lunes, 28 de marzo de 2016

Niño Josele & Cobla Sant Jordi-Live at The Kursaal


El proyecto se presentó en el mes de febrero de 2012, dentro de la primera temporada de música para cobla de l’Auditori de Barcelona. Meses más tarde, se convirtió en uno de los grandes conciertos de la decimoquinta edición de la Fira Mediterrània de Manresa, donde se pudo confirmar que la aventura caminaba con muy buen pie. Y el pasado mes de septiembre nos encontramos con su plasmación discográfica, que recoge, precisamente, la segunda de las actuaciones citadas. La idea de unir la sutil guitarra de Niño Josele con la tímbrica poderosa de la cobla más polivalente de la escena musical catalana parecía, por lo menos, atrevida. Sin embargo, la hoja de servicios de ambas partes indicaba que tal vez no lo era tanto. Niño Josele siempre ha sido un flamenco atípico, que ha querido desmarcarse de los caminos establecidos y crear un lenguaje propio a través de trabajos como Española (Wea, 2009) o El mar de mi ventana (Warner Music, 2012). La Cobla Sant Jordi - Ciutat de Barcelona, por su parte, sigue empeñada (y con éxito) en divulgar el sonido de la cobla a través de colaboraciones con músicos inquietos (Pascal Comelade, Roger Mas, Raph Dumas, Kaulakau...) y parece atreverse con todo y con todos. A partir de aquí, pasen y vean (o, mejor dicho, escuchen). 
Los colores y las texturas que podemos descubrir en las nuevas versiones de Cabo de Gata o Gloria bendita, temas propios del guitarrista, y de Cançó i dansa número IV, basada en la histórica partitura de Frederic Mompou (1893-1987), ya justifican un trabajo que deja en nosotros, tras cada escucha, un sabor muy especial. Y aunque su nombre no aparece en la portada, hay que destacar también el trabajo de Joan Díaz, autor de los arreglos de esta particular combinación de flamenco, jazz y música tradicional catalana, enlace entre el guitarrista y la ecléctica cobla (Niño Josele admitió que lo desconocía todo de esta formación y que acercarse a su elegante sonido supuso un descubrimiento fantástico), y que encontró en la música del pianista Bill Evans (a quien el flamenco le dedicó el disco Paz, Calle 54 Records, 2006) un hilo conductor para acercar ambos mundos. De hecho, se incluye una versión del clásico Turn out the stars del estadounidense, junto a las de Minha del pianista brasileño Francis Hime y de la popular nadala catalana El noi de la mare. Para todos aquellos que estamos interesados en las realidades sonoras universales, Live at the Kursaal Theater es uno de esos trabajos que deberíamos apreciar como se merece, pues sólo pueden nacer desde el talento de artistas de mentalidad abierta. _(b-ritmos )

Niño Josele y la Cobla Sant Jordi - Ciutat de Barcelona: un proyecto único que une el flamenco, el jazz y la música tradicional gracias al talento de unos artistas de mentalidad abierta que apuestan por fusionar el color y textura de la cobla catalana, una big band de raíz mediterránea, obteniendo como resultado una propuesta con carácter propio.

El disco, que incluye temas del propio Niño Josele –de los álbumes 'Paz', 'Española' y 'El mar de mi ventana', nominado a los Grammy Latinos 2012- así como canciones tradicionales catalanas, cuenta con la codirección musical del pianista y compositor Joan Díaz, reconocido por trabajos como 'We Sing Bill Evans' (premio de la crítica al mejor álbum de Jazz 2008). Díaz, autor de los arreglos originales para cobla, ha encontrado en la música del pianista Bill Evans (se incluye una versión del clásico 'Turn Out the Stars') un hilo conductor para acercar el talento y lenguaje de Niño Josele al coblismo más contemporáneo.

