Elena Burke Canta a Juan Formell-Las Voces del Siglo

Nació en la capital cubana allá por 1928, justo para ser una atrevida jovencita de voz insospechable, cuando el movimiento feeling de la cancionística cubana empezó a dar crecientes señales de vida, desde los inicios de la década del cuarenta. Ella, como muchas otras figuras de la música popular cubana, debutó en la radio y de allí muy pronto pasó al cabaret.

Antes de ser solista, sus dotes innatas de cante se alimentaron con la participación en varios de los más importantes cuartetos vocales de los años cuarenta. En ellos fermentaba el repertorio del feeling y su particular manera de decir la canción: Cuarteto de Facundo Rivera, Cuarteto de Orlando de La Rosa y las D'Aida.

En 1957, Álvarez Guedes le produjo a Elena Burke su primer disco de larga duración para su sello Gema. El puso condiciones espléndidas desde el punto de vista orquestal, para que ella enseñara sus poderosas cartas credenciales como una de las más importantes voces del cancionero en lengua hispana durante el siglo XX.

Lo demás fue madurar y darse a conocer cada vez más. Es decir, vivir intensamente cada día que se ha topado por delante. En ese tráfago vital, Elena ha logrado convertirse en vehículo muy especial de los sentimientos de la immensa mayoría de la gente. Ella es de alto aprecio entre los más humildes moradores de la mayor de las Antillas, como entre los individuos de más soberbio elitismo. Esta mujer que ha logrado, con su voz de inacabables recursos, dar siempre la impresión de que te está cantando a ti y muy cerca del oído, aunque tú seas uno de los miles de espectadores que ha colmado un coliseo para ir a disfrutarle, se ha convertido en un modo de ser de la espiritualidad cubana...Seguir leyendo


Juan Formell desde muy temprana fecha demostró poseer un caudal inmenso de posibilidades en el mundo de la creación musical. De un pensamiento renovador, supo en 1969 detectar que podía cambiar la música cubana con sus ideas y fundó Van Van; después de más de 40 años, no ha cesado de renovar, desde su propio estilo y en su propia agrupación. Elena Burke fue una de las primeras en descubrir todas estas virtudes, por lo que desde la década del 60 confió en él y cantó sus obras. Así estrenó temas que se hicieron muy populares como: De mis recuerdos, Y ya lo sé, Lo material, entre otros, que hoy pueden volverse a escuchar, gracias a esta compilación de las interpretaciones que ella hizo de sus obras, que ha realizado Jorge Rodríguez, para la colección Las voces del siglo.

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Elena Burke Canta a Juan Formell-Las Voces del Siglo (2010)

Temas:
01.El chala con cha cha
02.La chica solitaria
03.Optimismo
04.Un diálogo
05.De mis recuerdos
06.Pero qué será de mí
07.Y ya lo sé
08.Lo material
09.Yo soy tu luz
10.Y hoy te quiero más
11.Para ser feliz
12.Al fin creo en el amor

Información cedida por Osvaldo M

Marshall Gilkes Quartet - Edenderry

Marshall Gilkes nació 30 de septiembre 1978 en Camp Springs, Maryland. Padre de Marshall era un músico de la Fuerza Aérea, lo que significa que crecen en diferentes partes del país, incluyendo Washington DC, Nueva Hampshire, Nueva Jersey, Alabama, Illinois, y Colorado. En la actualidad, las llamadas de Brooklyn, Nueva York su casa.

Se graduó de la Juilliard School, así como Interlochen Arts Academy. Sus maestros incluyen Conrad Herwig, Baker Buddy, Ed Neumeister, y Gordon Wycliffe.

Actualmente Marshall es miembro del internacionalmente aclamado Trío Edmar Castañeda, así como la Orquesta de Maria Schneider y David Berger, Sultans of Swing. Además, ha actuado con la Orquesta Village Vanguard, Duke Ellington Orchestra, Stanley Turrentine, y Benny Golson. En la comunidad latina, está realizado con Machito, Giovanni Hidalgo, Chico O'Farrell, Tito Nieves, Big 3 Palladium Orchestra, Rosendo Raulin, Ray Sepúlveda, Santiago Eddie, Alberto José y Iroko La Banda.

Durante el otoño de 2001-otoño de 2002, Marshall jugó para los viajes nacionales y japoneses del espectáculo de Broadway "Swing", y en 2003 fue finalista en el Concurso de Jazz Thelonious Monk International.

Sus créditos incluyen el álbum de Marshall Gilkes Cuarteto "Edenderry", Edmar Castañeda, "Cuarto de Colores" David Berger "Marlowe", Ryan Keberle "doble cuarteto", Maria Schneider "Sky Blue", Big 3 Palladium Orquesta "Live at the Blue Note" y Fedchock John "Up and Running". Marshall ha realizado giras en Europa, Japón y el Caribe, y ha actuado en el Festival de Jazz de Umbria, Jazz Festival de Viena, JVC Jazz Festival, Festival de Telluride Jazz, Panamá Jazz Festival, el Lincoln Center, Salón de Tokio, la huerta, y el Conservatorio de Moscú.

