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martes, 22 de noviembre de 2022

Falleció el músico Pablo Milanés

Con gran dolor y tristeza, lamentamos informar que el maestro Pablo Milanés ha fallecido esta madrugada del 22 de noviembre en Madrid. Agradecemos profundamente todas las muestras de cariño y apoyo, a toda su familia y amigos, en estos momentos tan difíciles. Que descanse en el amor y en la paz que siempre ha transmitido. Permanecerá eternamente en nuestra memoria._(Pablo Milanés - Oficia)

Descansa en Paz Maestro. Gracias! Pablo Milanés por todo el legado que nos dejas, siempre estarás en nuestros corazones.

miércoles, 20 de abril de 2022

Falleció el músico José Luis Cortés "el Tosco"

José Luís Cortés, El Tosco, rey de la timba cubana. Su nombre será asociado siempre al talento como flautista y compositor y, más aún, a lo mejor de la música popular cubana contemporánea que él contribuyó a crear y a bautizar como timba.
Su nombre de pila era José Luís Cortes, pero todo el mundo le conocía como El Tosco, aunque la
música que hacía no tenía nada de incultura ni de indelicadeza, todo lo contrario, era de un virtuosismo apabullante. Fallecido el lunes (18.04.2022) en La Habana a los 70 años debido a un accidente vascular encefálico, su nombre será asociado siempre al talento como flautista y compositor y, más aún, a lo mejor de la música popular cubana contemporánea que él contribuyó a crear y a bautizar como timba, auténtica banda sonora de la isla en los años noventa —con una sección de metales de primera línea— que supuso una revolución de la música bailable. No es casualidad que Cortés formara parte destacada de las dos bandas cubanas más importantes de los años setenta y ochenta, Los Van Van e Irakere, que fueron la escuela en la que se formó para fundar en 1988 NG La Banda, una de las orquestas más aplaudidas por los cubanos en las últimas tres décadas y una fábrica de éxitos como Santa Palabra, La bruja, La apretadora, Échale limón o La Cachimba._(elpais)

Descansa en Paz Maestro. Gracias! José Luis Cortés "el Tosco" por todo el legado que nos dejas, siempre estarás en nuestros corazones.

jueves, 2 de septiembre de 2021

Falleció el músico Adalberto Álvarez "El Caballero del Son"

                                                                      


El músico cubano Adalberto Álvarez, conocido como El Caballero del Son, falleció este miércolesa los 72 años por complicaciones derivadas de la covid-19. El músico, compositor, arreglista y director de orquesta cubano Adalberto Álvarez falleció hoy en La Habana, según publica la casa discográfica EGREM en su página de Facebook. El Instituto Cubano de la Música informó que el deceso ocurrió en la madrugada por una disfunción múltiple de órganos, a consecuencia de una neumonía derivada de la Covid-19..._(cubadebate)

Adalberto Álvarez ha sido una fuerza líder en el renacimiento del son, la música de baile cubana que llegó a su pico de popularidad en los años 50. El ex líder de Adalberto Álvarez y el Conjunto Son 14, Álvarez ha seguido para rendir homenaje, así como ampliar, la tradición hijo con Adalberto Álvarez y Su Hijo, la banda que formó en 1984. Si bien su música señales de un retorno a los sonidos tradicionales, Álvarez ha incorporado con éxito las influencias musicales más modernas. De acuerdo con The New York Times, "(Adalberto Álvarez y Su Hijo) es una de las grandes bandas de Cuba, que ha tenido una enorme influencia en la salsa, es moderna e imparable y que no suena como la música de baile sede en La Habana llamado timba. En cambio, suena un poco más tradicional, más cerca de Nueva York y la salsa de Puerto Rico, suave y elegante para un momento, hasta que el volcán pierde la parte superior. " Álvarez estudió dirección y composición musical en la Escuela Nacional de Artes en su ciudad natal de Camagüey.
Después de su graduación, se le pidió formar una orquesta en Santiago de Cuba. Ese grupo se convirtió en Adalberto Álvarez y el Conjunto Son 14, uno de los conjuntos pioneros del son moderno. En 1984, Álvarez formó una nueva banda, Adalberto Álvarez y su Son, en Santiago de Las Vegas, un suburbio de La Habana. A pesar de que el uso de los instrumentos son tradicional, como el tres cubano, una guitarra con tres juegos de cuerdas dobles, y el bajo arrancado, el sonido del grupo se ve reforzada por los teclados electrónicos, timbales, trombones y otros instrumentos de metal. Jorge Luis Rojas (también conocido como Rojitas), el vocalista original de la banda, de izquierda a unirse a la banda de Jesús Alemañy, Cubanismo ¡!, Y fue reemplazado por Aramis Galindo. Si bien muchas de las canciones de Adalberto Álvarez y su Son de reflexionar sobre los temas hijo habitual de la vida cotidiana, tratar varios temas con la santería, la religión en la que Álvarez es un babalao, o un sacerdote. ~ Craig Harris
(allmusic)


 

"GRACIAS ADALBERTO ÁLVAREZ, POR TODO EL LEGADO QUE NOS DEJAS, SIEMPRE ESTARÁS EN NUESTROS CORAZONES"

viernes, 20 de agosto de 2021

Falleció el músico Larry Harlow

El legendario músico salsero Larry Harlow, apodado el Judio maravilloso por su ascendencia

judia y por su devoción musical por el Ciego maravilloso Arsenio Rodríguez, ha fallecido esta madrugada en un hospital de Nueva York, a los 82 años de edad."A todos los Salseros del Mundo les informo con profundo dolor que luego de 32 dias hospitalizado mi amado Larry falleció a las 12:30 de la madrugada (viernes 20 de agosto 2021) a causa de complicaciones como paciente renal que debilitaron su ya agotado corazón", ha dicho su esposa, María del Carmen Harlow-Kahn, en las redes sociales del fundador de Fania All Stars. "Les doy las gracias por todo el amor y por los mensajes que el recibia de todos ustedes y que yo me encargaba de leerle en el hospital. Les pido por favor que nos den espacio a la familia y amigos intimos para procesar nuestra pérdida y mas adelante les daremos mas información al respecto. Por favor no me llamen para entrevistas mi corazón está roto". "Mi Amore, ya eres libre nuevamente para tocar tu música en la orquesta celestial. Gracias por el honor de acompañarte y de amarte hasta el final de tus dias. Viviras eternamente en mi corazon y en el corazón de todos los que aman tu música y tu gigantesco legado, vuela alto mi Judío Maravilloso y descansa en paz...".

