En 1993, el saxofonista Benjamin Herman comenzó a experimentar con DJ Graham B en el club nocturno Soul Kitchen en Ámsterdam. La combinación de tocar en vivo con discos giratorios todavía era inusual en ese entonces. Pero los resultados funcionaron y terminaron evolucionando hacia el New Cool Collective de ocho piezas. Ahora es imposible pensar en la banda de los clubes nocturnos y festivales de los Países Bajos y más allá. No solo tocaron en clubes como Panamá, Café Meander, Sugar Factory y Paradiso, sino también en televisión a través de NPS y De Wereld Draait Door.
New Cool Collective está formado por el saxofonista Benjamin Herman, el baterista Joost Kroon, los percusionistas Frank van Dok y Jos de Haas, el pianista Willem Friede, el bajista Leslie Lopez, el guitarrista Rory Ronde y el trompetista David Rockefeller.
Como pionero del jazz holandés, el grupo fue considerado durante mucho tiempo el patito feo de la escena. Los puristas del jazz consideraban que su "ambiente de soul jazz con sabores latinos de los noventa" era demasiado duro y rápido. Pero una vez que un grupo de jóvenes asistentes a los clubes encontró el camino al Café Meander, donde la chispeante orquesta tocaba regularmente, la presa se rompió. Ahora todo el mundo, tanto los amantes del jazz como los que lo odian, van a sus conciertos. NCC ha ganado un Edison, el Heineken Crossover Music Award y el Gouden Notenkraker.
Han realizado giras por Inglaterra, Alemania, Benelux, África, Canadá, Rusia y Japón. No sólo han tocado en los clubes más modernos, sino también en gigantescos festivales de rock y pop como el festival de Roskilde en Dinamarca, Sziget en Hungría, Lowlands en los Países Bajos, Camden Mix Festival en Londres y el Aberdeen Alternative Festival en Escocia._(newcoolcollective) New Cool Collective - In Concert (2010) Temas:
Tony Succar nació un 18 de mayo de 1986 en Lima, Perú. A la edad de 2 años llegó a los Estados Unidos estableciéndose en la ciudad de Miami, Florida. Al estar rodeado de una familia de músicos, Tony pudo alcanzar su carrera musical a la edad de 13 años. “Fui privilegiado por haber nacido y crecido en una familia de músicos, no puedo estar más agradecido”, explicó Succar quien se inspiró en el piano para comenzar su educación musical, para luego moverse hacia la percusión. Tony recibió su Bachillerato en Artes de La Universidad Internacional de Florida en el 2008 y su grado de maestría en el 2010. Ha tenido el privilegio de trabajar con artistas como, Arturo Sandoval, Néstor Torres, Tito Puente Jr., Gilberto Santa Rosa, Oscar de León, Tito Nieves, La India y Tito Rojas (entre otros). Haber crecido en Miami, una ciudad multicultural, lo ha moldeado de distintas formas para convertirse en el músico versátil que es. El estar expuesto a tantos y tan diferentes estilos musicales le ha sido de gran bendición para poder así demostrar todo su talento. Tony Succar recibió la bendición de poseer conocimiento y variedad en cuanto a distintos roles musicales como percusionista, músico, productor, compositor y arreglista. Bien sea en los timbales, en una orquesta o en una explosión de “groove”. El sonido de Succar es ciertamente distintivo. Él siempre procura el acomodar según sean los intereses tanto del músico como del bailador. Como sea, pero lo más importante es que Tony, siempre ha tenido la habilidad de entretener al máximo manteniendo su integridad musical. Sus composiciones enfatizan la combinación de la “syncopation”, curiosidad armónica, uniformidad rítmica, y melodías de buen gusto. A través de sus arreglos únicos y distintivos, a demás de su carisma ha sido capaz de romper esquemas y crear obras maestras que son emocionantes para todos. El álbum debut (CD/DVD) de Tony “Live at the Wertheim Performing Arts” es el mayor ejemplo de su inteligencia magistral en el trabajo musical. Recibió excelentes comentarios de los medios de comunicación: “Una excitante fusión de América del Sur, Cuba, jazz, y el sabor de South Beach de arriba a abajo; ciertamente es un artista del que escucharemos más en un futuro”, reseñó en Jazz Chicago Reviews. Tony Succar ha creado UNITYT: The Latin Tribute to Michael Jackson con un excelente equipo de producción, así como la participación de grandes artistas. Este proyecto no es como