Chico O'Farrill And His Cubans - Mambo Latino Dances

Arturo " Chico " O'Farrill (28 de octubre de 1921 - 27 de junio de 2001) fue un compositor, arreglista y director de orquesta cubano, mejor conocido por su trabajo en el idioma latino, específicamente el jazz afrocubano o "Cubop", aunque también compuso piezas de jazz tradicional e incluso obras sinfónicas.
Nacido en una familia aristocrática cubana, tocó la trompeta al principio de su carrera. Compuso obras para Machito ( suite afrocubana con Charlie Parker , 1950) y la Bebop Orchestra de Benny Goodman ("Undercurrent Blues"), y arregló para Dizzy Gillespie y Stan Kenton , entre otros.

En la década de 1990, O'Farrill dirigió una gran banda que se instaló en el club nocturno Birdland de Nueva York . El hijo de Chico, el pianista Arturo O'Farrill , finalmente se hizo cargo de la banda..._(wikipedia)

Este, concretamente, es un álbum de música para bailar. Música para bailar con un marcado sin embargo, ya que también está orientado a una escucha excepcionalmente agradable. Pero a los latinos les costará resistir el impulso de poner los pies en el suelo, ya que Chico O'Farrill y sus cubanos aportan una dimensión suplementaria a la música de baile mambo-latina. Esta dimensión es la musicalidad sólida.
Se hace hincapié en la musicalidad por este motivo: desde que el Mambo-Latino se estiló en este país, el número de grupos que han intentado adaptar este tipo de música como propia ha aumentado desmesuradamente. Hoy en día, como resultado, grupos de todo el mundo intentan adaptar el Mambo-Latino y afirman que lo hacen con maestría. Mientras tanto, el bailarín principiante de mambo, tango o rumba sale a la pista y, al encontrarse con algún problema rítmico, se regaña a sí mismo. Lo cierto es que, sin un compás bien definido y sin entender el ritmo, ningún grupo puede dominar la música de baile latinoamericana. Para el bailarín aparentemente torpe, la culpa es del grupo.
Lo que nos lleva a una banda que conoce los ritmos y sabe, además, cómo tocarlos para que

cualquier persona con dos pies y ganas de bailar al ritmo latinoamericano no tenga que preocuparse. Se trata, por supuesto, de Chico O'farrill's Cubans que, en este álbum, interpreta una variedad de bailes mambo-latinos. Hay siete selecciones, de hecho, escritas por el propio O'Farrill junto con un éxito popular del género---Buddy Pepper's popular " Vaya Con Dios" y otros originales. En conjunto, la banda de O'Farrill es una de las más excitantes para bailar, merecidamente clasificada entre las mejores de su campo.

El propio Chico O'farrill es natural de La Habana, Cuba, y ha hecho arreglos para líderes tan destacados como Benny Goodman, Miguelito Valdés, Stan Kenton y Noro Morales, lo que da fe de su versatilidad. Pero este álbum es una prueba aún mejor._ Verve Recods

                                                                                     

                                                                                

Chico O'Farrill And His Cubans - Mambo Latino Dances (1958)

Temas:

01. Lamento

02. Cachita

03. Rumbonsito

04. Te Quiero Dijiste

05. Angels Flight

06. Tres Palabras

07. Quiermo Mucho

08. More Mambo

09. Mambo For Bunto

10. Botellero

11. Pianarabatibiri

12. Vaya Con Dios

13. L. A. Mambo

Colette Michaan - Cielo Y Tierra

Colette Michaan es una flautista neoyorquina de primera generación, nativa de Nueva York y de ascendencia egipcio-siria, que se ha visto influenciada, inspirada y musicalmente informada por las tradiciones musicales del norte y el oeste de África, Cuba, el sudeste asiático y América.
"Siento que la flauta me eligió y me llamó. A los 12 años, escuché una grabación de Eric Dolphy en la radio y quedé hipnotizada por ese solo de flauta; se había plantado una semilla. A partir de entonces, me sumergí en la escucha, el estudio y la transcripción de los solos de jazz y música latina de flautistas como Eric Dolphy, James Moody, Frank Wess, Hubert Laws, Joe Farrell, Yusef Lateef, Arcaño, Richard Egües, José Fajardo y Johnny Pacheco, quienes, entre otros, siguieron inspirándome, al igual que diversas tradiciones flautísticas de todo el mundo."
A finales de los 70, Colette trabajó en el Village Vanguard, una época vital para el jazz en Nueva York. "Mis tres años y medio en el Vanguard fueron una época maravillosa para mí; trabajar allí fue una gran educación musical, ya que noche tras noche escuchaba música que me inspiraba. Fue más tarde, a mediados de los 80, cuando me enamoré de las tradiciones cubanas del Son y la Charanga".

Desde finales de los años 70, Colette actúa internacionalmente con su propia banda y con otros artistas. Ha producido cuatro álbumes como directora de banda (véase discografía). Además, Colette ha grabado con Harry Whitaker en el álbum "One Who Sees All Things" (2008), con Kaissa en "Looking There" (2005) y con Richard Bona en "Scenes From My Life" (1999).
"A lo largo de los años, en cada uno de los cuatro CD que he producido, he optado por grabar composiciones originales, así como muchas composiciones clásicas que me encantan. Mi intención es crear belleza, llenar la música de emoción y pasión. Mi trabajo siempre se inspira en algo tradicional, algo original y algo nuevo. La finalización de cada álbum ha sido un hito en mi proceso continuo".

"A lo largo de las décadas, he aprendido de muchos músicos maravillosos y les estoy agradecido"._(colettemichaan)

La intrépida música ha esculpido estas diez piezas en esta grabación con un arte magistral. La sutileza es la cualidad omnipresente que Colette Michaan aporta a este disco de obras de varios compositores conocidos. La música no suele alzar la voz mucho más allá de un susurro seductor, e incluso cuando lo hace, las narraciones están hábilmente elaboradas para mantener un decoro muy expresivo. La radiante flauta de la Sra. Michaan enriquece estas melodías y altera las armonías y los elementos estructurales de cada pieza ya aumentada con la adición de (a menudo los dos) trombones de Reut Regev y Rey David Alejandre. Como resultado, el flautista es capaz de llevar las piezas en direcciones que sorprenden y cautivan enormemente el oído. La hermosa pieza de Melvis Santa "La Flauta de Colette" es un excelente ejemplo de ello.

