Alex Conde, es licenciado en música clásica por el Conservatorio de Música José Iturbi y en piano de jazz del Liceu de Barcelona. Conde ha vivido en EE.UU. durante los últimos diez años y comenzó su carrera allí después de ganar una beca para asistir a la prestigiosa Berklee College of Music en Boston. Mientras que cursaba el grado (2009) de perfeccionamiento en jazz en Berklee, recibió el premio como músico revelación del jazz. Hijo del legendario cantante flamenco, Alejandro Conde, Alex es un compositor autodidacta. Comenzó a tocar música clásica a los 4 años y continuó sus estudios con Patricio Pizarro, Sergio Sapena y Wanda Walcewska en el Conservatorio José Iturbi de Valencia y más tarde con Ed Bedner en el Berklee College of Music. Ha estudiado jazz con estrellas como Chano Domínguez, George Garzone, Joe Lovano, Danilo Pérez, Dave Santoro, Maria Schneider, Wayne Shorter y Esperanza Spalding. Alex Conde ha colaborado con artistas flamencos como Nino de los Reyes, José Luis Rodríguez, Juan Siddi, Kina Méndez, Coral de los Reyes, José Valle “Chuscales” y Jesule de Utrera. Desde 2009, Alex ha sido un pianista regular en tours de flamenco por los Estados Unidos, América Latina y Canadá.
Ha compuesto para empresas flamencas como ASFB y el Teatro Flamenco de San Francisco, una colaboración con la que le valió una nominación a Isadora Duncan “Izzie” por Outstanding Achievement en Sound Text (2011). Sus orquestaciones han sido interpretadas por la Orquesta de Cámara de Miami con concertino Federico Britos, el guitarrista flamenco José Luis Rodríguez y el director Omid Zoufonoun de la Orquesta de la Juventud de Oakland. Sus arreglos de Franz Schubert también se han realizado en el New York Symphony Space. Desde 2007, Alex ha actuado regularmente en festivales internacionales de jazz junto con artistas como Melissa Aldana, Vicente Amigo, Jamey Haddad (Paul Simon), Keita Ogawa, John Patitucci, Dave Samuels, Chucho Valdés y The Bad Plus._ (clubjazzmil)
El pianista y compositor español Alex Conde (actualmente residente en el Área de la Bahía) unesu amor por el flamenco y la música de Thelonious Monk con estos arreglos creativos. Conde es un músico flamenco en activo, habiendo pasado los últimos cuatro años con la reconocida compañía de flamenco estadounidense Juan Siddi Flamenco Theatre Company. También asistió al Berklee College of Music, lo que puede explicar la fascinación por Monk. Lo acompaña la sección rítmica del Área de la Bahía del bajista Jeff Chambers y el baterista John Arkin , con el percusionista invitado especial John Santos . La música de Monk parece tener una afinidad especial con diferentes enfoques. Ha habido numerosos tratamientos latinos en el pasado, con Jerry GonzálezLa Rumba Para Monk (Sunnyside, 1989) es un ejemplo destacado. La apertura "Played Twice" establece inmediatamente el sentimiento flamenco a través de la presencia de palmas y compas tradicionales (palmadas y pisadas) además de la sección rítmica y la percusión. Es un comienzo emocionante y, como de costumbre, la composición de Monk suena completamente como en casa en este nuevo escenario, cortesía de la ardiente interpretación de Conde y su grupo. "Ugly Beauty" es la única pista que emplea palmas y compas, por lo que la influencia flamenca es más sutil en gran parte del resto del programa. Probablemente sea revelador que la "descarga" del título del álbum por lo general se refiera a una jam session cubana (más tarde salsa).
De hecho, "Monk's Dream" sale balanceándose, con poco sabor latino manifiesto. Conde interpreta en solitario "'Round Midnight" y "Pannonica", esta última con la sensación de zancada que el propio Monk a veces favorecía. La sección de ritmo se limita principalmente al trabajo en equipo, brindando apoyo y estímulo a Conde. El bajista Jeff Chambers tiene un solo memorable en "Bemsha Swing", con una breve cita musical humorística.