Hijo de la cantante de ópera Rose Sherman, Larry Harlow nació en Brooklyn, Nueva York, el 20 de marzo de 1939, en una familia de músicos estadounidenses de ascendencia judía. En su vida artística fue un famado intérprete, compositor y productor musical de son cubano y son muntuno, además e mambo, jazz afrocubano, guarachas o salsa. Su orquesta, la Orquesta Harlow, fue la primera en firmar con Fania Records. El músico, que se formó también en Cuba, a donde fue atraído por la música de la isla que le habían dado a conocer cubanos radicados en Nueva York, produjo 106 álbumes de varios artistas y más de 50 álbumes de su propia autoría, además de los que produjo para Fania. Entre sus álbumes más populares se encuentran 'Abran Paso' y 'Tributo a Arsenio Rodríguez' con Ismael Miranda como cantante. Harlow fue uno de los músicos fundamentales de la salsa y uno de los primeros en grabar para los productores del sello disquero Fania Records. También apareció desde um principio con la Fania All Stars y en la película, 'Nuestra cosa latina' y su carrera ha sido constante y brillante en todas las décadas sucesivas._(noticiasclave)

"GRACIAS LARRY HARLOW, POR TODO EL LEGADO QUE NOS DEJAS, SIEMPRE ESTARÁS EN NUESTROS CORAZONES"

martes, 16 de febrero de 2021

Falleció el músico Johnny Pacheco

                                                                         


El artista dominicano, reconocido como uno de los creadores de la salsa como estilo musical internacionalmente reconocido, ha fallecido a los 85 años. El artista dominicano Johnny Pacheco, uno de los creadores de la salsa, ha fallecido este lunes en Nueva York a los 85 años de edad, según han informado fuentes de la familia y allegados del cantante. Johnny Pacheco, fundador de la formación musical Fania All-Stars, estaba hospitalizado con neumonía en un centro médico de Nueva York, según medios locales. "Con gran dolor en mi alma y un vacío en mi corazón les comunico que el maestro Johnny Pacheco con mucha Paz falleció esta tarde. Mil gracias portodas sus oraciones y todo el amor que siempre le brindaron. En estos momentos le pedimos privacidad y oraciones", reza un comunicado firmado por su viuda, Cuqui Pacheco, y familia. El músico Eugenio Pérez, allegado a Pacheco, confirmaba el deceso en un mensaje en las redes sociales, en el que subrayaba que su pérdida significaba "una tragedia para el mundo de la música en sentido general". Asimismo, el cantante y compositor de origen puertorriqueño Willie Colón también publicó una reacción en Twitter al conocerse la noticia. "Descanse en paz mi querido amigo y Maestro. Fundador de Fania Records, Johnny Pacheco. Único...", escribía. Lo mismo hizo el cantautor panameño Rubén Blades en su perfil en redes. Percusionista y compositor, Juan Zacarías Pacheco Knnipping, verdadero nombre de Johnny Pacheco, nació el 25 de marzo de 1935 en Santiago de los Caballeros, en el norte de República Dominicana. Emigró de niño con toda su familia a Nueva York, donde inició sus estudios y formación musical. La salsa, aseguran muchos expertos, nació en los barrios de Nueva York en la década de 1960 gracias a jóvenes músicos latinoamericanos que emigraron al continente norteamericano. Una de las teorías más extendidas le atribuye su nacimiento al propio Pacheco, quien consideraba la salsa una mezcla de ritmos caribeños como la guaracha, el mambo, la pachanga, la guajira, el guaguancó y el chachachá. Pacheco también fue fundador, junto con Jerry Masucci, del sello Fania Records y de la famosa banda Fania All-Stars, donde figuras como Celia Cruz, Rubén Blades, Pete "El Conde" Rodríguez, Héctor Lavoe, Eddie Palmieri, Héctor Casanova, Ray Barreto, Willie Colón y Bobby Valentín, entre otros, iniciaron sus carreras hasta el estrellato. Fania agrupa a más de 200 artistas renombrados de música tropical con estilos que trascendieron los límites de la música latina tradicional para abrirse camino a géneros como el big-band latino, jazz afrocubano, jazz, boogaloo y la salsa.  
Durante su trayectoria musical Pacheco compuso más de 150 canciones, muchas de las cuales se convirtieron en clásicos, como La Dicha Mía, Quítate Tu Pa'Ponerme Yo, Acuyuye, El Faisán y El Rey De La Puntualidad. A la vez que construía una exitosa carrera musical, Johnny Pacheco produjo varias películas que han ayudado a popularizar internacionalmente la música latina, entre ellas Los Reyes del Mambo (1992), protagonizada por el actor español Antonio Banderas. Además, en 1999, llevó su conocimiento musical al teatro, y colaboró en la creación del musical Quién Mató A Héctor Lavoe, que cosechó gran éxito en Nueva York. Su currículum también incluye la producción de la canción "Bailando Salsa" del grupo español Mecano (alcanzó medio millón de copias vendidas en un mes de su lanzamiento). Durante toda su vida Johnny Pacheco se caracterizó por su compromiso con el desarrollo de la comunidad latina alrededor del mundo. En 1994 estableció una Beca que lleva su nombre y con la que cada año ayuda financieramente a un estudiante latino en su primer año de universidad._
(eldiario.es)

Juan Azarías Pacheco Kiniping (Santiago de los Caballeros, 25 de marzo de 1935-Nueva York, 15 de febrero de 2021)​ conocido popularmente como Johnny Pacheco, fue un músico, flautista, compositor, arreglista, director y productor dominicano de música cubana y demás ritmos caribeños como salsa. De origen dominicano y considerado una de las figuras más influyentes de la música latina y caribeña por ser el cofundador junto con Jerry Masucci del sello disquero Fania. Se le considera el creador del concepto musical "salsa" aplicada a los ritmos nacidos en el Caribe antillano de habla hispana, principalmente de Cuba, República Dominicana y Puerto Rico y que tiene su fundamento rítmico y origen -como heredero directo- en la guaracha. Pacheco hijo de Rafael Azarías Pacheco (hijo ilegítimo de José Manuel López Rodríguez, quien era hijo de un soldado español​) quien en su país era director y clarinetista de la Orquesta Santa Cecilia y de Octavia Kiniping Rochet (bisnieta del comerciante alemán Wilhelm Knipping y nieta del colono francés Cristophe Rochette). Fue de su padre de quien recibió su primer instrumento musical. A los once años emigra con su familia a Nueva York donde aprendió a tocar instrumentos de percusión en la Academia Juilliard. Falleció el 15 de febrero de 2021 por una pulmonía en un centro médico de la ciudad de Nueva York..._(wikipedia)

