1 de septiembre de 2018) fue un compositor, músico y pianista estadounidense de jazz.
Creció en un ambiente de músicos. Conocía a Max Roach, Cecil Payne y Duke Jordan, Eddie Heywood era su vecino, Wynton Kelly su primo y Thelonious Monk fue uno de sus primeros profesores y una gran influencia. A finales de la década de 1940 da comienzo su carrera profesional, trabajando en agrupaciones de r&b. La primera grabación de Weston como líder vio la luz en 1954 con el título Randy Weston plays Cole Porter - Cole Porter in a Modern Mood. Durante la década de 1950 Weston trabaja en el área de Nueva York con músicos como Cecil Payne, Kenny Dorham y Melba Liston y adquirie una gran reputación como compositor, con temas que hoy pertenecen al repertorio de standards como «Hi-Fly» o «Little Niles». El interés por sus raíces lo lleva a visitar África, un lugar que siemrpe ha estado muy presente en la obra y en la vida de Weston; en 1961 y 1963 visita Nigeria, y desde 1968 hasta 1973 se asienta en Marruecos, donde queda fascinado por la música y la espiritualidad del continente y desde donde continúa viajando en busca de nuevos talentos para su música.

Durante el resto de la década de 1970 Randy Weston continúa efectuando giras y editando trabajos para Arista, Polydor y CTI, pero a mediados de la siguiente década vuelve a Marruecos. Tras un pequeño período de inactividad en los estudios, retoma su actividad a finales de la década de 1980, grabando una serie de álbumes para Antilles y Verve entre los que cabe destacar su trilogía Portrait (dedicados a Elington, Monk y a sí mismo) y su ambicioso The Spirits of Our Ancestors un álbum de blues que traza los orígenes de esa música con la colaboración de músicos marroquíes. En 1993 y 1995, fue premiado con dos Grammy​ y desde entonces continúa con su actividades y sus colaboraciones con músicos de otras culturas..._(wikipedia)

Hace casi cincuenta años que el pianista y compositor Randy Weston tocó por primera vez en África, y desde entonces ha regresado en numerosas ocasiones -tres sólo este año 2010- para absorber los infinitos ritmos y colores del continente madre. Quizá más que ninguno de sus contemporáneos, Weston ha ahondado en las raíces africanas del jazz, ensalzando la belleza y riqueza de la cultura africana y estableciendo la conexión entre el pasado y el presente. The Storyteller, una grabación en directo maravillosamente íntima, es la primera grabación del quinteto African Rhythms (más el batería invitado Lewis Nash) desde Live in St. Lucia (Image Entertainment, 2003), y es conmovedora por ser la última grabación del trombonista Benny Powell, que falleció en junio tras 27 años cocinando blues en el conjunto de Weston.
El disco se abre con una pieza para piano solo dedicada al percusionista afrocubano Chano Pozo, que desempeñó un papel fundamental en la fundación de las raíces del jazz latino junto al trompetista Dizzy Gillespie en la década de 1940. Sin embargo, es el espíritu del pianista Thelonious Monk el que canta con fuerza. Weston fue uno de los primeros pianistas de los años 50 en dejarse moldear por el sonido de Monk, y aquí construye sobre las melodías más sencillas un vocabulario de elegancia y disonancia. Grandes acordes graves y notas de bajo salpican ruidosamente entre ligeros figurines de la mano derecha, trinos, ecos de zancadas y patrones nudosos que se resuelven en frases que fluyen suavemente, de refinamiento y lirismo: es una narración hipnótica.