Conde es un pianista excelente que llamaría la atención tocando cualquier cosa, y espero con ansias escucharlo tocar sus propias composiciones. Pero para cualquier amante de la música monje o latina, esta es una combinación irresistible, con la especia añadida de un sabor flamenco único._ Mark Sullivan (allaboutjazz)
McKinley Howard " Kenny " Dorham (30 de agosto de 1924 - 5 de diciembre de 1972) fue un trompetista, cantante y compositor de jazz estadounidense. El talento de Dorham es alabado con frecuencia por críticos y otros músicos, pero nunca recibió el tipo de atención o reconocimiento público del establecimiento del jazz que muchos de sus compañeros recibieron. Por esta razón, el escritor Gary Giddins dijo que el nombre de Dorham se ha convertido en "virtualmente sinónimo de subestimado ". Dorham compuso el estándar de jazz " Blue Bossa ", que apareció por primera vez en el álbum Page One de Joe Henderson . Dorham fue uno de los trompetistas bebop más activos . Tocó en las grandes bandas de Lionel Hampton , Billy Eckstine , Dizzy Gillespie y Mercer Ellington y el quinteto de Charlie Parker . Se unió a la banda de Parker en diciembre de 1948. Fue miembro fundador de la cooperativa Jazz Messengers original . También grabó como acompañante con Thelonious Monk y Sonny Rollins , y reemplazó a Clifford Brown en Max Roach.Quinteto después de la muerte de Brown en 1956. Además del trabajo de sideman, Dorham dirigió sus propios grupos, incluidos los Jazz Prophets (formados poco después de que Art Blakey asumiera el nombre de Jazz Messengers). The Jazz Prophets, con un joven Bobby Timmons al piano, el bajista Sam Jones y el tenorman JR Monterose , con el invitado Kenny Burrell a la guitarra, grabaron un álbum en vivo
'Round About Midnight en el Cafe Bohemia en 1956 para Blue Note . En 1963 Dorham agregó a su grupo al saxofonista tenor Joe Henderson, de 26 años , que luego grabó Una Mas (el grupo también incluía a un joven Tony Williams ). La amistad entre los dos músicos dio lugar a otros álbumes, como Page One de Henderson , Our Thing e In 'n Out . Dorham grabó con frecuencia durante la década de 1960 para Blue Note y Prestige Records , como líder y acompañante de Henderson, Jackie McLean , Cedar Walton , Andrew Hill , Milt Jackson y otros. El cuarteto posterior de Dorham estaba formado por algunos músicos de jazz muy conocidos: Tommy Flanagan (piano), Paul Chambers (contrabajo) y Art Taylor (batería). Su debut discográfico fue Quiet Kenny para el sello New Jazz de Prestige Records , un álbum que incluía principalmente baladas. Un cuarteto anterior con Dorham como co-líder con el saxofonista alto Ernie Henry había lanzado un álbum juntos bajo el nombre "Kenny Dorham / Ernie Henry Quartet". Produjeron el álbum 2 Horns / 2 Rhythm para Riverside Records en 1957 con el contrabajista Eddie Mathias y el baterista GT Hogan.. En 1990, el álbum fue reeditado en CD bajo el nombre "Kenny Dorham Quartet con Ernie Henry". Durante sus últimos años, Dorham sufrió una enfermedad renal, de la que murió el 5 de diciembre de 1972, a los 48 años. El 25 de junio de 2019, The New York Times Magazine incluyó a Kenny Dorham entre los cientos de artistas que grabaron para sellos discográficos cuyas grabaciones maestras supuestamente fueron destruidas en el incendio de Universal de 2008 _(wikipedia)
