Guy Jeffrey Barker, MBE (nacido el 26 de diciembre de 1957) es un trompetista y compositor dejazz inglés. Barker nació en Chiswick, Londres, hijo de una actriz y un doble de riesgo. Comenzó a tocar la trompeta a la edad de doce años y en un año se unió a la Orquesta Nacional Juvenil de Jazz. A la edad de 15 años jugaba con Crouch End Allstars junto con Wally Fawkes y Bob Nadkarni. Después de las lecciones de Clark Terry en 1975, Barker pasó a tocar en la década de 1980 con John Dankworth, Gil Evans (con cuya orquesta realizó una gira y grabó en 1983), Lena Horne y Bobby Watson. Barker fue miembro del quinteto de Clark Tracey de 1984 a 1992. Como acompañante ha tocado con Ornette Coleman, Carla Bley, Georgie Fame, James Carter, Mike Westbrook, Frank Sinatra, Colin Towns, Natalie Merchant, ABC, The The, Haircut Cien, Erasure, Chris Botti, Wham !, Kajagoogoo, The Housemartins, Matt Bianco, Alphaville, The Style Council, The Moody Blues, Sting, Bucks Fizz, Mike Oldfield, Cleo Laine, Acoustic Alchemy, XTC y Stan Tracey. Anteriormente, su propia banda ha presentado una mezcla internacional de músicos: Perico Sambeat (saxofón alto; España), Bernardo Sassetti (piano; Portugal), Geoff Gascoyne ([bajo, Reino Unido) y Gene Calderazzo (batería; Estados Unidos). Más recientemente, realizó una gira con la Guy Barker Jazz Orchestra, una gran banda de 15 integrantes con Rosario Giuliani (saxofón alto; Italia) y Per Johansson (saxofón tenor; Suecia), interpretando DZF, una reelaboración de la flauta mágica de Mozart con Michael Brandon narrando la historia como una novela al estilo de Raymond Chandler, narrada nuevamente por Robert Ryan. Barker fue director musical y arreglista del concierto de gala de apertura "Jazz Voice: Celebrating a
Century of Song" en el London Jazz Festival anualmente de 2008 a 2014. También fue director musical y arreglista en varios programas de BBC Radio 2 el viernes por la noche es música. espectáculos nocturnos con la orquesta de jazz Guy Barker con la orquesta de conciertos de la BBC, celebrando la música de Billie Holiday / Duke Ellington y Billy Strayhorn / Ella Fitzgerald, Aretha Franklin y Dusty Springfield / Jazz Royalty para celebrar la boda de William y Kate Barker fue nombrada miembro de la Orden del Imperio Británico (MBE) en los honores de Año Nuevo 2015 por sus servicios al jazz. Fue galardonado con la insignia BASCAGold en 2013. Actualmente ha grabado con Gordon Haskell una nueva versión de su sencillo de éxito How Wonderful You Are. Que es una versión de Samba y está en el gato cuyo gato tiene la crema 2020._ (wikipedia)
Bernardo da Costa Sassetti Pais (24 de junio de 1970 - 10 de mayo de 2012) fue un pianista dejazz y compositor de cine portugués. Sassetti nació en Lisboa. Era bisnieto de Sidónio Pais, presidente de la Primera República. Inicialmente tocó la guitarra, luego comenzó a estudiar piano y teoría musical a los nueve años. Se interesó por el jazz después de escuchar a Bill Evans. A fines de la década de 1980, apoyaba a músicos visitantes y enseñaba piano de jazz en Lisboa (y, más tarde, enseñó en otras áreas lusofónicas).