Por su grabación de debut como líder, el trombonista Marshall Gilkes se da la exposición más amplia posible. Cada melodía es la excepción de Rogers y Hammerstein, "This Nearly Was Mine" Pianista Jon Vaquero, el bajista y el baterista Matt Clohesy Johnathan Blake brindar un acompañamiento sólido y jugar con la energía, y Gilkes tiene un montón de espacio en solitario. El conjunto muy bien contorneados se ejecuta sin problemas de los afro-cubanos de la balanza de pagos a las baladas, y que todo esto suena muy bien, pero el CD no se destacan de otros 100 registros jazz adecuadamente diseñados corriente si no fuera por Gilkes.


Trombonistas construido para la velocidad, saltos y curvas cerradas del bebop no parecen estar cayendo de los árboles en estos días (si es que alguna vez lo hizo), por lo que es realmente refrescante encontrarse con un jugador como Gilkes. Sus impresionantes instalaciones en el cuerno torpe lo pone en el JJ Johnson linaje. Suena muy bien en las baladas, donde juega con el más mínimo indicio de vibrato terminal, pero su tono maduro y solos agresivos en los números más rápido realmente se destacan. No busque más allá de la declaración de apertura de intervalos melódicos saltando en primera melodía de la grabación, "Puddle Jumping". Bebop amantes del trombón (si estás por ahí), es posible que desee comprobar esto.~Aaron Steinberg



Marshall Gilkes Quartet - Edenderry (2004)

Temas:
01.Puddle Jumping
02.Shady Skies
03.Waltz
04.Lost Path
05.This Nearly Was Mine
06.Gilkean
07.Dissonancia
08.Gummi de Milo
09.Edenderry

Musicos:
Marshall Gilkes: trombon
Jon Cowherd: piano
Matt Clohesy: bass
Johnathan Blake: drumms

Información cedida por Sebastian Bar

Paul Desmond - Bridge Over Troubled Water (Remaster)

Francisco Polytechnic y en el State College donde consiguió diplomarse en el clarinete, un instrumento que siempre la había fascinado. Fue en 1950 cuando decidió adoptar el saxo alto como su instrumento definitivo y con el que tuvo sus primeros escarceos con la música profesional en el seno del grupo de Jack Fina.

Influenciado por el maestro, Johnny Hodges y sobre todo por el sonido del saxo de Pete Brown, saltó a la diez años mas tarde cuando el pianista, Dave Brubeck, con quien permaneció la friolera de diecisiete años y al que conocía desde 1943, lo llamó para formar parte en 1951 de su cuarteto. En ese grupo, Paul Desmond era el músico con mas talento de todos y contribuyó esencialmente en el éxito del combo con su característico estilo melódico, de gran pureza y lleno de vigor y dulzura al mismo tiempo. Su aportación a los grandes discos de Dave Brubeck, especialmente en el extraordinario tema: "Take Five" para Columbia grabado en el año 1962 con el álbum "Time Out" fue extraordinaria y a partir de entonces, Desmond fue reconocido como el alma máter del cuarteto de Brubeck. Fuera del contexto del grupo de Brubeck, Paul Desmond grabó, no sin cierto disgusto de Brubeck, algunos discos extraordinarios con el saxo barítono, Gerry Mulligan, y con el guitarrista, Jim Hall. también grabó varios discos a su nombre fundamentalmente cuando se disolvió el cuarteto.

En los setenta, Paul Desmond casi desaparece de la escena musical del jazz debido a sus endémicos ataques de pereza, sus problemas con el alcohol y también por la aparición de los primeros síntomas de la enfermedad que le quitaría la vida: un cáncer de pulmón. En 1972 reaparece efímeramente al lado de Dave Brubeck en el Festival de jazz de Newport. Decidió escribir su propia autobiografía pero otra vez la pereza le impidió pasar del primer capitulo. En 1974 se instala en el famoso "Half Note" de New York con su propio cuarteto donde noche tras noche deleitaba a sus numerosos seguidores. Saxofonista infravalorado hasta hace muy poco, hoy la critica le reconoce lo que le negó en vida: ser uno de los grandes músicos de jazz de toda la Costa Oeste de los Estados Unidos y un maestro en el arte de la improvisación, siendo su sonido reconocible desde las primeras notas.

Dotado de un fino humor, (el seudónimo de Desmond, lo buscó en una guía de teléfono), dejó todo su dinero a la Cruz Roja, su piano Steinway al club Bradley's y especificó en su testamento que su cuerpo fuese cremado porque, textualmente, no quería ser un monumento camino del aeropuerto. En New York, las autopistas que conducen a los distintos aeropuertos, pasan por delante de varios cementerios.


Simon and Garfunkel's Bridge Over Troubled Water fue el disco más caliente en la tierra en 1970, y Paul Simon, que las melodías de sus álbumes anteriores y encontrar un defensor inesperado agradable en Paul Desmond. Contra todo pronóstico, determinado por bopsters, Desmond encuentra algo hermoso, nostálgico, y / o maliciosa que decir en cada una de estas diez canciones, respaldado por Rhodes Herbie Hancock, piano eléctrico y un conjunto de encantadora, a veces exagerado (como en "América") orquestaciones de Don Sebesky. "The 59th Street Bridge Song" se da una versión alegre y despreocupada, adaptándose muy bien a un tratamiento de jazz (después de todo, viejo compañero de Desmond en la Brubeck cuarteto de Joe Morello tocó la batería en el registro original de S & G) y Desmond incluso hace algunas cascada overdubs en su solo parte. "Cecilia" es una samba rápida, Desmond inteligentemente las obras de su edad "Blues Sagrado" en el solo de "El Cóndor Pasa", y la canción tiene un desvanecimiento impresionantemente bonita. Solos Hancock reflejan a menudo donde fue personalmente en en 1970, con ideas trasladado de su sexteto eléctrico progresivo. Esta es una producción de Creed Taylor en todos sino nombre, el sonido, la edición de pistas, y los valores de producción están en línea con la línea de A & M CTI, pero Sebesky aparece como productor, Taylor que recientemente rompió sus lazos con A & M para formar su propio sello . ~ Richard S. Ginell, All Music Guide