El inicio de Afrodisia hace pensar falsamente en un trompetista habanero o santiaguero derefinado timbre, pero nanay. Kenny Dorham nació en el Texas más profundo, se crió en una granja, estudió química, boxeó mientras servía en la Armada y, en 1945, como tantos jóvenes músicos negros, aterrizó en Nueva York dispuesto a decir sí a lo que se terciara. Fue integrante de big-bands y en alguna hasta llegó a cantar blues, asumió el reto de sustituir a Fats Navarro, Dizzy Gillespie, Howard McGhee, Clifford Brown o Miles Davis y, cuando no le quedó otro remedio, vistió de buzo para trabajar en fábricas mientras continuaba sus estudios y ensayos. Acompañante de Charlie Parker en las postrimerías de la década de 1940, miembro del quinteto fundador de los Messengers de Art Blakey en 1954 y promotor de la fugaz formación The Jazz Prophets, su debut discográfico como líder y compositor, Afro-Cuban, en el que se incluye Afrodisia, data de 1955, un año después de haber intervenido en las grabaciones con Sonny Rollins de la reseña anterior. Opacado por los trompetistas de relumbrón con los que debió compartir escenarios y combos, McKinley Howard Dorham (Kenny, Kinny, como le llamaban en su juventud, o KD, las siglas por las que se le conocía en la profesión) completó una reseñable carrera antes de morir con 48 años a consecuencia de una enfermedad renal. Y como tantas veces ocurre, el paso del tiempo ha ido engrandeciendo su figura. Un reconocimiento merecido por su magnífico fraseo con la trompeta, su empeño en aportar un toque personal al bop, su compromiso con la docencia y su apertura a otras músicas como compositor. Afro-Cuba, y discos como Una más y Trompeta Tocatta, prueban con qué sabrosura interiorizó la onda latina. Y Blue Bossa, perla del catálogo de standards, su acoplamiento al ritmo brasileño que hizo furor en la década de 1960. Pese a transitar por caminos en parte recorridos por Dizzy Gillispie, Afro-Cuban tiene mucho de aventura en los cortes iniciales, los que justifican el título, recuperados en 1957 por
Blue Note en un elepé con cinco añadidos y carpeta de Reid Miles, diseñador marca de la casa.El concepto de la música caribeña de Kenny Dorham da cabida a tiempos lentos y suaves armonías. Carlos Patato Valdez, el más melodioso de los congueros cubanos, colabora por primera vez en un disco de jazz y entre el resto de intrumentistas hay una equilibrada mezcla de talentos consagrados (Horace Silver y Art Blakey) y otros en plena maduración artística (Hank Mobley, Cecil Payne, Jay Jay Johnson y Oscar Pettiford). Todas las canciones, salvo Basheer´s Dream, de Gigi Gryce, están compuestas por Kenny Dorham, desde la vibrante Afrodisia a la relajada Lotus Flower, pasando por Minor´s Holiday, que encadena solos de trompeta, saxofón y trombón tras la acelerada apertura conguera de Patato. Las que completan el disco (K.D.´S Motion, La Villa, Venita´s Dance y K.D.´S Cab Ride), en línea con la corriente principal del bop, no están mal, pero pasan un tanto desapercibidas. Como le ocurrió a Kenny frente a Dizzy, Clifford, Miles y cía._(la-simiente-negra)