Durante la década de 1990, trabajó en Londres, donde grabó tres álbumes con el grupo de Guy Barker. Anthony Minghella los invitó a aparecer como el sexteto de jazz de Napoli en The Talented Mr. Ripley. Su álbum de 2006 Unreal: Sidewalk Cartoon recibió una calificación de cuatro estrellas (de cuatro posibles) en The Penguin Guide to Jazz (9a ed.), Y fue seleccionado para The Penguin Jazz Guide: The History of the Music en los 1000 mejores álbumes. . Además de su trabajo de jazz, Sassetti ha compuesto numerosas bandas sonoras para películas. Bernardo Sassetti estuvo casado con la actriz Beatriz Batarda, con quien tuvo dos hijas. Murió el 10 de mayo de 2012 tras caerse de un acantilado en Guincho Cascais (Portugal), donde estaba tomando fotografías para su próximo libro._ (wikipedia)
Guy Barker & Bernardo Sassetti - Cuba Cuba (2001) Temas:
La rumba es la fiesta de los tambores, de clima emocional. Se gesta en los barracones de esclavos, después en barrios marginales arrabaleros entre Matanzas y La habana. Esos elementos estructurales se trasladaron al solar, al salón y al cabaret. Cuba cuenta con una fuente de percusionistas inacabable. En un solar de la barriada de El Vedado, encontramos a Ángel González Vila, un ecué (amigo) de la rumba, rodeado de tambores, cajones, bongo, catá, instrumentos brasileños como el berimbao y hasta algunos inventados. Ángel González· es de esos que ha pasado la vida fiel a sus tambores, sin muchas ambiciones, tomando la vida con cierta filosofía: "lo mío es tocar donde me llamen vivo entre tambores desde muy niño. Lo mismo me boto para un carnaval que acompaño a una estrella, que descargo en jazz latino". Angelito nace el 8 de octubre de 1949 en la barriada del cerro que fuera una zona aristocrática en la colonia y después refugio de marginales y rumberos que mezclaban lo de ayer y lo de hoy. Rumbeando en solares o tocando en carnavales encontrábamos a Angelito por donde quiera. Perteneció a diversas comparsas como Los Componedores de Batea o La jardinera, entre otras. En 1970 se incorpora a la Orquesta Keleyá. Antes de terminar la década, en 1976, Angelito se integra al Conjunto Folclórico Nacional y la orquesta de Obdulio Morales en el teatro Mella, hasta que en 1988 Sergio Vitier organiza el grupo Oru al que se une hasta 1988. "La experiencia con el Oru -recuerda Angelito- fue muy prometedora, porque se le daba un toque más contemporáneo. Vitier es un músico consagrado. Por ahí han pasado estrellas como Rogelio Martínez Furé, Orlando López (Cachaíto). La idea del grupo era homenajear a un legendario rumbero: Jesús Pérez un "obba ilu" (rey de reyes en el tambor)."Oru" quiere decir juego y la música es un juego de sonidos. Yo sustituí a Tata Guines aunque mi idea era simplemente hacer mi trabajo". En esta experiencia acompaña a Merceditas Valdés, la pequeña Aché que venía de la cofradía de Fernando Ortíz. Merceditas exigía un acompañamiento experimentado. Entre las muchas agrupaciones por las que pasó Angelito se cuentan la Orquesta de Varona y su familia (Varona había tocado con Benny Moré y los lrakere).
