"Aquarela do Brasil", un himno no oficial de Brasil, puede haber recibido literalmente miles de versión diferente y de la interpretación, pero aún así, Egberto Gismonti y percusionista brasileño Naná Vasconcelos (su único acompañante aquí) fueron capaces de idear una versión original, que se abre con un modesto estilizada introducción de samba, con lo que poco a poco los elementos que conduce al oyente a la identificación de la pieza. Egberto es muy aficionado a la percusión y los ataques etéreos configuraciones, tanto la adquisición de superior importancia en su música, no necesariamente se adjunta a la de apoyo o de un tema musical o melodía. Por lo tanto, la siguiente melodía definida presentados (en el bajo cuerdas de su cadena de Violão 10) está en la pista seis, "Bianca", que es una lírica compleja construcción basada en lo que parece un motivo folklórico ritmo. Sigue "Don Quijote", un bello, lírico, valientemente simple tema entregado en el piano, con la Naná de emular un canto africano y su triángulo de juego en el forró tradición. ~ Alvaro Neder, All Music Guide
Egberto Gismonti & Nana Vasconcelos - Duas Vozes (1984) Temas: 01-Aquarela Do Brasil 02-Rio De Janeiro 03-Tomarapeba 04-Dançando 05-Fogueira 06-Bianca 07-Don Quixote 08-O Dia, a Noite Musicos: Egberto Gismonti-guitars, piano, flutes, dilruba, voice Nana Vasconcelos- percussion, berimbau, voice
Elena Burke nacida en La Habana, un 28 de febrero en 1928, Elena Burke atravesó las más depuradas expresiones de la escena cubana cuyos comienzos se remontan a los años cuarenta cuando integrara el célebre conjunto llamado Las mulatas de fuego. Tiempo después, habiendo cantado en los “aires libres” del Prado habanero, Elena se incorpora a uno de los más importantes cuartetos nacionales, el de Orlando de la Rosa. Ya desde entonces, su vínculo con la canción romántica es definitivo. Así las cosas, en 1956 entra a formar parte, junto a Moraima Secada y las hermanas Haydeé y Omara Portuondo, de aquel acontecimiento que devino el cuarteto de voces femeninas màs universal de nuestro ámbito, el célebre Cuarteto de Aida que fundara la pianista Aida Diestro. Simultáneamente al vertiginoso éxito del Cuarteto, Elena cantaba en pequeños clubs citadinos, en rincones inusitados, en innumerables reuniones entre amigos y, en esa ola de espontaneidad, nacían las primeras manifestaciones del movimiento del filin en cuyo seno iba a nacer una atractiva reina, una mujer llamada a cautivar a todo tipo de públicos hasta convertirse ella misma en la historia de la canción cubana de nuestros días. Con una sencillez inverosímil, Elena se daba a querer. Infinidad de adjetivos y epítetos han tratado de definirla: “Su Majestad Elena Burke” o “La Señora Sentimiento”, entre los más difundidos. El pueblo, con su sabiduría milenaria, la ha definido mucho mejor: Elena. Así la hemos nombrado todos los días en las avenidas de La Habana, en los puertos de mar o en cualquier sitio del planeta o de la Isla donde se haya encontrado. Elena nació a la fama como la intérprete más fiel del filin. El lado romántico de los cubanos alcanzó en su voz el mayor de los esplendores. Fue ella, de hecho, quien resumiera la esencia de aquel decir tan habanero, tan cubano, tan novedoso. Durante los años sesenta, escuchar a Elena en lugares íntimos, pequeños, era aprender a disfrutar de un modo de decir inédito, tan único que no ha habido después cantante alguno capaz de reproducirlo. Temperamental, inquieta como pocas, con un afán perpetuo de creatividad, Elena supo ir buscando y supo encontrar un estilo que, más allá de sus cualidades vocales, le ha dado no sólo el don de la expresión sino una libertad tan palpable que le permite interpretar a José Antonio Méndez, César Portillo de la Luz, Ñico Rojas, Frank Domínguez, Piloto y Vera, Marta Valdés, Meme Solís e incluso un repertorio que puede ir desde un son montuno y una canción de cuna hasta las obras de Adolfo Guzmán, Orlando de la Rosa, Candito Ruiz o Sindo Garay. Fue a Elena a quien le oí las más hermosas páginas de los mexicanos Vicente Garrido o Arturo Castro. Fue a Elena a quien le oí por primera vez una canción de Silvio Rodríguez y una guajira de Pablo Milanés. No era nada casual sino la prueba más rotunda de su condición de gran estilista que consiguió abarcar cuanto registro existe en un pentagrama; porque ella supo descubrir con su voz la maravilla de lo nuevo. Así la vimos siempre: joven, audaz, animadora insobornable de los reales talentos. “Como un Rey Midas ella convierte en oro todo lo que canta”, declaró alguien al presentarla en un concierto de gala hace muchos años. Al servicio de la canción cubana y su cultura, junto a su pueblo, Elena irrumpió un día para quedarse. Su voz es una siempreviva. Descanse en paz su cuerpo. Al resonar su canto en la memoria de todos los tiempos, viva eternamente Elena Burke, el alma misma de la canción. La muerte de Elena Burke(La Habana, 9 de junio de 2002) era una muerte esperada y no por esperada deja de ser un hecho desgarrador, doloroso, irreversible. No hay vuelta atrás. Aquella voz y aquella presencia llenas de gracia criolla, de legítimo talento y de esa picardía que sólo las isleñas de su estirpe conocen, van a hacer mutis para siempre de todos los escenarios. Sin embargo, su recuerdo conforma ya una hermosa fábula en la que alienta su leyenda como artista y como persona. Una voz desde las aguas más hondas de los ríos antillanos fluye ahora, para siempre, como un surtidor incesante de la historia de nuestra canción en cualquiera de sus modalidades.~Nancy Morejón
Elena Burke - Grandes Exitos (2006) Temas: 01-Mil congojas (Juan Pablo Miranda) 02-Libre de pecado (Adolfo Guzmán) 03-Llanto de luna (Julio Gutiérrez) 04-Me faltabas tú (José Antonio Méndez) 05-Duele (Piloto y Vera) 06-Ese hastio (Meme Solís) 07-De mis recuerdos (Juan Formell) 08-Y ya lo sé (Juan Formell) 09-Lo material (Juan Formell) 10-Mis 22 años (Pablo Milanés) 11-Decide tú (Juan Almeida) 12-Y hoy te quiero más (Juan Formell) 13-Amor y solfeo (Luis Rojas) 14-Persistiré (Rubén Rodríguez) 15-Para vivir (Pablo Milanés) 16-Te doy una canción (Silvio Rodríguez) 17-De lo que te has perdido (Dino Ramos) 18-Llora, llora (Marta Valdés) 19-Ausencia (Rafael Hernández) 20-Son al son (César Portillo de la Luz)
En este disco de 1994, la Fort Apache Band de Jerry Gonzalez deja de lado el lado latino de su música para centrarse en el hard bop. Jerry Gonzalez toca principalmente la trompeta, y no hay tantos interludios de percusión como de costumbre. Con la reciente muerte de Carter Jefferson, el puesto de tenor fue ocupado por John Stubblefield. Por lo demás, el personal (con González como trompeta y congas, el contralto Joe Ford, el pianista Larry Willis, el bajista Andy González y el batería Steve Berrios) sigue siendo el mismo. La música incluye «Thelingus» de Ford (dedicada a Thelonious Monk, Charles Mingus y Duke Ellington), una adaptación de «Ezekiel Saw the Wheel», «Viva Cepeda» de Cal Tjader y «Fort Apache» de Jackie McLean, entre las selecciones más memorables.. ~ Scott Yanow (allmusic)
Jerry González (Nueva York, 5 de junio de 1949-Madrid, 1 de octubre de 2018)1 fue un músico de jazz estadounidense de raíces puertorriqueñas. Trompetista y percusionista, es uno de los pioneros del jazz latino.
