Enrique Bonne Castillo. Fue un destacado compositor de música y locutor de radio del municipio San Luis, Santiago de Cuba, Cuba. Enrique Bonne nació en San Luis, Santiago de Cuba, el 15 de Junio de 1926. Hijo de José (puntista azucarero y autor musical) y Engracia, profesora de piano. Alcanzó los primeros conocimientos musicales con su madre y luego con los maestros Oliván y Ventura Calzado. Comenzó su carrera artística en 1950 como compositor de música popular y locutor de radio. A partir de 1959 y durante cuatro años representó a la Asociación de Autores como administrador de la empresa Vic-Cuba. Dirigió la Coral Tele Rebelde durante 19 años, y a partir de 1962 fue miembro de la Comisión del Carnaval. En 1961, formó los Tambores de Bonne grupo de percusión que aún se mantiene vigente y con el que ha participado en importantes acontecimientos dentro y fuera del país, como son el festival Mundial de la Juventud y los Estudiantes (La Habana, 1979), los Juegos Centroamericanos y del Caribe (Habana, 82) y la Feria del Café de Colombia. Este grupo participó además en la [banda sonora]] del filme Barroco, producido por el Instituto Cubano del Arte y la Industria Cinematográfica. Ha creado mas de 150 obras musicales, entre las que se incluyen, entre otros, danzones, boleros, guarachas, sones, canciones, sambas, congas, cha-cha-cha, merengue y montunos. Es el inspirador del ritmo Pilón que genialmente interpretara Pacho Alonso, quien fue uno de los principales intérpretes de sus obras, junto a figuras de la talla de Fernando Álvarez, Ramón Calzadilla,Elena Burke, Caridad Hierrezuelo, Miguel Ángel Piña y Rosita Fornés. Además de las orquestas Estrellas de la Charanga y Original de Manzanillo. Es Miembro de Mérito de la UNEAC y ha sido, en varias ocasiones, jurado de los concursos de música popular Adolfo Guzmán y Eduardo Saborit. Además de lo anteriormente mencionado Enrique Bonne es el presidente, en Santiago de Cuba, de la Asociación Cubana de Autores Musicales, presidente de honor del Consejo Técnico Artístico] del Centro Provincial de la Música, miembro de los consejos asesores de Cultura Provincial, los Estudios Siboney de la EGREM y la Dirección Provincial del ICRT._ecured Más información relacionada
Son En Percusion (Enrique Bonne Y Sus Tambores) (2013) Temas: 01.Hay un Caracol en el Mar 02.Son en Percusión 03.En Mi Cuba, Santiago Esta en Carnaval 04.Opiniones 05.Le Dicen Cangrejo 06.Quinto Llama a Tumbita 07.La Tortuga y el Conejo 08.No Tiene Sensibilidad 09.No Llores, No Llores, No Llores 10.La Mulata Caramelo 11.La Samba del Pirata 12.Que Quiere Sofia Información cedida por Roberto Rodriguez
" Raices ? Nunca he oído hablar de eso! " Tanto mejor digo, si estamos hablando de Julio Iglesias álbum 'del mismo nombre. Pero no te preocupes, porque yo voy a presentar a un álbum que los fans Exotica típicos - incluso aquellos que son dueños de varios cientos de discos de larga duración relacionados con el género-y títulos - probablemente ni siquiera saben de. Cejas arqueadas son más o menos espera por mí, para la fecha de lanzamiento de 1975 solo le dice que algo debe ser sospechoso sobre ella: la locura Exotica había desaparecido en el momento y sólo sobrevivió parcialmente en los estados transformadas de Jungle Jazz y Funk. Es curioso, ya que estos dos géneros son exactamente lo que el septeto de Raices (que significa raíces ) tiene en cuenta en sus ocho pistas debut homónimo que, por desgracia, es también su liberación definitiva en esta formación. Lanzado el Nemperor Registros , grabado en Miami y supervisado por The Doors productor normal 's Bruce Botnick , los dos citados géneros están condimentadas con dosis audaces de Exotica, a saber, los reclamos ocasionales, rituales, pero los tonos de flauta melodiosa y un inesperado gran cantidad de percusión exótica instrumentos de cáscaras de coco, cabasas quikas y otros aparatos de unirse a los bongos más habituales, congas y varas de bambú. Junto