Las diez piezas se despliegan en una serie de gestos etéreos impregnados de una atmósfera inconfundible, rindiendo un glorioso homenaje a las formas de danza y los ritmos que impulsan la música afrocubana. Pero cada melodía es tratada también con una panoplia de colores e implicaciones armónicas. Siempre en el extremo suave del espectro, el rango dinámico de Michaan permite que la música se eleve, sin trabas, a un reino enrarecido. Su paleta sonora se amplía a menudo hasta extremos imposibles. Su solo en "Awakening" es un recordatorio espectacular de la gloria que Michaan aporta a su instrumento. Pero también en todos los demás temas, la flautista crea una magia melódica única. Sin embargo, no está sola en este empeño.

Michaan también sube la apuesta de la producción con la evocadora voz de Melvis Santa, cuya soprano flotante adorna "La Flauta de Colette", "Por si Acaso" y "Quimbara". El pianista César Orozco, el bajista Jorge Bringas y tres grandes percusionistas ayudan a la flautista a hacer de éste su álbum más vivo hasta la fecha: Román Díaz, Luisito Quintero y Yusnier Sánchez Bustamante. A través de todo ello, por supuesto, es Colette Michaan quien está, justificadamente, en el centro de atención, ya que interpreta con consumada maestría, combinando un control superior y lucidez tonal con un sentido cohesivo de la línea y el movimiento. Esta música no podría estar mejor servida._ Raul Da Gama (latinjazznet)

                                                                                

                                                                                     

Colette Michaan - Cielo Y Tierra (2017)

Temas:

01. Baila Mi Ritmo

02. La Flauta de Colette

03. Waraya

04. Por Si Acaso

05. El Jardinero de Amor

06. A Mi Que

07. Souaressi

08. Quimbara

09. Guajira para el Cielo y la Tierra

10. Awakening

Musicos:

Colette Michaan (Flauta, flauta de bambú en temas 2, 10 y voz en temas 1, 4, 6, 10)

Reut Regev (Trombón en temas 1 - 4, 6, 9)

Rey David Alejandre (Trombón en temas 1, 2, 4 - 6, 8, 9)

César Orozco (Piano en temas 1 - 9)

Jorge Bringas (Bajo en temas 1 - 9)

Román Díaz  (Bátà en tema 4, congas en temas 1, 3 y voz en tema 4)

Melvis Santa (Voz en temas 1 - 4, 8)

Luisito Quintero (Timbales en temas 1, 4 - 6, 8, 9, quinto en tema 8, batería en temas 2 - 4, 7, 8 y percusión en temas 1 - 9)

Yusnier Sánchez Bustamante (Cajón en tema 3 y congas en temas 2, 4, 8)

Ed Calle - Sunset Harbor

Nacido en Caracas de padres españoles, el saxofonista Ed Calle, afincado en Miami, debe su carrera musical al amor de su padre por la música. Cuando Calle y su familia se trasladaron a Estados Unidos en 1966, su padre le sugirió que tomara clases de música. Calle eligió el saxofón tenor y se aficionó rápidamente, por lo que pronto dedicó casi todo su tiempo libre a practicar.
Cuando estudiaba en la Universidad de Miami, Calle decidió que la música era su vocación y obtuvo un máster en interpretación de jazz. Sin embargo, incluso antes de dejar la universidad, Calle tocó con artistas como Gloria Estefan y Miami Sound Machine, y realizó giras con artistas como Julio Iglesias y Bob James. También ha trabajado como músico de acompañamiento para Arturo Sandoval, Jon Secada, Vanessa Williams y Frank Sinatra, y ha colaborado en bandas sonoras de televisión y cine.

Además de sus raíces latinas, el estilo de tocar de Calle está influenciado por su amor a las matemáticas: también es licenciado en Matemáticas por la Universidad Internacional de Florida. Calle comparte sus conocimientos técnicos y su herencia con los niños de primaria a los que da clases como profesor de música itinerante. Sus álbumes en solitario Nightgames (1986), Double Talk (1996) y Sunset Harbor (1999) también reflejan su destreza y pasión como músico. En el nuevo milenio publicó Twilight (2001) en Concord Jazz._Heather Phares (allmusic)

La necesidad de poner títulos bonitos a los álbumes a veces puede ir en detrimento de lanzamientos cuya música es demasiado profunda, intrincada y explosiva para que las palabras puedan transmitirla.

El debut del saxofonista Ed Calle en Concord Vista tiene todo el chisporroteo íntimo de Gato Barbieri, toda la alegría percusiva juguetona de Arturo Sandoval (que participa como invitado), toda la intimidad flamenca de Ottmar Liebert y todo el alma retro de los héroes inspiradores de Calle, Earth, Wind & Fire. Sin embargo, el título Sunset Harbor sólo transmite el lado despreocupado de la personalidad del veterano músico de acompañamiento, maravillosamente expresado en las tiernas, dulces y pegadizas "Rachel's Song" y "Marianne". La actitud alegre del disco se transmite mucho mejor en "Strollin'", en la que Calle se acelera con una sección de vientos creada por él mismo (doblando y triplicando su tenor) sobre un incontenible ritmo latino. "Nightfall" es un apodo apropiado para un baile lento de salsa al estilo de Gato con trasfondos retro soul como el sonido Rhodes generado por el sintetizador de Jim Gasior. 