Afronaut sirve hasta 14 canciones con un sabor de Puerto Rico, el oeste de Londres a través de los ideales de profunda funky house y el ritmo roto la ciencia. Hace mucho tiempo que estoy emocionado por este sonido, un sabor latino que está cargado de historia, sentir letras que se pueden cantar, incluso si no se entiende el idioma! Esto tiene una sutileza que falta mucho en la música de baile, especialmente la música de baile que se inspira en gran medida a partir de raíces latinas, no cambian demasiado la tradición, la modernidad y la producción adicional de instrumentación no cambian el producto final. Esta música esta sometida a una mezcla que funciona muy bien. Hecho en Casa es un buen ejemplo de cómo las técnicas modernas de producción realmente se pueden añadir a la tradición de raíces latinas, cómo se puede complementar el gran musical, y producir algo de hoy para pista de baile. Esta muy cargada de percusión, emotiva y edificante, vagamente secuencia, no es una mixtape, pero fluye como si lo fuera, música para elevar el alma. Incluso hay momentos en los que el ritmo y bajos se acercan a Dubstep, manteniendo las cualidades edificantes de la música latina, la dirección clara de las tinieblas, y aquí es donde el genio se establece. Más bien es Dubstep daaark, no hay duda sobre ello, pero este logra evitar la oscuridad, a las delicias de los steppers, pero en lugar de sumergirse en un vacío eleva al oyente. Con un suplemento de energía Latina, y bailar toda la noche con una sonrisa bien plantada en su cara, no puedo recomendar este álbum lo suficiente, hay que oirlo.~Wayne Stronell Afronaut Y Amigo - Hecho En Casa Part 1 (2008) Temas: 01-Mark de Clive - Lowe featuring Abdul Shyllon - Relax Unwind...(Afrojas Ricanstruction) 02-Candela Allstars - Mambo Roto 03-Broki - Es Que Lo (Kay Suzuki Mix) 04-Oreja - Julietta (Nautz 20:20 Edit) 05-Tito Sensai - Galeta Liquida 06-Broki featuring Tempo - Mi Ritmo 07-Totin - Rumba Cultura 08-Afronaut featuring Tempo - Golpe Tuyo Calinda 09-Cachete Y Seiji - Batacumbele 10-Local 12 - Kulo 11-Tito Sensai featuring Cachete - Shelembe 12-Afronaut - Nuevo Rumbero 13-Neon Phusion featuring Tempo - Calle San Sebastian 14-Candela Allstars - Brobombique (Bugz In The Attic Edit) Musicos: Polito Huertas-bass Diego Centeno-percussion,vocals Anthony Carillo-percussion Hector Calderon-percussion,vocals Tempo Alomor-percussion,vocals Cachete Maldonado-percussion,vocals,piano Totin Agosto-percussion Son Del Batey-percussion,vocals Dino Huertas-keyboards, percussion Giovanni Hidalgo-percussion Luis F. "Totin" Agosto-vocals Javier Marrero-vocals Georgie Cruz- saxophone Tonito Vasquez-trombone Javier Rivera- trumpet Matt Lord- drum programming IG Culture- drum programming Emilio Velez-bass, guitar Kaidi Tatham-keyboards
Una Amanda Martínez evidentemente feliz se enfrenta a la banda y marca con los dedos el tempo de "Guajira Sola". El bajo, la guitarra y el güiro nos arrastran al ritmo, un hipnótico chi-chi-chao. El violín y la trompeta se unen a la emoción creciente y la voz de Amanda entra tan segura y firme como el ritmo que avanza. Estamos inmersos en la emoción de la canción. Emocionante, sensual y rítmicamente rica, parece una canción de celebración. Creo que se convertirá en su "canción de cabecera". Es una gran apertura o cierre, y muy Amanda.
Amanda Martínez cuenta al público que lleva unos cinco años actuando en Toronto y que la gente le ha preguntado a menudo por un CD. El año pasado decidió que había llegado el momento y aquí está con su propia grabación, Sola. La mujer que, como locutora de Jazz FM, ha presentado a tantos artistas en las fiestas de presentación de sus discos, es ahora la protagonista de la suya propia.
Más allá de la inconfundible voz de Amanda Martínez y de su talento como compositora, la facilidad con la que actuó el jueves por la noche y el placer que obviamente le produjo, demostraron que tenía razón: había llegado el momento. Irradiaba confianza, su canto y su actuación fueron impecables.
