Blanca Rosa Gil-Besos de Fuego

Blanca Rosa Gil (Perico, 26 de agosto de 1937) es una cantante cubana de boleros.

Siendo todavía pequeña se muda con su familia a la ciudad de La Habana, donde asistió a la escuela primaria.2 Junto a sus hermanas Rita y Mercedes empezaron a cantar en actividades escolares.

En 1955 su familia la envió a Caracas (capital de Venezuela) en compañía de una familia de clase alta que tenía intereses en el medio artístico. El productor venezolano Arístides Borrego la escuchó cantar en una fiesta privada ?Gil tenía 17 años de edad? y quedó encantado con su voz. La contrató para trabajar en un programa infantil llamado Humo y fantasía. Cantó regularmente en el Plaza Cabaret (en Caracas). En 1957, Gil grabó su primer éxito: «Sombras».
En 1959, con 21 años de edad, fue «descubierta» en Caracas por el empresario cubano Gaspar Pumarejo, que la bautizó «La Muñequita que Canta» y la llevó de retorno a Cuba para cantar en el cabaré Ali Bar, en la ciudad de La Habana. Desde ese debut obtuvo resonancia nacional en la isla. Actuó para la radio y la televisión cubanas y se hizo famosa en los cabarés de la capital. Ese mismo año (1959) hizo una gira por Chile, Colombia y Venezuela.3 Se convirtió en la atracción de la revista Bim bam bum en el Teatro Ópera de Caracas. En su gira venezolana surgió un disco que registraría uno de sus mayores éxitos, «Me da risa». Al año siguiente (1960) ?cuando aún estaba en el programa del Ali Bar (de La Habana)? sus interpretaciones de «Sombras» y «Besos de fuego» serían los grandes éxitos discográficos del año.

Grabó discos de larga duración para las empresas discográficas Modiner, Panart y Maype. Como intérprete de boleros, hizo giras artísticas en Venezuela, México, Colombia y República Dominicana.

En 1961 grabó el álbum Blanca Rosa canta a Venezuela en el Blue Moon de Caracas, para la televisión venezolana. Se la llama «La Voz Femenina de la Radio», pero también es una estrella de televisión, que aparece sobre todo en el notable programa Los jueves de Partagás. El actor cubano Otto Sirgo (1918-1966) la bautizó jocosamente «La Cancionera de Bolsillo». Al finalizar el año 1961, su canción «Cristal» ?grabada en La Habana? estuvo primera en las listas de éxitos.
En diciembre de 1961, Blanca Gil viajó en gira a la ciudad de México y ya no retornó a Cuba. En México grabó varios discos para la empresa discográfica mexicana Benson, en especial con las formaciones de Memo Salamanca y Sergio Pérez. En 1964 grabó Terciopelo, con Julio Gutiérrez.En 1966 grabó el bolero «Hambre», del mexicano Rosendo Montiel Álvarez. Ese año se mudó a Miami (Estados Unidos), donde vivió nueve años. Finalmente hacia 1975 Blanca Gil se radicó en la isla de Puerto Rico (Estados Unidos), donde fue contratada por el sello Velvet.

Hacia 1980 abrazó la fe cristiana, por lo que abandonó los escenarios. Durante más de una década cantó solamente en los templos evangélicos. Hacia 1991 volvió a grabar álbumes de música profana._wikipedia


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Blanca Rosa Gil-Besos de Fuego (1999)

Temas:
01. Cristal
02. Cuando Tú Te Has Ido
03. Quiero Hablar Contigo
04. Besos de Fuego
05. Una Tarde Cualquiera
06. Injusta Condena
07. Brindar o No Brindar - Recuérdame
08. Estoy Decepcionada
09. Acerca el Oído
10. Pecadora
11. No Me Vendo
12. Pero Vete Lejos Infame
13. Ya No Estás
14. Dolor en Tinieblas
15. Querer Sin Esperanza
16. Vuélveme a Querer

Manteca Blue & Latin Corner - ¡Si Suena!

