Ron Carter - Dear Miles

                                                                       

Ron Carter (Ferndale, Míchigan, 4 de mayo de 1937) es un contrabajista estadounidense de jazz.

Su contribución en más de 3500 álbumes[cita requerida] hacen de él uno de los contrabajistas con más grabaciones en la historia del jazz, junto a Milt Hinton, Ray Brown y Leroy Vinnegar. Carter es también un aclamado chelista que ha participado en numerosas grabaciones tocando el chelo en abundantes obras de música clásica.También ha contribuido en la música para bandas sonoras de películas..._(wikipedia)

Olvídese por un momento que Ron Carter tocó en la banda de jazz más importante de la segunda mitad del siglo XX, el quinteto clásico de los 60 de Miles Davis, donde se desempeñó como el encargado del ritmo de la línea de bajo, el creador de melodías de gama baja y instigador de la improvisación en la banda que fue pionera en un conjunto de aventuras de exploración y sorpresa. Pero para los novatos del jazz, muchos historiadores del jazz e incluso algunos críticos de jazz, la permanencia de Ron con Miles es su único derecho a la fama.

No tan. Después de que Carter dejó el empleo de Miles en 1968, se puso en camino para explorar su propia voz, figurando de manera prominente como líder y ancla en el lanzamiento de sellos como CTI y Milestone, además de colaborar con una amplia gama de artistas. A pesar de que es un maestro de jazz de la NEA y el campeón indiscutible del bajista de grabación, Carter, que cumplió 70 años en mayo, no se ha dormido en los laureles, ni se ha movido robóticamente. Lidera su impresionante Striker Trio con el pianista Mulgrew Miller y el guitarrista Russell Malone, pilota su subestimado nonet de cámara con cuatro violonchelistas, y últimamente ha resucitado su colaboración en dúo con el guitarrista Jim Hall.

Pero la banda más antigua de Carter es su cuarteto, con el pianista Stephen Scott (veterano de unos 15 años), el baterista Payton Crossley (en el estadio de béisbol de 10 años) y el recién llegado, el percusionista Rolando Morales-Matos, quien reemplazó a Roger Squitero. La banda es una fuente de gran orgullo para Carter, quien dice: "La industria discográfica hace que sea difícil mantener unida a una banda en funcionamiento con el mismo personal. Creen que cuanto más variado es el personal de un CD a otro, mayor llegarás a la audiencia. Esa nunca ha sido mi opinión. Mira todas las bandas en la historia del jazz: John Coltrane con Elvin, McCoy y Jimmy; Dave Brubeck con Paul, Gene y Joe; Cannonball con Nat, Sam y Louis. Todos hicieron grandes discos porque eran una banda activa ".

Esa filosofía impulsó la decisión de Carter de documentar a la banda (con Squitero a la percusión) en el estudio de grabación, lo que produce Dear Miles, el guiño de 10 canciones vigorizante, dinámico y juguetonamente impredecible al exjefe y mentor del bajista.

"Me habría sentido ofendido hace 10 años si alguien me pidiera que hiciera un álbum tributo a Miles", dice Carter, quien mientras disfruta de la gloria de su asociación integral con Davis, también ha mantenido legítima y respetuosamente su distancia del pasado. "Pero resulta que varias de las canciones de la biblioteca de mi cuarteto también son del cancionero de Miles. Por lo tanto, tenía sentido rendir homenaje a él y a mi banda al mismo tiempo. La mayoría de los proyectos de tributo terminan con artistas imitando y perdiendo ellos mismos en el proceso. A pesar de que he estado involucrado en proyectos como Four Generations of Miles y VSOP, no estaba listo para hacer un álbum como este antes por temor a ser absorbido por el aura tributo a Miles ".

Lo que distingue a Dear Miles de otros proyectos de tributo es la capacidad de Carter para

establecer firmemente la personalidad de su cuarteto mientras aprovecha la esencia de la música de Davis. Ya anticipa las inevitables críticas. "La gente puede decir, 'Oh, otro disco tributo; pero yo digo,' Míralo"; dice Carter. "Escucharán cómo esta banda se mantiene sola en su sonido y en su biblioteca, mientras también rinde homenaje".