Claudia García de la Huerta, del programa de arte y cultura Big City, Small World de la CBC, presentó a Amanda Martínez, contando la historia de cómo se conocieron en el estudio de Claudia en la CBC. Amanda había venido con el guitarrista Kevin Laliberté para hacer una entrevista y cantar una canción. "Aquí estaba esta joven de la que había oído hablar, tímida y nerviosa", dijo Claudia, "pero cuando abrió la boca para cantar se transformó en un elegante cisne. Me enganchó". A juzgar por la abarrotada sala del Drake, Amanda Martínez se ha ganado muchos oídos por el camino. Mientras la gente intentaba apretujarse frente al escenario, una mujer comentó: "¡ya necesita un local más grande!".
Más tarde, Amanda Martínez cantó la canción que escribió e interpretó con Kevin Laliberté para ese segmento de radio, "Diciembre", soñadora y suave, pero rítmica. Pensando en ello, me doy cuenta de que su fraseo, su sentido rítmico y su capacidad para mantener en movimiento las melodías suaves y lentas -que fluyen y refluyen pero siempre siguen adelante- es uno de sus puntos fuertes. Sus cualidades más evidentes son la forma en que siente una letra, comunicando el sentimiento tanto si se entienden las palabras como si no, con su característica voz entrecortada, a veces con un característico chasquido en el fondo de la garganta que es poderosamente emotivo.
¿Y su banda? Como ella misma dijo, tiene suerte de contar con una banda tan estupenda y tuvo la suerte de que todo el personal de su CD, excepto una de las violinistas, Sheila Gruner, pudiera estar presente en esta ocasión. No fue poca cosa, teniendo en cuenta que la mayoría de ellos tienen sus propias bandas o carreras en solitario y están siempre ocupados. Me resultaría imposible destacar aquí a un solo músico de la banda. Lo que destacaba de todos ellos era su nivel musical. Tocaban muy bien y parecían increíblemente felices. El escenario irradiaba mucha calidez.
El público también se mostró cálido, escuchando y respondiendo a Amanda Martínez mientras cantaba las canciones de su nuevo CD, canciones en español, inglés y portugués. Cuando cogió la guitarra para acompañarse en la dramática "La Llorona", el hombre que estaba a mi lado se inclinó hacia su amigo y le dijo: "Me encanta cómo lo hace". Como he dicho, se ha ganado muchos fans en sus pocos años como artista. No cabe duda de que seguirá ganándose nuevos con actuaciones como ésta y su nuevo CD. Desde la inocencia infantil con la que canta el estándar de jazz "Look to the Rainbow", a la femenina "Guajira Sola", la ternura del estándar brasileño "Manha de Carnaval" y el anhelo de su propia "Volar", por nombrar algunas, este primer CD la representa bien.
Amanda Martínez dijo al público que cuando empezó no sabía el trabajo que le iba a costar producir un CD, pero lo consiguió, y me alegro mucho de que lo hiciera. Al igual que las muchas personas que hicieron cola para comprar su CD esa noche. También lo estarán quienes aún no la han escuchado.~ Joyce Corbett Amanda Martinez - Sola (2006)
Mangle: Instrumental es un disco antológico que hizo Juan Pablo Torres como director y arreglista al frente de la orquesta EGREM, respaldado por un conjunto de cuerdas y percusión, y con el piano del maestro Pedro Coto, descendiente de una ilustre familia de músicos villareños (Las Villas, en el centro de Cuba). El album, aunque no tuvo gran difusión, tuvo una buena acogida entre los críticos musicales, coleccionistas y enterados. Se inscribe dentro de la llamada música popular, aunque desborda con mucho este concepto. Juanito Torres, como se lo conocía en el ámbito musical, tenía ya varias horas de vuelo. Nacido en Puerto Padre, localidad del norte de Oriente, el 7 de agosto de 1946, desde los cuatro años de edad había comenzado estudios musicales con su padre, que ejecutaba la trompeta y el trombón. A los once años formó parte de la Banda Musical puertopadrense, tocando el bombardino, primero, y el trombón después. En esa fecha integraba un grupo de jazz junto a otros jóvenes. En 1966 viajó a La Habana para ingresar en la Escuela Nacional de Arte y siendo aún estudiante tocó el trombón en el grupo del guitarrista Octavio Sánchez «Cotán». En 1967 entró a la liga grande al ocupar un atril de trombón en la legendaria Orquesta Cubana de Música Moderna. Trabajar al lado de músicos de la talla de Jesús «Chucho» Valdés, Paquito D'Rivera, Arturo Sandoval, Carlos Emilio Morales, Carlos del Puerto, Enrique Plá (que luego formarían el grupo Irakere) y de veteranos como Luis Escalante, Leonardo Timor , Andrés Castro, Jorge Varona, Manuel «Guajiro» Mirabal, Guillermo Barreto, Antonio Linares y Pucho Escalante debio de significar mucho para Juan Pablo, que aparte de su raíz familiar, tenía ya una indiscutible preparación técnica. Igualmente lo ayudó la guía del maestro Armando Romeu como conductor de orquesta. Pero las inquietudes de Torres iban más allá de esta formación musical. Y, lógicamente, tenía que nacer Algo Nuevo. En 1976 Juan Pablo Torres fundó el grupo Algo Nuevo, que se proponía trabajar diferentes géneros de la música cubana, preferentemente el son, con una visión muy personal y contemporánea. Logró nuclear a varios jóvenes con idénticas aproximaciones a lo cubano: Jesús Rubalcaba (piano), Tony Pérez (bajo), Adalberto «Trompetica» Lara (trompeta), Filiberto Sánchez (batería) y Modesto Furé (congas). Al margen de este trabajo con lo experimental, con una indagación propia dentro de los caminos de los géneros raigales, plasma el album Mangle dentro de lo que sería una recreación musical de la Cuba romántica, abordando con finura, contención y clasicismo estilos antológicos del jazz. Se incluyen en el repertorio Si te contara, ese bolero inmortal de Félix Reina, con su feeling indudable y, cosa notoria, también Añorado encuentro, de Giralda Piloto y Alberto Vera, que aún se canta y estremece, así como Sí, déjame mirarte, de Juan Almeida; Mangle, con su aire salado, de litoral, que el propio autor , Juan Pablo, califica como bolero tropical; Pequeña serenata diurna, esa pequeña joya melódica