algo que se haya escuchado o visto anteriormente, es realmente único para la mente, oídos, y corazones de la audiencia. La música de Michael Jackson influyó de gran forma en la vida de Tony y encendió sus ideas musicales y pasiones a un nivel extraordinario. Como resultado ha creado un sonido innovador que interrelaciona y conecta los elementos del Pop americano, jazz, salsa y música mundial dirigiéndolas a las fuertes y duraderas bases del “Rey del Pop”. El álbum “Unity” va a traspasar más allá de los medios populares y atraerá por tiempo indefinido un mercado a nivel global. Más allá de duda razonable, el futuro para este joven artista está lleno de oportunidades. “Nuestra misión con este proyecto es honrar el legado de Michael Jackson, “El Rey del Pop”, al permanecer reales a su esencia artística, su excelencia y su música. Buscamos la unión de todos los seres humanos, de almas, de talento, de personas y culturas. Pronosticando así el que en un futuro inmediato nuestra meta será el asegurar que las barreras entre las personas y países se disminuyan y extingan permitiéndonos así levantarnos como un solo mundo, tal cual Michael lo visualizó”, afirmó el también productor de “Unity: The Latin Tribute to Michael Jackson”. “Unity” presenta a más de 100 músicos, tales como las superestrellas latinas Tito Nieves, Jon Secada y Obie Bermúdez, y la magia de la mezcla del legendario ingeniero de Jackson, Bruce Swedien. Tony Succar - Live at the Wertheim Performing Arts Center (2010) Temas: 01. Eye Of The Hurricane 02. Adam's Apple 03. Pa Oyichan 04. Bemsha Swing 05. A Mi Manera 06. No Te Confundas 07. No Te Confundas - Outro Musicos:
Liberación de Dave Samuels ofrece música que a menudo es más agradable de lo que es un reto, pero Samuels tiene una voz original en las marimbas y vibraciones, las melodías de ranura son en general bastante agradable (en particular el calypso "Cara Linda" y los "nudos" difíciles) , solos y el árbitro líder son uniformemente fuerte. Con la ayuda de los Yellowjackets 'sección rítmica (teclista Russell Ferrante, el bajista eléctrico Jimmy Haslip y el baterista William Kennedy) y algunos invitados, este esfuerzo pop / jazz es razonablemente satisfactorio y uno de de Dave Samuels los mejores juegos de solitario.~ Scott Yanow (allmusic) Más información relacionada
Dave Samuels - Natural Selection (1991) Temas: 01.Spring High 02.Cara Linda 03.The Red Shoes 04.Mossoro’s Motion 05.Between the Lines 06.A White Rose 07.Appomattox 08.Unspoken Words 09.Natural Selection 10.Knots Musicos: Dave Samuels – Vibraphone, Marimba, Percussion, Synthesizer Jimmy Haslip – Bajo Marc Quiñones – Bongos, Conga, Timbales (tracks: 2. 4. 9) William Kennedy – Batería Julio Fernandez – Guitarra , Guitarra Acústica Bruce Hornsby – Piano (tracks: 5, 7, 8) Jay Beckenstein – Saxo (tracks: 2) Russell Ferrante – Sintetizadores ,Piano Jeff Beal – Sintetizadores, Trompeta, Fliscornio (tracks: 3)
Ricardo Marrero toca todos los instrumentos de percusión, así como piano y vibraciones. Su sonido recuerda al fallecido Cal Tjader y al fallecido y gran Tito Puente. Ha estado a la vanguardia de la escena musical de salsa y latin-jazz desde mediados de los 70. Trabajó con The Fania All-Stars, Pete "El Conde" Rodríguez, The 5 Stairsteps y, más recientemente, Ruben Blades. Ricardo también fue uno de los miembros fundadores de "Seis del Solar" (The Ruben Blades Band). Su clásico crossover "Babalonia" recibió una rotación regular en la radio WBLS en los años 70. También trabajó con Angela Bofill (en "My Friend") y el flautista Dave Valentin en "A Taste of Latin". También se puede escuchar a Dave con su flauta retozando en "Algo" (esta pista era la favorita del público). La historia de este álbum comienza en Nueva York a mediados de los 70. Es una historia de cintas maestras robadas, tratos turbios y discos hechos deliberadamente para NO vender. Es la historia de la obsesión musical de un hombre que ha dedicado su vida a la música y cómo fue vendido río abajo por magnates sin escrúpulos de la industria discográfica. También es la historia de uno de los discos más raros, más solicitados y caros que el mundo haya conocido, con solo un puñado de copias de este súper LP que se hayan encontrado. La demanda de la música sólida que contiene