                                                                        

                                                                         


"GRACIAS JHONNY PACHECO, POR TODO EL LEGADO QUE NOS DEJAS, SIEMPRE ESTARÁS EN NUESTROS CORAZONES"

viernes, 12 de febrero de 2021

Falleció el músico Chick Corea

                       

Muere a los 79 años Chick Corea, leyenda del jazz. El compositor y pianista fue pionero del jazz
fusión, y en sus siete décadas de carrera, que comenzó con Miles Davis, ganó 23 Grammy. Algunos artistas parecen inmortales; no porque su obra lo sea, ni por la talla que esta haya ayudado a forjar con los años, sino porque uno cree que siempre van a estar ahí. Que, por mucho que pase el tiempo, seguirán creando con la misma energía y la misma capacidad de siempre. Quizá por esto la noticia de la muerte del pianista y compositor estadounidense Chick Corea ha sido tan inesperada: a pesar de tener 79 años, Corea se mantuvo activo y en plena forma hasta poco antes de morir, el pasado 9 de febrero, a consecuencia de una forma rara de cáncer que le fue diagnosticado poco tiempo antes. El anuncio se realizó en su página de Facebook. En ella, la leyenda del jazz ha dejado un mensaje de despedida: “Quiero dar las gracias a todos los que me han ayudado en mi viaje a mantener ardiendo el fuego de la música [...]. El mundo no solo necesita más artistas, sino también un montón de diversión. 
A todos mis músicos amigos que han sido mi familia: ha sido un honor y una bendición aprender y tocar con vosotros. Mi misión siempre fue llevar adonde pudiera la alegría de la creatividad, y haberlo logrado con los artistas que he admirado se convirtió en la riqueza de mi vida”. Corea fue un raro ejemplo en el jazz y la música popular; podríamos decir que lo hizo, virtualmente, todo: ser pieza clave en la música de Miles Davis, abrazar la vanguardia más aguerrida, sentar las bases del jazz-rock y la fusión, reivindicar la tradición del jazz, alternar entre lo acústico y lo eléctrico adaptando su estilo a cada escenario, acercar el flamenco y las músicas latinas al jazz norteamericano, hacer música increíblemente arriesgada y, al mismo tiempo, ser también todo un superventas con más de una veintena de premios Grammy en su haber y, en general, hacer lo que le viniese en gana en cada momento, con mayor o menor acierto artístico, pero siempre fiel a su inconfundible personalidad musical..._(elpais)

Armando Anthony Corea (Chelsea, Massachusetts, 12 de junio de 1941 - Área de la Bahía deTampa, 9 de febrero de 2021),1​2​ más conocido como Chick Corea, fue un pianista, teclista y compositor estadounidense de jazz, ganador de veinte premios Grammy. Corea se hizo conocido por su trabajo durante la década de 1970 en el género de jazz fusión. En los años 1960, participó en el nacimiento de esta corriente como miembro de la banda de Miles Davis. Creó el grupo Return to Forever con otros virtuosos. A lo largo de los años 1980 y 1990 prosiguió con sus colaboraciones con músicos como Gary Burton. Junto a Herbie Hancock y Keith Jarrett, Corea es considerado uno de los más influyentes pianistas posteriores a Bill Evans y McCoy Tyner. Compuso varios estándares del jazz: Spain, 500 miles high, Armando's rhumba, La Fiesta y Windows. Corea empezó a tocar el piano a la edad de cuatro años; sus primeras influencias en el jazz fueron Horace Silver y Bud Powell. Fue adquiriendo experiencia tocando en las bandas de Mongo Santamaría y Willie Bobo (1962-1963), Blue Mitchell (1964-1966), Herbie Mann, y Stan Getz. Su primera grabación como líder fue en 1966, Tones for Joan's Bones, y su álbum en trío en 1968 (con Miroslav Vitous y Roy Haynes) Now He Sings, Now He Sobs se considera ya un clásico. Después de un breve tiempo con Sarah Vaughan, Corea formó parte del grupo de Miles Davis para reemplazar en forma gradual a Herbie Hancock, y permaneció con Davis durante un periodo muy importante de la banda (1968-1970). Persuadido por Davis, comenzó a tocar el piano eléctrico, y podría oírse en álbumes como Filles de Kilimanjaro, In a Silent Way, Bitches Brew y Miles Davis at the Fillmore. Cuando dejó a Davis, Corea comenzó a tocar jazz de vanguardia con su grupo Circle, cuarteto con Anthony Braxton, Dave Holland y Barry Altschul. Lo hizo hasta finales de 1971, cuando de nuevo cambio su estilo eléctrico: al dejar Circle, tocó breve tiempo con Stan Getz. Luego formó Return to Forever, un grupo de jazz fusión, con Stanley Clarke, Joe Farrell, Airto Moreira y Flora Purim. En un año, Corea (con Clarke, Bill Connors, y Lenny White) convirtió RTF en un grupo que practicaba una fusión enérgica. Tras una breve estancia de
Earl Klugh para las actuaciones, el guitarrista Al Di Meola sustituyó a Connors en 1974. Aunque la música del grupo tenía una fuerte inspiración roquera, sus improvisaciones eran jazzísticas, y el estilo de Corea podía reconocerse incluso entre toda la electrónica. Cuando RTF desaparece a finales de los 70s, Corea mantuvo el nombre para algunas actuaciones de big band al lado de Clarke. Durante los años siguientes, profundizó en el piano clásico con una gran variedad de planteamientos: giras a dúo con el vibrafonista Burton y con Hancock, un cuarteto con Michael Brecker, tríos con Miroslav Vitous y Roy Haynes, homenajes a Thelonious Monk, e incluso algo de música clásica. En 1985, Corea formó un nuevo grupo, The Electric Band, integrado por el bajista John Patitucci, el guitarrista Scott Henderson (en el primer disco, luego reemplazado por Frank Gambale), el saxofonista Eric Marienthal y el baterista Dave Weckl. Para equilibrar su música, años más tarde formó su Akoustic Band con Patitucci y Weckl. A principios de los 90, Patitucci formó su grupo y el personal cambió, pero Corea continuó liderando interesantes grupos (incluido un cuarteto con Patitucci y Bob Berg). Durante 1996-1997, Corea formó parte de un quinteto estelar en el que estaban Kenny Garrett y Wallace Roney y que tocaba versiones actualizadas de composiciones de Bud Powell y Thelonious Monk, a la vez que mantenía un sexteto llamado "Origin", que incluía al contrabajista Avishai Cohen. Ha colaborado con Paco De Lucía..._(wikipedia)
  


