Alfredo Rodriguez - Sounds of Space

La mina de oro artística que es Cuba sigue cediendo sus riquezas. Incluso antes de que Machito fuera "descubierto" por Dizzy Gillespie (y mucho más tarde, Gonzalo Rubalcaba) había músicos estelares floreciendo allí; mucho antes que Batista, eso es. Más recientemente, durante más de tres décadas, la saxofonista y flautista canadiense Jane Bunnett y su esposo, el trompetista Larry Cramer, han traído al mundo el talento de pianistas como Hilario Durán, David Virelles y muchos más músicos. Ha habido otros por supuesto: Aruán Ortiz, por ejemplo. También sería negligente no mencionar cómo Ry Cooder y Wim Wenders unieron fuerzas para "revivir" y producir el clásico menor, Buena Vista Club con Ibrahim Ferrer y otros. Entonces, ¿por qué sorprende que Quincy Jones produzca este álbum infinitamente hermoso Sounds of Space del hasta ahora desconocido pianista Alfredo Rodríguez? La respuesta está en el talento sublime, la técnica desenfrenada y la expresión poética del pianista.

Alfredo Rodríguez - Sonidos del espacio Está claro que Rodríguez ha estado en una escuela de pianismo diferente; uno que albergaba el espíritu de Frederic Chopin y, hasta cierto punto, el máximo dramaturgo, Franz Liszt. La idea es sugerir cierta separación de los espíritus guardianes del pianoforte cubano: hombres como Peruchin, Bebo Valdés, Chucho Valdés y otros. Si bien todavía existe en Rodríguez un alma cubana, que se desprende de su hermoso bolero, “April”, se deja guiar por la mano de maestros europeos más antiguos. De hecho, cuando toca, parece perdido en la expresión de los clásicos, siguiendo, al parecer, las indicaciones latinas como "pianissimo" y "fortissimo", en lugar de "swing here" o "Shuffle boogie" o incluso "rhumba". y “danzón”. Y, sin embargo, en sus arpegios deslumbrantes; carreras locas; Crescendos y diminuendos exasperantemente brillantes siempre hay un atisbo de la sensibilidad afrocubana. Los impresionantes "Sonidos del espacio" sugieren esto.hay un atisbo de la sensibilidad afrocubana. Las impresionantes " Sounds of Space " sugiere esto. 

Aquí, el rugido primigenio del clarinete bajo, templado un poco por el clarinete, choca en la nube sonora donde los lamentos del bajo y el piano insinúan páginas extraídas de un himnario yoruba cuyos versos llegaron a Santiago de Cuba, para ser fusionados con el danzón.

Rodríguez logra esconder su fascinante tumbao por todas partes hasta llegar a la última parte del álbum. Su “Crossing the Border” aunque lleno de tocar en sotto voce explota con tumbao como si estuviera deseando adiós al viejo país con un saludo y una floritura. Hay algo de espectáculo aquí, pero eso se puede perdonar ya que la técnica del pianoforte es tan pura que parece imposible resistirse a las carreras voladoras a través del teclado. También aquí la presión mágica sobre las teclas ofrece tal variedad de tonos y texturas que la superioridad de la expresión reemplaza al virtuosismo gratuito. En el gráfico, “… y bailaria la negra? (a Ernesto Lecuona) ”, el clasicismo de Rodríguez choca brillantemente con el son montuno de Cuba. Y en "Transculturación" las ideas y conceptos del pianista se expresan mejor a través de la interacción armónica y rítmica.