Manteca Blue And The Latin Corner es una agrupación de Cali, Colombia que recrea en su propuesta sonoridades que abarcan el latin jazz y el funk con la magia de la música afrocaribeña, con una marcada influencia en los sonidos étnicos colombianos y africanos.
Los músicos en su puesta en escena logran un sonido envolvente a través de composiciones que dan vida propia a múltiples historias que enlazan raíces culturales y al mismo tiempo resaltan la cadencia latina como eje transversal de esta apuesta en tiempo de jazz con cálidas notas que combinan lo urbano con lo ecléctico y experimental.
En su producción musical 2016 titulada ¡Si suena! la agrupación se atreve a explorar diferentes sonoridades integrando talentos como el legendario pianista Edy Martínez, ex integrante de la orquesta de Ray Barreto y músico de cabecera de diferentes producciones del sello Fania, importante baluarte que le aporta a la producción la cuota de tradición por su trayectoria y aporte a la salsa y el latin jazz.
También se destaca en el álbum la presencia de Jacobo Vélez, talentoso músico de Cali, reconocido por proyectos como la Mojarra Eléctrica y su más reciente explosión musical: La Mambanegra quien se suma con la pieza Vamo´a Hablar, dándole al álbum un toque callejero y bailable. Complementando la cuota de aportes se suma William Angulo, voz líder de la agrupación Herencia de Timbiquí reconocida a nivel internacional por empuñar la bandera del sonido Pacifico colombiano, quien condimenta la fusión dándole voz a la pieza "Pa que no muera la ilusión".
Con esta descarga de sonidos y una fascinante combinación de sabores alrededor del jazz, este proyecto liderado por el pianista Daniel Gutiérrez, se asoma con un concepto sólido que invita a disfrutar desde diferentes orillas una deliciosa aventura en tiempo de guajira, currulao, funk, reggae y son. Alucinante travesía que deja claro al mundo una sospecha que se vuelve consigna: Manteca Blue... ¡Si Suena!._Ricardo Mendivil
                                                                    

                                                                              

Manteca Blue & Latin Corner - ¡Si Suena! (2017)

Temas:
01. Manteca Blue
02. Escúchame
03. Son Funkyao
04. Blurrulao
05. ¿Si Suena? (Feat Eddy Martinez)
06. Vamo´a Hablar (Feat Jacobo Velez "El Callegüeso")
07. Guajira Para Eva
08. Mc Coy Congo
09. Pa´Que No Muera La Ilusión (Feat. William Angulo)

Musicos:
Daniel Gutiérrez (Director y Piano)
Javier Ocampo (Saxo)
Roger Torres (Trompeta)
Felipe Medina (Bajo)
Denilson Ibarguen (Percusión)
Julian Carvajal (Batería)
 
Información cedida por Ricardo Mendivil

Greg Diamond - Conduit

En su continuación de Dançando Com Ale, un debut clásico de 2009, Greg Diamond ha producido otro disco notable, Conduit. El guitarrista muestra una madurez creciente y una musicalidad reflexiva en un disco impecable que incluye a varios de sus compañeros del álbum anterior: el saxofonista tenor, Seamus Blake, que es un coloso por derecho propio, el saxofonista alto, Brian Hogans, que está emergiendo rápidamente como una voz singular en ese instrumento, y el bajista Edward Pérez, que parece haber salido de la nada para brillar con su juego melódico en el disco de Diamond y en una serie de otras grabaciones brillantes. El disco también incluye algunos otros músicos ingeniosos encabezados por el increíble joven polirrítmico y colorista de la percusión puertorriqueña, Henry Cole, el pianista Mike Eckroth, un tercio del perdurable trío Bernal/Eckroth/Ennis, y el segundo colorista de la percusión, el asombroso conguero Mauricio Herrera.

Con un equipo tan fuerte, Greg Diamond no puede dejar de hacer un disco magnífico. Sin embargo, cabe mencionar que el guitarrista lidera realmente desde el frente. Su forma de tocar tiene una voz única y es casi excesivamente impresionante en todo momento. Todos los intérpretes importantes de ese instrumento tan difícil de dominar tienen voces propias, pero añadir un aspecto tonal bruñido al sonido vocal del instrumento es algo que sólo puede impartir un maestro; alguien que guitarristas como Jim Hall, Joe Pass y Pat Metheny, por nombrar algunos del club de élite fuera de toda la tribu de brasileños, poseen en abundancia. Ahora ese exclusivo club de maestros debe admitir a Diamond. El tono y la textura de la interpretación de Diamond adquieren una personalidad líquida de una viscosidad tan prístina que sus largas y sinuosas líneas invocan el burbujeo rítmico de algún mítico arroyo del norte que surge en el aire claro de la montaña y se precipita por la ladera de la colina y el valle para convertirse en un río caudaloso. Porque así es como Diamond construye sus soles: comenzando en minúsculas exploraciones rítmicas de una sola nota de sus riachuelos melódicos y luego creciendo hasta convertirse en poderosas cascadas.