"GRACIAS CHICK COREA, POR TODO EL LEGADO QUE NOS DEJAS, SIEMPRE ESTARÁS EN NUESTROS CORAZONES"

viernes, 10 de abril de 2020

Falleció el músico Andy González

Comunicación oficial de la familia del fallecimiento de Andy González, músico (Contrabajista)

Con profunda tristeza anunciamos la muerte de nuestro hermano Andy González, quien falleció anoche, jueves 9 de abril. Tenía 69 años de edad. Es difícil expresar con palabras el dolor que todos sentimos en este momento, pero nos reconforta saber que ya no está sufriendo y que ahora está en el cielo con Jerry y nuestros padres. Lo vamos a extrañar muchísimo. Les agradecemos por sus oraciones y cuando sea el momento adecuado, todos nos uniremos para celebrar su vida._Eileen y Artie Gonzalez, y la familia González


Misty - Andy Gonzalez - Entre Colegas (2016)

Músicos
Andy González: bajo
Carlos Abadie: trompeta
Zaccai Curtis: Piano
Luques Curtis: Bajo
Manuel Alejandro Carro: Voces
David Oquendo: Voces
Ben Lapidus: Guitarra
Nelson Gonzalez: Tres
Orlando "Mostro" Santiago: Cuatro
Nicky Marrero: Timbales
Ricky Salas: Congas
Charlie Santiago: Bongos, Timbales
Roland Guerrero: Congas, Clave
Camilo Molina-Gaetan: Barriles
Vincent George: Clave, Guiro

Andy González (nacido el 1 de enero de 1951 en The Bronx, Nueva York - 9 de abril 2020) es un contrabajista con sede en la ciudad de Nueva York. González es un respetado y prolífico músico de jazz, latino-jazz y salsa, compositor y arreglista de ascendencia puertorriqueña . Es colaborador musical desde hace mucho tiempo con el hermano Jerry González. Son los miembros fundadores de Conjunto Libre y Grupo Folklórico Y Experimental Nuevayorquíno, con quienes produjo tres grabaciones de LP: Concepts in Unity (1975), Lo Dice Todo (1976) e Homenaje a Arsenio (2011). Los miembros de la banda fueron: Jerry y Andy González, Frankie Rodríguez, Milton Cardona, Gene Golden, Carlos Mestre, Nelson González, Manny Oquendo , Oscar Hernández , José Rodríguez, Nestor Torres, Gonzalo Fernández, Alfredo "Chocolate" Armenteros , Willy García, Heny Álvarez, Virgilio Martí, Marcelino Guerra , Rubén Blades , Orlando "Puntilla" Ríos y Julito Collazo en los dos primeros lanzamientos.
Andy González ha actuado y grabado con muchos de los nombres más importantes de la escena musical latina, incluidos The Fort Apache Group , Dizzy Gillespie , Tito Puente , Eddie Palmieri y Astor Piazzolla .

"Misty" es la cuarta canción del álbum Entre Colegas de Andy González, la primera grabación que lleva el nombre de Andy como líder. El repertorio ofrece al oyente una mirada íntima al proceso creativo de Andy y refleja su gusto ecléctico en la música. A diferencia de la gran mayoría de sus grabaciones, que presentan conjuntos de metales y cuernos, la música se centra en guitarras, cuerdas y jazz latino con elementos folclóricos. Es lo que Andy imagina como: "Django Reinhardt va a Cuba y Puerto Rico".

"GRACIAS ANDY GONZÁLEZ, POR TODO EL LEGADO QUE NOS DEJAS, SIEMPRE ESTARÁS EN NUESTROS CORAZONES"

jueves, 19 de diciembre de 2019

Felices Fiestas Y Próspero año 2020


Comparto con todos vosotros mi arbol de deseos, para esta Navidad. 
Me gustaría preparar en estos días, un árbol de Navidad muy especial y colgar, en lugar de regalos, los nombres de todos mis amigos.
Los de cerca y los de más lejos.
Los de siempre y los que tengo ahora.
Los que veo cada día y los que encuentro de vez en cuando.
Aquellos a los que siempre recuerdo y a los que a menudo olvido.
A los constantes y a los inconstantes.
A los de las horas alegres y a los de las horas difíciles.
A los que sin querer herí, y a los que sin querer me hirieron.
Aquellos a quienes conozco profundamente, y aquellos a quienes solo conozco por su apariencia.
A los que me deben algo y a los que debo mucho
A los amigos humildes y a los amigos importantes.
Por eso los nombro a todos, a todos los amigos que han pasado por mi vida.
A los que que recibís este mensaje y los que no la recibirán.
Un árbol de raíces profundas, para que vuestros nombres no se puedan arrancar jamás.
Un árbol que, el florecer el año que viene, nos traiga ilusión, salud, amor y paz.
Ojala que por Navidad, nos podamos reencontrar compartiendo los mejores deseos de esperanza, dando algo de felicidad a aquellos que lo han perdido todo. "Felices Fietas"._ Chumancera (2019)

lunes, 11 de noviembre de 2019

Falleció La Cantante Mayra Caridad Valdés


La cantante cubana Mayra Caridad Valdés, perteneciente a una familia de reconocidos músicos como su padre -Bebo- y su hermano Chucho Valdés, falleció en La Habana 10 noviembre  a los 63 años de edad, informaron este domingo medios estatales de la isla. Mayra Caridad Valdés, considerada poseedora de una singular voz y registro únicos capaz de interpretar lo mismo el jazz -que era su fuerte- como otros géneros, estaba preparando su último disco junto a su hermano Chucho y su sobrino Roberto Carlos (Cucurucho) Valdés. La destacada vocalista nacida entre grandes talentos musicales se graduó de música coral en la Escuela Nacional de Arte en 1975 y cinco años después ganó el primer premio de un concurso del programa de solistas aficionados "Todo el mundo canta". En 1981 compartió escenario con el legendario cantante estadounidense Harry Belafonte en la isla y también en el exterior, y como parte del grupo Irakere que lideraba su hermano, el pianista Chucho Valdés, y de otras formaciones musicales recorrió Japón y Europa. El famoso cabaré Tropicana de La Habana acogió a la artista en la década de los años 1990 y sus grabaciones abarcan tanto los boleros más conocidos como el género musical del "feeling" que han cultivado varios músicos de la isla como Portillo de la Luz, José Antonio Méndez y Marta Valdés.
Su debut discográfico lo marcó "La Diosa del Mar", en el año 2002, donde acompañada de los músicos de Irakere transita por distintos géneros musicales para mostrar su excelente técnica vocal y su capacidad para la improvisación. Después llegaron "Obatalá, estoy aquí", producido y dirigido por Chucho, que se centra en la búsqueda de una amplia gama de temas y géneros aprovechando la versatilidad de la cantante._(eldiario.es)