de Silvia Rodríguez, nos adentra en los dominios de la Nueva Trova, mientras que el manzanillero Carlos Puebla regala un bolerón con Cuenta conmigo (lo mejor de su repertorio son los boleros y canciones) situándonos ante una victrola de los 50; Terrible sueño es una balada-bolero de Alfredo Morales que convirtió en éxito la voz bien timbrada de Héctor Téllez , y que se emparienta por su estructura y línea melódica con otra balada bolero, de Juan Arrondo, Y es verdad . El bolero-feeling, algo soneado, con sabor criollo, está representado con En los días invernales, de Tomás de Jesús González , clásico del estilo de Pacho Alonso. El pulso seguro y la sensibilidad recreadora de Torres se reconocen en su versión de otro bolero -con impronta de chachachá-, Tonada número 1, de Alfredo Martínez, así como en ¿Por qué no te besé?, de Juan Almeida, con un suave lirismo subrayado por el diseño pianístico y el fondo de las cuerdas. El bolero-canción convertido en rock lento Encuéntrate, de Nenita Sueiro, resulta un buen colofón para este maravilloso viaje nocturno, amenizado (quiero decir armonizado y armónico), que ofrece la música instrumental de Juan Pablo Torres y su inquietud creadora. Estas versiones de obras románticas tuvieron una buena acogida en programas radiales destinados a los románticos de la Isla -y de otras latitudes-, espacios nocturnos, de madrugada, y no faltaron en emisoras especializadas en música popular como Radio Enciclopedia, de La Habana, donde aún se programan. Piezas idóneas para el descanso, la meditación, incluso el sueño-vigilante, aunque también para veladas sublimes, poéticas, de ensueño, en un buen sillón antiguo o un butacón moderno, con un buen trago de jaibol o cuba.libre. Pero nadie piense en estas piezas maestras como algo superficial, facilista o comercial ad usum. No es música popular estándar, sino la utilización sabia, sensible, de los instrumentos y los instrumentistas, con la obra original como base, para darle espacio a la inteligencia creadora. La segunda parte de nuestro CD se sumerge en lo cubano "con todos los hierros", expresión bien cara.eteriza a toda la obra de Torres, y aquí el trombón del muchacho de Puerto Padre (la misma ciudad donde nació Emiliano Salvador) suena de lo lindo. Dice Leonardo Acosta que Horacio Hernández, el más capacitado crítico de jazz de Cuba, y Guillermo Barreto, drummista excelso y de oído musical prodigioso, es decir absoluto, le dijeron que Juanito Torres era «el mejor trombonista que ha dado Cuba en todos los tiempos». Esa opinión en boca de esos señores es algo muy respetable. Yo, por mi parte, que compartí con Juan Pablo toda su carrera en Cuba y fuera de Cuba, no dudaría en suscribir tal opinión. Su música brilla tanto en sus discos -y tengo presente e:i importante Estrellas de Areíto (1979), dirigido y producido por él- como en las actuaciones en directo con su grupo Algo Nuevo, sus apariciones como solista o integrando agrupaciones diversas junto a figuras mundiales como Astor Piazzolla, Tito Puente, Eddie Palmieri, Chico O'Farrill, Dizzy Gillespie, Charles Aznavour, Franck Pourcell, Bebo Valdés, Steve Turre, Giovanni Hidalgo, Cachao López, Chucho Valdés, Arturo Sandoval y Paquito D'Rivera, entre otros. Ocho temas lo presentan con el grupo Algo Nuevo. En todos destacan el trombón maravilloso de Juan Pablo Torres y su concepción musical, repertorio, estilo, timbre y sonido. Vemos aquí un reflejo de su proyección artística y su carácter, y se retoma el acervo musical que bebió en la niñez junto a su padre y a los viejos músicos de su Puerto Padre, natal. A eso se suma lo incorporado en La Habana, durante su periplo por escuelas, emisoras, canales de televisión, teatros, tertulias, clubes, cabarets, etc. Abre el album una versión de Malagueña, de Ernesto Lecuona, en ritmo de rumba, con su clave marcando el tiempo (la llamada clave negra) pero sabiamente mezclada con aire andaluz, palmoteos de tablao gitano y los metales haciendo fraseos jazzísticos. El bajo mantiene el esquema del original de Lecuona. Al cambiarle el acento rítmico, Torres convierte el número en otra cosa, que no es sino el guaguancó ancestral con su coro: «llora como lloré», que se sumerge en el lloro rumbero y el llanto del cante jondo. Matrimonio entre la península y la Isla. Son de notar los bloques de trompeta, trombón y bajo, en una anticipación de recursos posteriores, y el gran banquete: los solos de trompeta, sobre el tema principal de Adalberto Lara. Viene después una excelente versión del bolero Bésame mucho, de Consuelo Velásquez, pero en ritmo de conga habanera, con sus sartenes, tres-dos, clave conguera... El esquema rítmico lo subraya el bajo. Se destaca el trombón solista de Juan Pablo con su consabida afinación, sonido perfecto y ejecución acabada, que repite en su súper-son Chimbombo , reminiscencia indiscutible de los sones que escuchó de niño en la región norte de la provincia de Oriente, con su toque de órgano. Los bloques melódicos están a cargo de la trompeta y el trombón. Otra recreación riquísima de la conga es Para Vígo me voy, de Ernesto Lecuona, a la que le endosa toques de tambor batá en hermandad de lo yoruba y lo congo, es decir la conga, elementos que son la fuente de donde bebió el maestro Ernesto Lecuona para sus piezas afrocubanas. Se ensambla con Frenesí, bolero de Alberto Domínguez, en tiempo de mambo lento, y El bodeguero, chachachá de Richard Egües, con cita del bolero Los aretes que le faltan a la luna, de José Dolores Quiñones, interacción que resulta hoy muy novedosa. De gran excelencia son los solos de trompeta de Trompetica Lara, en los que por momentos se escucha como un eco de Félix Chappotín, pero asimilado en el estilo más depurado de Lara. Con Siboney, otro clásico de Lecuona, vuelve el ritornello obsesionante de la conga, con un toque beat, y vuelven los tambores batá. Los solos de Adalberto Lara y Juan Pablo Torres son formidables. Las improvisaciones del trombón muestran destreza, rapidez y virtuosismo difíciles de igualar. Viene a continuación otro súper-son de