'Niño Josele & Cobla Sant Jordi - Ciutat de Barcelona: Live at the Kursaal Theater' ha sido grabado en directo en el marco de la pasada edición de la Fira Mediterrània de Manresa._(aireflamenco)






Niño Josele & Cobla Sant Jordi-Live at The Kursaal (2013)

Temas:
01. Waltz for Bill
02. Turn out the Stars
03. Cabo de Gata
04. Minha
05. Cançó i Dansa Número IV
06. Gloria Bendita
07. La Partida
08. El Noi de la Mare


Musicos:
Niño Josele-guitarra solista

Musicos invitados:
Joan Díaz-piano y arreglos para cobla
Gabriel Amargant-saxo tenor y soprano
Pep Pérez Cucurella-bajo eléctrico
David Gómez-batería
David Pastor-trompeta solista

Cobla Sant Jordi-Ciutat de Barcelona:
Xavier Torrent-flautín y tamboril
Marc Timón y Oriol Gibert-tibles
Enric Ortí y Josep Antoni Sánchez-tenores
Carlos Martí y Timi Rodríguez-trompetas
Isi López-trombón
Pep Moliner y Miquel Àngel López-fiscornos
Juan Druguet-contrabajo


domingo, 27 de marzo de 2016

The Paul Carlon Octet - Other Tongues


Paul Carlon primera grabación como líder de su propio octeto es una engañosa y curioso retrato, así como una excursión muy listenable en el mundo de los muchos matices del jazz latino. Originario de upstate Nueva York, Carlon se graduó de Cornell University con una licenciatura en literatura inglesa en 1991 pero estaba decidido a hacer su marca en el mundo musical de Nueva York. Desde entonces ha viajado por Estados Unidos y el Caribe, trabajando con una amplia variedad de bandas y absorber esta experiencia en su sensación para las muchas variantes de formas musicales Caribe y Latina.

Octeto de Carlon lleva mucha profundidad: cuenta rumbatap pionero Max Pollak y cantante Ileana Santamaria, hija de la tarde Mongo Santamaría, así como dos trombones, trompeta, piano, bajo y batería. Carlon, que aparece a lo largo en saxo tenor y flauta, mbira, también hizo los arreglos. Abre "Rumbatapestry" con un Eddie mismo declaración de tenor Harris-ish que cocina. La composición de Billy Strayhorn "Smada" comienza su vida como un danzón, entonces cambia de puesto en una forma musical del porro colombiano. Tuve que mirar dos veces puesto que originalmente pensé que otro camino había comenzado con solo de piano fino de Stenger.

" Calle Beat"trae la aparición de uno de los invitados de Buddy Terry (saxofonista tenor anterior para la big band de Count Basie, Ray Charles y Art Blakey). Supongo que debe estar diciendo que este chico sabe cómo encender el calor y el aspecto de "street sound" de esta canción. Santamaria obtiene varias oportunidades vocal y en "The Spirit Calls" convoca cantos Yoruba y rumba Afro-Cuban, haciéndose eco de la música Latina de la década de 1950 y otros estilos tradicionales. "Extroadinary Rendition" se titula correctamente, con todas las manos en cubierta. Los dos trombones y una trompeta proporcionan el calor, junto con el ritmo de rumbatap de Pollak; el cierre "Clave 66" es una reminiscencia de las bandas de Habanero.

Lo que realmente hace especial a otras lenguas es que cada canción suena de una época diferente y variación Latina. Estoy seguro de que tengo tiempo escuchando mucho más con este álbum._Michael P. Gladstone (allaboutjazz)






The Paul Carlon Octet - Other Tongues (2006)

Temas:
01.Lucid Dreaming
02.Rumbatapestry
03.Smada
04.Steet Beat
05.A Certain Slant of Light
06.Boogie Down Broder
07.Extraodinary Renditions
08.The Spirit Calls
09.Portals
10.Clave 66

Musicos:
Paul Carlon: tenor saxophone, flute, mbira, compositions and arranging
Anton Denner: alto sax, flute
Dave Smith: trumpet
Ryan Keberlie: trombone
Mike Fahie: trombone
John Stenger: piano
Dave Ambrosio: bass
William "Beaver" Bausch: drums
Illeana Santamaria: vocals (2,3,8)
Max Pollak: rumbatap (2, 7)
Buddy Terry: tenor sax (3)

Información cedida por Hector Guillermo Copete

sábado, 26 de marzo de 2016

Ela Calvo - Collection



El bolero la incluye entre sus principales voces, esa que ha paseado por diferentes escenarios cubanos y del extranjero bajo el nombre de Ela Calvo quien acaba de cumplir 80 años.
Nacida el 18 de febrero de 1932 en La Habana inició su vida de cantante en 1952 en una agrupación bajo la batuta de Facundo Rivero, a través de la emisora Circuito Radial Cubano, en el coro acompañante de la gran Rita Montaner.