Después de tres días de ensayos, Carter y compañía. reunidos en Avatar Studios en Nueva York, y en el transcurso de una mañana, grabó 10 primeras tomas que le dan a Dear Miles, una vibra viva en vivo. "No me gusta grabar 25 tomas", dice Carter. "Me propuse mantener un nivel de entusiasmo y concentración. No quería que las mentes divagaran o los solos deambularan. Hay una oportunidad de hacer bien cada canción. Y eso se basa en todas las otras veces que tocamos en la biblioteca donde arreglamos lo que salió mal en el siguiente coro, el siguiente set o la noche siguiente ".

El repertorio es variado, comenzando con un swing entusiasta a través de "Gone" de Gil Evans (de su colaboración de Porgy & Bess con Miles), continuando con un cambio de tempo a través de "Seven Steps to Heaven" (del desvanecimiento final, Carter dice que hay "tanta carne hasta el hueso" de esta melodía que podría haber durado 12 minutos), y concluyendo con un original de Carter, "595", que se suma a "So What". En el camino, el cuarteto revisualiza en su propio estilo distintivo clásicos asociados a Miles como "Stella by Starlight", "My Funny Valentine", "Bye Bye Blackbird" y "Someday My Prince Will Come", y se suma a una melodía que no es de Davis, un salto alegre a través de "As Time Goes By", que, explica Carter," honrra la asombrosa habilidad encuentra una canción que nadie más haya probado y, como 'Bye Bye Blackbird', hacer que sea esencial para el cancionero de jazz".

Al escuchar Dear Miles, sobre todo, céntrese en el virtuosismo del bajo de Carter, desde sus solos en el momento apoyados armónicamente por su cuarteto hasta sus líneas de bajo siempre cambiantes y nunca estáticas. No lleva el tiempo; él lo crea. No dicta; él sugiere. No juega a lo seguro; él se arriesga. Como dice en broma sobre sus compañeros de banda, "no solo son grandes tipos, sino que son buenas personas con quienes cometer un error".

Sin embargo, debo añadir, te reto a encontrar alguna._ Dan Ouellette (Down Beat,Billboard,y autor de la próxima biografía de ArtistShare autorizada por Ron Carter.

                                                 

                                                                     

Ron Carter - Dear Miles (2006)

Temas:

01. Gone (B.Evans) 

02. Seven Steps To Heaven ( Miles Davis- Victor Feldman) 

03. My Funny Valentine (Lorenz Hart-Richard Rodgers) 

04. Bag's Groove (MiltJackson) 

05. Someday My Prince Will Come (Larry Morey-Frank Churchill) 

06. Cut And Paste (RonCarter)  

07. Stella By Starlight (Ned Washington-Victor Young) 

08. As Time Goes By (Herman Hupfield-arreglos de Robert Freedman)) 

09. Bye Bye Blackbird (Mort Dixon-Ray Henderson) 

10. 595 (Ron Carter) 

Musicos:

Ron Carter (Bajo)

Stephen Scott (Piano)

Roger Squitero (Percusión)

Payton Crossley (Batería)

              

Machito And His Salsa Big Band - 1983 Grammy Award Winner

Todavía en el decenio de 1980, Machito seguido el campo de un centro energético de América grandes bandas, ganando la aclamación tardío en Europa por su buen estado de conservación de la marca de la salsa. Grabado en Holanda, para el sello Timeless dos años antes de la muerte de Machito, el conjunto no puede ser tan hermético como lo fue en la era del mambo, pero la vieja energía y la unidad sigue ráfagas a través de los altavoces. Aunque la voz de Machito había crecido fornido con la edad, su entusiasmo es tan contagiosa como siempre, y su oscuro de voz hija Paula Grillo contribuye armonías y un solo vocal en "Caso Perdido". Destaca entre los solistas es el ardiente trompetista Alfredo Chocolate Armenteros, que suena todo más grande que la vida en el viejo tema "Manicero" (aka "El Manicero"), y los ocho cuernos pueden jugar algunos solos llamativos en el mambo extendida "Sambia ". ~ Richard S. Ginell, All Music Guide