Calle se atreve con el hip-hop en "Suds", envolviendo con su tenor y su EWI el mismo tipo de acentos de teclado y la guitarra wah-wah de Dan Warner. Sin embargo, "San Sebastián" es la pieza central, el equivalente musical de una cantina de ritmo perezoso (guitarra flamenca proporcionada por el viejo socio de Sandoval, René Toledo) incendiándose con la melodía galopante del saxo de Calle y la ardiente trompeta de Sandoval actuando como pirómanos principales. Los homenajes de Calle a Earth, Wind & Fire y Chicago ("Colour My World") le permiten tocar antes que las secciones de vientos, pero no tienen nada que ver con el deslumbrante material original que presenta._Jonathan Widran (allmusic)

                                                                         

                                                                            

Ed Calle - Sunset Harbor (1999) 

01. Strollin' 

02. Sunset Harbor 

03. Nightfall 

04. Reasons 

05. Suds 

06. Marianne 

07. San Sebastian 

08. Colour my world 

09. Rum & Coke (Cuba Libre) 

10. Home Again 

11. Rachel's Song

Musicos:

Ed Calle (Saxo tenor, saxo soprano, saxo alto, saxo barítono, EWI, flauta contralto, bajo sintetizador, voz)

Tony Concepción, Arturo Sandoval, Jim Hacker, Jason Carder, Alan Hood (Trompeta)

Dana Teboe, John Hutchison, John Kricker (Trombón)

Joe Barati (Trombón bajo)

Jim Gasior, Mike Levine, Steve Roitstein (Teclados, sintetizadores)

Mike Levine(Piano eléctrico)

Paquito Hechavarría (Piano acústico)

Doug Emery (Cuerdas, sintetizadores, órgano)

Dan Warner, Lindsey Blair, René Luis Toledo, Hiram Bullock, Tommy Anthony (Guitarra)

Julio Hernández, Rafael Valencia (Bajo)

Lee Levin (Batería, programación de batería y percusión)

Tim Devine (Programación de loops de batería, sintetizadores)

Richard Bravo (Percusión)

Wendy Pederson, George Noriega, Rita Quintero, Tommy Anthony (Voces tema #04)

Gabriel Rodríguez - The Beginning

Gabriel Rodríguez (Bajista, compositor, educador). Un músico experimentado cuya fuerza interpretativa y creativa surge de su profundo conocimiento de los principales elementos del jazz y sus raíces afrocaribeñas. Este talentoso artista nació en San Juan, Puerto Rico el 15 de abril de 1974. Su necesidad de estudios continuos y la exploración de ritmos y estilos lo llevaron a estudios independientes. Desde los catorce años dedicó largas horas de estudio con un enfoque tan místico que hoy es capaz de realizar una interpretación moderna de la música que interpreta donde lo clásico se fusiona magistralmente con armonías agresivas y otras técnicas no abordadas por muchos de los contemporáneos. bajistas. Su estilo único, una mezcla equilibrada de musicalidad, conocimiento, sentimientos y una increíble comprensión de su naturaleza latina lo han convertido en uno de los bajistas más buscados de la escena musical.
La versatilidad de su interpretación le ha llevado a actuar con los mejores intérpretes de jazz latino del mundo. Entre este grupo se destacan Charlie Sepúlveda, Dave Valentín, Giovanni Hidalgo, Jerry González, Miguel Zenón, Paoli Mejías, Fidel Morales, William Cepeda, Ángel (Papo) Vázquez, Néstor Torres, Luis “Perico” Ortíz, Batacumbele y muchos otros.
Sus credenciales también incluyen numerosas apariciones como acompañante de Vic Juris, Pete Rodríguez, Marcos Pignataro, Holograma, Causa Común, Gary Keller, Alex Acuña, Barry Greene, San Juan Collective, Luke Guillespie, James Williams y muchos otros.

Su experiencia incluye la interpretación de ambos tipos de instrumentos, bajo acústico y eléctrico.
Gabriel tiene una maestría en educación musical del Conservatorio de Música de PR, ofrece clases magistrales y talleres educativos sobre jazz e improvisación. Ha escrito columnas de asesoramiento educativo y recientemente acaba de publicar su “Manual para el desarrollo de la armonía y la técnica”.

Actualmente se desempeña como profesor en la facultad del Programa de Jazz y Música Caribeña del Conservatorio de Música de Puerto Rico desde 2005 donde enseña bajo tanto eléctrico como acústico._(gabybassmusic)

                                                               

                                                                                       

Gabriel Rodríguez - The Beginning (1996 Remastered)

Temas:

01. La Guagua

02. Willy's Tune

03. La Visión

04. First Step

05. Fronteras

06. The Beginning

07. Instrospection

08. Un Dia de Trabajo

Musicos:

Gabriel Rodriguez (Bajo, bajo piccolo)

Miguel Zenon (Saxo alto en pista #1, #3, #8)

Nestor Toro (Saxo alto en pista #5, #6)

William Morell (Saxo alto en pista #2, #4)

Alein Rodriguez (Piano)

Francisco "Pirulo' Rosado (Batería)

David "La Mole" Ortiz (Congas)

Raúl Maldonado (Bongos)

Información cedida por Hector Guillermo Copete

Samuel Quinto Trio - Salsa'N Jazz

Samuel Quinto Feitosa, FRSA (nacido el 5 de septiembre de 1973) es un pianista brasileño de jazz, pop, gospel y música clásica, así como productor musical, compositor, arreglista, educador y escritor que vive en Portugal desde 2004. Quinto creció en Salvador, donde desarrolló su arte principalmente con el piano. Samuel Quinto nació en Belém, Pará, pero creció en Salvador, Bahía. Desde la edad de siete años, desarrolló su talento musical en virtud del contacto con el piano a través del evangelio, acompañado Iglesia Bautista que asistió durante la infancia con su familia en Salvador. Entonces Samuel dio los primeros pasos en el piano en la casa de la familia, siempre sin maestros acompañantes, y desarrolló sus habilidades de piano aprendiendo también, como autodidacta, la armonía, la lectura y la escritura de la música y la orquestación, composición musical, arreglos para el coro de la iglesia, que comienza a tocar como pianista a la edad de 12 años. En Europa. Samuel Quinto publicó su primer CD "Latin Jazz Thrill" en 2007, en Portugal, con formación de trío (Bajo, Piano y Batería), que forma el núcleo de su repertorio en diversos festivales y conciertos durante los años 2007 y 2008 en Portugal, y durante su gira de 2008 en la que muestra en ciudades como Hamburgo, Berlín, Colonia, Heilbronn, Lieja y Limoges; además de un concierto especial celebrado en Salvador en colaboración con la Universidad Católica de Salvador en junio de 2008. Sus composiciones se utilizan en la Universidad de Oporto (ESMAE) en la licenciatura de Jazz, como material de estudio en la formación de estudiantes de Jazz.