con los instrumentos más originales, como el piano eléctrico, el sintetizador Moog y el claviochord, Raices crear siete piezas únicas y una interpretación que evocan sobre todo la vida en la selva. Una selva plástico respetuoso del neo-salvajes, claro está. Pero, no obstante, una selva tropical del corazón. La configuración de la banda se compone de director de orquesta, flautista y percusionista Rafael Cruz , el bajista Roberto Puras , los tres percusionistas adicionales Sammy Figueroa (co-fundador de la banda) , Gonchi Sifire y percusionista-saxofonista Juan Meléndez , el guitarrista Carlos Meléndez , así como el pianista Amaury López . De hecho, cuatro de los miembros de la banda son percusionistas, y oyes su ímpetu en cada segundo: si bien este es un álbum de jazz con muchos cambios rítmicos, no se presentan todos los patrones demasiado complejos. Es el entrelazamiento de los instrumentos y la diferente tonalidad de cada ingrediente que hacen la diferencia. Del mismo modo, el género Funk incesantemente perceptible recuerda otra banda Exotica-Funk de los años 70, los británicos Mandingo proyecto. Si distante como su música, lo más probable es que usted adora Raices así, incluso dura su enfoque es mucho más soñador y más suave. Pero de todos modos, aquí viene Raices... Seguir leyendo
Alberto Beltrán. Nació el 5 de mayo de 1923, en Palo Blanco, municipio de La Romana, República Dominicana. Melodioso cantante poseedor de un claro fraseo; cantante autodidacta, como casi todos los de su época. De niño fue vendedor de dulces que recorría las calles en su pueblo natal. Se inició en el arte de la música a la edad de 14 años participando como aficionado en la Voz del Yuna, en donde lo obligaron a tomar clases de canto.
En el año de 1946 integró el Quinteto Ballet Tono de Santo Domingo y luego pasó al Sexteto Brisas de Oriente que luego se convirtió en orquesta. Con el conjunto de Medardo Guzmán, compatriota suyo y autor del merengue “El Negrito Del Batey”, interpretó este tema, que fue grabado sin mucho éxito por Joseito Mateo conocido como “El Rey Del Merengue”. Posteriormente formó parte de la agrupación denominada The Dominican Boys y con esta orquesta, el joven Alberto Beltrán sale por primera vez de su país a realizar presentaciones en Aruba y Curazao.
En busca de nuevos rumbos se traslada a La Habana, meca del entretenimiento por aquél entonces (1946) y efectúa presentaciones en Radio Progreso con bastante éxito, realizando incluso presentaciones cantando con diferentes tríos locales. Hacia 1951 viaja a Puerto Rico donde se le presenta la oportunidad de grabar sus primeros temas en el acetato para el sello Mardi Grass y graba el tema “El Diecinueve” con la orquesta Los Diablos Del Caribe bajo la dirección del destacado tresista y compositor boricua Mario Hernández. A su regreso a Santo Domingo entra a formar parte de la Super Orquesta San José, con quienes realizó un trabajo discográfico.
Después de recorrer algunos países del Caribe, Alberto Beltrán llega a Santiago de Cuba, el 15 de Julio de 1954, pasando de inmediato a La Habana, en donde hizo contacto con su compatriota y amigo Tirso Guerrero, quien lo presentó a Rogelio Martínez, el insigne director de la Sonora Matancera. En este año la agrupación había sufrido la precipitada salida de Bienvenido Granda y en su reemplazo había ingresado Laíto (Estanislao Sureda) como cantante de planta; también ingresó Elpidio Vázquez en el bajo en reemplazo de su padre Pablo ‘Bubú’ Vásquez. Alberto Beltrán inicialmente consiguió trabajo en Radio Mambí, en el programa La Hora Del Sabor, alternando con la gordita Myrta Silva. En septiembre de ese año tiene la oportunidad de ingresar a la Sonora Matancera en calidad de artista invitado, por insinuación de Rogelio quien le propuso realizar unas grabaciones con el conjunto “para ver que pasaba”; llega en el tiempo que se ha considerado la “Época de Oro” de la agrupación (ubicada entre 1947 y 1958).