Waldo Mendoza. Cantante cubano. Se ha convertido en estos años en un artista popular en Cuba por el tono especial de su voz en la canción romántica. Proviene de la orquesta de música popular Tumbao Habana, dirigida por Pascual Cabreras. Desde muy joven se interesó por el canto e integra el movimiento de artistas aficionados, participando en todos los festivales de base, provinciales y nacionales, logrando siempre uno de los tres primeros lugares otorgados como solista o trovador. Comenzó sus estudios universitarios en el Instituto Superior Pedagógico de Guantánamo, donde se inicia como compositor, haciendo canciones muy acordes a su timbre y a su modo de interpretar. Con otros compañeros formó el primer grupo musical que se hizo en el instituto, al cual nombraron "Solidaridad" por estar integrado por alumnos de diferentes especialidades; con este formato participaron en los Festivales de la FEU. Sobre esa etapa de su vida comentó en una entrevista concedida al diario cubano Juventud Rebelde: "En aquella etapa se soñaba con ser Pablo, Silvio y todo el mundo iba sobre esa corriente. Nosotros hacíamos lo contrario. Hoy en día algunos de los integrantes de La Idea son parte de la nómina de Orishas o
trabajan con el boricua Ricky Martin". Entre los éxitos alcanzados se encontró "Vivirás feliz" una canción de su autoría con la cual alcanzó cinco premios especiales en el Festival Nacional de la FEU celebrado en Matanzas en el año 1985. Esta misma canción fue el número más popular en las emisoras de Sudáfrica interpretado por Euclides Lomba, un cantante angolano con muchos conocimientos de su país. Luego decide cambiar de carrera e inicia la Licenciatura en Educación Musical en el Instituto Superior Pedagógico Enrique José Varona. Integra también el movimiento de aficionados del centro y forma una agrupación llamada "Son Imagen" donde gana el gran Premio en el Festival Nacional de la FEU celebrado en Camagüey. Luego, y como consecuencia del premio ganado, son invitados al Festival Internacional de la organización que se celebró en la ciudad de Moscú. Terminando sus estudios universitarios comienza a trabajar profesionalmente en la provincia de Santiago de Cuba y funda la agrupación "La idea". Realiza varias giras internacionales por Europa (Alemania, Checoslovaquia, España). Después se incorpora a trabajar como solista en el show de La Maisson de Santiago de Cuba y también brinda el espectáculo en países como Jamaica y Bahamas en el año 1995. Integra también la orquesta "Salsa Caracol" presentándose en el Hotel Santiago y Santa Lucía. Con este grupo visita Jamaica en el año 1997. De regreso a La Habana, en el mismo año, funda la agrupación Tumbao
Habana junto a su Director Pascual Cabreras, incorporando aquí varios temas de su autoría dentro del repertorio de la orquesta. Rescatando géneros musicales como la balada y el bolero, decide formar su grupo. En julio de 2011 comenzó una gira que le llevo por varias ciudades del país y en agosto de ese mismo año cantó junto al joven Patricio Amaro en el inicio del Carnaval holguinero en la Plaza de la Marqueta. Waldo Mendoza en con el acompañamiento de Yeni Valdés, Tania Pantoja, Vania Borges, Mario Rivera, David Álvarez, Robertón Hernández, Juan Kemell y el coro infantil Niños de la Calle presentó en mayo de 2012 su producción discográfica, Desde La Habana. En la vigésima edición de los Premios Lucas fue premiado con el galardón al Video Balada, con su tema “Ángel” del realizador Asiel Babastro...(ecured)
Waldo Mendoza - Desde La Habana (2011) Temas: 01. Desde La Habana 02. Es por Ti (feat. Yeni Valdés) 03. Amarte (feat. Roberto Hernández "Robertón") 04. No Digas (feat. Ricardo Amaray) 05. Orgullosa (feat. Tania Pantoja) 06. Evelyn (feat. David Álvarez) 07. Luna (feat. Mario Rivera) 08. Canción (feat. Juan Kemell) 09. Vivirás Feliz (feat. Juan Kemell, Tania Pantoja, Vania Borges y Coro Infantil Niños de la Calle) 10. Después de Ti (feat. Vania Borges) 11. Juramento (feat. Omara Portuondo)