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Paul Desmond - Bridge Over Troubled Water (Remaster) (1969)

Temas:
01. El Condor Pasa
02. So Long, Frank Lloyd Wright
03. The 59th Street Bridge Song (Feelin' Groovy)
04. Mrs. Robinson
05. Old Friends
06. America
07. For Emily, Whenever I May Find Her
08. Scarborough Fair Canticle
09. Cecilia
10. Bridge Over Troubled Water

Musicos:
Saxophone (Alto) - Paul Desmond
Piano (Electric) - Herbie Hancock
Guitar - Gene Bertomcinni , Sam Brown (2)
Bass (Fender) - Jerry Jemmott
Bass (String) - Ron Carter
Drums - Airto Moreira , Bill Lavorgna , Joao Palma

Duke Ellington & His Orchestra-A Drum Is A Woman

Edward Kennedy "Duke" Ellington (Washington D.C., 29 de abril de 1899 - Nueva York, 24 de mayo de 1974), Duke Ellington, compositor, director y pianista estadounidense de jazz. Está considerado, según la crítica, como uno de los más importantes e influyentes compositores de jazz de la historia, junto a Louis Armstrong y Charlie Parker. Su biógrafo, Derek Jewell, afirma que Ellington pudo llegar a escribir unas 2.000 piezas musicales durante toda su vida, si bien las que creó en trozos de papel luego perdidos son incontables, pudiéndose elevar la estimación total de obras compuestas incluso hasta 5.000 piezas.

Ellington nació el 29 de abril de 1899, hijo de James Edward Ellington, un mayordomo de la Casa Blanca, y de Daisy Kennedy Ellington. Desde muy joven, el ambiente confortable en el que vivió le facilitó, con siete años, comenzar a recibir lecciones de piano, y a escribir música en su adolescencia. En 1917 dejó el instituto en el que estudiaba, y pasó a dedicarse por completo a la música. Su debut profesional se produjo con diecisiete años, en su ciudad natal. Desde sus inicios ya influyó en él un género musical muy popular a principios de siglo, el ragtime, estilo esencialmente pianístico.

A partir de 1919 comenzó a tocar con diversas bandas de la zona de Washington, D.C., pero en septiembre de 1923 se decidió trasladar permanentemente a Nueva York con The Washingtonians, el quinteto al que pertenecía. Se convirtieron al poco tiempo en el grupo residente del club The Hollywood Club de Times Square (más tarde conocido como The Kentucky Club o también The Club Kentucky). En noviembre de 1924 realizaron sus primeras grabaciones, utilizando diferentes pseudónimos para cada una de las compañías con las que tocaron. "East St. Louis Toodle-oo", una de sus primeras grandes producciones, grabada en 1926, y es un ejemplo del denominado estilo "jungle" (jungla) que tocaban. Obras como ésta hicieron que la fama de la agrupación, ya bajo la batuta artística de Ellington, fuera creciendo.

Posteriormente, su paso por el famoso club The Cotton Club de Harlem, que duró tres años a partir de su entrada el 4 de diciembre de 1927, convirtió a Ellington en un músico de gran renombre en todo Estados Unidos por la retransmisión radiofónica de muchas de sus actuaciones. Durante esta etapa, en 1929, el quinteto actuó interpretando música de George Gershwin en el musical de Broadway Show Girl. También actuaron en varias películas. Diversas giras por Estados Unidos y Europa acrecentaron su fama sobremanera.

Piezas musicales de la época, como "Mood Indigo" (1930), "It Don't Mean a Thing (If It Ain't Got That Swing)" (1931) o "Sophisticated lady" (1933), disfrutaron un notable éxito, marcando el comienzo de una época dorada para la big band y en especial para Ellington.

Paulatinamente se fueron incorporando nuevos miembros a la agrupación, y lo que era originalmente un quinteto en sus primeras apariciones en el Cotton Club, llegó a completar hasta un total de doce músicos...Seguir leyendo





Down Beat (1957) "El tambor es una mujer es el proyecto más ambicioso intento de Duke Ellington en el año. Se trata de una historia de la cápsula de los negros en Estados Unidos, es una historia de la orquesta de Ellington, y es una ópera popular que simplemente llora para la presentación de la etapa decente. Sin embargo, por más que cualquiera de estos, es un revelador autorretrato de Duke Ellington. "Jack Tracy






Duke Ellington & His Orchestra-A Drum Is A Woman (1956)

Temas:
01. A Drum Is A Woman
02. Rhythm Pum Te Dum
03. What Else Can You Do with A Drum
04. New Orleans
05. Hey, Buddy Bolden
06. Carribee Joe
07. Congo Square
08. A Drum Is A Woman, Pt. 2
09. You Better Know It
10. Madam Zajj
11. Ballet Of the Flying Saucers
12. Zajj's Dream
13. Rhumbop
14. Carribee Joe, Pt. 2
15. Finale