En septiembre de 1954 grabó los primeros dos boleros: “Ignoro Tu Existencia” de Pablo De La Mota y “Aunque Me Cueste La Vida”, composición del también dominicano Luis Kalaff, este tema se convirtió en una de las grabaciones más exitosa en la historia de la Sonora Matancera, como lo reconoció muchos años después el propio Rogelio. El martes 16 de Noviembre de este mismo año grabó los temas: “El Negrito Del Batey” (Medardo Guzmán), en ritmo de merengue, y los boleros “Todo Me Gusta De Ti” (Tuco Estévez), “El Diecinueve” (R. Reyes Alfau) y “Enamorado” (P. Balcacer). Con “El Negrito Del Batey” el éxito continuó, justo con el merengue dominicano de su tierra; el tema tuvo grandes ventas y fue Disco de Oro en aquel tiempo. En el mes de diciembre, en una de sus presentaciones con La Sonora Matancera, el locutor Germán Pinelli, aprovechando que el tema se encontraba de moda, le dio el apelativo con el que se le conoció internacionalmente, El Negrito Del Batey.
El martes 18 de enero de 1955, de nuevo con el respaldo de la Sonora Matancera, grabó a dúo con Celia Cruz el tema “Contestación A Aunque Me Cueste La Vida” (Luis Kalaff) y, como solista, el bolero “Te Miro A Ti” (J. C. Bodén). En los inicios de 1955, la voz de Alberto Beltrán se escuchaba por toda la isla; las emisoras y los centros musicales no cesaban de sonar sus temas con la Sonora. Estaba en la plenitud de su carrera, manejar esta fama se constituyó en un problema para el dominicano, porque era joven y extranjero. Fue en el mes de marzo de ese año, en una corta gira con La Sonora Matancera, cuando un promotor artístico lo persuadió para que se desligara y aceptara un contrato para cantar con El Conjunto Casino, que le iba a pagar más honorarios y que era la competencia de la Sonora; ante esto Rogelio Martínez decidió dar por terminada su relación con la agrupación. A pesar de haber grabado tan solo ocho temas con la orquesta de Matanzas fue suficiente para vivir de esta fama. Pasaron desapercibidas las grabaciones que hizo con el Conjunto Casino, no tuvo con ellos la empatía musical que se presumía y, posteriormente, grabó con Los Campeones Del Ritmo. Alberto lamentó su separación de la Sonora todo el resto de su vida... Seguir leyendo
Alberto Beltran "El Negrito del Batey" - Apágame la Vela (2013) Temas: 01.Apágame la Vela (Merengue) 02.Can Can - Cha Cha Cha 03.Por un Beso y Mi Ultimo Ruego (Bolero) 04.Portero Suba y Diga (Bolero) 05.Titita (Merengue) 06.Noche de Luna (Bolero) 07.Viviré para Amarte (Bolero) 08.Por un Pelito (Merengue) 09.De Corazón (Bolero) 10.Que Te Vaya Bien / Rayito de Luna Información cedida porOsvaldo M.
Diane Schuur es una cantante y pianista estadounidense de jazz. Ciega de nacimiento por complicaciones en el hospital, Diane Schuur creció en Auburn, Washington, donde su padre trabajaba como policía. Apodada Deedles desde niña, Shurr descubrió el mundo del jazz a través de su progenitor, que tocaba el piano, y su madre, que poseía una formidable colección de discos de Duke Ellington y Dinah Washington. Gracias a su oído priviegiado (Schuur posee oído perfecto), comenzó a tocar el piano de forma autodidacta hasta que con tan sólo 10 años dio su primer concierto, en un hotel de Tacoma. Shuur ingresa entonces en el Washington State School for the Blind, una institución para ciegos donde permanece hasta los 11 años. Poco después ya disponía de una buena colección de vinilos de Dinah Washington, su más importante inspiración.