Típica de la magnífica música del disco es "Turbulence", que es una melodía rugiente llena de giros y vueltas que ponen de manifiesto el toque de cuerno del guitarrista, que también toca su hacha, a veces, como un piano de cola, mezclando sus improvisaciones orgánicas gamberras con inusuales acordes en bloque que tartamudean y tartamudean y resoplan con una especie de fuerza equina salvaje. Mike Eckroth también mantiene un fuego líquido detrás del saxofón alto de Brian Hogans. La poderosa percusión de Henry Cole y Mauricio Herrera construye una especie de motor alucinógeno junto con Edward Pérez, que también construye un poderoso paisaje sonoro armónico antes de emerger para hacer un electrizante solo poco después del de Hogans. En "La Poor Sweet" es el turno de Seamus Blake de demostrar por qué ha llegado a ser reconocido como uno de los más jóvenes grandes maestros del saxofón tenor con un solo que se desliza con glissandos místicos y arpegios astrales. Eckroth es una vez más el artífice de un solo de tan magnífico diseño cuyo alcance es abundante en la energía de sus líneas audaces y trazos magníficamente acentuados.
Greg Diamond también demuestra, una vez más, que es un compositor de gran madurez y genio. Sus melodías son chispeantes y bien definidas, pero dejan mucho espacio para que su estelar elenco de músicos se exprese. Y nadie decepciona aquí. Al contrario, todos los músicos del conjunto tocan con extraordinaria libertad y fuego. La dolorosa belleza de la balada "Song For Jerry (Mi Viejo)" es un buen ejemplo de la naturaleza aérea de las composiciones de Diamond, que también muestra cómo el guitarrista aprovecha el silencio para ofrecer a sus músicos la posibilidad de expresarse. Si hay que conceder un deseo más, sería posiblemente tener más definición en la microfonía para la percusión de Mauricio Herrera, de modo que su exquisito toque de conga pudiera ser un poco más brillante en la mezcla final. Por lo demás, este es otro disco excepcional de un guitarrista excepcional, Greg Diamond._ Raul da Gama (latinjazznet)

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 Greg Diamond - Conduit (2012)

Temas:
01. Yvette
02. Inertia
03. El Martillo
04. El Pozo
05. Turbulence
06. La Poor Sweet
07. Song For Jerry (Mi Viejo)
08. Chance

Musicos:

Greg Diamond (Guitarra)

Seamus Blake (Saxo tenor #1, #2, #6, 7)

Brian Hogans (Saxo alto #3, #5, #8)

Mike Eckroth (Piano)

Edward Pérez (Bajo)

Henry Cole (Batería)

Mauricio Herrera (Congas #1, #2, #3, #5, #8)

Información cedida por Hector Guillermo Copete

Septeto Turquino - Son Para Los Rumberos

El Septeto Turquino ha hecho gala a su nombre, denominación que entraña llevar la música al pedestal más alto, en homenaje a la montaña más elevada de la geografía cubana.

Dirigido por Rolando Ferrer Rosado, realmente ha sido así desde 1982, cuando surgió en predios universitarios de la ciudad de Santiago de Cuba, y de su paso musical por la Federación Estudiantil Universitaria, hablan numerosos premios en sus festivales.

-Primer lugar en los Festivales de base realizados entre 1983 y 1989.
-Tercer lugar del Festival Nacional, 1984.
-Primer lugar del Festival Zonal, 1985.
-Primer lugar en el Festival Nacional de Música Cubana otorgado en el Centro Universitario José Antonio Echevarria (CUJAE), 1987.
-Gran Premio en la segunda versión del Festival Nacional de Música Cubana, 1989.
Muchos recuerdan los primeros encuentros con aquel sonido, fabulosamente tradicional, a principios de los ´90, cuando a pocos se les ocurría pensar en el boom que tendría después y que aún persiste.

Testigos importantes ha tenido esta historia, los que confirman la presencia de Turquino. Adalberto Álvarez, por ejemplo, no pudo sustraerse del gustazo causado por el Septeto en 1994, durante el primer Festival Internacional del Son Miguel Matamoros cuando expresó: “Mientras jóvenes como los de Turquino toquen así la música cubana, nuestro son está garantizado”.
Oscar D´ León disfrutó hasta la embriaguez la actuación de la agrupación en la edición de 1998 del festival Francés de Vic Fesenzac, un punto de partida para que el gran artista incorporara en su repertorio dos temas de Turquino interpretados allí. Así, “Monta al pelo” , y ” EL Pregonero” terminaron formando parte de su CD “La Fórmula Original”, nominado al Grammy en la categoría de salsa en el año 2000. Ambas composiciones son obra de Osnel Odit, entonces guitarrista de la formación... Seguir Leyendo





Septeto Turquino - Son Para Los Rumberos  (2003)

Temas:
01. Que Me Haces    
02. Son Para Los Rumberos    
03. Calla    
04. Son Para Una Chinita    
05. Coco Mai Mai    
06. Me La Va A Pagar    
07. Dejame Gozar

Musicos:
Rolando Ferrer-Voz solista y bajo
Osnel Odit-Voz solista y guitarra
Luis Brito-Tres y coros
Jorge Maturell-Bongó y coros
Carlos Santos-Maracas y coros
Jorge Ferrer-Congas
Anival Vila-Trompeta

Caridad Cuervo Con El Grupo De Pachito Alonso - Marchante

Caridad Cuervo. Destacada cantante de música tradicional cubana. Como cantante cultivó fundamentalmente la guaracha.