Claramente, no hay nada más que Quincy Jones o Gretchen Valade podrían haber hecho para hacer de este un disco más perfecto de lo que ya es gracias al extraordinario talento del ingenioso pianista Alfredo Rodríguez._Raul da Gama (latinjazznet)
                                                                       

                                                                              

Alfredo Rodriguez - Sounds of Space (2012)

Temas:

01. Obafrica

02. Sueño de Paseo

03. Silence

04.Cu-Bop

05. April

06. Oxygen

07. Sounds of Space

08. Crossing the Border

09. …y bailaria la negra? (a Ernesto Lecuona)

10. Transculturation

11. Fog

Musicos:

Alfredo Rodríguez (Piano, melódica /1)

Gaston Joya (Bajo /2, 3, 4, 7, 9, 10, 11)

Peter Slavov (Bajo /1, 6)

Michael Olivera (Batería, percusión /2, 3, 4, 7, 9, 10, 11)

Francisco Mela (Batería, percusión /1, 6)

Ernesto Vega (Clarinete /7, clarinete bajo /7, saxofón soprano /2, 3, 9, 10)

Cuarteto Santa Cecilia (Flauta, oboe, trompa, fagot /11)

Gonzalo Rubalcaba - Live In Havana

Gonzalo Rubalcaba (La Habana, Cuba, 27 de mayo de 1963) es un pianista y compositor de jazz cubano. Su verdadero nombre es Julio Gonzalo González Fonseca.
Encuadrado en la era post-bop, Rubalcaba es un virtuoso instrumentista que está considerado como una de las principales figuras del jazz afro-cubano.
Miembro de una destacada familia de músicos. Inició estudios de música en el Conservatorio Manuel Saumell de su ciudad natal y más tarde los continuó en el Amadeo Roldán, donde también estudió percusión. Posteriormente recibió lecciones de la gran pedagoga y pianista Ñola Sahig y en el Instituto Superior de Arte estudió composición con Roberto Valera y Carlos Fariñas.
Desde los 14 años trabajó en varias orquestas y acompañando a solistas como la cubana Beatriz Márquez, con la cual asistió en 1980 al Festival Internacional de Buga, Colombia, donde ganó el primer premio de orquestación. En esta primera etapa de formación creó en 1978 su propio grupo, Proyecto, en el cual se desempeñó como baterista, pianista, compositor y arreglista hasta finales de los años 80 en que consolidó su carrera internacional como solista.
 En las primeras ediciones del festival Jazz Plaza de La Habana llamó mucho la atención con sus solos de piano, su rica improvisación y derroche rítmico. Creaciones de esos años son Nueva cubana, Pisando el césped, Pergamín, Rapsodia española y otras recogidas en sus discos LP La nueva cubana (1984) y Concatenación I y II (1986). En el festival Jazz Plaza 1986 impresionó al gran trompetista norteamericano Dizzy Gillespie, en ese encuentro grabaron juntos el LP Gillespie en vivo con Gonzalo Rubalcaba. En 1986 firmó contrato con la disquera alemana Messidor para la que grabó los discos Gonzalo Rubalcaba (1986), Live in Havana (1986), Mi gran pasión (1987) y Giraldilla (1989).
Antes de concluir los 80 había conquistado los premios EGREM (1986 y 1987, premio en el Festival Benny Moré 1987, además de un amplio reconocimiento internacional por sus discos y giras por Japón, Canadá, Brasil, Grecia, España y otros países. En 1987 grabó con la Orquesta Sinfónica Nacional cubana el disco Concierto negro, su primera incursión en la música sinfónica aunque sin abandonar el latin jazz, donde combinó elementos yorubas con música cubana y otros géneros. Al año siguiente redujo su grupo a cinco integrantes y enriqueció su labor con medios computarizados, en esta línea una de sus primeras partituras fue la concebida para el filme Cartas del parque, de Tomás Gutiérrez Alea.
Desde 1992 fijó su residencia en República Dominicana, incrementando desde entonces sus giras por el mundo y sus grabaciones discográficas. Para el sello Blue Note ha grabado más de 10 discos, entre ellos Discovery (1990), The Blessing (1991), Suite 4 y 20 (1992), Live in the USA (1994-96), Antiguo (1997), The Trío (1998) y Supernova (2002), varios de ellos nominados al Grammy. Con el disco Supernova obtuvo el Grammy Latino 2002 y en el 2006 obtuvo nuevamente ese galardón con el disco titulado Solo. En estos últimos años ha continuado sus presentaciones junto a su trío y con otras importantes figuras y agrupaciones de salsa, el jazz y otros géneros. Ha participado en discos de Isaac Delgado, Juan Luis Guerra (Bachata Rosa), Francisco Cespedes (Con permiso de Bola) y Charlie Haden (Nocturno).
Actualmente reside en Fort Lauderdale, Florida, Estados Unidos._(wikipedia)