En 1971 graba su primer single, un tema country titulado "Dear Mommy and Daddy", y tras su paso por la High School se centra en el mundo del jazz y efectúa algunas giras por el noroeste del país. En 1975 aparece con el grupo del baterista Ed Shaughnessy en el Monterey Jazz Festival, y Stan Getz -presente entre el público- la invita a participar en un concierto en la Casa Blanca. En 1984, tras firmar con el sello GRP Records edita su primer álbum titulado Deedles.
Durante los 13 años siguientes, Schuur graba 11 álbumes para GRP, incluyendo Timeless (1986) y Diane Schuur and the Count Basie Orchestra (1987), ambos premiados con un Grammy. En 2000, tras haber editado un único álbum para Atlantic un año antes, firma con Concord Records, que edita su Friends For Schuur. A partir de entonces, inicia una serie de proyectos en colaboración: Swingin’ For Schuur (2001) con el trompetista Maynard Ferguson, Midnight (2003) con Barry Manilow y Fire (2005) con The Caribbean Jazz Project. En Some Other Time (2008) Shuur interpreta temas clásicos de George e Ira Gershwin, Irving Berlin y otros compositores de standards.
A menudo en la periferia del jazz, la crítica ha dicho de Diane Schuur que tiene el potencial para llegar a estar entre las más importantes cantantes de jazz aunque su repertorio incluya una buena dosis de temas pop. Su tendencia natural a abusar del registro agudo ha ido moderándose con el tiempo, y hoy se la considera una cantante muy capaz, aunque sus discos tiendan a ejercer un impacto relativo sobre las audiencias de jazz. El talento natural de Diane Schuur ha conseguido en Europa un reconocimiento mayor que el que ha cosechado en su propio país, donde parece incapaz de codearse con los grandes nombres del jazz._(wikipedia)
Habiendo mostrado una habilidad en el pasado para reinterpretar melodías tanto de pop como de jazz, la vocalista de jazz Diane Schuur una vez más logra reunir una mezcla inesperada de composiciones en Schuur Fire. Con el Caribbean Jazz Project, el álbum encuentra la voz de clarín de Schuur combinándose muy bien con el magnífico conjunto de jazz latino del vibista Dave Samuels, especialmente el trompetista Diego Urcola, quien toma algunos solos sabrosos en todo momento.
Con estos fines, los oyentes descubren que "Don't Let Me Be Lonely Tonight" de James Taylor es un cómodo tema de jazz suave con una bonita sección media a tiempo doble, y "As" de Stevie Wonder encaja perfectamente en el estilo de baile latino dinámico. Curiosamente, "Look Around" de Sergio Mendes tiene una sensación fielmente retro que se remonta a grupos vocales tan brillantes como Free Design. Sin embargo, nadie más que Schuur podría haber predicho lo bien que sonaría como samba la clásica melodía country de Don Gibson, "I Can't Stop Loving You"._Matt Collar (allmusic)
Ernán López Nussanació con un piano en casa. Su madre es profesora de francés, apasionada del piano y su padre un gran artista, pintor, diseñador, escritor, crítico de arte y cine… La familia escucha mucha música y la colección de discos da un lugar de honor a los jazzistas. Ernán vive en este ambiente cultural, toca con el piano de mamá y rápidamente se decide por la música, el piano. Estudió sucesivamente en el Conservatorio Alejandro García Caturla y Amadeo Roldán antes de ingresar al Instituto Superior de Artes. La cultura musical popular, la vive a diario, es la música de la calle, de sus amigos, de sus vecinos. También escucha mucha canción francesa y música brasileña.
Muy joven, durante los años setenta, quiso divertirse y organizó grupos pequeños, jugó en centros de trabajo, carnavales, bares - Entre estos grupos pequeños está “Jibacoa”. También toca con Dulzaides en el Bar El Elegante- de los Museos ... En los cabarets, Ernán suele acompañar los espectáculos e incluso toca la guitarra.
1975. Ernán López Nussa conoce a Bobby Carcassés. Es verdaderamente el comienzo de su carrera profesional. En 1976, el grupo “Afrocuba” surge de manera puramente informal. Ernán y algunos alumnos se unen allí a músicos algo mayores dirigidos por el saxofonista Nicolás Reinoso. Mientras continuaba sus estudios se dedicó al grupo, tocaba ocasionalmente en conciertos pero aún no pensaba en una carrera personal. Siente la necesidad de trabajar, de experimentar.