Caridad Cuervo nació en la Ciudad de la Habana el 1 de abril de 1946.

Comienza de niña su vida musical, en el año 1952 , cuando la llamaron entonces la gran revelación infantil. Fué cantante de guarachas y afros, y logró actuar con Celia Cruz, quien le dio su aprobación por la calidad vocal de la joven artista. Posteriormente continuó sus presentaciones en emisoras de radio fundamentalmente en Radio Mambí y centros nocturnos. Estuvo vinculada a los conjuntos de Yoyo Casteleiro , Estrellas de Chocolate , de Severino Ramos , Orquesta de Silvio Contrera y el Conjunto Caney con quien hizo sus últimas grabaciones. Su primer LD lo grabó con la PANART (1958); luego grabaría otro en 1961 con la Maype y un estéreo con la EGREM en 1980, con el Conjunto Caney. En la década del cincuenta, en los programas en vivo que existían en Radio Progreso y C.M.Q., actuó con diversos cantantes que no llegaron a realizar grabaciones en un estudio con la Sonora Matancera. Durante su última etapa y hasta prácticamente el día de su muerte se encontraba cantando en el Cabaret Tropicana como solista y formando parte del gran elenco. Siempre estaba alegre y activa.
Su canción emblemática, "Me dicen que soy la candela, porque yo bailo rico y sabroso / no puedo sujetar la cintura / porque bailo rico y sabroso la sangre se me alborota / por eso dicen que soy la candela". Así decía la letra de la canción que popularizó la versátil cantante cubana.
Esta canción que popularizó la versátil cantante y guarachera Caridad Cuervo, grabada en la década del 50 con el legendario Conjunto Caney, la hará recordar siempre en la farándula cubana como síntesis de genuino arte popular. Siendo muy joven, fue descubierta y promovida por Celia Cruz, otra leyenda viva de la música criolla. Incursionó en la radio y la televisión hasta que fue contratada por el famoso Cabaret Tropicana, del que resultó una de sus figuras emblemáticas y que la catapulteó a la fama definitiva.
Viajó por México, Estados Unidos y otros países. Se presentó en Inglaterra en los años 1990 con el espectáculo de Tropicana._ecured





Caridad Cuervo Con El Grupo De Pachito Alonso - Marchante (1981)

Temas:
01. Sonaron 12 Campanas
02. Mi Corazón Y Yo
03. Yo Sé El Que Te Busca
04. Si Me Comprendieras – Dime En Qué Momento
05. Llego El Tresero
06. Marchante
07. Si Te la Dabas de Sheriff-Si Te Tires, Queda 