Torres, genialmente medio «atravesao», con un ostinato de son con swing titulado Son naciente. Luego sigue El traguito, rumba-son con toque beat, de Juan Almeida, donde Modesto Furé hace unos buenos solos de conga. Cierra el disco El cumbanchero, del boricua Rafael Hernández, en tiempo de rumba-conga, que parece desfilar por El Prado habanero y se transforma en el lamento-afro Drume negrita, de Eliseo Grenet, con tempo de conga, y seguidamente en el pregón-son El manisero, de Moisés Simons, donde Fusté hace un solo y Juan Pablo Torres solea con su trombón «a lo Chappotín». Heredero de la línea trombonística de Generoso Jiménez, Torres declaró: «Bebí de las fuentes del jazz, pero siempre acercándome a Chappotín». A principios de los años 90 Juan Pablo se estableció en España y luego en Estados Unidos. Continuó trabajando en un diapasón que se movió entre el son y el jazz. Grabó junto a Bebo Valdés en 1995 (Bebo Rides Again) y en 2004 (Bebo de Cuba). En 1995 realizó un disco (Trombone Man) producido por Paquito D'Rivera, quien escribió en las notas: «Le oí por primera vez a través de la ventana del Hotel Comodoro, en La Habana, el verano de 1965. Tocaba el maldito trombón como no había escuchado tocarlo a nadie en un conjunto sonero». En 2001 dirigió la grabación de Cuban Masters: Los Originales, y al año siguiente la de ¡Qué bueno toca usted!, tributo a Generoso Jiménez, y Juntos de nuevo, donde se reunía con sus antiguos colegas Chucho Valdés y Arturo Sandoval, participando además Steve Turre, Horacio «El Negro» Hernández y Giovanni Hidalgo. En 2004 participó en el proyecto Identidad y luego intervino en Calle 54. La mañana del 18 de abril de 2005 recibí un duro golpe al conocer la noticia de su fallecimiento el día anterior en Miami. Como era lógico, vinieron a mí los recuerdos de cómo lo conocí, y de las horas compartidas con él a lo largo de casi cuarenta años. Tocó en diversas ocasiones jun to a mi primo-hermano José Manuel Valdés Orovio, asistí a distintas sesiones de grabación y actuaciones en directo de su grupo Algo Nuevo, y colaboramos juntos en programas de televisión y audiciones valorativas, así como concursos y festivales en calidad de miembros del jurado. En 1994 me reencontré con él en Miami, en una jam session que organizó en el centro vasco, y compartí con él y con su esposa sabrosas cenastertulias en su casa floridana. Me habló de su deseo de volver a grabar en Cuba y le serví de correo transmitiendo cartas que abrían esa posibilidad. En La Habana nos reunimos diariamente en los estudios Abdala, donde hizo sus últimas grabaciones en la Isla. En todas esas ocasiones comprendí que, interiormente, Juan Pablo jamás había dejado de vivir en Cuba, es decir, en Puerto Padre._ Helio Orovio (Musicólogo, poeta y músico. Autor del Diccionario de la música cubana (1981), entre otros libros especializados en el tema de la músicapopular hispanoamericana que han sido traducidos a varios idiomas)
Juan Pablo Torres - Romantic Cuba (2007) Temas: 01. Si Te Contara (Bolero. Félix Reina) 02. Añorado Encuentro (Bolero. Piloto-Vera) 03. Sí, Déjame Mirarte (Bolero. Juan Almeida) 04. Mangle (Bolero tropical. Juan Pablo Torres) 05. Pequena Serenata Diurna (Canción. Silvio Rodríguez) 06. Cuenta Conmigo (Bolero. Carlos Puebla) 07. Terrible Sueño (Bolero. Alfredo Morales) 08. Y Es Verdad (Bolero. Juan Arrondo) 09. En Los Días Invernales (Bolero. Tomás de Jesús González) 10. Tonada N°1 (Bolero cha. Alfredo Martínez) 11. ¿Por Queé No Te Besé? (Bolero. Juan Almeida) 12. Encuéntrate (Bolero. Nenita Sueiro) 13. Malagueña (Súper-son. Ernesto Lecuona) 14. Bésame Mucho (Súper-son. Consuelo Velázquez) 15. Chimbombo (Súper-son. Juan Pablo Torres) 16. Para Vigo Me Voy / Frenesí / El Bodeguero (Súper-son. Lecuona-Domínguez-Egües) 17. Siboney (Súper-son. Ernesto Lecuona) 18. Son Naciente (Súper-son. Juan Pablo Torres) 19. Dame Un Traguito (Súper-son. Juan Almeida) 20. El Cumbanchero / Drume Negrita / El Manicero (Súper-son. Hernández-Grenet-Simons) Musicos: Juan Pablo Torres - Trombón, Arreglista Adalberto "Trompetica" Lara - Trompeta Pedro Coto - Piano Jesús Rubalcaba - Piano, Keyboards Antonio "Tony" Pérez - Bajo Modesto Fusté - Conga Filiberto Sánchez - Batería
Siempre ligada a una confusa línea temporal, la primera grabación publicada de la configuración original de Return to Forever fue en realidad su segunda sesión. Una fecha inicial de estudio del sello ECM realizada en febrero de 1972 no se publicó hasta después de que la banda hubiera cambiado en 1975. La grabación de Polydor/Verve de octubre de 1972 es en realidad esta edición de 1973, en la que aparece la misma banda con Chick Corea, Stanley Clarke, Airto Moreira, Joe Farrell y Flora Purim. No hay por qué hacer distinciones, ya que ambos son álbumes de cinco estrellas, que muestran muchas de las composiciones del teclista, duraderas, inmediatamente reconocibles y muy melódicas. La alegre flauta de Farrell, las voces sin palabras de Purim, la electrizante percusión de Airto y las hábiles líneas de bajo eléctrico de Clarke se envuelven en un guiso de samba brasileña y el piano eléctrico Fender Rhodes de Corea, y sin duda marcan la pauta y el listón más alto para la música de los grupos que vendrán después. «Captain Marvel» -- la semilla de la banda sin Farrell y Purim que se expandió en un álbum conceptual completo con Stan Getz -- está aquí como una vaporosa samba de fusión con Corea bailando en las teclas. A estas alturas, la hermosa «500 Miles High» se ha convertido en la canción emblemática de Purim con la letra de Neville Potter y los acordes punzantes de Corea, y desgraciadamente se convirtió en un himno hippie contra las drogas. Quizás la canción definitiva de Corea de todos los tiempos, y versionada ad infinitum por bandas profesionales y escolares, «Spain» conserva la extravagante melodía, el interludio de palmas, la dinámica de arriba abajo, la emocionante sección de improvisación y la variación en el tiempo, el tempo y las coloraciones que siempre despiertan interés a pesar de una duración cercana a los diez minutos.