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Machito And His Salsa Big Band - 1983 Grammy Award Winner

Temas:
01.El As de la Rumba
02.Quimbombo
03.Piniero Tenia Razon
04.Caso Perdido
05.Manicero
06.Sambia
07.Yerbero

Musicos:
Machito-Leader, Vocals, Bandleader, Percussion
Mario Grillo-Timbales, Director
Willie Rodriguez-Piano
Nelson Gonzalez-Bass
Ray Romero-Bongos
Tony Cofresi-Trumpet
Pete Miranda-Sax (Baritone)
Jeff Davis-Trumpet
Alfredo "Chocolate" Armenteros-Trumpet
Mark Friedman-Sax (Alto)
Kenneth Hitchcock-Sax (Tenor)

Orquesta Aragón La charanga eterna

Ya sexagenaria, la Orquesta Aragón celebra su cumpleaños en grande, con invitados de la talla del cantante congoleño Papa Wemba, la infaltable Omara Portuondo, Felo Bacallao y la familiar sorpresa de Cheo Feliciano, con un CD de longevo nombre: La charanga eterna.
La pequeña charanga nace en Cienfuegos en 1939, organizada por el contrabajista Orestes Aragón Cantero, con el fin de hacer bailar danzón. Su primer nombre fue Rítmica Aragón. Por motivos de salud el contrabajista deja la orquesta en 1948 y lo releva en la batuta el violinista Rafael Lay, quien la bautiza con el nombre que todos conocemos. La dirige hasta 1982 cuando fallece a raíz de un accidente de transito. Sin embargo, la orquesta continúa su función, la de hacer gozar a todo el mundo, bajo la dirección de Rafael Lay hijo.
En tiempos del chachachá, la orquesta se adueña de este ritmo. En esa época, en 1954 específicamente, se integra el flautista Richard Egües, para muchos la mejor flauta que ha dado el Caribe (estuvo en la orquesta hasta 1984). Con El Bodeguero, Nosotros o Pare Cochero, piezas de éxito internacional, sinónimos de la Aragón, se convierten en los reyes indiscutibles de este ritmo.
La Revolución cubana los asume como embajadores culturales de la isla y por largo tiempo, son la única alternativa a la canción política que hasta hace poco las autoridades asumían como la música oficial. Afortunadamente, son un indiscutible patrimonio musical de Cuba, tanto así que, todos los lunes a mediodía desde hace más de cuarenta años, la Aragón mantiene un programa en Radio Progreso.
Esta Aragón de este CD, más agresiva, más malandra pero charangosa y sabrosa como de costumbre, nos pone contentos con la pieza que canta Papa Wemba, un montuno, en idioma del Congo, que es para prestarle atención.
Cheo Feliciano como en sus mejores momentos canta un son fino y delicado como él sólo sabe hacerlo.
Felo Bacallao, uno de los cantantes pilares de la Aragón, quien actualmente está residenciado en Caracas, vuelve por todo el medio del sabor.
Así sucesivamente, la sexagenaria orquesta deja un disco escrito para el alma y el cuerpo. Pa' bailar, gozar, y disfrutar, con buena música, la Aragón invita a celebrar la vida en esta charanga eterna.~anapapaya.com



Orquesta Aragón-La charanga eterna (1999)

Temas:
01. Asi son bonco
02. Siboney (con Omara Portuaondo)
03. Me bote de guano (con Pancho Amat & Felo Bacallao)
04. No quiero llanto (con Papa Wemba)
05. Arrimate pa ca
06. Para sentirme mejor (con Felo Bacallao)
07. Son al son (con Cheo Feliciano)
08. El paso de encarnacion
09. La reina Isabel
10. Guacharumba
11. Mi son es un vacilon
12. Bruca manigua (con Pablo Santamaria)
13. Que camello que salchicha