"GRACIAS MAYRA CARIDAD VALDÉS, POR TODO EL LEGADO QUE NOS DEJAS, SIEMPRE ESTARÁS EN NUESTROS CORAZONES"

domingo, 7 de julio de 2019

Falleció el músico João Gilberto




El brasileño João Gilberto, una de las leyendas de la bossa nova, murió ayer a los 88 años, según anunció su hijo Joao Marcelo. «Mi padre falleció. Su lucha fue noble, trató de conservar su dignidad mientras perdía su autonomía», escribió en Facebook sobre el emblemático músico, que vivía en Río de Janeiro solo y arruinado. Las causas de la muerte por el momento no han sido informadas.


João Gilberto Prado Pereira de Oliveira (Juazeiro, 10 de junio de 1931-6 de julio de 2019) fue un músico y cantante brasileño, considerado junto a Antônio Carlos Jobim como uno de los creadores de la bossa-nova.
Aprendió a tocar la guitarra de manera autodidacta. En el año 1950, emigró a la ciudad de Río de Janeiro, donde tuvo algún éxito cantando en la banda Garotos da Lua. Después de ser expulsado de la banda por rebeldía, pasó algunos años sin trabajo, pero con la idea pertinaz de crear una nueva forma de expresión musical con la guitarra.

Su esfuerzo finalmente dio resultado tras conocer a Tom Jobim ?pianista y compositor con educación clásica que también gustaba del jazz estadounidense?, con quien empieza a madurar el estilo que se conoció como Bossa nova.
La bossa nova (nueva ola) era una destilación del ritmo de percusión y sincopado del samba, en una forma simplificada que podía ser tocada en una guitarra sin acompañamiento. Se atribuye a João Gilberto la creación de este género. También introdujo una nueva forma de cantar, a bajo volumen.

En 1958 se presentó el disco Canção do Amor Demais de la cantante Elizeth Cardoso, que incluía composiciones de Jobim con letras de Vinícius de Moraes. Poco tiempo después João Gilberto grabó su primer disco, llamado Chega de Saudade. La canción que le da título al disco de Gilberto también estaba en el álbum de Cardoso y fue un éxito en Brasil. Esta obra lanzó la carrera musical de João Gilberto, y también el movimiento musical Bossa Nova. Además de varias composiciones de Tom Jobim, el disco contenía varios sambas y canciones populares de los años 30 pero arregladas con el distintivo estilo de la bossa nova.

João Gilberto durante una presentación en Italia en 1996.
En 1960 y 1961, Gilberto lanzó dos discos más que contenían canciones compuestas por una nueva generación de cantantes y compositores.
Alrededor de 1962 la bossa-nova ya había sido asimilada por músicos de jazz estadounidenses como Stan Getz. Este último invitó a João Gilberto y Tom Jobim en 1963 para que colaboraran en lo que acabó convirtiéndose en uno de los discos de fusión bossa-nova/jazz más aclamados por la crítica y más vendidos de la historia. Getz/Gilberto fue lanzado en marzo de 1964 y obtuvo el Grammy en 1965. De este trabajo destaca la composición de Jobim/de Moraes «Garota de Ipanema» («Garota de Ipanema»; en su versión inglesa, «The Girl from Ipanema»), que se convirtió en una canción clásica del pop internacional y llevó a la fama a la cantante Astrud Gilberto, en aquel entonces esposa de João Gilberto.

En 1968 ?cuando João Gilberto estaba residiendo en México? lanzó el disco Ela é carioca. El disco João Gilberto, lanzado en 1973, representa un cambio desde la creación de la bossa nova. En 1976 fue lanzado The Best of Two Worlds, con la participación de Stan Getz y de la cantante brasileña Miúcha (Heloísa Maria Buarque de Hollanda), hermana de Chico Buarque, que se había convertido en esposa de João Gilberto en abril de 1965. El disco Amoroso (1977) tuvo arreglos del músico Claus Ogerman.

En el disco de 1981, Brasil, João Gilberto trabajó con Gilberto Gil, Caetano Veloso y María Bethania, quienes a finales de los 60 habían creado el movimiento Tropicalismo basándose en la bossa nova y fusionándola con elementos del rock. En 1991 lanzó João, un disco particular por no contar con ninguna composición de Tom Jobim y, en su lugar, utilizar canciones de Caetano, Cole Porter y composiciones en español. El trabajo João Voz E Violão, lanzado en 2000, marcó una vuelta a los clásicos de la bossa-nova y tuvo la producción musical de Caetano Veloso.
También tiene álbumes en vivo, como Live in Montreux, Prado Pereira de Oliveira, Live at Umbria Jazz, In Tokyo._(wikipedia)





"GRACIAS JOÄO GILBERTO, POR TODO EL LEGADO QUE NOS DEJAS, SIEMPRE ESTARÁS EN NUESTROS CORAZONES"

domingo, 10 de marzo de 2019

Rumbo A La Rumba 15


Después de más de 3 años vuelve "Rumbo A La Rumba", es una agradable noticia volver a escuchar esta emisión en Postcast, con deseo que vuelvan para quedarse por tiempo ilimitado. 

Para todos los apasionados de la salsa, el latin jazz y los sonidos del Caribe compartimos el Podcast Rumbo a la Rumba, un magazín especial para los amantes de la música afrocaribeña hecho entre Colombia y Venezuela. Disfruta con nosotros de este mágico recorrido a través del caribe y su sabor!
Lo pueden escuchar aquí y recomendarlo a su red de contactos.
Este es un producto sin animo de lucro, lo hacemos por amor al genero Salsa y la musica latina!_ (Ricardo Mendivil, Andrés Diaz "Pachanga, Fósforo Sequera)

Tracklist:
Alexander Abreu & Havana de Primera - Pastilla de Menta
Spanish Harlem Orchestra - Cuando Te Vea Feat. Ray de la Paz
Akokan - A Otro Nivel Feat. Pepito Gómez
Tommy Olivencia - Si Estás Herido Feat. Chamaco Ramirez
Roberto Roena - Aquellos Que Dicen Feat. Frankie Calderon
Típica 73 - Lio Feat. Jose Alberto "El Canario"

miércoles, 30 de enero de 2019

Libro: Jazz en español. Derivas hispanoamericanas


Jazz en español, derivas hispanoamericanas
Coordinación y prólogo: Julián Ruesga Bono

¿Cómo debemos pensar críticamente productos artísticos y códigos estéticos que, aunque tengan una genealogía que es posible rastrear hasta una ubicación específica, han cambiado bien con el paso del tiempo, bien a raíz de su desplazamiento, corrimiento o difusión a través de redes de comunicación e intercambio cultural? 
Paul Gilroy, Atlántico Negro. Modernidad y doble conciencia.