Hay una vibración afrocubana más evidente en "African Sunrise", encargada para el Festival de Jazz de Chicago de 1984 en homenaje a Dizzy Gillespie y la Machito Orchestra. Junto con Gillespie y el pianista Ahmad Jamal, Weston ha sido uno de los pocos líderes del jazz que ha empleado sistemáticamente percusión africana y afrocubana en sus pequeños conjuntos, y el percusionista Neil Clarke y el siempre versátil Nash hacen girar la música poderosamente tras una emocionante y escalada introducción percusiva. El largo y serpenteante solo del saxofonista T.K. Blue alcanza cotas de éxtasis, mientras que el bajista Alex Blake y Powell sostienen un fondo groove. Weston anima al conjunto de forma perspicaz y discreta, y bajo su batuta el sexteto se cocina como la banda de Duke Ellington de 1940.
Un seductor solo de piano, "Tehuti", y un solo de bajo maravillosamente percusivo y funky de Blake cierran los 14 minutos de "Jus' Blues". Los tres segmentos constituyen "The African Cookbook Suite" y proporcionan otra deliciosa porción de Ellingtonia. El trombón gruñendo, el saxofón elevándose, el conjunto tocando ajustadamente y la vibrante percusión que sube y baja en oleadas son apuntalados por la discreta y engatusadora forma de tocar de Weston. El solo de blues de Powell es un modelo del poder del fraseo por encima del virtuosismo, y en general su forma de tocar a lo largo de The Storyteller desmiente sus 80 años y su salud en declive.
Durante 40 años Weston recurrió a la arreglista Melba Liston para dar forma a sus ideas musicales, y su enorme experiencia en las bandas de Gillespie, Gerald Wilson, Count Basie, Dexter Gordon y Billie Holiday sin duda ha dejado huella en Weston, cuyos arreglos elegantes y vibrantes consiguen que un combo de seis músicos cante como una big-band.
En su autobiografía African Rhythms (Duke University Press, 2010), Weston cuenta que "Caravan" -la melodía de Juan Tizol/Irving Mills/Ellington- fue la primera canción africana que escuchó, y puede que tuviera un profundo efecto en Weston, ya que el lento y metódico ritmo de "The Shrine" y la exótica melodía evocan una caravana por el desierto. T.K. Blue aporta una encantadora flauta cantante a la mezcla y el trombón de Powell ronronea en un lento vaivén. El solo de Weston está muy bien ponderado, y sus vibrantes y ondulantes motivos tienen un aire casi elegíaco. Este número altamente atmosférico se desvanece suavemente como los últimos rayos del sol al final del día, y las campanadas susurrantes y los platillos fantasmales evocan imágenes de espejismo.

Los ritmos enérgicos de "Loose Wig" proporcionan el marco para que Weston explore toda la gama de las teclas, combinando acordes de bajo profundos con ráfagas rápidas en los registros más altos. La canción apareció por primera vez en The Modern Art of Jazz (Dawn, 1956) cuando los oídos de Weston estaban abiertos a Monk, y no es de extrañar que en la interpretación de Weston resida más de una pizca de la personalidad de Monk, aunque este arreglo es rítmicamente más dinámico que el original.
Dos temas perennes de Weston completan el conjunto. Su tema emblemático, "Hi-Fly", es aquí completamente reajustado y ralentizado para convertirse en una balada suavemente bluesy, aunque la coda, "Fly-Hi", cierra el círculo y devuelve el tema a su dinamismo de medio tempo de hace medio siglo, con un ligero sabor latino. El último número y el único no original, "Love the Mystery of", escrito por el influyente batería ghanés Guy Warren, presenta cantos bajos y una dulce flauta en compañía de una percusión al galope.

The Storyteller es una de las grabaciones más satisfactorias de la larga y distinguida carrera de Weston, y un digno testamento del arte de Benny Powell, que se ha ido para unirse a los antepasados._Ian Patterson (allaboutjazz)

                                                                                

                                                                           

Randy Weston and his African Rhythms Sextet - The Storyteller (2010)

Temas:

01. Chano Pozo

02. African Sunrise

The African Cookbook Suite: 03. Tehuti, 04. Jus' Blues, 05. The Bridge

06. The Shrine

07. Loose Wig

08. Wig Loose

09. Hi Fly

10. Fly Hi

11. Love, The Mystery Of

Musicos:

Randy Weston (Piano)

Benny Powell (Trombón)

T.K. Blue (Saxo, flauta)

Alex Blake (Bajo)

Neil Clarke (Percusión africana)

Lewis Nash (Batería)