Eric Dolphy & The Latin Jazz Quintet - Caribé

Eric Dolphy fue un verdadero original con sus propios estilos distintivos en el alto, la flauta y el clarinete bajo. Su música entraba en la categoría de "vanguardia", pero no descartaba por completo la improvisación con acordes (aunque la relación de sus notas con los acordes era a menudo bastante abstracta). Mientras que la mayoría de los demás intérpretes de "free jazz" sonaban muy serios en su forma de tocar, los solos de Dolphy a menudo resultaban extasiados y exuberantes. Sus improvisaciones utilizaban intervalos muy amplios, una variedad de sonidos no musicales parecidos a un discurso, y su propia lógica. Aunque el contralto era su eje principal, Dolphy fue el primer flautista en ir más allá del bop (influyendo en James Newton) e introdujo en gran medida el clarinete bajo en el jazz como instrumento solista. También fue uno de los primeros (después de Coleman Hawkins) en grabar solos de trompa sin acompañamiento, precediendo a Anthony Braxton en cinco años.
Eric Dolphy grabó por primera vez mientras formaba parte de Roy Porter & His Orchestra (1948-1950) en Los Ángeles, estuvo en el ejército durante dos años y luego tocó en la oscuridad en Los Ángeles hasta que se unió al Chico Hamilton Quintet en 1958. En 1959 se instaló en Nueva York y pronto fue miembro del Charles Mingus Quartet. En 1960 Dolphy ya grababa regularmente como líder para Prestige y ganaba atención por su trabajo con Mingus, pero a lo largo de su corta carrera tuvo dificultades para conseguir trabajo estable debido a su estilo tan avanzado. Dolphy grabó bastante durante 1960-1961, incluyendo tres álbumes grabados en el Five Spot mientras estaba con el trompetista Booker Little, Free Jazz con Ornette Coleman, sesiones con Max Roach y algunas fechas europeas.
A finales de 1961, Dolphy formó parte del Quinteto de John Coltrane; su actuación en el Village Vanguard provocó que los críticos conservadores intentaran tacharlos de "antijazz" debido a los largos y muy libres solos. Durante 1962-1963 Dolphy tocó música de tercera corriente con Gunther Schuller y la Orchestra U.S.A., y actuó muy raramente con su propio grupo. En 1964 grabó su clásico Out to Lunch para Blue Note y viajó a Europa con el Sexteto de Charles Mingus (que fue posiblemente la banda más emocionante del bajista, como se muestra en The Great Concert of Charles Mingus). Tras elegir quedarse en Europa, Dolphy dio algunos conciertos, pero luego murió repentinamente de un coma diabético a la edad de 36 años, una gran pérdida.
A finales de 1961, Dolphy formó parte del Quinteto de John Coltrane; su actuación en el Village Vanguard provocó que los críticos conservadores intentaran tacharlos de "antijazz" debido a los largos y muy libres solos. Durante 1962-1963 Dolphy tocó música de tercera corriente con Gunther Schuller y la Orchestra U.S.A., y actuó muy raramente con su propio grupo. En 1964 grabó su clásico Out to Lunch para Blue Note y viajó a Europa con el Sexteto de Charles Mingus (que fue posiblemente la banda más emocionante del bajista, como se muestra en The Great Concert of Charles Mingus). Tras elegir quedarse en Europa, Dolphy dio algunos conciertos, pero luego murió repentinamente de un coma diabético a la edad de 36 años, una gran pérdida._Scott Yanow (allmusic)

Este disco es el equivalente a lanzar un cartucho de dinamita en una cena tranquila y ordenada, hacer que la dinamita estalle con un estallido y, de alguna manera, dejar todo en su sitio. Así es el volátil Eric Dolphy, un grave lamento en el saxo alto y aún más idiosincrásico y radical en el clarinete bajo, que irrumpe en la guarida del Latin Jazz Quintet de Juan Amalbert y no los perturba en lo más mínimo. El tema que da título al disco es una auténtica esquizofrenia, el LJQ se pasea en un blues con acento de conga mientras Dolphy dispara por todas partes con el saxo alto. Incluso el más animado "Mambo Ricci" tiene el mismo tipo de dinámica de grupo; Dolphy en llamas, Gene Casey tranquilo y deliberado al piano. Sólo en "Spring Is Here", donde Dolphy cambia a una flauta de tono contemplativo, encontramos un punto de encuentro equilibrado, aunque su solo de flauta en "Sunday Go Meetin'" vuelve a salirse del camino. No es, pues, una combinación ideal, pero sin duda es fascinante._Richard S. Ginell (allmusic)

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Eric Dolphy & The Latin Jazz Quintet - Caribé (1960) (Remastered 1994)

Temas:
01. Caribé 
02. Blues In 6/8 
03. First Bass Line
04. Mambo Ricci 
05. Spring Is Here 
06. Sunday Go Meetin' 

Musicos:

Eric Dolphy (Saxo alto, flauta, clarinete bajo)

Juan Amalbert (Congas)

Gene Casey (Piano)

Bill Ellington (Bajo)

Charlie Simons (Vibráfono)

Manny Ramos (Batería, timbales)

Arte Mixto - Deseos

Con dos guitarras, bajo, violín y una amplia gama de instrumentos de percusión, el grupo cubano Arte Mixto mezcla la música tradicional cubana con elementos de música clásica, jazz, flamenco, salsa y samba. Dirigida por el violinista Alexis Correa, la banda se formó a principios de los 90 en la ciudad de Cienfuegos Las Villas, con un grupo de estudiantes recién graduados en la Escuela Nacional de Arte. Poco después de formarse, Arte Mixto fue elegido para representar a Cuba como "la expresión más auténtica de la música cubana", en una gira por nueve ciudades y varios festivales en Noruega, así como en un par de conciertos en Londres.
En 1996, Arte Mixto recibió el "primer nivel" del comité de evaluación del Instituto Cubano de la Música, que es uno de los premios más codiciados y respetados que se conceden a los músicos en Cuba. Pronto le siguieron más premios (como el Premio Bis de la Música, el Premio Musical Beny More, el Premio Egrem de la Casa de la Música y un segundo puesto en el Premio Lucas, el equivalente cubano a los Premios MTV). En 1997 publicaron su primer disco, Deseos, y un año más tarde su segundo trabajo, Virginia de Cuba (este último en homenaje a la madre de Alex Correas). A finales de los 90, Arte Mixto realizó dos giras por Estados Unidos y tuvo una aparición en un episodio del programa de la MTV Road Rules, y en 2001 publicó Sin Chisme._Greg Prato (allmusic)