Posiblemente, el jazz, haya creado el espacio musical que mejor refleja la transformación de la cultura occidental a lo largo del siglo XX. Su nacimiento fue paralelo al de los sistemas de comunicación modernos y a la constitución inicial de la cultura de masas. Su periodo formativo coincidió con el primer desarrollo de las tecnologías de grabación y reproducción del sonido, y su catalogación como género es indisociable de la aparición de la industria discográfica, la radio y las industrias del entretenimiento modernas que le dieron nombre, a la vez que favorecieron su pronta difusión y circulación pública por casi todo el mundo urbano. A través de estos medios llegó a audiencias situadas mucho más allá de su localización de origen, lo que hizo que toda su historia, como género musical, haya estado llena de cruces y encuentros con otras músicas y músicos –y que desde ese mismo momento inicial haya estado marcado por la hibridación y el mestizaje entre las sonoridades y músicas más heterogéneas. La música de jazz fue la primera en viajar a la velocidad que la modernidad alcanzaba, adquiriendo un sentido evolutivo y heterodoxo que ha sido su seña de identidad durante todo el siglo XX. De identificarse como una música afronorteamericana derivó a ser un campo de creación musical transnacional con aportaciones de músicos repartidos por todo el planeta.

Este libro que presentamos, Jazz en español, derivas hispanoamericanas, muestra un extenso mapeado del jazz que se hace en los países castellanohablantes. Los diferentes capítulos del libro ponen en valor la presencia de los músicos hispanos en la aparición y desarrollo del jazz, a la vez que narran cómo llegó y se difundió en cada país, presentando las diferentes escenas nacionales. Cada capítulo se ocupa de un país, y está escrito por un especialista de ese país. En conjunto, muestra los desarrollos que han generado y conformado la diversidad formal que caracteriza al jazz hecho en Latinoamérica y España –y las distintas maneras de pensar y entender la creación musical en, y desde, nuestros países.

La imagen con la que siempre se explicó la historia del jazz y su desarrollo –de Nueva Orleans al jazz-rock– hoy resulta insuficiente y reduccionista para entender los últimos cincuenta años de su historia, aproximadamente la mitad de sus poco más de cien años de existencia. “La narrativa historicista que nos permite entender la evolución del jazz hasta los años 70 del siglo pasado resulta insuficiente para trazar una morfología de estos últimos tiempos. El jazz se expandió horizontalmente y su dispersión geográfica, a modo de paradoja estética de la globalización, produjo algo más que réplicas de un modelo dominante”, escribe Sergio Pujol en el libro. Así, la historia del jazz, puede considerarse como la combinación de muchas historias vinculadas a diferentes audiencias y escenas locales. El jazz no fue inventado y después exportado, fue creado en el transcurso de su difusión geográfica y cultural; pasó de ser una música de moda y baile –que dio nombre a la década de 1920: “la era del jazz”- a una música autorreflexiva, exploratoria de nuevas sonoridades y formas de hacer, que bebe tanto de las músicas populares como de la tradición musical académica y sus vanguardias. 

Precisamente, Jazz en español, derivas hispanoamericanas, muestra esto: como músicos y audiencias de diferentes lugares han hecho del jazz lo que es, a lo largo de casi un siglo, y como ha pasado a formar parte de la cultura musical contemporánea de los diferentes países hispanos. El jazz es una música globalizada llena de miradas, acentos y entendimientos locales; lejos de representar una supuesta homogenización cultural, es un espacio creativo que ha permitido a los músicos justo lo contrario: tomar y mostrar lo que realmente les parece relevante y les interesa desarrollándolo en su música –tanto de la cultura musical mundializada como de las músicas locales próximas o que circulan en los medios audiovisuales de comunicación. El jazz, hoy, en la cultura occidental, es la música de una clase media urbana, culta, progresista y, aún, algo bohemia. 

El ámbito profesional de cada uno de los autores de los diferentes capítulos es muy diverso. Algunos son académicos, otros periodistas, otros son músicos, musicólogos o historiadores, y en muchos casos se desempeñan en varias categorías simultáneamente. Esto proporciona al libro una diversidad y variedad de miradas que redunda en reflexiones y narraciones muy diferentes, cada una de ellas subrayando las singularidades y confluencias en el desarrollo histórico y el significado actual del jazz en cada país. En resumen, un libro de largo y amplio recorrido, que informa y debate el jazz que habla español, con el objetivo básico de facilitar el conocimiento mutuo y acercamiento entre las diferentes escenas nacionales de jazz –y con ello generar lazos que fomenten y amplíen el campo de acción y colaboración de las personas e instituciones involucradas en la construcción diaria del jazz en nuestros países. 

Participan: Julián Ruesga Bono (Presentación), Sergio Pujol (Argentina), Sergio Calero (Bolivia), Darío Tejada (Caribe insular), Luis Monge (Centroamérica), Álvaro Menanteau (Chile), Juan Carlos Franco (Colombia), Joaquín Borges-Triana (Cuba), Juan Mullo Sandoval (Ecuador), Iván Iglesias (España), Alain Derbez (México), Germán Lema (Paraguay), José Ignacio López Ramírez-Gastón (Perú), Luis Ferreira y Berenice Cortí (Uruguay) y Dimitar Correa Voutchkova (Venezuela). 