El segundo CD titulado "Salsa 'n Jazz", que contiene ocho composiciones originales de Samuel Quinto, y el estándar Stella by Starlight, se lanza en junio de 2009 con un concierto en la ciudad de Oporto, y el lanzamiento concomitante de su nueva gira, aún más amplia, que pasó por Bélgica, Alemania, Portugal, España, Francia, Luxemburgo, Países Bajos e Inglaterra. En este segundo trabajo, Samuel estuvo acompañado por otro brasileño, de formación clásica, Marcos Borges en el bajo y Manuel Santiesteban, cubano, graduado en batería en La Habana, Cuba.
Fundó el primer curso de Jazz Latino en la Escuela de Jazz del Norte, Porto - primera escuela profesional de Jazz acreditado en Portugal y uno en la Península Ibérica para tener el curso Instrumentalista Profesional de Jazz hasta entonces. Además de ser invitado a ser el director artístico de uno de los clubes portugueses de jazz más tradicionales, B-flat.

Samuel también ha sido invitado a dirigir talleres en el campo del Jazz, Latin Jazz Composición y Arreglos tanto en Brasil como en Europa. Pero su talento musical no es sólo al jazz, después de haber sido pianista del cuerpo de ballet, comenzó a desarrollar el lado erudito hasta entonces dormido en su música. Inspirado por grandes compositores como Beethoven, Mozart, Bach, Tchaikovsky, Brahms y otros, inició composiciones para acompañar el ballet en espectáculos, así como para orquesta y coro._(allaboutjazz)

Hay algo en el pianista de origen brasileño Samuel Quinto que toca una cuerda vibrante en el oído interno. Quizá tenga que ver con su maravillosa captación de la alegría que abunda en el nordeste brasileño... su sentido de la "alegria". Quizás también tenga que ver con su enfoque maduro, su maravilloso uso de la dinámica, su expresión y su habilidad innata para permitir que brille el centro tonal de su música. Tiene un oído exquisito y sus manos están controladas de forma independiente por su mente, que separa melodía y armonía cuando es necesario. Quinto, como resultado, hace que sus dedos hormigueen en las teclas, retumbe y carcajee y llore con acordes de los que arranca risas y tristeza y pura alegría.

En Salsa' N Jazz toca con un ritmo hipnótico primigenio que llama a las raíces de su música, que llegan hasta el África más profunda, pasando por los rincones folclóricos de Brasil y España, lo que significa los recovecos del Mediterráneo de Oriente Medio, la India y Europa. El resultado es un disco en el que estas culturas confluyen en un punto de ignición que calienta la sangre del alma. Su forma de tocar es musculosa e intuitiva y huele a artista al que le gusta inventar sobre la marcha, evolucionar constantemente.

El punto de partida de la interpretación de Quinto es también una profunda relación simbiótica con la música forro en todo su vibrante esplendor -baiao, xote y arrasta-pe-, todo elegantemente captado y centelleante cuando sus dedos tocan el ébano y el marfil. La muestra más alegre y memorable de ello es su interpretación de "Stella by Starlight", de Victor Young, que recibe un tratamiento de forro entusiasta y alcanza su punto álgido a medida que se desarrollan los coros de la canción. Merece la pena mencionar que en esta canción -como en las demás de este disco- el bajista brasileño Marcos Borges y el batería cubano Manuel Santiesteban brillan con su maravillosa interacción.

Samuel Quinto es también un compositor consumado y demuestra madurez y sentido de la aventura con la variedad rítmica que presenta aquí en una rumba, "Quinto's Rhumba" -que, por cierto, está tocada en un estilo deliciosamente picado que recuerda a Thelonious Monk. "Jaci" es una canción emocionante y bailable que cruza ritmos cubanos con un toque de Brasil. "Bolero To Preta", una cariñosa semblanza de la madre del pianista, sugiere que éste tiene mucha clave interior. "Ficou No Meio" es simplemente un maravilloso forro que se vuelve vertiginoso a medida que Quinto, Borges y Santiesteban rumbean gloriosamente la armonía y el ritmo. "Voo Da Andorinha" es un chorinho que, sencillamente, revela el "Alma de Nordeste" de Quinto. E "Isabel (Para Voce)" es una hermosa balada que brilla y reluce a medida que sus emotivos colores tonales comienzan a desplegarse.

"Salsa' N Jazz" es una canción emblemática que captura todo lo inolvidable de este disco: Un pianista con la capacidad de deslumbrar en silencio mientras la mano derecha vuela exóticamente y la izquierda inventa constantemente la armonía y el ritmo. He aquí un pianista muy prometedor, que lleva consigo su rica tradición brasileña y, de hecho, toda Latinoamérica, a un nuevo y apasionante paisaje musical._Raul D'Gama Rose (allaboutjazz)

                                                                             

                                                                               

Samuel Quinto Trio - Salsa'N Jazz (2009)

Temas:

01. Quinto's Rhumba

02. Jaci

03. Bolero To Preta

04. Salsa' N Jazz

05. Ficou No Meio

06. Kalimba Mulele

07. Isabel (Para Voce) 

08. Voo Da Andorinha

09. Stella By Starlight

Musicos:

Samuel Quinto (Piano)

Marcos Borges (Bajo)

Manuel Santiesteban (Batería)