ha llevado a un frenesí de pujas cada vez que ha aparecido una copia (la última en eBay se vendió en 2855 £), ¡eso es una asombrosa cantidad de 4000 $! Los discos no son mucho más coleccionables que eso, por lo que no dudamos en otorgar el codiciado estado de "Santo Grial" a este LP, el tercero de nuestra aclamada serie. ¿Por qué tan raro? Hablamos con el mismo Ricardo para averiguarlo, y su notable historia se revela en los revestimientos del CD por primera vez. Habla sobre la grabación del álbum y su decepción por las cintas robadas, su desafortunada asociación con la leyenda del boxeo Don King y la realización del legendario himno del funk latino "Babalonia". Ricardo Marrero & the Group - A Taste (1976, 2009, Jazzman) Temas: 01. Tiny 02. Algo 03. And We'll Make Love 04. Vengo 05. Get Yourself Together 06. Babalonia 07. My Friend 08. A Taste of Latin 09. Algo (alternative version) 10. Babalonia (alternative version) Musicos: Ricardo Marrero (leader, piano, electric piano, percussion, vibraphone, vocals) Michael Vinas (bass) Dave Valentin (flute, alto flute, percussion, vocals) John "Figgy" Figueroa (tenor saxophone, baritone saxophone) Gabriel Vasquez (trumpet, percussion) George Oldziey (flugelhorn, trumpet) Sean Mahoney (trombone) Tito Marrero (drums, percussion) Erasto Bernard (congas) Pedro Alvarez (percussion) John Dearth (trumpet) Ralphy De Jesus (bongos) Nancy O'Neil (vocals)
Que un local de música programe jazz es una rareza, pero que llegue a los 25 años de existencia con esta actividad es ya una proeza. Esto es lo que ocurre con el orensano Café Latino, un espacio que se ha convertido en uno de los templos del jazz en Galicia y, por extensión de España. Y para celebrarlo nada mejor que editar un disco; en este caso ‘Café Latino.25 aniversario’ (Karonte). La importancia para el jazz en Galicia de este establecimiento radica, no sólo en su programación a lo largo del conformada tanto por músicos nacionales como internacionales, si no porque en el Café Latino se celebra el Festival de Jazz de Primavera. En definitiva, que sus responsables son personas que aman el jazz y lo defienden como hay que hacerlo desde su posición: programándolo en directo. Este ‘Café Latino. 25 aniversario’ recoge la actuación que el pasado 2 de febrero de 2012 ofrecieron algunos de los mejores jazzmen españoles – el saxofonista y flautista Jorge Pardo, el pianista Abe Rábade, el contrabajista Javier Colina y el baterista Jeff Ballard, que estuvieron acompañados por algunos músicos flamencos- en el establecimiento gallego para celebrar sus bodas de plata. Con un elenco como el presente no es difícil adivinar que el repertorio se escore, agradablemente, hacia el jazz flamenco, como es el caso de ‘El efecto centolla’, un tema de Josemi Carmona; el precioso ‘Luces de la fragua’ de Colina, y ello sin olvidar ‘La del pulpo’ de Pardo, y a que las versiones de los temas del resto de los participantes salgan muy limpias y frescas; caso de ‘Amor ascensor’ de Rábade. Para el final dejan un tema que le va como anillo al dedo a discos de estas características, el bolero ‘Toda una vida’, donde destaca la voz de Chonchi Heredia. ‘Café Latino. 25 aniversario’ es un disco que se deja escuchar muy bien y que merece acabar en la discoteca de los buenos aficionados al jazz._José Manuel Pérez Rey (distritojazz) Más información relacionada
Café Latino 25 Aniversario- Jorge Pardo, Abe Rábade, Javier ColinaJeff Ballard, Josemi Carmona & Chonchi Heredia(2012) Temas: 01. La del Pulpo [Jorge Pardo] 02. Intro Café Latino [Javier Colina] 03.Amor Ascensor [Abe Rábade] 04.El Efecto Centolla [Josemi Carmona] 05.Luces de la Fragua [Javier Colina] 06.Cebreiro [Abe Rábade] 07.Beat Street [Jeff Ballard] 08.Toda Una Vida [Osvaldo Farré] Musicos: Jorge Pardo (saxos, flauta) Abe Rábade (piano) Josemi Carmona (Guitarra Flamenca) Javier Colina (contrabajo) Jeff Ballard (batería) Chonchi Heredia y José “el Frances” (voz)
Seven Steps To Havana es un septeto de talento internacional con músicos de Cuba, Puerto Rico, Brasil, Etiopía y Estados Unidos. Su música combina el chisporroteo rítmico de la salsa con la riqueza armónica del jazz. Los sonidos resultantes nadan en los mares entre géneros musicales: ¡intrigante, fascinante, jazz latino en su máxima expresión!