Hasta ahora, Jazz en español, derivas hispanoamericanas, tiene cuatro ediciones. La primera de 2014, fue publicada por la editorial de la Universidad Veracruzana de Xalapa, México, ISBN: 978-607-502-272-7. 
Disponible Edición México: Sitio web

La segunda es española, realizada por CulturArts-Música, Generalitat Valenciana, en colaboración con la Fundación SGAE, en 2015, ISBN: 978-84-482-6015-6. Disponible Edición España: Sitio webCorreo electrónico
C/ Navellos, 15, 46003 València
963 425 856

La tercera ha sido publicada en Perú por el Instituto de Etnomusicología de la Universidad Católica de Lima, en 2016, ISBN: 978-612-45070-2-1. Disponible Edición Perú: Sitio web

La cuarta edición es la realizada en Cuba por el Fondo Editorial de Casa de las Américas, en 2017, ISBN.: 978-959-260-506-0. Disponible Edición Cuba: Sitio webCorreo electrónico
Librería Rayuela
Librero: Roberto Navarro
Calle 3ra. esquina G, CP 10 400, El Vedado, Plaza de la Revolución, La Habana, Cuba
(53) 7 8307493; 8382706 al 09, Ext.110

P.D: No existe edición digital por el momento, solo en librerias.

jueves, 8 de noviembre de 2018

Falleció Félix Valera Miranda


Santiago de Cuba, noviembre 7 del 2018.- Félix Valera Miranda, destacado músico, director de orquesta y compositor, falleció hoy en esta ciudad a los 79 años, alrededor de las 13:00 horas.

Nació el 26 de febrero de 1939, en Baire, Las Arenas (Majibacoa), Las Tunas. Comenzó sus primeros pasos en la música a la edad de 7 años, participando en fiestas familiares. Como empírico se inició tocando el tres, más tarde fue aprendiendo por instinto y la práctica a tocar otros instrumentos de percusión como son: bongó, maracas, claves, marímbula y tumbadora.

En 1952 se forma el Quinteto Hermanos Valera Miranda, alcanzando una rápida aceptación, haciendo contrataciones para bailes, fiestas familiares, cumpleaños y programas de radio.

En el año 1961 ingresó en la Escuela Nacional de Instructores de Arte de La Habana. Durante su permanencia en la escuela integró el coro de la misma, bajo la dirección de la destacada pedagoga Cuca Rivero. Se graduó en el año 1965. El 25 de febrero fue ubicado en Santiago de Cuba en la antigua región de Palma Soriano para trabajar como instructor de música y asesor técnico hasta la división político-administrativa.

Siendo asesor trabajó en el municipio de San Luis (Santiago de Cuba), durante 25 años; como profesor-instructor dirigió en un coro municipal y tres conjuntos de guitarras de pioneros de Secundaria Básica y de la FEEM y formó el Dúo Alborada, cantando como voz prima y prima guitarra.

Desde 1965 y hasta 1985 obtuvo 56 premios en distintos eventos nacionales e internacionales.

Fue promovido como metodólogo inspector en 1985 y ubicado en el Sectorial Provincial de Cultura, donde fundó el coro del Sectorial. En 1989 fue seleccionado para realizar un concierto para piano y tres, con el pianista Frank Fernández durante el Festival del Son en el Teatro Oriente junto a Pablo Milanés. Ese mismo año fue invitado como trecero a hacer una muestra sonera y conferencias en el Festival Americano y del Caribe en el Smithsonian Institute de Washington, EE.UU..

En 1990 fue promovido como especialista de música del Centro Provincial de la Música, donde laboró hasta el año 2001.

Desde el año 1982 dirige el Sexteto Familia Valera Miranda, integrado por su esposa e hijos. Ese mismo año grabaron la Antología Integral del Son, con el nombre del grupo bajo la dirección investigativa del director Danilo Orozco. Con esta agrupación ha realizado varios programas para la TV provincial y nacional, como son: Palmas y Cañas, Cerca de ti, Dimensión 15, Tiempos.



"GRACIAS FÉLIX VALERA MIRANDA, POR TODO EL LEGADO QUE NOS DEJAS, SIEMPRE ESTARÁS EN NUESTROS CORAZONES"

lunes, 1 de octubre de 2018

Muere el músico Jerry González



Muere el músico Jerry González tras un incendio en su casa de Madrid
El trompetista y percusionista neoyorquino de origen puertorriqueño fue pionero del jazz latino y colaboró con grandes figuras, de Dizzy Gillespie a Diego El Cigala.

El músico Jerry González, uno de los pioneros del jazz latino, ha muerto a los 69 años víctima de un incendio en su casa, en el madrileño barrio de Lavapiés, según informa el diario El Mundo. Tras el incidente han acudido a la vivienda los servicios de emergencias, que han intentado reanimarlo.

Neoyorquino de origen puertorriqueño, Jerry González fue uno de los primeros exponentes del jazz latino y fundador de la Fort Apache Band. Trompetista y percusionista, consiguió a lo largo de su carrera varias nominaciones a los Premios Grammy y formó parte de las bandas de grandes músicos como Dizzy Gillespie, Eddie Palmieri, Tito Puente, McCoy Tyner o Jaco Pastorius.

La fama de González en España aumentó gracias a su aparición en la película de Fernando Trueba Calle 54 (2000), donde también participaron otras grandes figuras del jazz latino como Tito Puente, Bebo Valdés y Michel Camilo. Desde entonces comenzó a recibir multitud de invitaciones para participar en proyectos musicales en nuestro país y acabó fijando su residencia en Madrid. En estos años se sumergió en la fusión del jazz con el flamenco, colaborando con músicos como Niño Josele, Diego El Cigala, Enrique Morente, Javier Limón, Jorge Pardo y Paco de Lucía._(elcultural)



Gracias Jerry González, por todo el legado que nos dejas, siempre estarás en nuestros corazones.

lunes, 13 de noviembre de 2017

Falleció Bobby Matos


 
Percusionista Bobby Matos es uno de los bateristas más respetados en todo el género de jazz Afro-Cuban/Latin. Nacido en el Bronx, Nueva York, el 24 de julio de 1941, Matos musicales vinieron de una familia, pero inicialmente estaba más interesado en el baile que tocar un instrumento. Matos no se empezó a tomar en serio la batería hasta su final de la adolescencia, al mismo tiempo, aprender a tocar conga en los sótanos de las iglesias en Harlem, como él miró a artistas como Tito Puente para la inspiración. Fue en esta época en la que se sumaron a Matos su primera banda, Los Congueros, compuesto exclusivamente de conga, flauta y contrabajo. A fines de los años 60, se habían graduado de Matos de orquesta (al igual que la salsa se inició el movimiento para obtener el pleno de vapor), resultando en uno de sus más conocidas canciones, "Mi Alma Latina", producido por Joe Cain, una figura respetada en latín el jazz. 
Pero en lugar de continuar como de orquesta, Matos decidió centrarse estrictamente en su percusión, ya que trabajó como acompañante para las próximas dos décadas. En los años 80, Matos se habían trasladado a California y comenzó a grabar nuevo material. En los años 90, publicó álbumes de manera regular: 1993 Collage del Jazz Afro Cubano, 1995 Danza del Chango, 1996's Huellas, 1997 de Mi Alma Latina, 1998 de la sesión (una recopilación de algunas de las sesiones de Matos desempeñado durante un período de 14 años), 1999 Live en Moca, y 2001 del Mambo Jazz, la última de las cuales fue una colaboración con sus compañeros el baterista de jazz John Santos. ~ Greg Prato (allmusic)




Bobby Matos (24 de julio de 1941 - 11 de noviembre de 2017)
El percusionista latino Bobby Matos ha muerto. Tenía 76 años. Deja atrás a muchos amigos y fans junto con un legado de gran música afro cubana de jazz

Gracias Bobby Matos, por todo el legado que nos dejas, siempre estarás en nuestros corazones, D.E.P.

sábado, 11 de marzo de 2017

Muere el flautista de jazz Dave Valentín


El flautista Dave Valentín falleció el miércoles en Nueva York, en el centro de rehabilitación del condado del Bronx donde estuvo recluido los últimos dos años tras sufrir un derrame cerebral. Tenía 64 años de edad.