Mario Rivera & George Coleman - El Comandante ...The Merengue-Jazz

Es una ironía que, al final, la influencia africana haya aportado el elemento más original de la música del continente americano; y esta música es la expresión cultural más auténtica producida allí y su mejor contribución a los artes. El jazz norteamericano ya está destinado a ser considerado como el desarrollo musical más importante del siglo XX. Pero originalmente, fue en las pequeñas islas salpicadas en el mar Caribe donde empezó todo. A pesar de su temprano desarrollo y su ocasional popularización internacional, la música popular de la República Dominicana, el merengue en particular, nunca ha recibido un verdadero reconocimiento artístico musical. Mario Rivera, posiblemente el músico dominicano más consumado en el género, se propuso cambiar esta situación con este álbum, el primero bajo su propio nombre. La Española, actualmente apuntalada por la República Dominicana y Haití, fue la colonia de la lista establecida en el Nuevo Mundo, y el trampolín hacia las fronteras en expansión.
No sólo los conquistadores se diseminaron desde La Española. También se inició allí la introducción de esclavos africanos en el Nuevo Mundo, que más tarde se extendió a otras islas, permitiendo así la polinización cruzada que tuvo lugar entre los miembros de muchas tribus diferentes. Toda la música influida por el éxodo forzoso de África occidental tuvo una especie de crisol en la región. Jelly Roll Morton reconoció esta influencia en la Nueva Orleans que produjo el jazz, y se dice que el SON cubano fue traído a Santiago de Cuba por dos hermanas de la Española. La realidad es que la semilla primigenia se trasplantó a suelos dispares, y los resultados fueron muy distintos. Por ejemplo, el jazz pasó a desarrollar una estructura armónica muy sofisticada, impulsada por los ritmos africanos sincopados. Cuba desarrolló la forma SON, y más tarde hizo bailar al mundo el mambo y el cha-cha-cha, del mismo modo que Brasil produjo la samba, rica en percusión. Pero, al tiempo que se permitía la diversidad, se mantuvo un núcleo común a todos, y es esta herencia africana la que hace posible que se unan y conecten. 

Esta historia sigue desarrollándose hoy en día, y parece que cuando la música latinoamericana más percusiva se fusiona con las sofisticadas armonías del jazz se alcanza el más alto grado de expresión musical, y ambas se enriquecen. Esto es bastante evidente en el matrimonio entre el jazz y la música afrocubana que dio origen al jazz latino durante la década de 1940, o la samba rítmicamente exótica que produjo la bossa novo en la década de 1960.

El merengue dominicano lleva mucho tiempo esperando hacer lo mismo. El merengue se considera la música nacional de la República Dominicana. Aunque el nombre se aplica también a estilos musicales desarrollados en otros lugares, cuando se dice merengue, se habla de música dominicana. Es un ritmo de baile vivo y nítido que se toca en el compás de 2/4 sobre el "cinquillo" caribeño.

Sus orígenes son escurridizos, debido a la falta de acontecimientos históricos documentados, pero la mayoría de los musicólogos parecen estar de acuerdo en que se trata probablemente de una música sincrética producida por la transformación del baile de la contra por ritmos africanos a mediados del siglo XIX. Fue precisamente esta influencia africana la que tanto ofendió a los llamados intelectuales xenófobos de la época, que llegaron a denigrarla cuando amenazaba los bailes más asépticos de las clases altas; como ocurre ahora. Si sus ataques son hoy más sutiles, son igualmente sospechosos por su falta de interés en explorar la relevancia cultural de la música, permaneciendo en un vergonzoso silencio.

Al principio, el merengue se tocaba con un instrumento de cuerda que ponía la melodía: el güiro, la versión de metal, o guira, y el tambor de dos puntas, con forma de barril, llamado tambora. El comercio de tabaco entre la región noroccidental del país con Alemania trajo consigo más tarde el acordeón diatónico, que sustituyó a la guitarra como fuente melódica. Posteriormente se añadió el saxofón alto, completando así el llamado Conjunto Típico.

Se trata del Merengue Cibaeño o Liniero (de la región denominada Cibao). Con exponentes como Ñico Lora y Toño Abreu, pronto se convirtió en Rey. Tenía que serlo. Cuando empieza el merengue y el acordeón y el saxofón se entrelazan en un sensual "floreo", empujado por el frenético "repique" del viril pulso de la tombora-guira el golpe se hace irresistible: hay que levantarse y bailar, aunque sea la "Chencha la Gamba" (la Chencha de piernas arqueadas del folclore dominicano).

Este es el pozo musical en el que Don Luis Alberti y Julio Alberto Hernández, entre otros, se inspiraron más tarde, transportando la esencia de la música al formato de big band. A mediados de los años 30 y 40 se consolidó el merengue elegante de salón, protegido por la sonrisa socarrona del Generalísimo Rafael Leonida Trujillo y Molino. Los años 40 y 50 se consideran la época dorada del merengue clásico, elegante pero viril. Durante los años 60, el merengue de lazo grande dio paso al estilo de combo, con seguridad custodiado por Don Rafael Solano, quien continuó la tradición armado con una artillería llena de "Pambiche".

Cuando el rock&roll invadió la tierra, Johnny Ventura estaba listo para continuar; y cuando se requería velocidad, Wilfrido Vargas se sentaba al volante. Hoy, el merengue se vende en manos de la banda "4:40" de Juan Luis Guerra. A pesar de que el merengue es el baile caribeño más popular desde principios de los 80, aún no se le han reconocido sus méritos musicales. Este vacío debe llenarse, y más vale que sea ahora, mientras el entusiasmo internacional por la música sigue floreciendo.

Este es el momento para el que se ha estado preparando el veterano multiinstrumentista dominicano Mario Rivera, con el fin de llevar la tradición un paso más allá; y está cualificado para hacerlo. Cuando llegó a Nueva York con 21 años, ya había tocado con las mejores bandas de la República Dominicana. Además, también estaba claro que estaba destinado a convertirse en el discípulo más aventajado del maestro Tavito Vásquez, indiscutiblemente reconocido como el máximo exponente del estilo de saxofón merengue. Con gran determinación y una disciplina inquebrantable, Mario se propuso dominar el lenguaje del jazz, y hoy puede contarse entre un puñado de músicos latinos que dominan verdaderamente el jazz.

Ha sido reconocido como músico de jazz por algunos de los intérpretes más destacados de su época. Titanes como Thelonious Monk, Dexter Gordon, Sonny Stitt y George Coleman le han distinguido. El difunto Dizzy Gillespie le regaló una de sus trompetas marca de la casa pocas semanas antes de su fallecimiento. Pocos músicos en activo son tan completos musicalmente como Mario Rivera. Por el camino, ha aprendido a tocar más de veinte instrumentos diferentes. Fue uno de los que encendieron la moda latina durante los años del famoso Palladium, actuando con las bandas de Machito, Tito Puente y, sobre todo, con la orquesta de Tito Rodríguez.