Con Nicolás Reinoso en sonido contemporáneo que departieron con Gonzalito Rubalcaba en aquellos jam sessions del Festival de Jazz Plaza. "Tengo que reconocer que siento inclinaciones por el jazz latino -revela Angelito- en esa línea he hecho cosas con músicos como Changuito, Miguel Angá, Enrique Lazaga y Frank Emilio". Ese es el motivo por el que casualmente, pero con cierta razón, se une al jazzista canadiense Jane Bunnett con el que viajó por EEUU durante el año 1996, en pleno boom de la salsa cubana". Angelito ha acompañado voces muy valiosas como la de Xiomara Laugart o la gran Beatríz Márquez la "Musicalísima", pero también toca donde haya que tocar, lo mismo en una fiesta que en un velatorio. "Sabemos que la rumba no es una música ritual, sino profana -explica Angelito-, pero las letras que contiene pueden hablar de dioses, temas costumbristas, santeros, babalaos y hasta momentos de despedida, de dolor funerario". Angelito es casi un luthier, muestra con mucho orgullo uno de sus inventos de la percusión. Se trata de un tambor sin parche, se sustituye el parche por una tabla de peywood pegada con cola. Suena con un sonido cerrado: "el invento es de 1988 y lo hice por la necesidad, para ahorrarme el
parche que es caro". Ángel también imparte clases a muchos extranjeros que van en busca de la esencia auténtica de los ritmos. Este cd lleva el nombre de Ecué Tumba (amigo tumbador) por el talante de Angelito, y está grabado con sólo cuatro integrantes: dos tumbadoras, una caja, un bongo, un catá. En total son 13 piezas de rumba con sus variantes y el abakuá. Pedro Fariñas pone la voz, es un rumbero de marca mayor que procede de los Muñequitos de Matanzas, aunque Fariñas también encauza su voz por el son. En la percusión nos encontramos con Gilberto Crespo "El Chato", se trata tambororero de fundamento batá y profesor en la Escuela de Música García Caturla de Marianao. El otro percusionista es Alfredo Laffitte, un músico que también fabrica instrumentos, igual que Angelito González. Con una larga trayectoria artística. Esta es la entrega de Ángel González con su disco "Ecué Tumba", una obra para escuchar, para animarse la vida y para meditar los timbres, toques y variantes sonoras de la percusión cubana. _Rafael Lam
¿Quién no recuerda la pupular Babalú que sirvió para establecer difinitivamente la calidadartítica de Miguelito Valdez? Los ardientes acordes de la canción abrieron su sendero musical, el cual hoy está formado por una enorme cantidad de dtscos (pasa de 500) que afirman por completo la onginalidad de su personal estilo. Cantante cubano de alcance intemacional, Miguelito Valdez ha actuado como vocalista principal de innumerables programas en la CMQ de Cuba, NBC, CBS y WRUL de los Estados Unidos, así como en casi todas las difusoras y cadenas de radio y TV en el mundo. El tipo de medodías que interpreta tienen un sabor y una lírica especial, con una fuerte inclinación por alcanzar el sentido y la esencia de los ritmos y la música autóctona de Cuba. Dicho afán, rayano en preocupación, tiñe todas las interpretaciones de Valdez, quien, por lo mismo, es llamado con justicia "La Voz de Cuba". A pesar de ser un artista internacional con larga experiencia en los tablados de todo el mundo, Miguelito Valdez es muy estimado en el mundo artítico por la sincera sencillez de su trato y la tranquila mesura de sus ademanes, lo cual es sorprendente si se considera que son cualidades raras en el medio y, sobre todo, si se toma en cuenta que antes de cantar fué atleta, y merced a esto, desarrolló un corpachón de proporciones bastante respetables que sugiere todo menos buenas maneras. No solamente eso. La Voz de Cuba, debido a su natural simplicidad, ha pasado por sucesos tan curiosos como el que le aconteció cuando canto el recibimiento del General Patton al terminar la Segunda Guerra Mundial, celebro en el Hollywood Bowl de California. La transcendencia del acto y la histórica figura del General, pusieron nervioso a Valdez y, según sus propias palabras, "por el inusitado honor que se me había conferido canté a dos voces conmigo mismo, pues durante toda la canción de mi garganta salió un dúo". Pero ante el públco, "La Voz de Cuba" es un verdadero y destacado representante del arte vocal cubano. En este disco interpreta doce canciones que constituyen algo de lo mejor de la inspiración musical cubana de antaño y hogaño._ Leonel Bracho (Por RCA Victor Mexicana, S. A. de C. V.)