El grupo fue fundado en 2005 por el saxofonista, flautista y compositor Douglas Little. Líder de múltiples conjuntos, incluidos Motion Poets, Charanga Tropical y su propio cuarteto de jazz, Little ha grabado nueve CD y ha realizado giras por los Estados Unidos y Europa. Ya era un veterano del jazz de diez años cuando viajó a Cuba para la investigación musical, el tiempo que pasó en la isla le abrió los ojos, le hizo estallar los oídos y cambió su carrera. Después de cinco meses en La Habana, Little regresó a los Estados Unidos y buscó a los músicos para formar Seven Steps To Havana. Desde sus inicios, el conjunto ha energizado al público con su mezcla de jazz estadounidense y ritmos auténticos de Cuba y más allá.
Con miembros de América del Norte y Brasil, el Caribe y África, Seven Steps To Havana posee un sonido que realmente trae al mundo a la música. Boleros encantadores, rumbas estridentes, sambas oscilantes y tríos de cuernos inquietantes, esta banda se eleva por todas partes en todo el espectro musical.
El CD debut homónimo de Seven Steps To Havana fue lanzado en 2006. La banda ha actuado en importantes festivales, lugares de jazz y salas de conciertos. Educadores experimentados y músicos de élite, los miembros de Seven Steps To Havana han impartido clases magistrales en todo el mundo y han aparecido como artistas invitados en colegios, universidades y conservatorios.
Los miembros de Seven Steps To Havana incluyen:
Viviana Pintado (pianista / vocalista) - de Cuba, nominada en tres ocasiones al Latin Grammy con Albita, giras mundiales, múltiples CD.
Eliezer Freitas-Santos (percusión) - de Brasil, hijo de sacerdotes del candomblé (religión afrobrasileña), realiza giras por América y Europa. Vivió y actuó en Argentina durante catorce años.
Mark Miller (trombón) - Estadounidense, varios CD para acreditar, giras por Estados Unidos y Japón, actuaciones con José Fajardo y otros grandes de la salsa. Reside en la ciudad de Nueva York.
Bill Simenson (trompeta): estadounidense, excelente improvisador, compositor excepcional para Big Bands y arreglista para orquestas de salsa.
Yohannes Tona (bajo) - de Etiopía, giras internacionales con grupos de gospel, jazz y latinos. Destacado compositor y director de orquesta.
Mariano Flores (batería / timbales) - De la Ciudad de México y nacido en una familia de músicos. Construyó su reputación musical actuando a lo largo de la costa caribeña de México.