«You're Everything» es un clásico romántico que seguramente se ha escuchado en muchas bodas, con otra letra de Potter cantada en el cielo por Purim, mientras que la canción que da título al disco es la letra de Purim en un marco musical más suelto, con la gráfica de Clarke fusionándose con Corea y el punzante trabajo de flauta de Farrell. Por mucho que los otros se hayan convertido en iconos, el extraordinario sonido de Farrell en esta cita nunca debería trivializarse ni subestimarse. El tema final, «Children's Song», fue un trampolín para varios de los proyectos de álbumes completos de Corea, y se escucha aquí por primera vez en formato de trío con un motivo lento y natalicio. La versión ampliada de esta grabación incluye muchas tomas alternativas de cuatro de estas selecciones, pero también incluye «Matrix», que no estaba en ningún álbum de RTF, y hay cuatro versiones de «What Game Shall We Play Today?», que sólo estaba disponible en el lanzamiento de ECM. Desde una perspectiva histórica, éste es el trabajo más importante de la carrera de Corea, muy diferente de sus anteriores esfuerzos progresivos o de improvisación, y el comienzo fundamental de su carrera como el teclista de jazz contemporáneo más popular de la historia. ~ Michael G. Nastos (allmusic)
Inspirado por su South Bronx raíces afro-cubanos, el percusionista Ray Mantilla levanta a la prominencia en los primeros años 70, con la realización de una serie de bandas de prestigio, y finalmente condujo a su propia banda en los años 80, la Estación Espacial Ray Mantilla. Mantilla todo este tiempo se mantuvo activa y continuó su prolífica racha en el 2000. Nacido en 1934, en el sur del Bronx, Mantilla de carrera musical comenzó temprano. En el momento en que él estaba en su 20s, él ya estaba realizando en Nueva York, su mezcla de raíces afro-cubanas con el lenguaje de jazz contemporáneo de la época. La culminación de Mantilla al alza de la subida se produjo cuando comenzó a viajar a los Estados, Europa y Japón, con Art Blakey y los Jazz Messengers. Permaneció con Blakey durante varios años en los años 70, pero aún conseguido trabajar con muchos otros, incluyendo Charles Mingus y Max Roach. Su debut en solitario, Mantilla, surgido en 1978 en el centro de la ciudad etiqueta, sin embargo, no fue hasta su próximo álbum, Manos de Fuego (1984, Rojo), que su carrera en solitario cobrado impulso. Su grupo, Ray Mantilla la Estación Espacial, dos años más tarde regresó con otro álbum de Red, Sinergia (1986) y, a continuación, de nuevo poco después con poderes oscuros. En 1991, regresó con una nueva banda, la tribu de Jazz y, a continuación, no regresó con otro álbum hasta el año 2000, el próximo paso. ~ Jason Birchmeier, All Music Guide Mas información relacionada Ray Mantilla - Head Games (1998) Temas: 01-Alexandra 02-Apple Turn Over 03-Ceora 04-T.B.A. 05-Cherokee 06-Parlami D'Amore Mariù 07-Between 08-Caravan 09-Head Games Musicos: Ray Mantilla (congas e perc) Piero Odorici (alto, tenor sax) Davide Ghidoni (tp in 2 ,3,8) Fabrizio Puglisi (p) Paolo Ghetti (b) Roberto Faenzi (batt)
El afamado percusionista puertorriqueño Joe Cuba falleció el domingo 15 de Febrero del 2009 en Nueva York por complicaciones relacionadas con una bacteria que se le había alojado en el cuerpo. Tenía 78 años.El cantante Cheo Feliciano confirmó que el músico murió a eso de las 5:00 pm, hora de Puerto Rico, en el hospital Monte Sinaí de Nueva York, un día después de que los médicos desconectaron las máquinas que lo mantenían con vida, y luego que la mayoría de sus órganos vitales falló.Cuba llevaba varios años luchando contra la bacteria. En un principio se desconocía dónde estaba alojado el agente patógeno, pero luego los médicos confirmaron que se encontraba en una prótesis de cadera que fue implantada al salsero tras una caída.Feliciano narró que, poco antes de que el corazón de Cuba dejara de palpitar, él solicitó a la familia que le permitiera despedirse a través del teléfono, ya que se encuentra en Puerto Rico preparando un próximo viaje de trabajo a Suiza."Le dije que Dios tiene una misión con todos nosotros y que, cuando está llegando el final de esa misión, tenemos que irnos al sitio de donde venimos", relató Feliciano en entrevista telefónica con The Associated Press.Feliciano, quien debutó como vocalista en 1957 con el Sexteto de Joe Cuba, aprovechó la oportunidad para agradecer al músico, cuyo nombre auténtico era Gilberto Calderón, por darle la oportunidad que marcó su carrera musical para siempre."Le dije que estamos agradecidos de todas las oportunidades que Dios nos dio, y que debe sentirse tranquilo y prepararse para la transición", sostuvo.Recordó cómo el Sexteto de Joe Cuba marcó la diferencia en la forma en que se interpretaba la salsa allá por la década de 1960.Entonces, la mayoría de los conjuntos de éxito eran orquestas, mientras que Cuba trajo a un sexteto que incorporaba a tres cantantes, que al mismo tiempo tocaban instrumentos de percusión y bailaban siguiendo una rutina "como eso que hace ahora El Gran Combo"."Fue el grupo más dinámico que hubo. Todos los grupos latinoamericanos que sonaban eran orquestas. Surgió un sexteto con el sonido de frente de un vibráfono, y eso causó una euforia porque era diferente", relató Feliciano, quien junto al Sexteto popularizó temas como El ratón, El pito y A las seis.Socorro "Cocó" Prieto, esposa de Feliciano, indicó a la AP que el féretro de Cuba será velado por dos días en Nueva York y luego llevado por las calles en las que se crió y vivió el músico, nacido en la Gran Manzana en 1931.Se espera que sus restos sean cremados en esa ciudad, donde reside toda su familia que es oriunda de Naguabo, indicó Prieto.~el-nacional.com
Descansa en paz, siempre estaras entre nosotros, gracias por todo lo bueno que has dejado.