Fue su representante, Richie Bonilla, quien informó a través de un comunicado de prensa la muerte del artista de origen puertorriqueño que fue elegido durante siete años consecutivos como el mejor flautista de jazz por los lectores de la revista especializada Jazziz.

Valentín fue el primer músico que firmó con el sello GRP (Grusin-Rosen Productions), para el que grabó 16 discos en los que fusionó sus influencias latinas, del pop, el rythm & blues, la música de Brasil y el latin jazz. En el año 2003 ganó el Premio Grammy por su discoCaribbean Jazz Project, que realizó junto con el vibrafonista Dave Samuels. Después, con la compañía discográfica Highnote, grabó los álbumes World on a String en 2005 y Come, Fly with Me en 2006.

De acuerdo con la Fundación Nacional para la Cultura Popular, el intérprete estaba considerado uno de los flautistas de jazz latino más importantes de la historia por su técnica, su ritmo y su vasto conocimiento musical.

Nacido en el Bronx, donde continuó viviendo hasta su muerte y donde una calle lleva su nombre, Dave Valentín recorrió todo el mundo durante cuatro décadas con su inseparable flauta junto a grandes estrellas del jazz y la música latina.(el-nacional)





Gracias Dave Valentín, por todo el legado que nos dejas, siempre estarás en nuestros corazones.

viernes, 2 de diciembre de 2016

La rumba cubana Patrimonio Inmaterial de la Humanidad


La Organización de Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco) ha declarado la rumba cubana Patrimonio Inmaterial de la Humanidad, según han informado fuentes de esta institución.

Así lo decidió el Comité intergubernamental durante su reunión anual en Adis Abeba al considerar que la rumba cubana es "una expresión de autoestima y resistencia" que contribuye a la formación de la identidad nacional.

La delegación de Cuba dedicó este reconocimiento de la cultura y la identidad cubana a Fidel Castro, líder histórico de la Revolución fallecido el pasado viernes tras diez años apartado del poder.

El Comité, formado por representantes de 24 países firmantes de la Convención de la Unesco, decidió incluir la rumba cubana en la lista de bienes protegidos porque es un símbolo de toda la sociedad cubana y "defiende el derecho a la diversidad cultural basada en el respeto mutuo".

"La rumba cubana es una expresión del patrimonio oral e inmaterial donde coinciden con armonía la tradición y contemporaneidad", ha valorado el Comité.

La rumba, que surgió en las barriadas urbanas pobres de Cuba, está vinculada a la cultura africana, pero también posee algunos elementos característicos de la cultura antillana y el flamenco español. "Por su naturaleza integradora y diversidad cultural, se convierte en una expresión de amplio alcance social", destacó la Unesco.

"La riqueza del ritmo, la gracia y la sensualidad de los bailes y cantos y la alegría que transmite, conecta con muchas personas, independientemente de su género, fenotipo, situación social o geográfica", añade.

El Comité intergubernamental de la Unesco se reúne una vez al año para examinar el funcionamiento de la Convención y las candidaturas de inscripción en sus listas.

La undécima reunión del Comité, que se celebra en Etiopía, es la cuarta organizada en el continente africano, tras las de Argel (2006), Nairobi (2010) y Windhoek (2015)._Adis Abeba  (elmundo)

domingo, 3 de abril de 2016

Murió el "Gato" Barbieri en Nueva York a los 83 años


 El músico del jazz argentino falleció de neumonía. Grabó 35 álbumes entre 1967 y 1982 y ganó un Premio Grammy en 1973.

El saxofonista argentino Leandro "Gato" Barbieri murió el sábado de neumonía en un hospital de Nueva York, informó su esposa, Laura. Tenía 83 años.

El músico del jazz grabó 35 álbumes entre 1967 y 1982 y ganó un Premio Grammy en 1973 por la música que compuso para la película "Last Tango in Paris".

Barbieri recibió el apodo de "El Gato" en la década de 1950 por la manera en que llegaba a los clubes nocturnos en Buenos Aires con su saxofón entre una presentación y otra.

Se le acreditó haber creado un estilo musical rebelde pero accesible cuando recibió el premio por trayectoria musical en los Grammy Latinos en 2015.

Barbieri siguió presentándose en años recientes en el club de jazz Blue Note de Nueva York._(lavoz)







Gracias Gato Barbieri, por todo el legado que nos dejas, siempre estarás en nuestros corazones.

jueves, 4 de febrero de 2016

Bobby Valentin en Entrevista Con Andrès Dìaz "Pachanga". Mi Ritmo Es Bueno



“No podemos quedarnos en el pasado. Debemos innovar la música, es nuestro deber” Bobby Valentín

En una interesante entrevista con el periodista e investigador musical Andrés Díaz “Pachanga”, el músico puertorriqueño Bobby Valentín presenta los detalles de cómo se gestó su mas reciente producción musical, “Mi Ritmo es Bueno”.


Recorrido de cerca 50 minutos por las anécdotas, experiencias y aprendizajes de este nuevo trabajo musical con el que el rey del bajo celebra los 50 años de su orquesta. Varios pasajes de reflexión sobre el devenir de la Salsa y el que hacer de los músicos ante este momento que ha sido considerado de crisis en la producción musical.
Esperando que sea de su agrado y criterio salsero disfrútenla y compártanla. 
Nuestra Salsa, entrevistas con Andrés Díaz “Pachanga”
Dirección General: Ricardo Mendivil
Producción: Andrés Díaz
Diseño Gráfico: Héctor Ordoñez “Dj Hecu2





El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
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De donde viene el nombre de L'Ostia???

A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados.
Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta.
Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio.
Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.

No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.

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