Douglas Little (saxofón / flauta / líder): estadounidense, giras internacionales, múltiples CD, estudios extendidos en Cuba, residencia artística en Francia, numerosas becas y premios._(sevenstepstohavana) Seven Steps To Havana (2006) Temas:
Nachito Herrera concibió esta grabación como una exposición de once diferentes formas de canciones cubanas, desde bolero y cha-cha-cha hasta guaracha y guanguanco, con una fuerte mezcla de jazz en todo momento, pero cualquier peligro de que Bembé En Mi Casa se produzca como una conferencia universitaria desaparece con la pista uno, nota uno. Un motín en el campus sería una descripción más precisa. Como dice la canción principal, "Party at mine!" La música comienza ardiente y apasionada y se mantiene así, con breves pausas para reflexionar (por ejemplo, la balada "Nostalgia" y el cuarteto de piano y cuerdas danzón "Llegaron Los Millonarios"). Herrera es un hombre grande de apariencia exuberante, y su música suena como si se viera: amplia, fuerte, vigorosa y extrovertida. Su estilo de piano evoca algo de los primeros jugadores de jazz de la casa del barril: dos puños en llamas, retozando todo el teclado. Sus arreglos son igualmente contundentes, incluso sin doblarse, los seis instrumentistas en la alineación suenan como una banda dos veces ese tamaño. Tiene excelentes chuletas y conoce los ríos y afluentes de la música cubana con la misma intimidad. Nacido en Santa Clara en el '66, Herrera realizó una Maestría en Música en el Instituto Superior De Arte de La Habana y trabajó con las orquestas Tropicana y Valentin antes de mudarse a los Estados Unidos, donde reside en Minneapolis, Minnesota. Esta es su primera toma en solitario en el centro de atención internacional a raíz de su participación en ¡Cubanismo! Y, como se señaló anteriormente, aprovecha la oportunidad para celebrar un amplio alcance de la música cubana. Los estilos destacados incluyen jazz afrocubano, pilón, bembe, guaracha, danzón, guaguanco, cha-cha-cha y bolero. La mayoría de las canciones son originales, pero en la mitad de ellas Herrera toma modestamente arreglos en lugar de componer créditos, prefiriendo pagar "al estilo de" homenajes a Rafael Hernández (la guaracha "Capullito De Aleli"), Antonio Arcano (el danzón " Llegaron Los Millonarios "), Richard Egues y Enrique Jorrin (" Popurrí De Cha-Cha-Cha "), y Ernesto Lecuona (el bolero" Estas en mi corazón "). Todos son excelentes, en la tradición, entrenamientos duros de fiesta. El profundo ritmo africano del baterista Jesús Díaz "Guanguanco Para Ochun" es otra canción destacada, como lo es el abridor de jazz ferozmente caliente del álbum, "Song In F", y el cerrador pancaribeño "Ritmo Caliente". Desde La Habana hasta Minnesota, la trayectoria internacional de Herrera apenas está comenzando, y Bembé En Mi Casa es un despegue de Clase A._ Chris May (Allaboutjazz)
Nachito Herrera - Bembé En Mi Casa (2005) Temas: 01.Song In F 02.Nacho's Pilón 03.Big News 04.Nostalgia 05.Bembé En Mi Casa 06.Capullito De Alelí 07.Llegarón Los Millonarios 08.Guaguancó Para Ochún 09.Porpourri De Cha-cha-cha 10.Estás En Mi Corazón 11.Ritmo Caliente Musicos: Ignacio "Nachito" Herrera: Piano, arreglos Raul Pineda: Batería, timbales Jesus Diaz: Congas, voz, percusión Nardy Castellini: Saxo Adalberto Lara: Trompeta Victor Rodriguez: Bajo eléctrico Mirdalys Herrera: Voz Rigoberto Lopoez: Bajo acústico (7) Bruce Allard: Violín (7) Johanna Shelton: Violín (7) Tamas Strasser: Viola (7) Diane Tremaine-Kogle: Violonchelo (7) Información cedida por Luis Basualdo