¿Qué sucede cuando un grupo de músicos visionarios se reúne para la presentación en vivo de algo muy sofisticado, liderado por uno de los más fuertes del jazz? La respuesta, por supuesto, es mágica. Ahora bien, ¿qué pasa si todas esas cosas son ciertas, pero es simplemente antes de la época del músico? Magia incontrolada. Cuando suben al escenario músicos de la sección rítmica como Gonzalo Rubalcaba, Felipe Cabrera, Roberto Vizcaíno y Horacio "El Negro" Hernández, hay una alquimia cubana tan fuerte que conceptos como el tumbao y la clave se vuelven obsoletos, irrelevantes. Los trompistas, Lázaro Cruz y Rafael Carrasco, juntos forman una voz increíble e individualmente llevan el estilo a nuevos niveles. La complejidad de los arreglos de Rubalcaba no tiene paralelo en el jazz latino moderno. Sus conceptos de solos son tan viscerales y desenfrenados que son indigeribles al escucharlos por primera vez. Aunque a menudo es bastante melodioso, Live in Havana de 1989 tiene todas las marcas de un proyecto de "joven león". Las preguntas clásicas como "¿para quién fue hecho este disco, Gonzalo o el público?" y "¿dónde está la mezcla de lo antiguo y lo nuevo?" son apropiadas y se me ocurrirán más de una vez. El efecto general es como ver a un joven Bill Shakespeare emborracharse y soltarse el pelo en un cóctel. La mayoría prefiere Macbeth. El proyecto es inspirador y tiene un gran mérito, pero requerirá un tipo de oyente muy especial para jugar con frecuencia._ Evan C. Gutierrez (allmusic)

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Gonzalo Rubalcaba - Live In Havana (1986)

Temas:

01. Green Dolphin In The Street 

02. Nueva Cubana 

03. Contatenación Heroica 

04. Pluma  

05. Pisando El Cesped 

06. Regreso Feliz

Musicos:

Gonzalo Rubacalba (Piano de cola -eléctrico, teclados)

Felipe Cabrera (Bajo, fagot)

Horacio "El Negro" Hernandez (Batería)

Roberto Vizcaino (Percusión)

Manuel Varela (Saxo)

Lázaro Cruz (Trompeta, fliscorno)

Rafael Carrasco (Flauta, saxo tenor)