Musicos:
Duke Ellington-Piano y narration
Billy Strayhorn-Orchestration
Cat Anderson-Trumpet
Ray Nance-Trumpet, Violin
Clark Terry-Trumpet
Willie Cook-Trumpet
Russell Procope-Clarinet, Saxophone (Alto)
Harry Carney-Saxophone (Baritone)
Paul Gonsalves-Saxophone, Sax (Tenor)
Jimmy Hamilton-Clarinet, Sax (Tenor)
Johnny Hodges-Saxophone, Saxophone (Alto)
Rick Henderson-Saxophone, Saxophone (Alto)
Quentin Jackson-Trombone
John Sanders-Trombone
Britt Woodman-Trombone
Jimmy Woode-Bass
Sam Woodyard-Drums
Terry Snyder-Drums
Candido Camero-Percussion (Bongo)]
Joya Sherrill-Vocals
Margaret Tynes-Vocals
Ozzie Bailey-Vocals

Ed Fast And Conga-Bop - Straight Shot

                                                                       

Desde 1995, Ed Fast ha estado involucrado en diversos proyectos musicales a lo largo CT, NY y en todo el mundo: la más reciente, Ed era el baterista de la gira nacional de "Chicago", que realizó recientemente con Chita Rivera en la gira nacional de "Un bailarín de la vida; en Nueva York, en Broadway como baterista de" Chitty Chitty bang Bang ", el Radio City Music Hall y un sub de" Chicago ", sino que también se realiza con los espectáculos de Broadway de gira en Moscú, China, Corea, Japón y Taiwán; y fue director musical del grupo de jóvenes con sede en Hartford, sabor latino en el Festival Internacional de Jazz la Habana (Cuba).
En el área de Hartford, Ed realiza regularmente con la Orquesta Sinfónica de Hartford y en el Mohegan Sun Casino, con estrellas como Aretha Franklin, Charo, Frank Sinatra Jr., Paul Anka y Martin Short. Ed se ha presentado en el Bushnell con muchas giras nacionales Broadway como "Wicked", "Showboat" y "Music Man".
Ed es el líder / fundador de la Conga-Bop, un conjunto de jazz latino.
Ed estudió con Alexander Lepak y tiene un B.M. y M.M. de la Hartt School of Music.

Aquí es la revisión más reciente de "Straight Shot", junto con una biografía del artista Owen McNally (crítico de jazz) del Hartford Courant ...
Ed Fast, un músico trotamundos con sede en Hartford, acaba de lanzar un álbum que muestra no sólo su habilidad como percusionista, pero también como un primer nivel, compositor, arreglista y director de orquesta en su propio derecho.
Un festival de balanceo de jazz latino en formato CD, Ed Fast y "Straight Shot" Conga-Bop (producido por Music Ed Fast) se compone de nueve selecciones con incondicionales como el trombonista Steve Davis y brillante Hartford, los hermanos Curtis cada vez más famoso, Zacai en el piano y Luques en el bajo. Fast escribió cinco composiciones, variando la mezcla de créditos de la escritura del CD con las contribuciones de Davis, como invitado especial Bill Fitch (un legendario, pero lamentablemente el subregistro de la percusión latina), además de dos niveles, incluyendo a Lee Morgan "Boy What a Night". Además de llegar a mostrar sus habilidades componiendo, rápidas muestra su versatilidad famoso en la batería, los timbales, las congas y el vibráfono. Junto con los gráficos sólidos, hay buena química colectiva y la profundidad solos aquí con la colaboración de, entre otros, el trompetista / flugelhornist Joel González, el saxofonista / flautista y guitarrista Chris Herbert Greg Skaff. "He trabajado con estos chicos y amigos desde hace muchos años, así que mi banda, Conga-Bop, es realmente como una familia. Y creo que ese tipo de relación personal se muestra a través de la calidez de la música", dice Fast de California, donde está de gira con un road show protagonizado bailarina / actriz / cantante Chita Rivera.
Versatilidad de Fast - una cualidad que se le inculcó su mentor Hartt School, el célebre percusionista Al Lepak - lo hace tan cómodo en una banda de Broadway cielo tal cual es con una orquesta sinfónica. Realiza una gira por Rusia con la compañía camino de "42nd Street", y tocó en Japón, China y Corea del Sur con "The Sound of Music".
En la Casa de Shanghai de Blues, magia percusión latina Fast causó una impresión tan poderosa que el gerente de la casa lo invitó a volver para una temporada extendida. Y en Moscú, el yanqui y sus acompañantes compañeros terminaron entretenida en la fiesta de víspera de Año Nuevo para los juerguistas moscovita de lujo. Rápido atribuye su éxito con el apoyo que ha recibido a lo largo del camino, empezando por su primer maestro, Ernest Centoscudi, que fue percusionista principal de la Banda Guardia Costera de EE.UU.. Fast, que nació en Albany, NY., Se trasladó con su familia a los 9 años de Old Lyme, donde más tarde se conectó con Centoscudi como estudiante en el amor con el jazz latino. "Él fue quien me puso en marcha en todos los instrumentos de percusión, no sólo la batería, pero la marimba, timbales, etc, y él fue el que me cuatro aguas de Lepak". Lepak no sólo fue un pedagogo de percusión venerable en la Hartt School y autor de libros de texto muy respetado en la percusión, sino también en un compositor / arreglista y observó a nivel nacional en todos los estilos. Como experta en percusión, Lepak fue como en casa en los estudios de Hollywood como lo fue durante sus 56 años como timbalero de la Orquesta Sinfónica de Hartford. Lepak estrés en el dominio y la versatilidad, Fast, dice, "ha pagado con creces a mí." "Me ha dado las oportunidades que nunca tendría, incluyendo estadía de un año entero tocando la batería para 'Chitty Chitty Bang Bang", que no era más que un sueldo enorme, pero me puso en la escena de Nueva York. Además de hacer el show cada noche , yo estaba tocando el jazz latino en diferentes lugares allí también ", dice.
También los créditos Pablo Landerman, director de la sociedad celebrada Hartford y agente de reservas.
"Hice muchos shows en el Bushnell, cuando Pablo fue el contratista que, a partir de Robert Goulet en` El hombre de La Mancha ". Que la experiencia ha sido muy valiosa. Condujo a las conexiones que se me conciertos que van desde Rusia a Broadway a China ", dice Fast.
Aunque ambos Lepak y Landerman está jubilado, sigue siendo rápido cerca de estos dos grandes patriarcas de la escena musical de Hartford.
Incluso hoy, después de conciertos en el área de Hartford, Fast, dice, todavía a veces se detiene por la noche en casa Lepak en Windsor sólo para relajarse y visitar a su viejo mentor y su esposa, Charlotte.Del mismo modo, mantiene su cálido y familiar como las relaciones con Landerman, el magnate del entretenimiento antigua que celebra su 91 cumpleaños 19 de abril en su nuevo hogar en West Hartford.
                                                                                    