Paralelamente, Ernán López Nussa toca con un trío formado por su hermano Ruy y un bajista, Charles Flores. Los clubes y cabarets de la capital son los lugares que les dan la bienvenida. : la Casa de la Cultura Checa, la del barrio Plaza, el Museo de Bellas Artes ...
Su progreso es importante y comienza a contar en el mundo del piano havanero . Es él a quien acuden los amigos de "Papito" Hernández a buscar hacer una descarga en "Felo" Hernández cuando "Papito" y "Kike" visitan a su familia en Cuba en 1981.
Ernán toca con "Afrocuba" para el Festival Jazz Plaza en 1983 pero también con Bobby Carcasses. Con "Afrocuba", de 1984, acompaña a Silvio Rodriguez y hace nuevas giras con él por Latinoamérica, Italia, España ...
El contacto con Silvio es un gran enriquecimiento. Con él Ernán aprende a dirigir un grupo, a arreglar, a sacar lo mejor de la música. Ernán realizó varias grabaciones con “Afrocuba” durante la docena de años del grupo, destacando “Afrocuba”, “Eclipse de Sol ”, “Dile que vuelvo ”, “Acontecer ”. López Nussa comienza a sentir la necesidad de componer para compartir sus emociones. Con Omar González, el bajista del grupo, comienzan a componer y arreglar en particular para los temas de jazz en lo que a Ernán se refiere ..._(montunocubano)
Cuba ha sido el lugar de nacimiento de un formidable número de virtuosos del piano, algunos de los cuales han alcanzado virtualmente un estatus de "nombre familiar" y otros que probablemente han recibido menos elogios de los que merecen. Ernán López Nussa entra en esa última categoría. Una posible razón para esto es que algunos de sus proyectos a lo largo de los años como Afrocuba, Cuarto Espacio y Habana Report han sido excelentes proyectos de ensamble pero no mostraron completamente su rango como pianista, y otras grabaciones como Delirium fueron a veces un desafío. para que los oyentes de lugares como los EE. UU. lo encuentren. De hecho, es posible que esta última grabación, Pas De Trois, requiera un poco de trabajo para obtenerla, pero esperamos que no, ya que demuestra el rango y el formidable talento de Ernán como pianista de una manera que muchas de sus grabaciones anteriores simplemente no lo hacen.
Pas De Trois es un proyecto en trío con Ernán al piano de cola, Yandy Martínez González al contrabajo y Enrique Plá García a la batería y percusión. La mayoría de las selecciones son originales de Ernán, pero también hay algunas versiones innovadoras de La dama sofisticada de Ellington, La vida de la fiesta de Tony Williams, Lately de Stevie Wonder y un bonus track de Mack The Knife con un conjunto más amplio.
Se necesitarían tres o cuatro páginas para describir completamente todo lo que sucede en esta grabación porque las canciones incorporan una asombrosa variedad de materia prima, desde la música popular cubana hasta los patrones clásicos, el ragtime, el swing, el bop y el blues, y gran parte de ella se reinventa en formas en las que los oyentes encontrarán intrigantes. Es más, el trío a veces se convierte en una moneda de diez centavos dentro de las canciones. El hecho de que todo esto funcione tan bien no es de extrañar si recordamos que la música cubana de la época ayudó a influir en el nacimiento y la adolescencia del jazz estadounidense, pero este es un pedazo de historia que algunos han olvidado y otros deliberadamente ignorado, y esta grabación puede hacer que algunos músicos revisen la evolución de la música con una nueva perspectiva sobre lo que es posible y aceptable.