Miguel Ángel Eugenio Lázaro Zacarías Izquierdo Valdés Hernández (La Habana, 6 de septiembre de 1912 - Bogotá, Colombia, 8 de noviembre de 1978), también conocido como Míster Babalú, fue un cantante cubano que cultivó distintos géneros musicales cubanos como el bolero, el son cubano y la guaracha. Su estilo estuvo caracterizado por su potente voz y un sentido picaresco de lo popular. Nació en el barrio de Belén y siendo muy niño todavía su familia se mudó al también popular barrio de Cayo Hueso en Centro Habana. En su juventud fue mecánico automotriz y, además, boxeador. Miguelito se inició en la música popular integrando un sexteto, donde además de cantar tocaba diferentes instrumentos. Tiempo más tarde se integró como vocalista en el sexteto Jóvenes del Cayo. También participó en charangas y en el 1933 estuvo en el Sexteto Occidente de María Teresa Vera. Trabajó con la orquesta Hermanos Castro hasta 1936, cuando se fundó la Orquesta Casino de la Playa. Trabajando en ella logró definir su sello fundamental influido por los ritmos afro de la música cubana. En 1939 salió de la Casino de la Playa, y en marzo de 1940 grabó varios temas con la orquesta Havana Riverside. En abril de 1940 Miguelito Valdés abandonó Cuba con destino a Nueva Jersey, y más tarde se desplazó a Nueva York. Allí se unió a la orquesta de Xavier Cugat, debutando en el Hotel Waldorf Astoria. Debido a diferencias por asuntos de dinero dejó la orquesta de Cugat y en 1941 trabajó con Machito y sus Afro-Cubans. En 1945, en parte a causa de la gran cantidad de trabajo, se quedó prácticamente afónico. No obstante el mal pronóstico médico, Valdés se recuperó de esta dolencia. En 1947 se encontró a su viejo amigo Chano Pozo en Nueva York y lo incorporó a su banda. Más tarde, Pozo se vincularía a personalidades como Dizzy Gillespie y se convertiría en todo un icono del jazz latino. Para 1951 Miguelito grabó con la orquesta de Noro Morales. En ese año también grabó con la Sonora Matancera, conjunto cubano con el cual grabaría posteriormente en 1977. Miguelito Valdés, uno de los cantantes hispanos mejor pagados de Nueva York en los años 1950, murió de un infarto mientras cantaba en el Salón Rojo del Hotel Tequendama en Bogotá el 8 de noviembre de 1978._(wikipedia)
Massimo Farao' (nacido el 16 de marzo de 1965 en Génova) es un pianista de jazz italiano. Estudió con Flavio Crivelli y trabajó con formaciones locales; En 1983 visitó los Estados Unidos por primera vez. tocó con Red Holloway y Albert 'Tootie' Heath. En la década de 1990 trabajó entre otras cosas. con Tony Scott, Adrian Mears, Johannes Enders, Jesse Davis, Franco Ambrosetti, en cuyos álbumes de Enja, Grazie Italia y Light Breeze, participó. También tocó en el Nat Adderley Quintet en una gira europea. En 1993 grabó su álbum debut For Me para Splasc (h); sus compañeros de equipo incluidos el trompetista Flavio Boltro y el bajista Dado Moroni. En 1995 siguió el álbum Ciao Baby (en Monad).