También la acogió el grupo dirigido por Rodolfo Pichardo en el casino del cabaret Tropicana.
Ya en 1959 hizo su debut profesional como solista, y la locación escogida resultó club del hotel Saint Johns, a la par que asistía a programas de radio y televisión, o figuraba en las carteleras de las revistas musicales conformadas para el exterior.
Por aquellos años no abandonó Tropicana hasta que en 1965 tuvo su prueba de fuego en grande al ofrecer el primer recital en el Museo Nacional de Bellas Artes.
Dos años después asume su primera gira internacional que la llevó a Checoslovaquia y Alemania.


Un grato regalo le propició 1968 al ganar el segundo lugar en el Festival Internacional de la Canción de Sopot (Polonia), así como el Premio de Interpretación en el también Festival El Hombre y el Mar, en Rostock, entonces Unión Soviética en 1985.
Su presencia se hizo notar, además, en el Lira de Oro, de Bratislava, el Limasol (Chipre), el de la canción de Dresde, Alemania, en los Boleros de Oro, y en el dedicado a Agustín Lara.
América Latina, Europa y África también conocen de su presencia, y entre los compositores que integran su repertorio vislumbran José Antonio Méndez, Rafael Ortiz, Juan Almeida, Marta Valdés, y el Niño Rivera, por citar lgunos.
Esta intérprete de registros peculiares ha grabado varios discos con sus canciones, al tiempo que ostenta diferentes congratulaciones como la Distinción por la Cultura Nacional._Ricardo R. González (soyquiensoy)






Ela Calvo - Collection (2000)

Temas:
01.Veinte Años
02.Dime Si Eres Tu 
03.La Tarde
04.Demasiado Que Pedir 
05.Pero Algun Dia 
06.Indestractible
07.Tu Mi Delirio 
08.You Vendo Unos Ojos Negros
09.Requiem 
10.Pensamiento 
11.Ya Ves, Volvi
12.Si Me Pudieras Querer 
13.Como Solo Se Ama La Primera Vez 
14.Como Yo Te Ame 
15.Estas Horas
16.Solo Contigo Basta
17.Rumbo A La Eternidad
18.A Veces Los Dos 
19.Cancion De Mi Habana

viernes, 25 de marzo de 2016

Monthuno - Mambo Inn


En un principio, la idea era simplemente anexar por la música latina Realbooks Latinoamericana de Cuba a Río. Con su jazz herkommenden significa la banda Monthuno traza más bien canciones poco conocidas que trabajan de acuerdo con sus deseos e ideas. En las sesiones del juicio en Thun, que también inspiraron el nombre de la banda, fue presentada intensamente en las ranuras y arreglos complejos Latina, los públicos. El resultado es gratificante - el camino es la meta.

Juerg Burkhart:
Estudió en Andy Scherrer saxofón y obtuvo su diploma en 1984 con distinción en la Escuela de Jazz de Suiza en Berna. JB juega con desde los años ochenta: Willy Kotuns Ritmo Caliente, un grupo de salsa que va y otros en Hungría komunistischen de gira .. Teddy Bärlochers América Odyssey: Esta banda está orientada principalmente hacia compositor brasileño. Las composiciones originales de los líderes de la banda se caracterizan por muchas estancias en Brasil. A partir de este tiempo, tales proyectos Mabadru Tini Hagler, también de jazz latino, Zounds con Reimund Gerstner y quinteto Allegretto con Tom conductor, Samuel Zingg. Jazz Corso con Marco Morelli, Tini Hägler y Marco Käppeli. Andy Unidad Harder con Glenn Ferris, Jojo Mayer y Runo Erickson. Desde que se unió también repetidamente formaciones bajo su nombre. Hoy (consistente durante muchos años a partir de Be-Jazz-miembros) interpreta el papel principal en el Up Town Big Band Alto y es un acompañante para el Blues Deluxe: Thomas conductor, Mike Maurer, caminos Wüthrich y Pierre-Alain Kessi.