Aunque muchos de los pasajes son intrincados y hermosos, no hay mucho melodrama manifiesto en la grabación. Ernán y Yandy conversan con frecuencia instrumentalmente, pero incluso los complejos solos de bajo todavía ocurren dentro del contexto del trío, lo que lo distingue de tantos otros grupos en los que toda la acción se detiene cada vez que el bajo toca un solo
El trabajo en solitario del Sr. Plá es relativamente limitado, pero su papel como ancla para el trío, aunque sutil, es muy eficaz. El propio Ernán es un intérprete muy lírico y, en ocasiones, sobre todo en lugares como el bonus track Figuraciones, muestra una capacidad de elaboración de canciones y un espíritu de igualación que nos recuerda la obra de Art Tatum. Dado que no hemos visto a Ernán en el modo pistolero / improvisador de cualquier cosa del Sr. Tatum, no vamos a presionarlo indebidamente equiparando completamente a los dos, pero diremos que, en el mejor de los casos, algunos de los pasajes de Ernán son lo suficientemente sublime como para enviar al oyente al mismo lugar. Visualmente, se parece al arte de otra manera; a ninguno le gustaba "lucirse" mientras jugaba. Ambos hacen que todo parezca sin esfuerzo, lo que puede hacer que la música que surge parezca aún más notable._Bill Tilford Más información relacionada Ernán López Nussa - Pas de Trois (2007) Temas:
Sabu Martínez, considerado como uno de los más grandes percusionistas de la historia del jazz, fue tan conocido por su personalidad combustible como su capacidad para hacer los tambores hablan. A pesar de la grabación con Art Blakey y Dizzy Gillespie, las historias sobre diversos enredos de Martínez con las mujeres y los músicos tienden a eclipsar sus primeros discos en solitario, que a menudo se agrupan en la categoría Lounge / Exótica. Se aseguró de rectificar esa situación con Afro Temple , su último álbum. Registró después de Sabu se había mudado a Suecia, Afro Templo fue originalmente diseñado para mostrar el nivel de competencia de sus alumnos de tambor. En lugar de una herramienta de enseñanza, Sabu nos dejó con un registro escandalosamente creativo, uno que se ha ganado un estatus de culto en los últimos años. Consta de nueve pistas cortas, Templo no pierde el tiempo en el que anunciaba su intención de presentar tambores como una manera de celebrar la vida. "Mi Cristina", "Para ti, Tito Rodríguez" y "My Son Johnny and Me" aparentemente están dedicados a los parientes o amigos íntimos, y la banda responde con cantidades abrumadoras de energía. El corte del título, tal vez la canción más famosa aquí, coloca una línea saxofón lamentos encima de una base de bajo y percusión trotando, sonando como algo que uno esperaría encontrar en una compilación rare groove. La otra muestra famoso aquí es "All Camels Hump", un atasco de América con locura rítmica que hace buen uso de la flauta, dando a la canción un balance de la dulce y enérgica hasta que concluye en una explosión de estrellarse tambores. En "Wounded Knee" furor articulado en los tambores es la voz de un narrador que dice en voz alta el maltrato histórico de los nativos americanos, la comparación de la falta de cumplimiento de los tratados con el genocidio.
Por último, "Hotel Alyssa-Soussie, Tunisia" Es el momento más revelador en el álbum. Acumulando capa sobre capa de djembe, conga, el bajo y el bongó, la banda alcanza un crescendo donde se puede escuchar elementos de house y hip-hop, el futuro está previsto en 1973. Uniendo el funk, el jazz y la música latina como ningún otro álbum, ni antes ni desde entonces, Templo Afro es un conjunto deslumbrante que representa la visión inclusiva de Sabu en la cima de sus poderes artísticos. Que nadie se ha acercado a replicar su impacto se dirige a la claridad de su visión.
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
Bombino – Sahel (2023)
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El cantante y guitarrista tuareg nigerino *Omara Bombino" Moctar* presenta
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Hoy os vamos a entregar uno de aquellos capítulos a los cuales solemos
denominar Jazz Free, es decir, un...
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Symphony No.1 in G minor "To the Red Army" - Mieczysław Weinberg
Gothenburg Symphony Orchestra conducted by Thord Svedlund
I - Allegro moderato - Larghetto...
Enrique Bonne nació en San Luis, Santiago de Cuba, el 15 de Junio de 1926. Hijo de José (puntista azucarero y autor musical) y Engracia, profesora de piano. Alcanzó los primeros conocimientos musicales con su madre y luego con los maestros Oliván y Ventura Calzado. Comenzó su carrera artística en 1950 como compositor de música popular y locutor de radio.
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