                                                                                 

Ed Fast And Conga-Bop - Straight Shot (2007)

Temas:
01. Encarnacion
02. Straight Shot
03. Boy What a Night
04. Detour Ahead
05. Blue Domain
06. Once Upon a Time
07. Cuban Lament
08. Camina Suavecito
09. Ring Side

Musicos:
Ed Fast (Congas)
Joel González (Trompeta)
Chris Herbert (Saxo y flauta)
Steve Davis (Trombón)
Zaccai Curtis (Piano)
Luques Curtis (Bajo)
Greg Skaff (Guitarra)

Se unieron en corto plazo en la percusión, Jorge Fuentes y Esteban Arrufatt, además de invitado especial, Bill Fitch.

Información cedida por Candela

Luis Santi y su Conjunto - 20 Selecciones Musicales

Luis Santí Fernández, nació en La Habana el 10 de diciembre de 1931. Es destacable afirmar que la carrera artística de Luis Santí se inició a muy temprana edad. Comenzó sus estudios musicales bajo la tutela de la profesora Digna Castillo Soler y el maestro José Bolivia, contaba con 12 años y la guitarra fué el instrumento introductor. Posteriormente, de la mano de su madre, descubrió los secretos del piano, que con el correr del tiempo sería el instrumento con el cual se destacó al frente de su conjunto. En sus años estudiantiles integró un trío donde tuvo oportunidad de mostrar sus habilidades guitarrísticas y dar respuesta a sus inquietudes musicales...Seguir leyendo


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Luis Santi y su Conjunto - 20 Selecciones Musicales

Temas:
01.Arrimate Pa'ca (Pa'ca)
02.No Mendigare (Bolero)
03.Arrolle Bailando (Guaracha)
04.Bambaraquiti (Guracha-Rumba)
05.Si Me Dices Que Si (Bolero)
06.Esta Es Mi Felicidad (Bolero)
07.Echale Grasa (Son Montuno)
08.Tez Morena (Bolero Montuno)
09.Cha Cha Cha Del Infierno (Cha)
10.Mozan-Pa'ca-Pilon-Bique
11.Te Quiero Dijiste (Cha Cha Cha)
12.Torna A Sorrento (Cha Cha Cha)
13.Noche De Ronda (Cha Cha Cha)
14.Descarga En La Noche (Descarga)
15.Scotch Tape (Mambo)
16.Ritmo Palenque
17.Fantasia (Mambo)
18.Lider Mambo (Mambo)
19.Perfidia (Cha Cha Cha)
20.Frenesi (Cha Cha Cha)

Información cedida por Osvaldo M

Tuti Fernandez – Herencia De Flamenco Y Jazz

Tuti Fernández Quintet comienza su andadura en Boston a partir de varios músicos que se conocen en el Berklee College. Con las composiciones de Tuti Fernández se empieza a gestar lo que en 2006 es su primer disco “Herencia de Flamenco y Jazz” editado por la compañía Newmoodjazz y que cuenta con la colaboración del saxofonista Jorge Pardo.

El sonido de esta formación es completamente innovador puesto que se afronta el flamenco sin utilizar su instrumento por excelencia: la guitarra flamenca. Tuti Fernández utiliza la guitarra eléctrica combinandola con las técnicas del flamenco pero con un sonido autentico de jazz. Esto hace que el quinteto compuesto a día de hoy por Moisés Sánchez al piano, Valentín Iturat a la batería, Inoidel González a los vientos, Albert Anguela al bajo y Tuti Fernández a la guitarra eléctrica, tenga un sonido completamente diferente a lo escuchado hasta ahora en el universo del jazz y del flamenco.