Musicos:
Rafael Lay Bravo: violín, voz
Dagoberto González: violín
Lázaro González: violín
Celso Valdés: violín
Guillermo García: congas
Inocente Álvarez: timbales
José Palma: güiro
Eduardo Rubio: flauta
Roberto Espinoza: bajo
Orlando Pérez: piano
Ernesto Bacallao: voz
Juan Carlos Villegas: voz
Armando Amezaga: voz
Omara Portuondo: voz
Felo Bacallao: voz
Papa Wemba: voz
Cheo Feliciano: voz
Pablo Santamaría: voz
Pancho Amat: tres
Juan Verdera: violoncello

Grabado en La Habana en marzo y abril de 1999

Chucho Valdés - Canciones Inéditas

Chucho Valdés se encuentra en un momento de su carrera en el que se puede permitir abordar la creación artística desde cualquier ángulo, y dar lugar a trabajos donde se reduzca el formato o la extensión de las obras pero siempre quedando como joyas, que habrán de satisfacer las expectativas a que nos tiene acostumbrados.
Esta vez nos entrega una obra de madurez, el fruto de quien está de regresode muchos festivales de jazz, de muchos homenajes, actuaciones y discos que han hecho historia, de quien ha marcado un hito en la fusión a partir de su Misa Negra y sobre los muchos años de quehacer con Irakere. Se trata de un opus que se desvía del formato de grupo o de cuarteto a que nos tiene acostumbrados e incluso del lenguaje propiamente jazzístico, para dar paso a un discurso a piano solo donde la intención no es otra que la de decir cosas que no habían sido dichas, abrirle la compuerta a la nostalgia, a su catálogo personal de afectos, vivencia, cosas que dejó de hacer, y dejar fluir así los sentimientos en estas canciones sin palabra.
Para ello Chucho nos regala diecinueve temas en los que por momentos podemos distinguir el aliento de algunos de sus compositores preferidos: Rachmaninov, particularmente en El bolero, donde nos hace un guiño de ojos con una cita del segundo concierto para piano del gran ruso, así como también en Niebla y Concierto; Oscar Petterson en Amanecer, pieza con la elocuencia de un decir pausado; Chopin y Cervantes en Balada a Caridad y Emilio; César Portillo y José Antonio Méndez en el mundo armónico de Calle 7ma, en la melodía y estructura de Marcia, oen esa canción de filín vestida de piano que es Sentimental; Keith Jarret con su fusión de beat y blues en Keisy; Simon and Garfunkel en Zanaith, tema evidentemente incubado en los setenta, aquellos esplendorosos años de Puentes sobre las aguas turbias y el propio Jesús Valdés que nos hace otro guiño de ojos al recordamos al autor de Mambo influenciado con su Mambo en re menor.
Sobrio en el manejo de la armonía, fluido e inspirado en los temas, virtuoso en el pianismo, sincero y elocuente en el discurso y algo muy importante: coherente de principio a fin en cada obra, así vuelve otra vez el maestro, similar y diferente, renovado y permanente, invitándonos a una escapada a un mundo de ensueños, del cual el regreso se nos hace bien difícil. Gracias Chucho una vez más.~ María Elena Mendiola

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Chucho Valdés - Canciones Inéditas (2002)

Temas:
01. Balada a Caridad y Emilio
02. Amanecer
03. Calle 7ma
04. Qué puedo hacer
05. Ileana
06. Keisy
07. Ofelita
08. Danzón
09. El Bolero
10. Improvisación
11. Jessie y Leyanis
12. Marcia
13. Realidad
14. Para Pilar
15. Mambo en re menor
16. Sentimental
17. Zanaith
18. Niebla
19. Concierto

Lecuona Cuban Boys - Congas y Rumbas

Los Lecuona Cuban Boys era una orquesta popular cubana que recorrió el mundo durante más de cuarenta años.