El artista dominicano, reconocido como uno de los creadores de la salsa como estilo musical internacionalmente reconocido, ha fallecido a los 85 años. El artista dominicano Johnny Pacheco, uno de los creadores de la salsa, ha fallecido este lunes en Nueva York a los 85 años de edad, según han informado fuentes de la familia y allegados del cantante. Johnny Pacheco, fundador de la formación musical Fania All-Stars, estaba hospitalizado con neumonía en un centro médico de Nueva York, según medios locales. "Con gran dolor en mi alma y un vacío en mi corazón les comunico que el maestro Johnny Pacheco con mucha Paz falleció esta tarde. Mil gracias portodas sus oraciones y todo el amor que siempre le brindaron. En estos momentos le pedimos privacidad y oraciones", reza un comunicado firmado por su viuda, Cuqui Pacheco, y familia. El músico Eugenio Pérez, allegado a Pacheco, confirmaba el deceso en un mensaje en las redes sociales, en el que subrayaba que su pérdida significaba "una tragedia para el mundo de la música en sentido general". Asimismo, el cantante y compositor de origen puertorriqueño Willie Colón también publicó una reacción en Twitter al conocerse la noticia. "Descanse en paz mi querido amigo y Maestro. Fundador de Fania Records, Johnny Pacheco. Único...", escribía. Lo mismo hizo el cantautor panameño Rubén Blades en su perfil en redes. Percusionista y compositor, Juan Zacarías Pacheco Knnipping, verdadero nombre de Johnny Pacheco, nació el 25 de marzo de 1935 en Santiago de los Caballeros, en el norte de República Dominicana. Emigró de niño con toda su familia a Nueva York, donde inició sus estudios y formación musical. La salsa, aseguran muchos expertos, nació en los barrios de Nueva York en la década de 1960 gracias a jóvenes músicos latinoamericanos que emigraron al continente norteamericano. Una de las teorías más extendidas le atribuye su nacimiento al propio Pacheco, quien consideraba la salsa una mezcla de ritmos caribeños como la guaracha, el mambo, la pachanga, la guajira, el guaguancó y el chachachá. Pacheco también fue fundador, junto con Jerry Masucci, del sello Fania Records y de la famosa banda Fania All-Stars, donde figuras como Celia Cruz, Rubén Blades, Pete "El Conde" Rodríguez, Héctor Lavoe, Eddie Palmieri, Héctor Casanova, Ray Barreto, Willie Colón y Bobby Valentín, entre otros, iniciaron sus carreras hasta el estrellato. Fania agrupa a más de 200 artistas renombrados de música tropical con estilos que trascendieron los límites de la música latina tradicional para abrirse camino a géneros como el big-band latino, jazz afrocubano, jazz, boogaloo y la salsa.
Durante su trayectoria musical Pacheco compuso más de 150 canciones, muchas de las cuales se convirtieron en clásicos, como La Dicha Mía, Quítate Tu Pa'Ponerme Yo, Acuyuye, El Faisán y El Rey De La Puntualidad. A la vez que construía una exitosa carrera musical, Johnny Pacheco produjo varias películas que han ayudado a popularizar internacionalmente la música latina, entre ellas Los Reyes del Mambo (1992), protagonizada por el actor español Antonio Banderas. Además, en 1999, llevó su conocimiento musical al teatro, y colaboró en la creación del musical Quién Mató A Héctor Lavoe, que cosechó gran éxito en Nueva York. Su currículum también incluye la producción de la canción "Bailando Salsa" del grupo español Mecano (alcanzó medio millón de copias vendidas en un mes de su lanzamiento). Durante toda su vida Johnny Pacheco se caracterizó por su compromiso con el desarrollo de la comunidad latina alrededor del mundo. En 1994 estableció una Beca que lleva su nombre y con la que cada año ayuda financieramente a un estudiante latino en su primer año de universidad._(eldiario.es)