Los Muñequitos de Matanzas - Rumba Caliente 88-77

La rumba es un hecho musical completo, en el que intervienen hombres y mujeres de un colectivocon determinadas afinads. Son miembros de un barrio; gentes que desde niños han escuchado "levantar un guaguancó" con su diana-lalaleoínicial-, tocar un buen "quinto", "tumbar" ~ marcar el ritmo con las palmadas, corear, y salir al ruedo a tirar unos pasillos o un vacunao ... 
La rumha es una fiesta, es su música y su baile, es el ambiente. Si no se dan estas condiciones no es posible una buena rumba. 
Los rurnberos son selectivos. Todo el que participa tiene que ser bueno, y todos pugnan por ser mejores. Fraternalmente se "rrebatan" el canto, o se solicita el quinto para lucir sus toques, o se salta al centro a bailar. Existe un lenguaje gestual por el que
sobreentiende que se pide la venia para entrar y la cortesía y hermandad hace que se ceda 
gustoso para ver el lucimiento del que ha pedido su participación.
Así es, desde hace muchos años el conjunto de guaguancó Los Muñequitos de Matanzas. Lo fundaron grandes maestros de la rumba: Florentino Calle, Angel Pelladito, Juan Mesa, Saldíguera y Virulilla, los cantantes, entre los que mejor recuerdo. Se llamaba entonces Guaguancó Matancero. Participaban en las mejores rumbas; venían a La Habana y tocaban en los Jardines de La Tropical y en otros lugares donde alcanzaron respeto y admiración. En todas las victrolas de bares y cafés se escuchaban "El Chisme de la Cuchara", "Los Beodos" Y "Los Muñequitos", este último basado en los personajes de las tiras cómicas que aparecían en los periódicos. Describía situaciones hilarantes de aquellas historietas que se habían identificado con nuestra población. Tal fama alcanzó esta rumba que decidieron 
cambiar el nombre del grupo porque siempre que los nombraban o solicitaban les llamaban como Los Muñequitos de Matanzas.
En el momento actual el grupo Los Muñequitos conservan el mismo estilo impecable de sus maestros, los fundadores. Conservan tamhién el repertorio, con temas actuales de sus 
propias vivencias y con temas basados en antiguas rumbas y cantos de clave. (Florencio Calle y algunos de sus fundadores fueron parte del coro que se llamó Bando Azul).
Los cantos de los coros de clave llevados al ritmo del guaguancó mantienen la riqueza de sus melodías, la alternancia del solista y el coro. los textos en que se incluyen palabras en lenguas afrícana que hoy recuerdan como esencia de su cultura ancestral. 
El conjunto Los Muñequitos de Matanzas mantienen el formato instrumental de percusión: tres tambores - salidor, tres dos y quinto, fundamentales en la rumba -, un idiófono de caña al que llaman guagua, en el que se marca un ritmo con dos palos al que llaman repiquetear y que antes se marcaba en el cuerpo de la tumbadora de voz grave, y claves o palmadas. Dos solistas que cantan a dos voces o alternan y el coro formado por los 
mismos músícos. 
Con esta selección ofrecemos rumba. guaguancó del mejor, para 
el más pleno dísfrut«e de este estilo de la música cubana.
María Teresa Linares Savio
Directora de Museo de la Música
La Habana, abril de 1992 


Una reedición de su primer esfuerzo de grabación, con la adición de tres pistas adicionales en la parte superior del disco, Rumba Caliente 88/77 es una presentación bellamente remasterizada de Los Muñequitos en sus inicios. Más claramente audible que nunca, las cualidades que capturaron la imaginación de su tierra natal y luego la audiencia mundial son más evidentes que nunca. Especializados en la tradición folclórica de la región de Matanzas, que emula una melodía más simple y clara que sus contrapartes en La Habana (por ejemplo, Clave y Guaguancó), los Muñequitos renuncian al estilo frenético y cacofónico que a menudo se asocia con la rumba. En cambio, la melodía de la tumba y la conga suena clara, con frases vanguardistas en quinto del director musical Jesús Alfonso Miró, y un coro oscuro, rico y dulce como el azucar de cana. los Muñequitos son reconocidos internacionalmente como los mejores artistas en su forma de arte especializada. Estos maestros modernos, aunque muchos de los intérpretes de este disco ya no están con el grupo, tocan y cantan con tanta gracia y estilo que el oyente no puede evitar enamorarse de ellos y del misterio que envuelve su oficio. Rumba Caliente 88/77 sería una buena adición a la colección del aficionado a la rumba o al curioso no iniciado._Evan C. Gutierrez  (allmusic)
                                                                             

                                                                                   

Los Muñequitos de Matanzas - Rumba Caliente 88-77 (1992)

Temas:
01.La Polemica
02.Me Arere
03.Abacua #5
04.Parece Mentira
05.En Opuestas Regiones
06.Elegia A Los Columbianos
07.Baba Cuello Mao
08.El Tonelero
09.El Currito
10.Saludo Musical
11.La Viola
12.El Marino
13.Amalia
14.Vente Solito
15.El Yerbero