También formó parte de la era de la salsa, tocando con artistas de la talla de Eddie y Charlie Palmieri y Típica 73, entre muchos otros. Fue el líder de un grupo de jóvenes músicos latinos de Nueva York que, bajo la bandera de los refugiados de la salsa, redefinieron la música afrocubana en el contexto del bebop, creando así el jazz latino moderno. El siempre ignorado músico de acompañamiento ha participado en más de cien grabaciones, y sus contribuciones como solista le han valido unos seis premios Grammy para muchos grupos de jazz y latin-jazz. Mario sigue muy activo tanto en el circuito de jazz como en el de jazz latino, actuando regularmente con el Tito Puente Latin jazz Ensemble, Dizzy Gillespie and The United Nation Orchestra, The Golden Men of Latin jazz y The Jazz Masters. Pero durante los últimos años se ha dedicado a la idea de fusionar el merengue con el jazz para conseguir un sonido nuevo, fresco y de una calidad estética distintiva. De eso trata este álbum. Y lo hace en buena compañía. George Coleman, el musculoso saxofonista de Memphis, no necesita presentación. Representa la voz del jazz que va a sancionar el experimento, al igual que Dizzy hizo con la música afrocubana. Ambos han tocado juntos muchas veces, desde que Mario se encargó de anclar con su barítono la sección de saxofones del maravilloso Octeto de George Coleman.

Hay un equilibrio total en la forma en que tocan en este álbum; como si acabaran de unir sus fuerzas para hacer música buena y honesta. Hilton Ruiz se remonta con Mario a los días de los refugiados de la salsa. Puertorriqueño nacido en Nueva York, es probablemente el único pianista latino con dominio de las intrincadas armonías del bebop, y realiza una sólida contribución a la música. Walter Booker es un auténtico bajista veterano enraizado en la mejor tradición jazzística. Pasó noches interminables en el apartamento de Mario mientras absorbía a fondo el estilo del merengue. No hay nadie mejor para este proyecto. Con Rey-Chinito-Díaz a la tambora, Isidro Bobadilla a la percusión, Phoenix Rivera a la batería y Alexis Díaz a la guira, está rodeado de músicos que le ayudaron a desarrollar el concepto durante las fases experimentales en el club neoyorquino SOB's. Ignacio Berroa hace la mayor parte del trabajo de batería, y Ed Cherry está a la guitarra; son nuevas incorporaciones que sin duda realzan la música. John Benitez al bajo y Daniel Guillermo al piano completan el personal.

Como ves, la mayor parte quedó en familia y te aseguro que todos se esforzaron al máximo para que así fuera. En cuanto a la música, encontrarás buen gusto, variedad y originalidad. No se equivoque, éste es un álbum de jazz en toda regla. Pero si quiere comprobar lo bien que se ha integrado el merengue, póngalo a prueba de verdad; póngase el gel y báilelo. Estoy seguro de que la experiencia será muy gratificante para ambos públicos. Es muy apropiado que todo comience con Amigos Juntos, porque al hacerlo, Mario Rivera (El Comandante) les ofrece un experimento cultural de proporciones históricas significativas._Dr. Federico Chan (Ciudad de Nueva York, diciembre de 1993)

Mario Rivera (nació en Santo Domingo 22 de julio de 1939 - murió de un linfoma el 10 de agosto de 2007 en Nueva York).

                                                                              

                                                                                     

Mario Rivera & George Coleman - El Comandante ...The Merengue-Jazz (1994)

Temas:

01. Amigos Juntos (Mario Rivera)

02. Frank's Tune (Frank Strozier)

03. La Puerta (Luis Demetrio)

04. Tanga (Dizzy Gillespie)

05. Pretty Blues (George Coleman)

06. Afternoon In Paris (John Lewis)

07. Todavia (Phoenix Rivera)

08. Have You Met Miss Jones? (Richard Rodgers / Lorenz Hart)

09. En La Obscuridad (In The Dark) (Rafael Solano)

Musicos:

Mario Rivera (Saxo tenor, saxo soprano y saxo alto, flauta alta, trompeta, tambora)

Ceorge Coleman (Saxo tenor)

Hilton Ruiz (Piano)

Ed Cherry (Guitarra)  

Walter Booker bajo 

John Benitez (Bajo) 

Ignacio Berroa (Batería)

Phoenix Rivera (Director musical, batería, piano adicional)

José Alexis Diaz "La Tormenta" (Congas, guira)

Rey Diaz "El Chinito" (Tambora)

Daniel Cuillermo (Piano oddicional)

Isidro Bobadilla (Shekere y percusión adicional)

Frank Colón - Latin Lounge

Frank Colón (nacido el 13 de octubre de 1951) es un músico y artista marcial estadounidense de ascendencia puertorriqueña.
Nacido en Washington, D.C., Colón se trasladó de allí a Puerto Rico a la edad de cinco años. Su formación musical comenzó a los once años, con clases de piano clásico, bajo la dirección de Angelina Figueroa y Rafael Figueroa. También estudió percusión brasileña, guitarra, bajo eléctrico y trap drum. Participó activamente en deportes municipales y universitarios, artes marciales y teatro aficionado, y trabajó con varios grupos locales de música pop.
En 1970 regresó a Washington D.C. para cursar estudios universitarios en la American University, donde se especializó en Ciencias Políticas. Durante este tiempo, su orientación musical cambió de los instrumentos melódicos a la percusión. Al terminar sus estudios universitarios, se dedicó por completo a la música.
En 1976, Colón se trasladó a Nueva York para trabajar con el batería Julito Collazo. Allí aprendió a tocar los tambores Batá.