Juan Azarías Pacheco Kiniping (Santiago de los Caballeros, 25 de marzo de 1935-Nueva York, 15 de febrero de 2021) conocido popularmente como Johnny Pacheco, fue un músico, flautista, compositor, arreglista, director y productor dominicano de música cubana y demás ritmos caribeños como salsa. De origen dominicano y considerado una de las figuras más influyentes de la música latina y caribeña por ser el cofundador junto con Jerry Masucci del sello disquero Fania. Se le considera el creador del concepto musical "salsa" aplicada a los ritmos nacidos en el Caribe antillano de habla hispana, principalmente de Cuba, República Dominicana y Puerto Rico y que tiene su fundamento rítmico y origen -como heredero directo- en la guaracha. Pacheco hijo de Rafael Azarías Pacheco (hijo ilegítimo de José Manuel López Rodríguez, quien era hijo de un soldado español) quien en su país era director y clarinetista de la Orquesta Santa Cecilia y de Octavia Kiniping Rochet (bisnieta del comerciante alemán Wilhelm Knipping y nieta del colono francés Cristophe Rochette). Fue de su padre de quien recibió su primer instrumento musical. A los once años emigra con su familia a Nueva York donde aprendió a tocar instrumentos de percusión en la Academia Juilliard. Falleció el 15 de febrero de 2021 por una pulmonía en un centro médico de la ciudad de Nueva York..._(wikipedia)
"GRACIAS JHONNY PACHECO, POR TODO EL LEGADO QUE NOS DEJAS, SIEMPRE ESTARÁS EN NUESTROS CORAZONES"
Ania Paz, pianista y compositora, es conocida por su sonido moderno y enérgico, impregnado po runa fusión innovadora de estilos caribeños y afroperuanos, dentro del idioma del Jazz. Nació en Lima, Perú, donde comenzó sus estudios musicales a la edad de 4 años y realizó su primera composición a los 6 años. Su pasión por la música la ha llevado a viajar por el mundo y nutrirse de diversas influencias, estudiando tanto música clásica como jazz primero en Alemania y luego en Estados Unidos, donde obtuvo su Maestría, para establecerse finalmente en República Dominicana. Ha participado además en diversos festivales internacionales y conciertos de jazz como el TCI Jazz Festival de San José, California; el Colonial Jazz Festival en Santo Domingo; el Festival Jazz Astwood; así como en clubs de jazz, auditorios y principales programas de televisión de República Dominicana, Perú, Alemania, España, y Estados Unidos, como por ejemplo Jazz Zone (Lima), Cinemacafe (Santo Domingo), Danny´s Skylight Room, Many´s Place y St Peter Church (Nueva York). Dentro de los músicos que han acompañado a Ania Paz se encuentran Bobby Sanabria, Vince Cherico, Harvy Swartz, Renato Toms, David Frazier y Phil Hawkins entre otros. Como compositora, ha recibido recientemente el premio en categoría Canción en el Festival Claro de Lima con su tema "Hoy te amo", donde participó como compositora y pianista junto a la cantante Daniela Ghersi; y el premio de composición José Reyes de la Secretaría de Cultura en el género sinfónica con la composición "San Francisco", obra que será interpretada por la Orquesta Sinfónica de Santo Domingo. Además ha recibido premios en el concurso de composición de jazz de Casa de Teatro, donde Michael Camilo y Juan Luis Guerra fueron parte del jurado.