Musicos:
Diosdado Ramos Cruz (director y bailarin)
Alberto Romero Díaz (solista)
Ricardo Gómez Caña, Israel Berriel González, Israel Berriel Jiménez (cantantes)
Ana Pérez Herrera (voz y baile)
Jesús Alfonso Miró, Gregorio Díaz Alfonso , Agustín Díaz Cano (percusionistas)
Bárbaro Ramos Aldazabal, Vivian Ramos Aldazabal (bailarines), 
Rafael Navarro Pujada (inspiración)

Pink Martini-Live at Pioneer (Center, Reno, Nevada)

Pink Martini es una "pequeña orquesta" de Portland, Oregon, fundada en 1994 por el pianista Thomas M. Lauderdale. Pink Martini interpreta diferentes géneros musicales como la música latina, música lounge, música clásica, o el jazz. Su música ha sido descrita muchas veces como "vintage", una descripción que muestra el contenido, el estilo y la duración de las canciones que han inspirado muchas de sus canciones.

Originalmente crecieron juntos para en representaciones en Portland,1 Pink Martini realizó su debut europeo en el Festival de Cine de Cannes. Durante el 2003 el grupo realizó una gira que incluyó países como Francia, España, Portugal, Bélgica, Suiza, Mónaco, Grecia, Turquía, Perú, Taiwán, Líbano y los Estados Unidos, realizando conciertos propios o como acompañantes de otros grupos. Las letras de sus canciones están cantadas en diferentes idiomas: inglés, español, francés, italiano, portugués, japonés e incluso en árabe o griego moderno,1 en algunas ocasiones.
El álbum debut de Pink Martini, Sympathique, fue producido por el propio sello del grupo, Heinz Records, en el 1997, del cual se han vendido más de 1.300.000 copias por todo el mundo. La canción con el mismo nombre se presentó en el CD "World Lounge" Putumayo World Music.
En octubre de 2004, el grupo grabó su segundo disco, Hang on Little Tomato. Durante el periodo que va de su primer a su segundo disco, el cantante Pepe Raphael dejó el grupo para concentrarse en su segundo grupo, Pepe and the Bottle Blondes. La cantante principal China Forbes continuó escribiendo canciones con Lauderdale, ayudando a la banda a tomar una dirección más original.
Las canciones de Pink Martini han aparecido en diversas películas como En carne viva (In the Cat), "Persiguiendo a Betty" (Nurse Betty), "Josie y las Melódicas" (Josie and the Pussycats), Tortilla Soup, Shanghai Kiss y "El Sr. y la Sra. Smith" (Mr. & Mrs. Smith), y han sido usadas igualmente en series de televisión "Tan muertos como yo" (Dead Like Me), "Los Soprano" (The Sopranos) y "El ala oeste" (The West Wing), entre otros[cita requerida]. La canción "No hay problema" está incluida como música de fondo para Windows Server 2003 de Microsoft, así como en Windows Longhorn, ahora conocido como Windows Vista.[cita requerida]
Durante la noche de Año Nuevo del año 2005, Pink Martini actuó en vivo en el Arlene Schnitzer Concert Hall en Portland, Oregón. Su actuación se retransmitió en vivo en el Toast of the Nation del National Public Radio, y fue grabado para un directo en DVD y posteriormente retransmitido durante la emisión pública americana US public broadcasting y para la televisión francesa.[cita requerida]
Debido a lo extenso de la banda, Pink Martini tiene problemas encontrando locales adecuados para tocar en algunas ciudades. Gracias a la ayuda de un amigo, Norman Leyden, empezaron sus representaciones tocando con algunas orquesta por todo el país, mientras crecían sus fans. El 1 de junio de 2007, la banda apareció durante el programa musical de televisión Later with Jools Holland del canal BBC Two. A mediados de septiembre de 2007, el grupo fue al Hollywood Bowl para realizar tres actuaciones que incluyeron a los artistas invitados Carol Channing y Henri Salvador.
El 14 de junio de 2007, Pink Martini actuó en el Late Show with David Letterman, interpretando Hey Eugene._wikipedia

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Pink Martini-Live at Pioneer (Center, Reno, Nevada) (2007)