Colón es practicante de Tai chi y cinturón negro pionero estadounidense, instructor superior del sistema israelí de defensa personal Krav-Maga, certificado por el Instituto Wingate de Israel y Krav-Maga International, Inc. Él fue el primer Vice-Presidente elegido de la Asociación americana de Instructores de Krav maga (AAKMI), hoy conocido como La Federación de Krav maga. Él actualmente tiene el rango de Profesor Cinturón Negro Dan 2._(wikipedia)

A lo largo de su carrera, Frank Colón ha sido un percusionista muy solicitado por artistas tan populares como Manhattan Transfer, Aretha Franklin y Tania Maria. Pero aunque su percusión es una parte prominente de los conjuntos de "Latin Lounge", es su escritura y el uso de los variados colores de los otros músicos lo que hacen de ésta una grabación particularmente notable.

Grabado en Río de Janeiro, Brasil, "Latin Lounge" cuenta con el talento de músicos brasileños de la talla del trompetista José Arimateia, el flautista Carlos Malta, Julio Falavigna a la batería y el bajista Estevão Lima, además de armónica, acordeón, dos cuerdas y cuatro guitarristas muy diferentes.

Sus diez originales están llenos de ricas melodías, ambientes pintorescos y contagiosos ritmos latinos. Los títulos de las canciones a menudo definen la música, como la exótica "Emerald Coast", los ritmos optimistas de "Easy Does It" y "Summer Cocktail", y la sensual "Let's Just Go...", con su patrón de bajo especialmente pegadizo. La guitarra acústica de Jamie Glaser en la funky "Wishful Thinking", el uso del acordeón en "Tango Lucumí" y la guitarra flamenca de Roman Miroshnichenko en "Spanish Heart" añaden un toque memorable a la variedad de este conjunto atmosférico.

A lo largo de su carrera, Colón ha trabajado con muchos artistas de primera fila, como Manhattan Transfer, Wayne Shorter, Gato Barbieri, Michel Camilo, Chucho Valdés, Michel Petrucciani, Joe Zawinul, Flora Purim, Dr. Billy Taylor, Milton Nascimento, Harry Belafonte, Airto Moreira y Paquito D'Rivera, entre otros. Sus CD anteriores incluyen: "Live At Vartanjazz" y "Latin Wonder".

"Latin Lounge" está lleno de música a la que es difícil resistirse. Como dice con precisión Frank Colón, "Latin Lounge moverá tu cuerpo, tocará tu corazón y calmará tu alma.La mezcla de culturas musicales eleva la conciencia, une a la gente y promueve la paz. Latin Lounge' transporta al oyente a una tierra que siempre ha imaginado, pero que nunca supo que existía"._(jazzpromoservices)

                                                                                    

                                                                            

Frank Colón - Latin Lounge (2019)

Temas:

01. Emerald Coast 

02. Summer Cocktail 

03. Easy Does It

04. Let's Just Go...

05. Samba Gitano

06. Spanish Heart 

07. Wishful Thinking

08. Tango Lucumí

09. The Whales of Bahia 

10. Bali 

Musicos:

FrankColón (Percusión,voz,programación)

José Arimateia (Trompeta, fliscorno)

Raphael Batista (Violín)

Julio Falavigna (Batería)

Daniel Figueiredo (Sintetizadores)

Jamie Glaser (Guitarra acústica)

Estevão Lima (Bajo)

Jr. Lobbo (Guitarra eléctrica)

Luana Mallet (Voz)

Carlos Malta (Flauta, flauta baja)

Kleyton Martins (Teclados)

Roman Miroshnichenko (Guitarra flamenca)

Elton Ricardo (Fender Rhodes)

Cristiano Rocha (Batería)

José Staneck (Armónica)

MatheusStarling (Guitarraeléctrica)

Cristiano Veneza (Violín, viola, violonchelo)

MateusViano (Acordeón)

Juan Carlos Quintero - Table for Five!

Los aficionados a los cautivadores ritmos latinos al servicio del jazz contemporáneo quedarán encantados con Table for Five! en el que el maestro Juan Carlos Quintero cambia sus habituales cuerdas de nailon por una guitarra eléctrica y su enfoque del smooth jazz y las músicas del mundo por el repertorio estándar, americano y latino, y un par de composiciones propias centradas en el jazz. Es un entorno en el que Quintero brilla, al igual que sus amigos y colegas de toda la vida: el pianista Joe Rotondi, el bajista Eddie Resto, el batería Aaron Serfaty y el percusionista Joey DeLeon.
Table for Five...At the Cumbia Inn" de Quintero se basa en los ritmos tradicionales de la cumbia folclórica de Colombia, mientras que "Porque Si Quieres" es una nueva versión de un tema que apareció en un álbum de Quintero a finales de los 90. Luiz Bonfa, otro legendario compositor latino, está bien representado con "The Gentle Rain" y "Manha de Carnaval", y el percusionista cubano Armando Peraza con el irreprimible "Mambo Balahu". Quintero da a "Days of Wine and Roses" de Henry Mancini un brillante maquillaje latino, como hace con los estándares "Alone Together" y "Beautiful Love", "Song for My Father" de Horace Silver y "Giant Steps" de John Coltrane, que resulta especialmente encantador cuando se escucha en un contexto dispar. Beautiful Love" de Victor Young, que cierra la sesión, se interpreta a un ritmo mucho más pausado de lo habitual, pero funciona.

Quintero hace un solo ágil en "Giant Steps", al igual que en otros temas, mientras que Rotondi añade otra voz astuta a la mezcla. En cuanto a Resto, Serfaty y DeLeon, desentrañan el jazz latino como al señorío nacido. Ni que decir tiene que la percusión de DeLeon está en el corazón de cada número; es difícil imaginar un álbum de música latina sin ese trasfondo infatigable y esencial. Él y Serfaty forman un equipo admirable, al igual que Quintero y Rotondi. Aunque Table for Five! es en su mayor parte jazz mainstream de alta calidad, de vez en cuando cruza la frontera hacia el smooth jazz, lo que debería complacer a los entusiastas de ambos géneros al tiempo que garantiza una mayor difusión y streaming._Jack Bowers (allaboutjazz)

                                                

                                                                       

Juan Carlos Quintero - Table for Five! (2021)

Temas:

01. Alone Together 

02. Mambo Balahu 

03. The Gentle Rain 

04. Manhã De Carnaval 

05. Table For Five…At the Cumbia Inn 

06. Song For my Father 

07. Porque Si Quieres… 

08. Days of Wine and Roses 

09. Giant Steps 

10. Beautiful Love 

Musicos: 