Ha producido los CDs Festejo Dominicano, Ania Paz Jazz Ensamble, Meta Arará y Una mujer feliz, así cómo el DVD de su participación en vivo en el XVI Festival Internacional Jazz en Lima. Estas producciones son presentadas regularmente en estaciones de radio de Estados Unidos, Bélgica, Inglaterra, República Dominicana, Guadalupe, Panamá, Puerto Rico y Perú. Además su composición Acoso fue seleccionada para la compilación actual de jazzistas producida por TDV Media & Entertainment. Como educadora, ha impartido clases y clases maestras en Universidades y Escuelas de Música de Alemania, Estados Unidos y República Dominicana; ha realizado reformas en el Pensum del Departamento Folclórico del Conservatorio Nacional de Música en Santo Domingo; elaboró el Pensum de Jazzymas; y ha escrito diversos métodos para lograr un eficiente y rápido aprendizaje del jazz y los estilos de música moderna. Dentro del campo de la investigación, presentó una ponencia sobre la influencia de ritmos africanos en el continente americano en la conferencia ALARA –Afro
Latin and American Research Association -, recibiendo como resultado una placa de reconocimiento de la University of Missouri-Columbia; y fue colaboradora en el libro "The music of Francis Poulenc" publicado por la Oxford University Press. Dirige actualmente en Santo Domingo el Ania Paz Jazz Ensamble, grupo con el que se presentó exitosamente en el XVI Festival Internacional Jazz en Lima, en el Festival Cultural Hermanas Mirabal en Salcedo, y abrió la presentación de Gato Barbieri en Santo Domingo. _(apoloybaco)
Muere a los 79 años Chick Corea, leyenda del jazz. El compositor y pianista fue pionero del jazz
fusión, y en sus siete décadas de carrera, que comenzó con Miles Davis, ganó 23 Grammy. Algunos artistas parecen inmortales; no porque su obra lo sea, ni por la talla que esta haya ayudado a forjar con los años, sino porque uno cree que siempre van a estar ahí. Que, por mucho que pase el tiempo, seguirán creando con la misma energía y la misma capacidad de siempre. Quizá por esto la noticia de la muerte del pianista y compositor estadounidense Chick Corea ha sido tan inesperada: a pesar de tener 79 años, Corea se mantuvo activo y en plena forma hasta poco antes de morir, el pasado 9 de febrero, a consecuencia de una forma rara de cáncer que le fue diagnosticado poco tiempo antes. El anuncio se realizó en su página de Facebook. En ella, la leyenda del jazz ha dejado un mensaje de despedida: “Quiero dar las gracias a todos los que me han ayudado en mi viaje a mantener ardiendo el fuego de la música [...]. El mundo no solo necesita más artistas, sino también un montón de diversión.
A todos mis músicos amigos que han sido mi familia: ha sido un honor y una bendición aprender y tocar con vosotros. Mi misión siempre fue llevar adonde pudiera la alegría de la creatividad, y haberlo logrado con los artistas que he admirado se convirtió en la riqueza de mi vida”. Corea fue un raro ejemplo en el jazz y la música popular; podríamos decir que lo hizo, virtualmente, todo: ser pieza clave en la música de Miles Davis, abrazar la vanguardia más aguerrida, sentar las bases del jazz-rock y la fusión, reivindicar la tradición del jazz, alternar entre lo acústico y lo eléctrico adaptando su estilo a cada escenario, acercar el flamenco y las músicas latinas al jazz norteamericano, hacer música increíblemente arriesgada y, al mismo tiempo, ser también todo un superventas con más de una veintena de premios Grammy en su haber y, en general, hacer lo que le viniese en gana en cada momento, con mayor o menor acierto artístico, pero siempre fiel a su inconfundible personalidad musical..._(elpais)