 Arte Mixto se fundó en 1996 en la ciudad de Cienfuegos, Cuba, bajo la dirección del talentoso violinista Alexis Correa. A poco de presentarse en los escenarios más importantes de la ciudad natal, comienzan las giras por la isla. Mientras aumentaba su popularidad son seleccionados para representar a Cuba en una gira por nueve ciudades y varios festivales en Noruega, además de representar dos conciertos en Londres. Poco después estrenan el primer programa completo de televisión. Lo anterior junto al Premio BIS Music, el Premio Musical Benny Moré y el Premio Casa de la Música EGREM, los llevaron a grabar el primer disco compuesto de canciones tocadas durante los primeros tiempos del grupo. Antes habían viajado como cuarteto Fusión a España, Italia, Noruega e Inglaterra, cautivando el gusto del público por su mezcla original..._ (azurina)
                                                                           

                                                                         

Arte Mixto - Deseos (1997)

Temas:

01. Son De Manuel (Alexis Correa)

02. Confesión (Alexis Correa)

03. Deseos  (Julian Urquiza)  

04. Aguzate  (Ritchie Rey)  

05. El Aroma De Tu Piel  

06. Corazon Gitano (Alexis Correa)  

07. Centellas De Amor (Alexis Correa)  

08. Bolerito (Lazaro Garcia)  

09. Amante (Carlos M. Veliz)  

10. Cipriano Armenteros (Ruben Blades)  

11. Aguzate (Versión Para La Radio)

Musicos:

Iris Sandra Cepeda (Voz)

Alexis Correa (Violín y dirección musical)

Julián Urquiza (Bajo, guitarra, voz)

Rafael Antonio Martínez (Guitarra, vocalista)

Carlos Manuel Veliz (Percusión)

Juan Amalbert's Latin Jazz Quintet – The Chant

Abdul-Rahim, Emmanuel (Juan Amalbert) (n. 1934)

Maestro percusionista e ingeniero de grabación; hijo de Annie Swinton Johnson y Juan Amalbert, su madre formaba parte de la familia de Mt. Pleasant (SC), al este del río Cooper, de las familias Swintons y Ascues; su padre era puertorriqueño; nacido Emmanuel Amalbert, Abdul-Rahim empezó a grabar más tarde con el nombre de su padre, Juan Amalbert, en homenaje a éste; creció y vivió en Nueva York y Copenhague, y recientemente ha vuelto a conectar con su hogar "ancestral" (Charleston).

Tocó con la Orquesta de Duke Ellington y grabó "Jaywalker" con el grupo destacando su exquisita interpretación rítmica africana en los tambores de conga; También tocó con Sarah Vaughan (su modelo), Josephine Baker, Aretha Franklin, Ahmad Jamal, Nancy Wilson, Art Blakey y los Jazz Messengers, la Thad Jones Orchestra, y las bandas de James Moody y John Coltrane; fue percusionista de Katherine Dunham; produjo o diseñó grabaciones para James Moody, Clark Terry, Eric Dolphy y Jimmy Cliff; dejó los EE. UU en 1956 y realizó giras por Europa, África y Asia; su quinteto de jazz latino, con sede en Copenhague, se mueve con ritmos de yambú y clave yoruba._ (charlestonjazz)
                                                                 

                                                                                

Juan Amalbert's Latin Jazz Quintet – The Chant (1962)

Temas:
01. G.T.'s Theme    
02. There's No You    
03. The Chant    
04. Invitation    
05. Jackie's Mambo    
06. Dorian    
07. Yesterday's Child    
08. Star Eyes

Musicos:

Juan Amalbert (Batería y conga)

Bobby Capers (Saxos alto y tenor)

Manny Ramos (Batería y timbales)

Bill Ellington (Bajo)

Willy Gardner (Piano)

Willie Rivens (Vibráfono)

Victor Allende (Flauta)