Flo Weiss:
Adquirido 2010 Matura musical en Zurich y actualmente está estudiando en el departamento de jazz de la Universidad de Berna de las Artes, entre otros en Bernhard Bamert, Bert Joris y Frank Sikora. Además Monthuno que interpreta en varias formaciones, como el de la parte alta de Big Band, la Big Band del ejército suizo, M'Adam (s) o su propio proyecto llamado "Woodoism". Conciertos en Suiza, entre otros en el renombrado Festival de Jazz de Schaffhausen y el Festival Internacional de Jazz de Berna, Alemania, Italia, Túnez y Hungría.

Matthias Mollet:
estudios de piano en la Escuela de Jazz suizo en Günther Kühlwein e Immanuel Brockhaus, la finalización en 1999. Jugó en el quinteto de jazz "Vatters ciclomotor", la banda de funk "Funk Sinatra y los Tribblehorns" y otras formaciones cambiantes. En el verano de 2003 tomó parte en el lago de Thun con la orquesta del musical "Evita". En el mismo año se fundó la 5tet Matthias Mollet y se dirigió a esta formación para escribir composiciones de jazz modal. Desde 2007 Miembro de Monthuno.

 Reimund Gerstner:
Diploma tambores Swiss Jazz School, guitarra, trombón. principios de los 80 la banda propia, Zounds con Ueli Balsiger (Stiller Has) y Theo Kapilides. Luego estudio Autodidactical de bajo eléctrico y contrabajo. Sus composiciones son estilísticamente influenciados principalmente por Wayne Shorter. Teatro Música en Frankfurt, Basilea, Berna Solothurn. Trabajado en varios musicales y producciones de danza. Los empleados de mediados de los años 80 con la electrónica, que luego en bandas como Red (Marco Figini), desbordamiento (Tony Wilson), World Wild Jungle Jazz y Sonic vista vinieron a expresar. 30 años de actividad intensa como bajista en muchas formaciones. Se juega con Hank Jones, Albert Mangelsdorf, Kevin Mahogany, giras y conciertos con Joe Haider, Sandy Patton, Robin Kenyatta, Blue Ray, Rhonda Dorsey, Roberto Bossard, Joan Cartwright, Herbie Kopf, Gary Barone, Jürg Bucher, Oli Kuster de Züri West , Stewy von Wattenwyl, Markus Plattner, Nat Su, Marcos Jiménez, varias bandas con Domenic Landolf. Una larga experiencia en la salsa y latinos formaciones con Pimenta, Chevere, Salsa Buena.

 Peter Zwahlen:
Nacido y criado en Berna el 1 de agosto 1958 me dieron mis primeras clases de batería en la infancia. En su adolescencia asistí a un largo tiempo de la Swiss Jazz School con Billy Brooks, coincidiendo con Harald Glamsch en Berna envío incluido en el tambor de conciertos y otros instrumentos de percusión. Después de una estancia de estudio de 2 años en el Instituto Superior de Arte de La Habana / Cuba me dediqué principalmente los ritmos diversos y melódicos de América y la percusión afrocubana. En todos los años que siguieron, yo estaba en diferentes ciudades talleres y clases en las congas, bongos, timbales y Batas y percusión y el ritmo africano. También enseño en las escuelas de música de las regiones Gürbetal, Burgdorf y Thun. En los últimos años, he ampliado mi gama musical y me abrí para una variedad de estilos musicales. Sobre todo mucha alegría Leer los juegos de ritmo de todo el mundo. En numerosas bandas y proyectos nacionales e internacionales trabajado y trabajo como un miembro permanente o como músico invitado.

Abraham Stalder:
Abraham Stalder comenzó de forma independiente a tocar el piano y la batería ya en la primera infancia. Más tarde, durante muchos años de clásica, jazz piano y clases de batería que ganó dos veces el precio de la competencia Ellenberger. 1997 diploma en la Escuela de Jazz de Berna Suiza a la principal instrumento de percusión con Billie Brooks. Desde 1989 se ha desempeñado en numerosas bandas de estilos funk-rock, pop, jazz, jazz latino y fusión, z. B. en las formaciones Pat Enz Trio, 5tet Matthias Mollet, Jazztune o SolarMariel. También se dio cuenta en el estudio propio proyecto sus ideas diferentes incluso estilos electrónicos y además se dedica temporalmente como un DJ._(monthuno)




Monthuno - Mambo Inn (2009)

Temas:
01.Mambo Inn
02.Batida Diferente
03.Building Bridges
04.Eastern Joy Dance
05.Midnight Mambo
06.Linda Chicana
07.Alonzo
08.Come Candela