Hasta el momento han actuado en escenarios de España y Estados Unidos, en festivales de jazz y en teatros a lo largo de toda la geografía española. Tuti Fernández Quintet se encuentra a punto de presentar su segundo disco titulado “A Mi Aire” que cuenta con la colaboración de músicos de la talla de Santi Ibarretxe, Borja Barrueta o El Chaleco.




Tuti Fernandez – Herencia De Flamenco Y Jazz (2006)

Temas:
01.Fresa de Aranjuez
02.Verde que te quiero verde
03.El pizarral
04.La herencia
05.Lula lula lulica
06.La peñascosa
07.Entre tangos y bostonera
08.Camarones y cigalas
09.Fragile

Musicos:
Tuti Fernández-guitarra eléctrica
Moisés Sánchez-piano
Valentín Iturat-batería
Inoidel González-saxo y flauta
Albert Anguela-bajo

Omara Portuondo-La Colección Cubana

Portuondo Peláez nació en el barrio de Cayo Hueso de La Habana, su madre pertenecía a una familia cubana de abolengo de ascendencia española y se esperaba de ella un casamiento que la uniera a otras familias de la sociedad. En cambio, escapó con el hombre que amaba, un jugador de béisbol del equipo nacional cubano. Tuvieron tres hijas y como en cualquier hogar cubano había música. No tenían dinero pero, pero tenían las voces de los padres de Omara, cantando en la cocina donde hacían sus vidas diarias. Ella recuerda sus canciones, incluida entre sus favoritas “La Bayamesa” de Ernesto Grenet y Sindo Garay (también cantada por Compay Segundo en Buena Vista Social Club). Estas fueron sus primeras lecciones informales de canto y dichas canciones permanecen en su repertorio hoy en día.

Cuando su hermana Haydée se convirtió en bailarina del famoso club Tropicana, Omara pronto la siguió, por accidente. La compañía de Ballet se vio reducida un día de 1945 cuando una bailarina se retiro dos días antes de una importante premier. Omara había visto ensayar a su hermana tan a menudo que se sabía todos los pasos y le pidieron que entrara en el ballet. “Era un cabaret muy chic, pero dije que era inadmisible”, recuerda Omara. “Era muy tímida y me daba vergüenza mostrar mis piernas”. Su madre le dijo que no podía defraudarlos y así comenzó una carrera como bailarina, formando una sociedad famosa con el bailarín Rolando Espinosa. Hasta el día de hoy actúa en Tropicana, pero como una de sus cantantes estrellas. Seguir leyendo


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Omara Portuondo-La Colección Cubana (2000)

Temas:
01.Echale Salsita
02.En Nosotros
03.Yo Como Candela
04.Le Dije A Una Rosa
05.Siboney
06.Y Tu Qué Has Hecho?
07.Como Un Milagro
08.Evocacion
09.Dos Gardenias
10.La Ultima Noche
11.Lo Que Me Queda Por Vivir
12.Alli
13.Besame Mucho
14.Ya No Me Quieres
15.Y Has De Llegar
16.Guajira Guantanamera

Jose Luis Quintana (Changuito) – Telegrafia Sin Hilo

Nadie que sepa un poco sobre lo que hoy acontece en materia de música cubana, pondría en duda que José Luis Quintana, o Changuito como todo el mundo lo conoce, es uno de los percusionistas de nuestro país de mayor importancia entre los muchos surgidos en los últimos 40 años. Junto a Juan Formell y César Pupi Pedroso, él es artífice de ese ritmo creado por los Van Van y que ellos nombraron «songo».
La combinación ideada por Changuito allá por fines de los 60 y que abarcaba de forma orgánica batería, timbales, campanas, tambores, címbalos, entre otros instrumentos de percusión, en un perfecto híbrido en el que se integraron por igual los aires de la música beat y los pertenecientes a la tradición folclórica cubana, resulta uno de los aportes de más relevancia para el devenir del panorama sonoro contemporáneo entre nosotros. No por gusto, la influencia de esa manera de hacer se percibe nítidamente entre numerosas agrupaciones e instrumentistas de los que registran un mayor destaque en Cuba durante el pasado decenio.

Changuito puede afanarse también de haberle dado clases de percusión cubana a personajes tan prestigiosos en el ámbito internacional como son los casos del puertorriqueño Giovanni Hidalgo (quizá uno de sus mejores alumnos) o el no menos afamado Kart Perazzo, de gran reconocimiento por su labor en la agrupación de Santana. El afán de compartir con otros lo que sabe, ha llevado a José Luis Quintana a ser colaborador del Instituto Superior de Arte en La Habana, así como a impartir talleres en universidades de Puerto Rico, en la Escuela de Música Moderna de Nueva York y en el muy prestigioso conservatorio de Berklee, en Boston.
Ahora, bajo el sello discográfico venezolano Cacao Música, Changuito ha puesto en circulación un disco que lleva por título el de Telegrafía sin hilo. Según declaraciones del propio percusionista, el álbum busca reflejar la comunicación ancestral entre las tribus por la vía de los tambores, como enlace religioso y humano de culturas hermanas. Tal fue la idea que guió todo el proceso creativo. Ese vínculo entre componentes de la religión de origen afro y el discurso musical ha estado reiterándose en recientes producciones discográficas de cubanos asociados al jazz, como el desaparecido Miguel «Angá» Díaz y el pianista Omar Sosa.