A partir de 2002, Irving Fields fue uno de los últimos de su generación de músicos activos; formado en los mejores años de Tin Pan Alley y clásico de la música popular americana antes de la Segunda Guerra Mundial, se le podía encontrar todavía a tocar el piano con regularidad en Nueva York en el segundo año del nuevo siglo. Nacido en 1915, Fields creció en el Lower East Side de Manhattan y, después de una temporada como actor infantil en el teatro yiddish, se convirtió en parte de la generación que siguió a los neoyorquinos como Bert Kalmar, Harry Ruby, George Gershwin, y sus contemporáneos en música. A los 15 años, ganó el primer premio a tocar el piano en la radio Amateur Hour de Fred Allen, que le consiguió 50 dólares en efectivo y una semana jugando en el Teatro Roxy. A partir de ahí, pasó a compromisos en otros lugares y estudió en la Escuela de Música Eastman y el Instituto Masters en Manhattan, e hizo apariciones como solista de piano con la Boston Pops, así como al frente de su propio grupo que llegó a Carnegie Hall. También comenzó a escribir canciones, entre ellas "Miami Beach Rhumba", que se convirtió en un éxito de Xavier Cugat. También escribió "Chantez, Chantez", que estaba cubierto por Dinah Shore; "Managua, Nicaragua", grabado por Guy Lombardo, Emdundo Ros, y Freddy Martin; "La puerta está abierta", grabado por Sarah Vaughan; y "Night After Night" y "Miami Beach Cha Cha Cha", entre otros. A partir de 2002, Fields estaba tocando en el Bar de Harry en el Park Lane Hotel en Nueva York a la edad de 87, pero con el paso de los años, en medio de la composición y concertista, que está también entretuvo en los cruceros, fiestas privadas para estrellas de cine y de bienes raíces magnates, muchos otros lugares, y en los conciertos de los niños (donde uno de los aspectos más destacados es una canción original, "Quién puso el plátano en el piano"). Fields también encontraron tiempo para grabar álbumes durante los años 50 y principios de los años 60, incluyendo los dedos fabulosos de Irving campos para Fiesta, Irving Fields Plays Irving Berlín en Fabulous Hi-Fi para Tops Records, Irving Fields en el Barrio Latino de Siglo 20 -Fox y Broadway hits en Hi-Fi y en el St. Moritz para ABC Paramount. Su obra más famosa cuerpo de trabajo, sin embargo, fue el "... y bongos" serie instrumental que grabó para Decca Records durante el apogeo del boom de alta fidelidad / estéreo de los años 50 a finales de los: Bagels y Bongos, un Latino / híbrido judía que prendió de una manera seria; seguido de pizzas y Bongos, Champagne y Bongos, Bikinis y Bongos y Más Bagels y Bongos, y todos completaron por Irving Fields y su trío en el Salón Esmeralda. Gracias a la 'oleada de interés en los 90 finales de los finales de los 50 la música de baile instrumental (es decir, compilaciones "licenciatura den", etc.), Fields - que nació en la época dorada del disco 78 rpm y grabación acústica - ha encontrado su trabajo como intérprete y compositor de regresar a disponibilidad en disco compacto. Irving Fields Trio - Bagels and Bongos (1959) 01. Where Shall I Go 02. Pretty as a Moonbeam 03. I Love You Much Too Much 04. Havannah Negila 05. Raisins and Almonds 06. Mazeltov Merengue 07. David's Dance (Reb Duvidel) 08. Joseph! Joseph! 09. Little Shawl (Dus Talesel) 10. Belz 11. Miami Merengue (Rabbi Eile Melech) 12. My Yiddishe Momme 13. Cha Cha No. 29 14. Bei Mir Bist Du Schon
Rie Akagi refinó su magnífica técnica mediante el estudio de la música clásica en la Universidad de Tokio de las Artes. Su repertorio actual abarca el jazz, el soul, la salsa, así como la curación, de la nueva era, y la música contemporánea. Ella es conocida como el único flautista femenina en Japón para llevar a cabo fuera de la música del género clásico. Músicos de salsa como Tito Puente, Larry Harlow, Luis "Perico" Ortiz, Willie Colón ... han actuado con Rie Akagi y estaban asombrados por su rica musicalidad. Ella ha sido acogido con gran entusiasmo en el famoso mundo ferias musicales como el festival de jazz Concord en San Francisco y la plaza del jazz en Cuba. Se activa por su visita a Puerto Rico en 2000 como embajador cultural del Gobierno de Japón, su música se ha vuelto popular en los países del Caribe. Ella había grabado 5 CDs y un par de canciones para el álbum de la banda sonora de película de animación, el nombre de "cóctel corazón nuevo" en Puerto Rico. Y ella grabó un par de canciones con el pianista ganador del premio Grammy de jazz Michel Camilo en Nueva