Juan Carlos Quintero (Guitarra)

Joe Rotondi (Piano)

Eddie Resto (Bajo)

Joey DeLeon (Percusión) 

Aaron Serfaty (Batería)

Eliana Cuevas - Espejo

Con su álbum Espejo, la cantautora de origen venezolano Eliana Cuevas se adentra un poco más en su vida como músico. La música de este álbum deja claro que la Sra. Cuevas ha madurado considerablemente desde su debut en 2002, Cohesión. La cantante está más segura de sí misma, ya que escarba más profundamente en su alma y, como resultado, está claro que ahora escribe música más compleja y hace un uso más completo de la música folclórica de Venezuela con mayor intelecto; de maneras más sutiles tanto rítmicamente como en términos de las ricas y ondulantes invenciones melódicas por las que es conocida. Además, aquí se puede escuchar a la Sra. Cuevas cantar no tanto dentro de una zona en la que se siente cómoda, sino empujándose a sí misma a captar la música con un mayor sentido de la urgencia y con mucha más energía nerviosa. También está en contacto con el reino de los espíritus, donde parece navegar con una feminidad sublime, así como con cierto celo chamánico.
Cuevas ha tenido que tomar ciertas decisiones musicales que han hecho que el álbum que reseñamos sea un tanto "todo incluido". Pensemos en ello: Cuevas ha llevado sus habilidades al límite. Como resultado, parece haber acabado fusionando algunos elementos de la música popular en lo que habría sido simplemente música hermosa que debería haberse mantenido por sí misma, disfrutando de sus maravillosos ritmos folclóricos. "Estrellita" es una de esas canciones.

Comienza con una melodía intrincada entretejida en un ritmo igualmente complejo, pero luego se pierde en lo que se convierte en un poco de pop exagerado, especialmente en el octavo medio de la canción, cuando los cambios se vuelven un poco simplistas. Sin embargo, la Sra. Cuevas se recupera rápidamente y ofrece una actuación estelar en la elegíaca "En Un Pedacito De Tu Corazón". La canción tiene un ritmo exquisito y la voz de la Sra. Cuevas sube y baja en olas oceánicas mientras insufla una tristeza elemental a la melodía, que hace piruetas en círculos cada vez más amplios alrededor del ritmo hipnótico y la tentadora armonía de los teclados.
El punto álgido de la vocalística de la Sra. Cuevas llega inmediatamente después, en una oleada tras otra de música casi perfecta. Comenzando con la balada "Nacerá", la Sra. Cuevas demuestra tener una conexión profunda y casi umbilical con casi toda la música sudamericana (la incursión brasileña aquí es palpable y divinamente ejecutada con conmovedora afectación). La Sra. Cuevas continúa su odisea latina con otra interpretación superlativa (fusión de maracatú y marcha venezolana y brasileña) en "Llegó". Toda la brillantez de la cantante confluye en el impresionante regate de "El Tucusito". Es en esta canción donde brilla todo el impacto del registro vocal de la Sra. Cuevas, así como su verdadero ingenio. La absoluta brillantez de su control y expresión mientras corre por el joropo no tiene comparación. Tan maravillosa es su interpretación que casi supera el ingenio del contenido melódico de la canción, que se debe al pianista Jeremy Ledbetter. El trabajo de la Sra. Cuevas está enmarcado por un cuatro break igualmente maravilloso del inigualable Aquiles Báez.

Es en el terreno de la música profundamente tocada por sus raíces folclóricas donde la Sra. Cuevas realmente se supera a sí misma. Su gimnasia vocal no sólo se manifiesta en la velocidad y destreza con que ejecuta la voz (en el caso de "El Tucusito"), sino también en la profundidad de su lectura de la letra (como en canciones como "Llegó" y "Nacerá"). Por otra parte, Cuevas demuestra que sabe desenvolverse con soltura en las distintas texturas y timbres de las trompas -tanto de metal como de las maderas más suaves- (en "Agua"), así como cuando los arreglos requieren cuerdas (en "Lamento"). A pesar de su atractivo pop, Espejo es una maravillosa revelación del arte de Eliana Cuevas. Es un magnífico reflejo de su expresiva musicalidad, así como de la profundidad de su espiritualidad y su alma._Raul Da Gama (latinjazznet)                         

                                                                                  

Eliana Cuevas - Espejo (2013)

Temas:

01. Estrellita 

02. En Un Pedacito De Tu Corazón 

03. Nacerá

04. Llegó

05. El Tucusito

06. Lamento

07. Agua, Cangrejo y Sal

08. Nueva Vida

09. Melancolía

10. Antito 

Todos los temas de Eliana Cuevas, excepto el tema #5 de Jeremy Ledbetter y pista #7 Letra de Eliana Cuevas, música Eliana Cuevas & Jeremy Ledbetter

Musicos:

Eliana Cuevas (Voz y coros)

Jeremy Ledbetter (Piano, melódica, teclados, Fender Rhodes, mandolina

y percusión)

Mark Kelso (Batería y percusión)

Daniel Stone (Percusión en pistas #1,#4,#8,#10)

George Koller (Bajo en pistas #1,#5,#6,#8,#9)

Ross MacIntyre (Bajo en pistas #3,#7)

Rich Brown (Bajo en pistas #4,#10)

Yoser Rodríguez (Bajo en pista #2)

Aquiles Báez (Cuatro en temas #5,#10)

Manuel Range (Maracas en pista #5)

Alexander Brown (Fliscorno en pista #1)

Luis Deniz (Saxo alto en pista #3)

Alexis Baró (Trompeta en pista #7)

Paul Metcalfe (Saxo soprano en pista #7)

Chris Butcher (Trombón en pista #7)

Diego Las Heras (Programación de batería en pista #2)

Aleksandar Gajic y Jennifer Burford (Violín en pista #6)

Ivan Ivanovich (Viola en pista #6)

Mateusz Swoboda (Violonchelo en pista #6)

Leila Ledbetter (Voz en pista #10)