Temas:
Cd.1:
01.Introduction
02.Bolero
03.Tempo Perdido
04.Anna (El Negro Zumbon)
05.Sympathique
06.Lilly
07.Taya Tan
08.The Flying Squirrel
09.Everywhere
10.Andalucia
11.Mar Desconocido
12.Preludium and Allegro
13.Bukra Wba'do

Cd.2:
01.Concerto for Trumpet
02.Amado Mio
03.Hey Eugene
04.Dosvedanya Mio Bombino
05.Cante e Dance
06.City of Night
07.Ojala
08.U Plavu Zoru
09.Clementine
10.Una Notte a Napoli
11.Malaguena
12.Encore Applause
13.Brazil

Hasta Siempre

Hoy tengo necesidad de despedirme de mi hermano, mi amigo, MI CUÑADO!!!

Nos ha dejado después de mucho batallar por estar con todos los suyos,  me despido de un buen hijo,  me despido de un buen padre, me despido de un buen marido, me despido de un buen  hermano, me despido de un buen tío.

Me despido por no haber estado más tiempo con él, me despido por no haberle escuchado más cuando me hablaba, me despido por no haber hablado más de lo que pude, me despido por lo que él me quería y no le daba importancia, me despido por no reírme  y llorado con él lo suficiente,  me despido  de un GRAN HOMBRE!!!

SIEMPRE ESTARAS PRESENTE ALLA DONDE YO  VAYA, PORQUE SIEMPRE ESTARAS CONMIGO DONDE YO ESTE.

Horace Silver Quintet, The Plus J.J. Johnson ‎– The Cape Verdean Blues

Horace Silver (Norwalk, 2 de septiembre de 1928 ), pianista y compositor estadounidense de jazz. Se trata de uno de los músicos pioneros del hard bop en los años cincuenta, y uno de los artistas más populares e influyentes en la corriente principal del jazz contemporáneo gracias a su estilo terso, imaginativo y muy funky. Ha trabajado también dentro de la fusión.
Algunos de los que serían los músicos más influyentes de los años 50, 60 y 70 iniciaron su carrera a la sombra de Silver, artistas como Donald Byrd, Woody Shaw, Joe Henderson, Benny Golson y los Brecker Brothers. Incluso, miembros destacados de la vanguardia jazzística como Cecil Taylor y el trompetista Dave Douglas han sido influenciados por él.

La primera influencia musical de Silver fue la música folclórica de Cabo Verde, que pudo escuchar de su padre, oriundo de Portugal. Más tarde, tras empezar a tocar el piano y el saxofón en el instituto, Silver se situó bajo el influjo de los cantantes de blues y de los pianistas de boogie-woogie y de bop como Thelonious Monk y Bud Powell. En 1950, Stan Getz tocó un concierto en Hartford con una sección rítmica compuesta por Silver, el batería Walter Bolden y el bajo Joe Calloway. Getz quedó tan impresionado que contrató al trío y Silver se trasladó con él a Nueva York.

Silver trabajó con Getz durante un año, y a continuación empezó a trabajar de forma independiente por la ciudad con músicos de la talla de Coleman Hawkins, Lester Young y Oscar Pettiford. En 1952, grabó con Lou Donaldson para Blue Note lo que le permitiría grabar sus primera sesiones como líder. En 1953 unió fuerzas con Art Blakey y editaron Horace Silver and the Jazz Messengers, disco fundamental en la evolución del hard bop. Muchos de los temas escritos por Silver para el mismo ("The Preacher", "Doodlin'", "Room 608") se convirtieron en clásicos del jazz. Hacia 1956, Silver había abandonado a los Messengers para grabar por su cuenta. Los discos que grabaría a continuación para Blue Note le consolidarían como uno de los más importantes compositores y pianistas del jazz; se trata de discos como Blowin' the Blues Away y Song for My Father (los dos grabados con el trompetista Blue Mitchell y el saxo tenor Junior Cook), que presentan unas composiciones de Silver para grupos pequeños armónicamente sofisticadas y formalmente elaboradas.
Silver grabó en exclusiva para Blue Note hasta la decadencia del sello a finales de los setenta, en que empezó a trabajar para su propia compañía, Silveto. Durante los ochenta comenzó a escribir letras para sus composiciones y su música se aproximó a intenciones espirituales, como ejemplifican títulos como Music to Ease Your Disease y Spiritualizing the Senses. En los noventa, Silver cerró su sello y comenzó a grabar para Columbia, con la que retomó posiciones de popularidad en el mundo del jazz._wikipedia