Vale decir que el fonograma Telegrafía sin hilo surgió a partir de una propuesta del gran baterista habanero Horacio «El Negro» Hernández, que al coincidir con Changuito en el II Festival Internacional de Tradiciones Afroamericanas (FITA) en la ciudad de Maracay, le habló a Omar Jeanton, gerente general de Cacao Música, acerca de lo provechoso que sería grabar un CD que tuviese a Quintana como protagonista. Así nació un proyecto para el cual se escogió como encargado de hacer la producción musical al trompetista pinareño Luis J. Márquez, de amplia trayectoria con distintas formaciones, entre las que sobresale el grupo Guaco.
Para la materialización del álbum se contó con intervenciones no solo de El Negro, sino de otros músicos como Giovanni Hidalgo, Patricio «El Chino» Díaz, Rodrigo Mendoza, Edgar Dolor Quijada, Miguel Urbina, el grupo Herencia, Rodner Padilla, Maurice Melo, Joel Uriola, Ronald González, Vielka Prieto, Nelson Arrieta, Luis Rosca Beltrán, César Orozco, Jorge Dobal, David Fernández, Alexander Zapata, Felipe Lamoglia, Roberto el Lobo Moreno, Yomar Caballo Méndez, José Mortadelo Soto, Rodolfo Reyes, quienes acompañaron a Changuito en la apasionante aventura de realizar su disco.
Este fonograma posee también el mérito de ser concebido como un disco-libro, lo cual ofrece la posibilidad de incluir un enjundioso reportaje biográfico que acerca de la vida y obra del eminente percusionista escribiese el periodista venezolano Ramón Navarro, editor de la revista Podium. El pasado 28 de noviembre fue la presentación oficial de Telegrafía sin hilo, un CD ya disponible en las principales discotiendas de Venezuela y en otros lugares del mundo. Quienes por años hemos admirado el talento de Changuito para sonar los cueros, le deseamos que su nuevo álbum sea todo un éxito comercial. Él y nuestra música se lo merecen._(juventudrebelde)




Jose Luis Quintana "Changuito" – Telegrafia Sin Hilo (2006)

Temas:
01. Sueño Flamenco (Ochosi-Obalonke)
02.Changuito Se Botó (feat. Rodrigo Mendoza)
03.Almendra
04.Todavía Queda Limón (feat. Ronald Gonzalez)
05.Herencia (feat. Grupo Herencia y David Fernandez)
06.Rumbero
07.Afrocuban Dream (Olokun) (feat. Giovanni Hidalgo y Felipe Lamoglia)
08.Negros's Son (feat. Giovanni Hidalgo y Alexander Zapata)
09.De Camagüey A La Habana (feat. Nelson Arrieta y David Fernandez)
10.Telegrafía Sin Hilo (Elegguá) (feat. Giovanni Hidalgo)

Musicos:
José Luis Quintana "Changuito" - Timbal, Quinto
Miguel Urbina - Iyá
Jhony Rudas - Itóteles
Kenny Quintana - Okónkolo
Luis "Papo" Márquez - Trompeta, Coros
Rodner Padilla - Bajo, Piano, Fender Rhodes, Teclados
Roberto Moreno - Tumbadoras, Campana, Congas, Bongó
Yomar "Caballo" Méndez - Bongó, Percusión Menor, Tres, Dos
Patricio "El Chino" Díaz - Guiro, Tumbadora, Cajón De Rumba, Quinto, Salidor, Campana De Mano, Catá, Congas, Timbal
Luis "Papo" Márquez - Trompetas, Fender Rhodes, Coros, Percusión Menor
Jorge Dobal - Trombón
Santiago Carmona - Saxo
William Vásquez - Tres Cubano
Marcos Romero - Bajo
Irvin Matos - Piano
Ronald González - Coros
Jorge Dobal - Trombón
Luis "Rosca" Beltrán - Saxo Tenor
Vielka Prieto - Coros, Voz
Ramfis Fajardo - Coros
Vladimir Quintero - Contracanto
Nelson Arrieta - Tambora De Gaita
César Orozco - Piano
Edgar "Dolor" Quijada - Coros
Manuel Moreno - Campana De San Millán
Michael Parisca - Campana De San Millán
Marcos Espinoza - Cumaco, Chekeré
José Luis "El Puma" Reyna - Campana De San Millán, Maracas
Angel Fonseca - Laures
Carlomagno Araya - Percusión Menor
Rodolfo Gómez - Flauta
Joel Uriola - Piano, Coros
José "Mortadelo" Soto - bajo
David González - Trombón
Rodolfo Reyes - Saxo Tenor, Coros
Farides Mijares - Chekeré
Irvin Matos- Piano

Perico Sambeat - Flamenco Big Band

                                                                             