En un trío con Ira Coleman y Jeff Tain Watts, Farao' grabó el álbum Black Inside para Enja en Brooklyn en 1998; En 2000, siguió el álbum Thorn, grabado en formación de trío y cuarteto (también en Enja), en el que participaron Drew Gress, Jack DeJohnette y el saxofonista Chris Potter. En 2001 fue miembro del cuarteto de Archie Shepp (con Wayne Dockery y Bobby Durham); De 2001 a 2005, Farao fue director artístico del departamento de jazz del sello Azzurra Music. En 2003 actuó en el Jazz Piano Festival de Lucerna. En 2006 graba un disco con composiciones de Ennio Morricone; En 2007 realizó una gira por Europa y Estados Unidos en trío con Joey DeFrancesco._(wikipedia)
Massimo Farao' Afro Cuban Piano Quartet - Blue Bossa (2017) Temas: 01. South Seasb (R. Stevenson) 02. The Fall Of Love (D. Tiomkin) 03. Kelly Roll (K.Burrell) 04. Falling In Love With Love (R. Rodgers) 05. But Not For Me (G. Gershiwin) 06. Theme From Mash (J. Mandel) 07. Not A Tear (R. Stevenson) 08. The Way You Look Tonight (J. Kern) 09. Canadian Sunset (E. Heywood) 10. Sunny (B. Hebb) 11. Blue Bossa (K. Dorham) Musicos: Massimo Farao’ (Piano) Nicola Barbon (Bajo) Roberto "Bobo" Facchinetti (Batería) Ernesttico (Conga)
Grabado en Azzurra Studio en Pastrengo, Italia, el 17 y 18 de enero de 2017
Alex Conde, es licenciado en música clásica por el Conservatorio de Música José Iturbi y en piano de jazz del Liceu de Barcelona. Conde ha vivido en EE.UU. durante los últimos diez años y comenzó su carrera allí después de ganar una beca para asistir a la prestigiosa Berklee College of Music en Boston. Mientras que cursaba el grado (2009) de perfeccionamiento en jazz en Berklee, recibió el premio como músico revelación del jazz. Hijo del legendario cantante flamenco, Alejandro Conde, Alex es un compositor autodidacta. Comenzó a tocar música clásica a los 4 años y continuó sus estudios con Patricio Pizarro, Sergio Sapena y Wanda Walcewska en el Conservatorio José Iturbi de Valencia y más tarde con Ed Bedner en el Berklee College of Music. Ha estudiado jazz con estrellas como Chano Domínguez, George Garzone, Joe Lovano, Danilo Pérez, Dave Santoro, Maria Schneider, Wayne Shorter y Esperanza Spalding. Alex Conde ha colaborado con artistas flamencos como Nino de los Reyes, José Luis Rodríguez, Juan Siddi, Kina Méndez, Coral de los Reyes, José Valle “Chuscales” y Jesule de Utrera. Desde 2009, Alex ha sido un pianista regular en tours de flamenco por los Estados Unidos, América Latina y Canadá.
Ha compuesto para empresas flamencas como ASFB y el Teatro Flamenco de San Francisco, una colaboración con la que le valió una nominación a Isadora Duncan “Izzie” por Outstanding Achievement en Sound Text (2011). Sus orquestaciones han sido interpretadas por la Orquesta de Cámara de Miami con concertino Federico Britos, el guitarrista flamenco José Luis Rodríguez y el director Omid Zoufonoun de la Orquesta de la Juventud de Oakland. Sus arreglos de Franz Schubert también se han realizado en el New York Symphony Space. Desde 2007, Alex ha actuado regularmente en festivales internacionales de jazz junto con artistas como Melissa Aldana, Vicente Amigo, Jamey Haddad (Paul Simon), Keita Ogawa, John Patitucci, Dave Samuels, Chucho Valdés y The Bad Plus._ (clubjazzmil)
El pianista y compositor español Alex Conde (actualmente residente en el Área de la Bahía) unesu amor por el flamenco y la música de Thelonious Monk con estos arreglos creativos. Conde es un músico flamenco en activo, habiendo pasado los últimos cuatro años con la reconocida compañía de flamenco estadounidense Juan Siddi Flamenco Theatre Company. También asistió al Berklee College of Music, lo que puede explicar la fascinación por Monk. Lo acompaña la sección rítmica del Área de la Bahía del bajista Jeff Chambers y el baterista John Arkin , con el percusionista invitado especial John Santos . La música de Monk parece tener una afinidad especial con diferentes enfoques. Ha habido numerosos tratamientos latinos en el pasado, con Jerry GonzálezLa Rumba Para Monk (Sunnyside, 1989) es un ejemplo destacado. La apertura "Played Twice" establece inmediatamente el sentimiento flamenco a través de la presencia de palmas y compas tradicionales (palmadas y pisadas) además de la sección rítmica y la percusión. Es un comienzo emocionante y, como de costumbre, la composición de Monk suena completamente como en casa en este nuevo escenario, cortesía de la ardiente interpretación de Conde y su grupo. "Ugly Beauty" es la única pista que emplea palmas y compas, por lo que la influencia flamenca es más sutil en gran parte del resto del programa. Probablemente sea revelador que la "descarga" del título del álbum por lo general se refiera a una jam session cubana (más tarde salsa).