Musicos:
Juerg Burkhart
-Saxes, Flutes
Matthias Mollet-Piano
Reimund Gerstner-Bass
Abraham Stalder-Drums, Percussion
Stephan Beer-Percussion


Información cedida por Hector Guillermo Copete

jueves, 24 de marzo de 2016

Ultra High Flamenco - Bipolar


En un mundo tan representado por las vertientes del cante y el baile como el flamenco, la oportunidad de disfrutar de un disco instrumental parece una rareza dentro de la afluencia de obras del estilo. Con una sólida carrera respaldando a toda una serie de artistas renombrados, la guitarra de José Quevedo Bolita, el violín de Alexis Lefèvre, el contrabajo de Pablo Martín y las percusiones de Paquito González se conectan en la forma de Ultra High Flamenco. Si en su primer disco se mostraban más cercanos a la fusión (aunque según la propia banda sería más apropiado el término “conexión”) mestiza, demostrando toda una baraja completa de influencias que iban desde el jazz hasta la música étnica; esta vez han decidido apostar por un sonido mucho más apegado al flamenco, pero que también parece más fiel a la naturaleza de la banda.
De distinta crianza musical pero de un mismo eclecticismo notable, los cuatro miembros de UHF consiguen que el concepto de banda tome protagonismo en la órbita flamenca a lo largo de su segunda propuesta, Bipolar. De esta manera, el disco comienza con Nuestra Sfera, un tema que deja claro el sonido que vamos a escuchar a lo largo de la obra; una bulería que suena como ninguna otra, de progresión e innovación constante, donde el oyente comienza a caer rendido ante la perfección instrumental que se seguirá reivindicando según avancen las composiciones. La esfera musical continúa con Positango, donde la composición del violinista Alexis Fèvre sirve como muestra de su mundo, yéndose por tangos y aportando un matiz más a la larga lista de Bipolar. Con el tercer tema llega uno de los platos fuertes del disco, una auténtica maravilla sonora con sabor propio, OFNI, u Objeto Flamenco No Identificado; una pieza que no se casa con nada y que con su ritmo 7 nos hace preguntarnos constantemente acerca de su propia naturaleza.

El disco prosigue con A Manuel Torre, una seguiriya dedicada a la gigantesca figura del cantaor gaditano que Lorca describiría como el hombre con mayor cultura en la sangre, toda una declaración de principios e influencias. Y así, la música avanza con los tangos de Republicanon y la soleá por bulerías de Bolando, dando paso a Tanguirera, un tanguillo compuesto por Alexis Fèvre donde demuestra un dominio total del violín, que deja estupefacto y boquiabierto al oyente desprevenido. Y en una obra con una estructura tan cuidada, de mimo compositivo exquisito, no podía faltar un clímax perfecto. UHF encuentra sitio para el éxtasis rumbero con La Baratita, una pieza llena de energía que consigue dejarnos sin aliento y con ganas de volver a escuchar esta joya de nuevo, de principio a fin.

Un flamenco donde resuenan los ecos de la locura de Pat Metheny o John McLaughlin, donde la voz es plural y un regalo de la comunión del músico con su instrumento, fruto de la conexión de cuatro artistas con un entendimiento envidiable. Podríamos pensar que el sonido sufre de cierto trastorno bipolar, pero lo cierto es que asistimos a toda una obra llena de múltiples personalidades, cada una con un encanto y carisma propios que hace que queramos conocerlas más a fondo. Nuevos esquemas e ideas para el mundo de la música, en la que sin ninguna duda es una de las obras más acertadas de los últimos años. Imprescindible para cualquier amante de la música que necesite de nuevos e imposibles manjares para sus oídos.__ Alejandro Amores  (tertuliaandaluza)





Ultra High Flamenco - Bipolar (2011)

Temas:
01. Nuestra Sfera     
02. Positango     
03. O.F.N.I. (Objeto Flamenco No Identificado) 
04. A Manuel Torre     
05. El Republicanon     
06. Bolando     
07. La Tanguirera     
08. La Baratita