La banda fue fundada por Ernesto Lecuona, cuya función era la de un patrón-empresario. No llegó a tocar con la banda, pero a veces dio un recital de piano antes de que la banda tocaba. El núcleo de la banda fue elaborado en 1931 como Orquesta Encanto, la banda cambió su nombre a principios de 1934. De gira por Europa, en 1934, Lecuona regresó a Cuba, y Armando Oréfiche se hizo cargo de la banda en Europa. Ernesto les dio el don de su nombre, que, en ese momento, era una propiedad que vale la pena tener, y el derecho a utilizar un número de sus composiciones.

El LCB era excepcional fuertes en los arreglos, composiciones y la calidad instrumental (la mayoría de ellos podría jugar dos o tres instrumentos). Su único punto débil fue la falta de un cantante cubano realmente de primer nivel, pero eso no era tan importante como podría parecer, ya que jugó tan a menudo a un público no-latinos. Algunos de sus cantantes pick-up podría cantar en Inglés, y muchos de sus números fueron instrumentales. La banda tocó toda la gama de la música popular cubana, pero su especialidad era la conga. A pesar de que fue quizás el primero que Eliseo Grenet compuso una conga en su estilo de baile de salón, fue sin duda el LCB que lo tomaron todo el mundo y la hizo famosa. El LCB era por lo tanto el conjunto primero en utilizar la conga tambor con regularidad en sus actuaciones, y no Arsenio Rodríguez, como a menudo se supone.

La banda inicialmente se organizó como un colectivo, pero en la práctica Armando Oréfiche (compositor, arreglista, pianista) era el líder. Otros miembros de la banda fueron Jaruco "Ernesto Vázquez (trompetista, guitarrista, compositor, arreglista); Chiquito 'Adalberto' Oréfiche (saxo tenor y bongó), Agustín Bruguera (timbales, conga, voz), Gerardo Bruguera (saxo tenor y clarinete); Jesús Bertomeu (trombón), Jorge Domínguez (saxo alto, clarinete, violín), Daniel González (saxo alto, clarinete, violín), Guillermo Hernández (guitarra, tumba, güiro, maracas), Enrique López Rivero (trompeta) 1932-34; Alberto Rabagliati (voz), que efectúen 1934, más tarde Fernando Díaz y Luis Escalante fueron contratados como trompetistas reemplazo.

La banda estuvo de gira por todo el mundo: los EE.UU., América Latina y Europa eran los principales tours. Cuando la Segunda Guerra Mundial estalló, la banda pasó a América Latina y continuaron su gira por allí. Después de la Segunda Guerra Mundial hubo una disputa dentro de la banda, que terminó en una división. Armando Oréfiche izquierda con unos pocos miembros, y empezaron los muchachos de La Habana Cuba, y el resto quedó bajo el antiguo nombre, con sede en Nueva York hasta 1960. Los Lecuona Cuban Boys continuaron de gira, y finalmente se retiró en 1975.~wikipedia.org



Lecuona Cuban Boys - Congas y Rumbas (1997)

01.Conga de La Havane (Ay sí, ay no)
02.Tabou
03.La conga de Jaruco
04.Tra ka tra
05.Cachita
06.La conga Blicoti
07.Amapola
08.Para Vigo me voy
09.María la O
10.Rumba internationale
11.Rumbas cubanas
12.Ojos negros (Les yeux noirs)
13.Panamá
14.Patica y mondonguito
15.La paloma - Cielito lindo
16.Cuba
17.La chaparrita
18.Mambo de Jaruco

Cubismo - Viva La Habana (Live)