Cualquier revisión de una XRCD extendida resolución CD reedición del pianista hard bop Horace Silver's The Cape Verdean Blues va a ser como mucho sobre el éxito del formato que se trata de la música. 
La música en grabaciones antiguas, re-lanzado en caro formato de alta tecnología por Disco Elusive especialista (en que la serie de Blue Note transferencias del álbum de las cintas maestras originales) se presume que tienen un valor artístico, de lo contrario nadie se molestaría con una cara, reedición de tan alta tecnología. 
En este caso, la música está por encima de cualquier reproche. banda de plata en la década de 1960 era casi tanto una incubadora de nuevos talentos como Art Blakey's Jazz Messengers, siempre ofrece de primera clase up-and-coming músicos. El Cabo Verde Azules pares trompetista Woody Shaw con el saxofonista tenor Joe Henderson , una línea de frente dream-team de declaraciones audaces melódicos de plata. Todo el mundo tiene un montón de espacio para trabajar, con Shaw de sólo 21 años al momento de girar en un solo notable en los blues lento, "The African Queen", la construcción de ésta poco a poco, antes de inmolarse en un tono, gritar un poco abstraído, un presagio de un sonido que surgiría con mayor fuerza después, en sus propios álbumes. Trombonista JJ Johnson invitados con la banda en tres pistas, añadiendo un poco de latón pesado a las melodías y algunos excelentes solos. Henderson es impecable en todo, y de plata, además de componer la mayor parte de las pistas, siempre toca una línea azul impecable. 
Así que, ¿qué pasa con el formato XRCD? A los treinta dólares cada uno, y sin pistas de la prima, el comprador tiene el derecho de esperar una multa maldita sonando CD, y eso es exactamente lo que obtiene. En comparación con un vinilo de edición original, la XRCD es que suena más lleno, con una mejor definición de graves. Es una presentación muy suave, sin nada de la mirada de CD que a veces infecta prensados ??baratos. El plató es enorme, y los instrumentos de sonido bastante cercano a tamaño natural. 
Pero incluso el mejor prensado de un álbum-XRCD, SACD, vinilo o máscara defectos de grabación originales de otro modo-No puede. Como la mayoría de Rudy Van Gelder grabaciones de la década de 1960 el piano suena como que fue grabado en un armario bajo una pila de mantas en movimiento. Un piano es un enorme instrumento dinámico, y no debe sonar como si hubiera sido apilados en una pequeña porción de la etapa. Se trata de un defecto lamentable (que se escucha en la mayoría de los títulos de catálogo RVG) en lo que es un álbum que suena bien. 

Así, es de treinta dólares por una gran pulsación de un gran disco con fallas de grabación una buena relación calidad-precio? Para aquellos que realmente aman la música, entender los problemas inherentes con el piano, y tener capacidades de alta fidelidad para tomar ventaja de la mejora de la calidad del sonido en general, bien podría ser. Para alguien sin equipo de lujo, un CD o descarga normal todavía entregarían las melodías y dejar veinte dólares en el bolsillo. Todo esto es sólo una cuestión de prioridades._Greg Simmons


Horace Silver Quintet, The Plus J.J. Johnson ?– The Cape Verdean Blues (1965)

Temas:
01.The Cape Verdean Blues 
02.The African Queen 
03.Pretty Eyes 
04.Nutville 
05.Bonita 
06.Mo' Joe

Musicos:
Horace Silver: piano
Woody Shaw: trumpet
Joe Henderson: tenor saxophone
Bob Crenshaw: bass
Roger Humphries: drums
J.J. Johnson: trombone (4-6)