De hecho, "Monk's Dream" sale balanceándose, con poco sabor latino manifiesto. Conde interpreta en solitario "'Round Midnight" y "Pannonica", esta última con la sensación de zancada que el propio Monk a veces favorecía. La sección de ritmo se limita principalmente al trabajo en equipo, brindando apoyo y estímulo a Conde. El bajista Jeff Chambers tiene un solo memorable en "Bemsha Swing", con una breve cita musical humorística.
Conde es un pianista excelente que llamaría la atención tocando cualquier cosa, y espero con ansias escucharlo tocar sus propias composiciones. Pero para cualquier amante de la música monje o latina, esta es una combinación irresistible, con la especia añadida de un sabor flamenco único._ Mark Sullivan (allaboutjazz)
McKinley Howard " Kenny " Dorham (30 de agosto de 1924 - 5 de diciembre de 1972) fue un trompetista, cantante y compositor de jazz estadounidense. El talento de Dorham es alabado con frecuencia por críticos y otros músicos, pero nunca recibió el tipo de atención o reconocimiento público del establecimiento del jazz que muchos de sus compañeros recibieron. Por esta razón, el escritor Gary Giddins dijo que el nombre de Dorham se ha convertido en "virtualmente sinónimo de subestimado ". Dorham compuso el estándar de jazz " Blue Bossa ", que apareció por primera vez en el álbum Page One de Joe Henderson . Dorham fue uno de los trompetistas bebop más activos . Tocó en las grandes bandas de Lionel Hampton , Billy Eckstine , Dizzy Gillespie y Mercer Ellington y el quinteto de Charlie Parker . Se unió a la banda de Parker en diciembre de 1948. Fue miembro fundador de la cooperativa Jazz Messengers original . También grabó como acompañante con Thelonious Monk y Sonny Rollins , y reemplazó a Clifford Brown en Max Roach.Quinteto después de la muerte de Brown en 1956. Además del trabajo de sideman, Dorham dirigió sus propios grupos, incluidos los Jazz Prophets (formados poco después de que Art Blakey asumiera el nombre de Jazz Messengers). The Jazz Prophets, con un joven Bobby Timmons al piano, el bajista Sam Jones y el tenorman JR Monterose , con el invitado Kenny Burrell a la guitarra, grabaron un álbum en vivo
'Round About Midnight en el Cafe Bohemia en 1956 para Blue Note . En 1963 Dorham agregó a su grupo al saxofonista tenor Joe Henderson, de 26 años , que luego grabó Una Mas (el grupo también incluía a un joven Tony Williams ). La amistad entre los dos músicos dio lugar a otros álbumes, como Page One de Henderson , Our Thing e In 'n Out . Dorham grabó con frecuencia durante la década de 1960 para Blue Note y Prestige Records , como líder y acompañante de Henderson, Jackie McLean , Cedar Walton , Andrew Hill , Milt Jackson y otros. El cuarteto posterior de Dorham estaba formado por algunos músicos de jazz muy conocidos: Tommy Flanagan (piano), Paul Chambers (contrabajo) y Art Taylor (batería). Su debut discográfico fue Quiet Kenny para el sello New Jazz de Prestige Records , un álbum que incluía principalmente baladas. Un cuarteto anterior con Dorham como co-líder con el saxofonista alto Ernie Henry había lanzado un álbum juntos bajo el nombre "Kenny Dorham / Ernie Henry Quartet". Produjeron el álbum 2 Horns / 2 Rhythm para Riverside Records en 1957 con el contrabajista Eddie Mathias y el baterista GT Hogan.. En 1990, el álbum fue reeditado en CD bajo el nombre "Kenny Dorham Quartet con Ernie Henry". Durante sus últimos años, Dorham sufrió una enfermedad renal, de la que murió el 5 de diciembre de 1972, a los 48 años. El 25 de junio de 2019, The New York Times Magazine incluyó a Kenny Dorham entre los cientos de artistas que grabaron para sellos discográficos cuyas grabaciones maestras supuestamente fueron destruidas en el incendio de Universal de 2008 _(wikipedia)