York también. Ahora juega con frecuencia en la radio en la zona del Caribe. Ella tenía una gran cantidad de vez su gira de conciertos en los países del Caribe y Tha Estados Unidos desde 2003. Y también ella se realizó el acto principal en Carolina del festival internacional de jazz en Puerto Rico en 2012. Recientemente ella tiene un montón de sesión de grabación para el álbum de la banda sonora de la animación japonesa, especialmente muy famoso compositor en este mundo, Yuki Kajiura. Álbum de Akagi Café Nostalgia es una excelente colección de canciones que muestra su forma de tocar la flauta excepcional, y su habilidad para componer canciones. Akagi compone de cuatro de las ocho canciones en este álbum (el corte del título "Café Nostalgia", "No Hay Amor", "Este La Lluvia" y "La Poema"). Otras canciones notables del álbum son "La Brisa Del Sur" (por Carlito Infante) y "Rumba de Armando" (Chick Corea). Akagi está acompañado por un grupo estelar de músicos en este álbum, incluyendo Michelle Diaz (piano), Eddy "Guagua" Rivera (bajo), Rubén Jiménez (batería), Heriberto Rey (guitarra), y Domingo Aragu (teclados). Rie Akagi - Café Nostalgia (1997) Temas: 01.La Brisa del Sur 02.Café Nostalgia 03.No Hay Amor 04.Esta La Lluvia 05.Noviembre 06.Armando's Rumba 07.Como Fue 08.La Poema
La Orquesta del Viento está desarrollando una propuesta que aúna jazz chileno y arte visual. Está liderada por Raimundo Santander, destacado guitarrista y compositor quien ha trabajado con los mas representativos exponentes del la escena nacional y ha dado alcance internacional a la música de sus dos discos editados, llevándolos a Brasil, Cuba, Argentina, Rusia y Estados Unidos. La Orquesta del Viento ha realizado dos giras nacionales, que han llevado su música desde Putre a Porvenir y un extenso tour por la lejana Rusia. Completan la agrupación los músicos Carlos Cortés, Greco Acuña, Eduardo Peña y Tomás Krumm. Además, la ilustradora Sol Díaz realiza dibujo y proyección en vivo en cada presentación, por lo que el proyecto crece hacia la interdisciplinariedad. Provenientes de estilos como el folklore, jazz, R&B, salsa, etc. estos artistas combinan elementos en apariencia contradictorios: juventud y trayectoria. Acumulan en sus carreras giras y conciertos en todo el globo, incluyendo Bolivia, Brasil, Argentina, Inglaterra, Suecia, Indonesia, Francia, México, etc.
“La Orquesta del Viento” es el disco homónimo de la agrupación liderada por Raimundo Santander. Un total de 5 músicos traen sus diversos bagajes culturales a la hora de interpretar las 6 obras instrumentales originales que lo componen. El resultado estilístico podría describirse como una mezcla de las armonías propias del jazz, ritmos sudamericanos, largas estructuras inspiradas en la tradición europea, diversidad anímica a través de las piezas y una paleta tímbrica híbrida: guitarras, piano, percusiones latinas, contrabajo y batería. Lo que nos presenta este álbum es una apuesta por encontrar puntos de encuentro entre tradiciones. En la colisión de estilos se vislumbra el rumor de lo nuevo. Esta es la importancia que nos hace escuchar, disfrutar de la presente obra y esperar una nueva entrega por parte de La Orquesta del Viento_ (premioaltazor) La Orquesta del Viento - La Orquesta del Viento (2013) Temas: 01. Andina 02. 30 años 03. Retorno 04. El llamado 05. Sol 06. La batalla de los Andes Musicos: Raimundo Santander (Guitarrista, compositor y profesor independiente) Javier Cornejo (Piano) Rodrigo Espinoza (Contrabajo) Carlos Cortés (Batería) Greco Acuña (Percusión) José Navarro (Quena) Ramiro Durán (Guitarra) Información cedida por Ruben Pihuaycho
Han realizado giras por Inglaterra, Alemania, Benelux, África, Canadá, Rusia y Japón. No sólo han tocado en los clubes más modernos, sino también en gigantescos festivales de rock y pop como el festival de Roskilde en Dinamarca, Sziget en Hungría, Lowlands en los Países Bajos, Camden Mix Festival en Londres y el Aberdeen Alternative Festival en Escocia._(newcoolcollective)