Cal Tjader – Plays the Contemporary Music of Mexico and Brazil

Este set de 1962 de Cal Tjader, grabado al comienzo de la locura de la bossa nova en Estados Unidos (editado el mismo año y en el mismo sello que el smash Jazz Samba de Stan Getz y Charlie Byrd), tiene uno de los temas más aburridos. títulos imaginables, y no comienza a describir las innovaciones relajadas pero mágicas en los ritmos. Producida por Creed Taylor, la fecha fue arreglada y orquestada por la gran pianista Clare Fischer (quien también escribió las notas). Tjader se propuso ofrecer un retrato muy moderno de la música proveniente de la Ciudad de México mostrando composiciones seleccionadas de Mario Ruíz Armengol, y fuera de Brasil destacando temas de cantantes como Elisete Cardoso y João Gilberto. Las vibraciones de Tjader se colocan en yuxtaposición con el piano de Fischer y la percusión de Changuito, Milt Holland y Johnny Rae, con una sección de instrumentos de viento que incluía tanto a Don Shelton como a Paul Horn, e incluso algunas voces exóticas sin palabras de Ardeen DeCamp. Además, la estrella de la guitarra brasileña Laurindo Almeida ayuda en aproximadamente la mitad del set y contribuyó con "Chôro e Batuque", mientras que Fischer ofrece "Elisete", que lleva el nombre del cantante. 
La sensación aquí es suave con ritmos contagiosos y vientos de madera bellamente forjados (ver "Se é Tarde, Me Perdoa"), un piano magnífico y vibraciones espaciosas. Los arreglos de Fischer ciertamente representan la época, pero perduran hasta el siglo XXI debido al brillante ejemplo de interacción entre la percusión y las melodías (nótese la alegre "Silenciosa"). Tjader había estado tocando samba en discos durante varios años en este punto, y trabajó con Getz en 1957, pero este fue el primer lugar en el que permitió que su propia sensibilidad melódica (más que rítmica) compleja pero deliciosamente sutil brillara en las vibraciones. . Lo más notable de este conjunto es la facilidad con la que se mezclan las dos tradiciones._Thom Jurek (allmusic)

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Cal Tjader – Plays the Contemporary Music of Mexico and Brazil (2008)

Temas:
01. Vai Querer
02. Qué Tristeza
03. Meditação
04. Soñé
05. Se É Tarde, Me Perdõa
06. Não Diga Nada
07. Silenciosa
08.Elizete
09. Imagen
10. Tentação Do Inconveniente
11. Preciosa
12. Chôro E Batuque

Musicos:
Vibes - Cal Tjader
Arranged By, Piano, Liner Notes - Clare Fischer
Bajo - Freddie Schreiber
Congas - Changuito (pistas: 2, 4, 7, 9, 11)
Batería - Johnny Rae (pistas: 1, 3, 5, 6, 8, 10, 12)
Guitarra - Laurindo Almeida (pistas: 1, 3, 5, 6, 8, 10, 12)
Percusión - Milt Holland
Timbales - Johnny Rae (pistas: 2, 4, 7, 9, 11)
Voz - Ardeen de Camp (pistas: 2, 4, 7, 9, 11)
Instrumento de viento - Bernie Fleischer (pistas: 1, 3, 5, 6, 8, 10, 12), Don Shelton (2), Gene Cipriano (pistas: 1, 3, 5, 6, 8, 10, 12), John Lowe , Paul Horn

Masterizado por - Kevin Reeves
A&R [Coordinación de A&R de reedición] - Kyle Benson
Dirección de arte [Dirección de arte de reedición] - Hollis King
Productor - Creed Taylor
Supervisado por [Reedición] - Harry Weinger
Lanzado originalmente como Verve V6-8470 (1962) 
Grabado en Hollywood, California, 5, 6 y 7 de marzo de 1962 

Masterizado en Universal Mastering Studios-East 

Maximilano Sánchez-Bimbi con el Conjunto Oriental de Ñico Saquito

Maximilano "Bimbi" Sánchez (Caobitas 1908 Florida-1991) Formo en 1935 en Santiago de Cuba, un trío con sus amigos Pedro Feliu, cantante y maraquero y Luis Bosch, guitarrista y tresero más tarde reemplazado por Ángel Almenares .

Al igual que todos los grupos o solistas, intentarIá su suerte en La Habana. No era lo suficientemente rápido en un éxito, Graba para la RCA Víctor en 1937 para ofrecer sus sesiones de grabación. Maximiliano compone y sobresale en guarachas y son ellos los que graba "El frutabomba." El trío también comprometido en 1937 a cantar en ondas CMBC y CMX.