Cubismo es un grupo que toca música de baile energético basado en los ritmos afro-cubanos, sino en su propio estilo único y reconocible. Además de la salsa y el jazz latino-Cubismo también ha sido influenciado por los elementos del jazz, el hip-hop, el funk y el rock. Los miembros del grupo proceden de Croacia, Eslovenia, Cuba y Ecuador. Cubismo es el grupo líder para este tipo de música en Croacia y en esta parte de Europa.
La banda ha distribuido ya 6 discos compactos, la mayoría de los cuales se ha distribuido internacionalmente. En su carrera Cubismo trabajado con numerosos estrellas de la música internacional. Cubismo CD de "Motivo Cubano" fue grabado en Cuba con los miembros del legendario Buena Vista Social Club.
Yolanda Duke, quien estaba en ese momento un cantante en la Orquesta de Tito Puente, apareció como artista invitado en el CD "Viva la Habana". Además Cubismo tiene una estrecha cooperación en curso y con Nelson Hernández, quien es uno de los mejores productores y arreglista de la música salsa en el Cubismo EE.UU. es bien conocido por su música de alta calidad y el arte los miembros del grupo del espectáculo, y tiene, como tal, regularmente recibido numerosos premios profesionales. Sin embargo, los grandes aspectos del Cubismo son sus conciertos y actuaciones en directo, durante el cual su enorme energía positiva espumosos se mueve a la audiencia a swing y la danza.
La banda fue fundada en 1995 y fue nombrado después de la composición del trompetista de jazz Dizzy Gillespie "Cu cu-bi-bop", lo que representa una de la mezcla de ritmos cubanos primera afro-con el jazz y otros estilos de música.

Un año más tarde, Cubismo registró su segundo álbum.
Dado que la palabra hacia fuera que Cubismo irradiaba una energía extraordinaria en sus conciertos, se decidió transmitir esa energía para el CD, es decir, registrar el "en vivo" del álbum. Éste fue, por muchas razones un álbum sumamente importante para Cubismo. Para empezar, que incluía el primer hit Cubismo canción de "Na na na na", que fue grabado con Josipa Lisac. En segundo lugar, se abrió el mercado internacional, en vista de los artistas invitados y la distribución. Para ser exactos, Cubismo comenzó a colaborar con estrellas de la música mundial. El más famoso fue probablemente un cantante Yolanda Duke, que, en el momento de "Viva la Habana" álbum fue grabado, cantó con Tito Puente. Ella vino con la totalidad de Nueva York "Entourage". En su sugerencia percusionista Carlos Soto, quien jugó los timbales, y Nelson Hernández, uno de los arreglistas y productores mejor salsa, llegó también.
Nelson se unió al Cubismo dos semanas antes del concierto, y cuando todo había terminado mezcló y produjo todo el material en "Tragaluz" estudio en Nueva York. Cubismo había un invitado más, un músico excepcional, un flautista y un gran amigo de la banda - George Makinto, que era a la vez un director de música de la reina música africana - la orquesta de Miriam Makeba.
No mucho tiempo después que el CD había sido puesto en libertad Cubismo firma su primer contrato discográfico internacional con el italiano "Irma" Records, quien, además de "Viva la Habana" álbum también se distribuye el primer álbum de Cubismo.



Cubismo - Viva La Habana (Live) (1999)

Temas:
01. Yumbambe    
02. Sueños    
03. Na Na Na Na (Feat. Josipa Lisac)  
04. Tu Mi Delirio    
05. Groovin' High (Instrumental)    
06. Oriente (Feat. Yolanda Duke)    
07. Definitivamente (Feat. Yolanda Duke)    
08. St'Thomas (Feat. George Makinto) (Instrumental)    
09. Summertime    
10. Samba Para Tres (Instrumental)

Musicos:
Nelson Hernandez-Arranger, Sax (Soprano), Mixing, Adaptation, Producer
Mario Igrec-Guitar (Electric), Arranger, Guitar, Tres, Guitar (Acoustic)
Zlatan 'Aurelio' Doslic-Piano 
Kresimir Tomec-Bass 
Hrvoje 'El Cacique' Rupcic-Congas
Cuto Soto-Timbales
Josip Joachim Grah-Flugelhorn 
Jurica Ugrinovic-Timbales, Drums
Nenad Grahovac, , Vedran Sadic, Zlatko Strcic-Trombone
Ante Dropulic, Josip Joachim Grah-Trompet 
Ricardo Luque-Vocals
Yolanda Duke-Vocals
Dani, Dražen, Ivo-Chorus