Marc Ribot, nació 21 de mayo de 1954 en Newark, Nueva Jersey) es un guitarrista y compositor.
Su propio trabajo ha tocado muchos estilos, incluyendo la no ola, el free jazz y la música cubana. Ribot se sabe también para colaborar con otros músicos, sobre todo Tom Waits, Elvis Costello, y el compositor John Zorn. La maestría y la visión del imperecedero Marc Ribot brillan con luz propia en este lanzamiento. Aunque ha habido muchos intentos de producir auténtica música autóctona de diversas culturas, la mayoría se han quedado cortos; este álbum triunfa tras el fracaso. Ribot se adentra en los ritmos cubanos y, de hecho, el álbum es un homenaje al maestro cubano Arsenio Rodríguez. Aquí Ribot encuentra un auténtico sonido cubano empleando instrumentación tradicional: contrabajo, bloques de madera, cherke y otros sonidos de percusión. La interpretación es inspirada, y la banda desgarra constantemente el material de Rodríguez, así como algunos de los suyos propios. El trabajo de Ribot a la guitarra roza la perfección, y demuestra ser el blanco vivo con más alma. Canciones como «Aqui Como Alla» y «Postizo» confirman estas afirmaciones. Aunque este álbum no presenta al Ribot iconoclasta de la fama de The Book of Heads, es un disco excelente. ~ Marc Gilman (allmusic)
El debut del sello I.E. (vinculado a Polygram) es un inusual homenaje de varios artistas a la música de Antonio Carlos Jobim. Algunos de sus temas se convierten en funky (pero de forma melódica y con buen gusto), mientras que otros se convierten en baladas tranquilas (pero apasionadas). Todos los tratamientos están orientados al jazz, y hay mucho espacio para solos de la talla del guitarrista Lee Ritenour (en uno de sus mejores esfuerzos jazzísticos), los pianistas Dave Grusin y Alan Pasqua, el contralto Eric Marienthal, el bajista Christian McBride y el saxofonista tenor Ernie Watts. Además, hay invitados como Herbie Hancock (un excelente solo de piano acústico en «Stone Flower»), las sopranos Art Porter (en «Dindi») y Steve Tavaglione, los Yellowjackets (que se unen a Ritenour en «Mojave»), el cantante El DeBarge («Dindi») y el dúo vocal de Al Jarreau y Oleta Adams («Waters of March» y una ligera interpretación de «The Girl from Ipanema»). Casi todas las canciones despiertan interés, las melodías son célebres y las nuevas interpretaciones no dejan de sorprender. ~Scott Yanow (allmusic)
Posiblemente el QSO mejor trabajo hasta la fecha. Todavía irresistiblemente funky, pero Holanda ha estado en sus viajes y Tropidelico cuenta con algunos de los mejores músicos de los mundos que los libros. Va muy influida por la actual residencia, Colombia, este álbum es el mejor descrito tropicales como el funk, el jazz y la psicodelia de Arabia alma. Los clientes incluyen J Live, Noelle Scaggs, Afredo Linares, Kabir, Javier Rivera y Héctor Sotomayer y del Reino Unido Malcolm Catto funkiest baterista. Sublime!
Temas: 01. Tropidélico (Occidental) 02. Panama City (Soul Descarga) 03. She Said What? feat. J-Live (Rap Descarga) 04. Melodious Wayfarer (Soul Montuno) 05. Regi Bugalú (Bugalú) 06. Interlude 07. Lead Us To The End feat. Noelle Scaggs (Soul) 08. San Sebastian Strut (Cumbia Soul) 09. Marrakech (Soul) 10. Who Knows feat. Kabir (Blues) 11. Father (Soul) 12. Los Olvidados (Cumbia)
Musicos: Hector Sotomayor-Saxophone Alfredo Linares-Piano Javier Rivera-Trumpet Neal Sugarman-Saxophone Robert Luis-A&R Noelle Scaggs-Vocals Russell Knight-Drums Malcolm Catto-Drums, Engineer Jack Yglesias-Percussion Jamie Lawrence-Bass Freddy Colorado-Congas, Bongos, Maracas German 'Chispa' Lawson-Bass Popo Buckley-Congas Richie Staple-Drums Regi Johnson-Saxophone Francisco Buckley-Timbales, Bells Regi Boyce-Trumpet William Holland-Bass, Recorded By [Piano, Percussion, Guitar] Francisco 'Pacho' Plata-Bongos, Bells Andres Felipe Reyes-Claves Freddy Colorado-Congas Esteban Bernal-Drums, Timbales J-Live,Justice Allah Cadet,Noelle Scaggs,Kabir-Vocals Hugo Candelario-Marimba Gabriel Roth-Recorded By [Horns] Dave Guy-Trumpet Pirulo-Drums Georgie Cruz-Flute
Después de incorporar al conguero de origen cubano Carlos «Patato» Valdés a su grupo de acompañamiento por recomendación del DJ de jazz Sid Torin, Herbie Mann emprendió una gira por África patrocinada por el Departamento de Estado que amplió aún más sus horizontes musicales. Flautista, grabado en directo en el Basin Street East de Nueva York en junio de 1959, capta la inmersión cada vez mayor del flautista en ritmos y armonías globales, documentando una estética de jazz pancultural que señala el camino para la multitud de músicas del mundo que siguieron a su estela. Favoreciendo una sutil y reflexiva combinación de melodías bebop y ritmos afrocubanos, el grupo -que también incluye a Valdés, el vibrafonista Johnny Rae, el bajista Knobby Totah y los percusionistas Santos Miranda y Luis Mangual- ofrece una interpretación maravillosamente ligera pero hipnóticamente insistente que no sufre ninguna de las torpezas endémicas de este tipo de primeras fusiones. Mann incluso se desvía al Lejano Oriente para una interpretación fresca y elegante de la canción exótica «Caravan». La reedición de Verve de 1998 incluye un par de cortes inéditos, «Delilah» y «Basin Street Este»._Jason Ankeny (allmusic)