Sin dejar de lado otros géneros como la suya es la guaracha que constituye la mayor parte del repertorio del grupo. El "Trio Oriental" también trabaja con Ñico Saquito que ofrece el grupo directorio muchos guarachas Sánchez y la oportunidad de integrar en 1940 " Cuarteto Compay Gallo "de la misma.
Las grabaciones continuarán hasta 1943, intercalados con giras por el exterior, sobre todo en el área del Caribe en 1939 y en varios países de América Latina.
A mediados de los años cuarenta "Bimbi" cambia el personal "Trio Oriental" y lo trajo, Ñico y el guitarrista Manuel Méndez. Para guardar el grupo emplea a más personal, incorporando bajo Vilalta y bongo famoso "Hueso". Curiosamente los discos de 1946 se publican bajo el nombre de " Guaracheros de Oriente ", incluyendo" Adiós Compay Gato "y" Silverio Facundo y la Luna ".

Nuevos títulos permanecen en vinilo en 1949, cuando el trío visitar Puerto Rico, "Allí donde tu sabes", "Si Paso La negra" ... entonces en 1950 a Nueva York.
En 1951 "Bimbi" se desplaza temporalmente a los EE.UU., donde juega en un nuevo trío con un músico que ha conocido en Cuba, Cuso Mendoza y Neftalí Piñeiro. Varias unidades fuera de ese año y el año siguiente. Sánchez también tiene un grupo que juega con un acordeón.
"Bimbi" Sánchez fundó su propio sello discográfico, y registró sus grupos Titán personales. Regresó a Santiago en 1954 y goza de cincuenta fabulosos para renovar su sonido y sumergirse en la emoción del momento.
El trío de nuevo a la vida el año siguiente y grabado cuatro canciones con Octavio González, guitarra; Ramón González, percusiones, Mariano Rivera, contrabajo, "Bimbi" y Félix Castrillón, voz.
A finales de la década Maximiliano Sánchez aumenta el tamaño de su grupo en un conjunto trabajando y grabando con Ñico Saquito. "Bimbi" regresó a Nueva York en 1963 y terminó sus días en la Florida._(sandritocubanito)





Maximilano Sánchez-Bimbi con el Conjunto Oriental de Ñico Saquito (2000)

Temas:
01. Filosofando - Son
02. Mi Novia Tiene Guararey - Son Montuno
03. Poema De La Despedida - Bolero
04. El Peluquero - Guaracha
05. Porque Tú No Estás - Bolero
06. Que Te Coge El Dia - Son Montuno
07. El Campolon - Guaracha Son
08. El Trotamundo - Bolero
09. Un Domingo En El Batey - Montuno
10. Borrachera De Amor - Bolero
11. Choncholi Se Va Pa'l Monte - Guaracha
12. Feliciano Ta' Cansa - Conga
13. Cuidadito Compay Gallo - Guaracha
14. Guaracha
15. La Negra Leonor - Guaracha
16. Yo No Escondo A Mi Abuelita - Guaracha
17. Los Que Son Y No Son - Guaracha Son

The Brew - Latin Brew

Los sonidos de Latin Brew son tan limpios, fluidos y absolutamente magníficos como cualquier cosa grabada digitalmente en la memoria reciente. El guitarrista Michael Rodríguez, el líder de este largo grupo de Austin, es sorprendentemente fluido en su instrumento acústico, ofreciendo líneas melódicas y solos que toman vuelo en cada vuelta. Comenzando en Brownsville, Texas, camino del infierno a mediados de los setenta como un combo para todos los fines que hizo blues, rock y country, el Brew se dirigió a Austin en los años ochenta y desde entonces se ha inclinado cada vez más hacia la arena de Jazz latino Los hermanos de Michael Joe y Mark se encargan de los deberes de percusión y bajo, respectivamente, y las estrellas locales Joel Guzman en los teclados y el acordeón, Brad Evilsizer en la batería, y William Santiago en las congas redondean la alineación regular. 
Aunque Latin Brew se centra principalmente en el sonido ligero-suave-jazz que la banda ha ajustado a la perfección, hay algunas sorpresas en este álbum, como el giro eléctrico a través del "Hotel California" de los Eagles. Rodríguez rehace la melodía infamously espeluznante en algo casi hermoso - casi. Sigue siendo "Hotel California", después de todo, y, por desgracia, suena más como Joe Satriani ha registrado en Paco de Lucía. Encantador, pero no emocionante, Latin Brew hace buena música sin tomar muchas oportunidades._(austinchronicle)




The Brew - Latin Brew (2001)

Temas:
01. After the Rain
02. Vas a Ver
03. La Banda
04. El Valle
05. Hotel California
06. Noches Argentinas
07. Sol Caliente
08. Flor D'Luna
09. Charlotte's Song
10. Constant Motion
11. Isla Mujeres
12. Dancing with Gypsies