Perico Sambeat es un saxofonista de jazz español. Nació en Valencia en 1962. Se inició en la música con sólo seis años, y comenzó a tocar el saxofón de forma autodidacta. Con una fuerte base clásica, prosiguió sus estudios en la escuela Taller de Músics de Barcelona, donde tuvo maestros de la talla de Zé Eduardo. En 1991 se trasladó a Nueva York e ingresó en la New School. Allí tocó con maestros como Lee Konitz, Jimmy Cobb o Joe Chambers.
Su prolífica carrera profesional le ha llevado a tocar en festivales y clubs de todo el mundo y a grabar más de una docena de trabajos, entre los que destacan Uptown Dance con el Mike Mossman Quintet, Cruce de Caminos con Gerardo Núñez, Friendship; o Ziribuy con el sexteto que dirige. También ha colaborado en muchas grabaciones, con artistas como Bernardo Sasseti, Bob Sands, Chris Kase, George Colligan, Chano Domínguez, Llibert Fortuny, Toni Belenguer, Javier Colina, Albert Sanz y Jon Robles, entre muchos otros.
En reconocimiento a su trabajo ha recibido numerosos premios, incluido el de mejor solista (1990); mejor saxofonista por votación popular (2001) de la Asociación de músicos de jazz de Valencia; así como mejor saxofonista por votación popular por la Asociación de Músicos de Jazz de Cataluña en dos ocasiones (1994 y 2000); Tercer Premio SGAE de composición de jazz latino (La Havana, 2002); o el Bird Award al artista que merece un mayor reconocimiento en el Festival North Sea (2003).
Últimamente, la Flamenco Big Band de Perico Sambeat recibió en febrero de 2009 el premio JAÇ por votación popular al Mejor disco del año 2008.

Perico Sambeat publica el disco ‘Flamenco Big Band’. El saxofonista valenciano da una vuelta de tuerca al encuentro entre el flamenco y el jazz, al rodear de una big band a músicos jondos como el cantaor Miguel Poveda y el guitarrista Gerardo Núñez. En la grabación, publicada por el señero sello Verve, también participan la bailaora Carmen Cortés, el percusionista Ángel Sánchez ‘Cepillo’, el contrabajista Javier Colina y el batería Marc Miralta, además de piano, saxos, clarinetes, friscornio, trompetas y trombones. El álbum contiene un total de ocho temas, entre ellos, la soleá ‘Soledad sonora’, las bulerías ‘Tío Petila’, los tanguillos ‘Olhaíl - Luz del Sur’ o la pieza de apertura ‘Cauce’, que viaja del martinete a la bulería. No es la primera vez que Sambeat dialoga con el flamenco. En su trayectoria musical sobresalen colaboraciones con artistas del género como el cantaor Enrique Morente y con el pianista Chano Domínguez, además de en proyectos como ‘Jazzpaña II’ y ‘New York Flamenco Reunion’.
                                                                          

                                                                                

Perico Sambeat - Flamenco Big Band (2008)

Temas:
01.Cauce (martinete, soleá por bulerías, bulerías)
02.Nido del aire (nana)
03.Olhaíl - Luz del Sur (Tanguillos)
04.Nocturno
05.Tío Petila (bulerías)
06.Soledad sonora (soleá)
07.Como lo oyes (bulerías)
08.Guajira para Duke (guajira)

Musicos:

Perico Sambeat (Saxo alto, saxo soprano, flauta, dirección)

Miguel Poveda (Cante)

Gerardo Núñez (Guitarra)

Javier Colina (Bajo)

Marc Miralta (Batería)

Carmen Cortés (Baile, palmas)

Cepillo (Percusión, cajón)

Albert Sanz (Piano)

Ivan Albuixech (Saxo alto, clarinete)

Ernesto Aurignac (Saxo alto)

Jesús Santandreu (Saxo tenor)

Vicente Macián (Saxo tenor)

Francisco Blanco Latino (Saxo barítono, flauta y clarinete bajo)

Mike Mossman, David Pastor, Boro García, Paul Evans (Friscornio, trompeta)

Barnaby Dickinson, Vicente Pérez, Toni Belenguer, Dani Perpiñán (Trombón)

Noro Morales-Cha Cha Cha's

Noro Osvaldo Morales Sanabria fue un pianista, compositor, y director de orquesta de bailes, nacido en la localidad de Puerta de Tierra, en San Juan de Puerto Rico el 4 de enero de 1911 y fallecido en San Juan de Puerto Rico el 15 de enero de 1964.

A temprana edad manifestó su vocación por la música, al comienzo estudió trombón y contrabajo; sin embargo resaltaba su habilidad en el piano, conjuntamente con sus hermanos, quiénes también mostraron una precoz inclinación musical. Su padre, Luis Morales era violinista. Adolescente de trece años, e integrante del grupo fundado por su padre, al final de la década de los '20, el presidente venezolano Juan Vicente Gómez les contrató, para que la agrupación fuese la orquesta del entorno presidencial. En 1930 la familia Morales regresó a Puerto Rico, aunque, años más tarde, con su propia orquesta, Noro Morales volvería a Venezuela.

Cuando fue fundada nuevamente, la agrupación se estableció en Nueva York en 1935, presentándose en el club El Morocco; junto a sus hermanos José, Humberto e Ismael. Ya en 1938 comenzó a adquirir auge y popularidad, y, años después, se consagró con el tema Serenata rítmica. Al año siguiente Noro Morales alternaba con la orquesta de Bobby Byrne en el Glen Island Casino... Seguir leyendo


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Noro Morales-Cha Cha Cha's (2010)

Temas:
01.Ja-Da
02.Once In A While
03.Maybe
04.Three O'Clock In The Morning
05.Don't Be That Way
06.Pagan Love Song
07.Paradise
08.Peg O' My Heart
09.Candy
10.Darktown Strutters' Ball