Armando Anthony Corea (Chelsea, Massachusetts, 12 de junio de 1941 - Área de la Bahía deTampa, 9 de febrero de 2021),12 más conocido como Chick Corea, fue un pianista, teclista y compositor estadounidense de jazz, ganador de veinte premios Grammy. Corea se hizo conocido por su trabajo durante la década de 1970 en el género de jazz fusión. En los años 1960, participó en el nacimiento de esta corriente como miembro de la banda de Miles Davis. Creó el grupo Return to Forever con otros virtuosos. A lo largo de los años 1980 y 1990 prosiguió con sus colaboraciones con músicos como Gary Burton. Junto a Herbie Hancock y Keith Jarrett, Corea es considerado uno de los más influyentes pianistas posteriores a Bill Evans y McCoy Tyner. Compuso varios estándares del jazz: Spain, 500 miles high, Armando's rhumba, La Fiesta y Windows. Corea empezó a tocar el piano a la edad de cuatro años; sus primeras influencias en el jazz fueron Horace Silver y Bud Powell. Fue adquiriendo experiencia tocando en las bandas de Mongo Santamaría y Willie Bobo (1962-1963), Blue Mitchell (1964-1966), Herbie Mann, y Stan Getz. Su primera grabación como líder fue en 1966, Tones for Joan's Bones, y su álbum en trío en 1968 (con Miroslav Vitous y Roy Haynes) Now He Sings, Now He Sobs se considera ya un clásico. Después de un breve tiempo con Sarah Vaughan, Corea formó parte del grupo de Miles Davis para reemplazar en forma gradual a Herbie Hancock, y permaneció con Davis durante un periodo muy importante de la banda (1968-1970). Persuadido por Davis, comenzó a tocar el piano eléctrico, y podría oírse en álbumes como Filles de Kilimanjaro, In a Silent Way, Bitches Brew y Miles Davis at the Fillmore. Cuando dejó a Davis, Corea comenzó a tocar jazz de vanguardia con su grupo Circle, cuarteto con Anthony Braxton, Dave Holland y Barry Altschul. Lo hizo hasta finales de 1971, cuando de nuevo cambio su estilo eléctrico: al dejar Circle, tocó breve tiempo con Stan Getz. Luego formó Return to Forever, un grupo de jazz fusión, con Stanley Clarke, Joe Farrell, Airto Moreira y Flora Purim. En un año, Corea (con Clarke, Bill Connors, y Lenny White) convirtió RTF en un grupo que practicaba una fusión enérgica. Tras una breve estancia de
Earl Klugh para las actuaciones, el guitarrista Al Di Meola sustituyó a Connors en 1974. Aunque la música del grupo tenía una fuerte inspiración roquera, sus improvisaciones eran jazzísticas, y el estilo de Corea podía reconocerse incluso entre toda la electrónica. Cuando RTF desaparece a finales de los 70s, Corea mantuvo el nombre para algunas actuaciones de big band al lado de Clarke. Durante los años siguientes, profundizó en el piano clásico con una gran variedad de planteamientos: giras a dúo con el vibrafonista Burton y con Hancock, un cuarteto con Michael Brecker, tríos con Miroslav Vitous y Roy Haynes, homenajes a Thelonious Monk, e incluso algo de música clásica. En 1985, Corea formó un nuevo grupo, The Electric Band, integrado por el bajista John Patitucci, el guitarrista Scott Henderson (en el primer disco, luego reemplazado por Frank Gambale), el saxofonista Eric Marienthal y el baterista Dave Weckl. Para equilibrar su música, años más tarde formó su Akoustic Band con Patitucci y Weckl. A principios de los 90, Patitucci formó su grupo y el personal cambió, pero Corea continuó liderando interesantes grupos (incluido un cuarteto con Patitucci y Bob Berg). Durante 1996-1997, Corea formó parte de un quinteto estelar en el que estaban Kenny Garrett y Wallace Roney y que tocaba versiones actualizadas de composiciones de Bud Powell y Thelonious Monk, a la vez que mantenía un sexteto llamado "Origin", que incluía al contrabajista Avishai Cohen. Ha colaborado con Paco De Lucía..._(wikipedia)
"GRACIAS CHICK COREA, POR TODO EL LEGADO QUE NOS DEJAS, SIEMPRE ESTARÁS EN NUESTROS CORAZONES"
El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???
A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados. Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta. Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio. Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.
No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.
Bombino – Sahel (2023)
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denominar Jazz Free, es decir, un...
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Symphony No.1 in G minor "To the Red Army" - Mieczysław Weinberg
Gothenburg Symphony Orchestra conducted by Thord Svedlund
I - Allegro moderato - Larghetto...