El inicio de Afrodisia hace pensar falsamente en un trompetista habanero o santiaguero derefinado timbre, pero nanay. Kenny Dorham nació en el Texas más profundo, se crió en una granja, estudió química, boxeó mientras servía en la Armada y, en 1945, como tantos jóvenes músicos negros, aterrizó en Nueva York dispuesto a decir sí a lo que se terciara. Fue integrante de big-bands y en alguna hasta llegó a cantar blues, asumió el reto de sustituir a Fats Navarro, Dizzy Gillespie, Howard McGhee, Clifford Brown o Miles Davis y, cuando no le quedó otro remedio, vistió de buzo para trabajar en fábricas mientras continuaba sus estudios y ensayos. Acompañante de Charlie Parker en las postrimerías de la década de 1940, miembro del quinteto fundador de los Messengers de Art Blakey en 1954 y promotor de la fugaz formación The Jazz Prophets, su debut discográfico como líder y compositor, Afro-Cuban, en el que se incluye Afrodisia, data de 1955, un año después de haber intervenido en las grabaciones con Sonny Rollins de la reseña anterior. Opacado por los trompetistas de relumbrón con los que debió compartir escenarios y combos, McKinley Howard Dorham (Kenny, Kinny, como le llamaban en su juventud, o KD, las siglas por las que se le conocía en la profesión) completó una reseñable carrera antes de morir con 48 años a consecuencia de una enfermedad renal. Y como tantas veces ocurre, el paso del tiempo ha ido engrandeciendo su figura. Un reconocimiento merecido por su magnífico fraseo con la trompeta, su empeño en aportar un toque personal al bop, su compromiso con la docencia y su apertura a otras músicas como compositor. Afro-Cuba, y discos como Una más y Trompeta Tocatta, prueban con qué sabrosura interiorizó la onda latina. Y Blue Bossa, perla del catálogo de standards, su acoplamiento al ritmo brasileño que hizo furor en la década de 1960. Pese a transitar por caminos en parte recorridos por Dizzy Gillispie, Afro-Cuban tiene mucho de aventura en los cortes iniciales, los que justifican el título, recuperados en 1957 por
Blue Note en un elepé con cinco añadidos y carpeta de Reid Miles, diseñador marca de la casa.El concepto de la música caribeña de Kenny Dorham da cabida a tiempos lentos y suaves armonías. Carlos Patato Valdez, el más melodioso de los congueros cubanos, colabora por primera vez en un disco de jazz y entre el resto de intrumentistas hay una equilibrada mezcla de talentos consagrados (Horace Silver y Art Blakey) y otros en plena maduración artística (Hank Mobley, Cecil Payne, Jay Jay Johnson y Oscar Pettiford). Todas las canciones, salvo Basheer´s Dream, de Gigi Gryce, están compuestas por Kenny Dorham, desde la vibrante Afrodisia a la relajada Lotus Flower, pasando por Minor´s Holiday, que encadena solos de trompeta, saxofón y trombón tras la acelerada apertura conguera de Patato. Las que completan el disco (K.D.´S Motion, La Villa, Venita´s Dance y K.D.´S Cab Ride), en línea con la corriente principal del bop, no están mal, pero pasan un tanto desapercibidas. Como le ocurrió a Kenny frente a Dizzy, Clifford, Miles y cía._(la-simiente-negra)
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
Bombino – Sahel (2023)
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denominar Jazz Free, es decir, un...
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Gothenburg Symphony Orchestra conducted by Thord Svedlund
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