Faustino Oramas Osorio (4 de enero de 1911 - 27 de marzo de 2007) fue un músico cubano y compositor, el último sobreviviente de la tradicional cubana trova. La mayor parte de su repertorio consistía de los hijos y guaracha-hijos, muchos de ellos con doble sentido en la letra. Una de sus composiciones fue incluida en el Buena Vista Social Club álbum. Mas información relacionada Faustino Oramas-El Tren de la Vida (1998) Temas: 01 - Mi Son Retozon 02 - Manana me Voy pa Sibanici 03 - En Guayabero 04 - Por Culpa de las Mujeres 05 - Ya Volo 06 - Como Baila Marieta 07 - A Pissi Corre 08 - Imprudente Peatones 09 - Ritmo Suave 10 - Te Votaron 11 - Oye el Consejo 12 - Dale Suave
George Allen Russell (nacido el 23 de junio de 1923), pianista, compositor y teórico del jazz estadounidense, es considerado uno de los primeros músicos de jazz en contribuir a la teoría musical general con una teoría de la armonía basada en el jazz en lugar de la música europea, en su libro de 1953, The Lydian Concepto cromático de organización tonal que allanó el camino para las revoluciones modales de Miles Davis y John Coltrane. El alcance estilístico de Russell en sus propias composiciones finalmente se hizo omnívoro, abarcando el bop, el gospel, el blues, el rock, el funk, los elementos clásicos contemporáneos, la música electrónica y los ritmos africanos en sus recientes y ambiciosas obras extensas, lo que resulta más evidente en su suite de 1983 a gran escala. una big band ampliada, The African Game.
Al igual que su colega Gil Evans, Russell nunca dejó de crecer, pero su trabajo no es tan conocido como el de Evans, siendo más difícil de comprender y, en cualquier caso, no tan bien documentado por las discográficas de los EE. UU. Tratamos de remediar esto aquí con esta magnífica sesión de 1978 cuando Russell dirigió una gran banda de 19 integrantes en Village Vanguard de Nueva York durante seis semanas, en una actuación tremendamente diversa que muestra las múltiples facetas de su arte, incluida su primera composición famosa, la en dos partes "Cubano Be, Cubano Bop" escrito en 1947 para la Orquesta Dizzy Gillespie que sirvió como un sólido vehículo de los experimentos pioneros de esa banda para fusionar el bebop y el jazz cubano, disfruta. Todo ese jazz._(camjazz)
04. Cubano Be, Cuban Bop (Dizzy Gillespie, Russell)
05. Mystic Voices (Stanton Davis)
06. God Bless the Child (Arthur Herzog Jr., Billie Holiday)
07. Listen to the Silence (Part II)
Musicos:
George Russell (Piano, Órgano) Americo Bellotto (Trompeta) Arne Domnerus (Saxo alto, clarinete) Babafumi Akunyon (Conga) Bengt Edvarsson (Trombón) Bernt Rosengren (Saxo tenor) Bertil Lovgren (Trompeta) Carl Atkins (Saxo barítono, clarinete bajo) David Taylor (Trombón bajo) Erik Nilsson (Saxo barítono) Gary Valente (Trombón) Goetz Tangerding (Piano Acústico) Haken Nyquist (Trompeta) Ian Uling (Saxo alto) Jan Allan (Trompeta) Jorgen Johansson (Trombón) Lars Olofsson (Trombón) Lars-Urban Helje (Bajo) Lee Genesis (Vocal) Lennart Aberg (Saxo tenor, saxo soprano, flauta) Lew Soloff (Trompeta, Flugelhorn) Marty Ehrlich (Saxo alto, flauta) Ricky Ford (Saxo tenor) Ricky Martinez (Piano Eléctrico, Órgano) Roger Rosenberg (Saxo tenor) Rune Gustafsson (Guitarra eléctrica) Sabu Martinez (Conga) Stanley Cowell (Piano) Stanton Davis (Trompeta, Flugelhorn) Sven Larsson (Trombón bajo) Terumasa Hino (Trompeta, corneta, percusión) Vlodek Gulgowski (Piano Acústico, Piano Eléctrico) Warren Smith (Vibráfono, percusión múltiple, batería) Cameron Brown (Bajo) John Clark (French Horn) Mark Slifstein (Guitarra) Lars Beijbon (Batería) Swedish Radio Jazz Orchestra (Orquesta)
Grabado en Estrad, Sodertalje, Suecia, el 10 de marzo de 1977 (pista 4) y la ciudad de Nueva York, el 16 de agosto de 1978 (pistas 1-3 y 5-7)
"Aquarela do Brasil", un himno no oficial de Brasil, puede haber recibido literalmente miles de versión diferente y de la interpretación, pero aún así, Egberto Gismonti y percusionista brasileño Naná Vasco
ncelos (su único acompañante aquí) fueron capaces de idear una versión original, que se abre con un modesto estilizada introducción de samba, con lo que poco a poco los elementos que conduce al oyente a la identificación de la pieza. Egberto es muy aficionado a la percusión y los ataques etéreos configuraciones, tanto la adquisición de superior importancia en su música, no necesariamente se adjunta a la de apoyo o de un tema musical o melodía. Por lo tanto, la siguiente melodí
a definida presentados (en el bajo cuerdas de su cadena de Violão 10) está en la pista seis, "Bianca", que es una lírica compleja construcción basada en lo que parece un motivo folklórico ritmo. Sigue "Don Quijote", un bello, lírico, valientemente simple tema entregado en el piano, con la Naná de emular un canto africano y su triángulo de juego en el forró tradición. ~ Alvaro Neder, All Music Guide 
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