Musicos:
Paquito González (Percusión)
Alexis Lefevre (Violín)
Pablo Martín-Caminero (Contrabajo)
José Quevedo (Guitarra española)

domingo, 20 de marzo de 2016

Tanmy López Moreno-La Luz Es Música


Tammy López Moreno. Violinista y compositora cubana. Graduada del Instituto Superior de Arte. Ha tocado junto a prestigiosos músicos cubanos como Silvio Rodríguez, Kelvis Ochoa, Roberto Carcasés y Zenaida Romeu.
Musicalizó los versos de Rubén Martínez Villena y los adaptó a varios géneros musicales cubanos, desde el guaguancó hasta el Cha cha chá que se resumieron en un disco del sello Ojalá: "La luz es música". En la elaboración del disco participó el cantautor cubano Silvio Rodríguez. Por el mismo recibió el Premio Cubadisco 2012 en la categoría de cancionística.
Con seis años de edad se presentó a pruebas de aptitud en la especialidad de violín e ingresó en el Conservatorio Guillermo Tomás de Guanabacoa, donde comenzó a estudiar ese instrumento un año después.

Hasta el 9no grado estudió en la Escuela Elemental Música Manuel Saumell donde después hizo un pase de nivel y entró al Consevatorio Amadeo Roldán a terminar el nivel medio profesional. Posteriormente se graduaría del Instituto Superior de Arte (ISA) en 2006.
Carrera artística
Desde su estancia en el Conservatorio Amadeo Roldán incursionó con la Camerata Romeu interpretando temas más como “La bella cubana” y otros arreglos de Zenaida Romeuy trabajó con Roberto Carcasés en "Interactivo" en una sonoridad muy alejada de la música clásica que aprendía en el Conservatorio.
Al enterarse de la convocatoria de los Estudios Ojalá y Silvio Rodríguez para musicalizar los versos de Rubén Martínez Villena decide participar en la misma y gana. Tammy, que nunca había leído los versos de Martínez Villena los adaptó a varios géneros musicales cubanos, desde el guaguancó hasta el cha cha cha que se resumieron en un disco del sello Ojalá: "La luz es música". En la elaboración del disco participó el cantautor cubano Silvio Rodríguez quien cantó junto a Tammy uno de los temas.

Junto a Silvio Rodríguez participó también en varios de los conciertos que el músico realizó por varios de los barrios más desfavorecidos de La Habana. También tocó junto a Kelvis Ochoa con la brigada Martha Machado en la Isla de la Juventud cuando el municipio cubano fue afectado por un fuerte huracán en 2008.
Premios y reconocimientos
Premio Cubadisco en cancionística, por La luz es música del Sello Ojalá. Año 2012._(ecured)



Apadrinada por Silvio Rodríguez, de Cuba nos llega esta prometedora artista Tanmy López con gran carga melodica y emocional en su voz y ganadora de los Premios de Creación Ojalá 2010 (Cuba). Primero suyo en solitario, el álbum lo conforman 10 poemas escogidos del poeta cubano Rubén Martínez Villena (1899-1934), abogado fundador de la Liga Antiimperialista y de la Liga Anticlerical, miembro del Comité Central del Partido Comunista de Cuba y director de la huelga general de 1933 que derrocaría el régimen de Machado. 
Concurso convocado por el propio Silvio como homenaje al poeta y cuyo motivo fue la musicación de sus escritos, el talento de la joven violinista, intérprete y compositora recrea con sus propias melodías y armonías textos que trascienden tiempos y épocas y se eleva muy por encima de las expectativas del cantautor. Elegantes y creativos arreglos para una voz sabia a pesar de su juventud y fresca a pesar de su talento demostrablemente añejo.






Tanmy López Moreno-La Luz Es Música (2014) (Premio de Creación Ojalá 2010)

Temas:
01.Peñas Arriba
(fragmentos)    
02.Capricho en Tono Menor
03.Celos Eternos
04.Motivos
05.Paz Callada
06.Presagio de la Burla Final
07.Maltiempo
08.Ironía
09.El Faro
10.Insuficiencia de la Escala y el Iris

sábado, 19 de marzo de 2016

Charlie Palmieri Quartet - Easy Does It



El hermano mayor de Eddie Palmieri, Charlie Palmieri fue igual de talentoso pianista como su hermano, muy percusivo y sensible a ritmo mientras parpadea también floridos pasajes eran claramente el producto de una educación clásica. Comenzaron sus estudios de piano a los siete años y asistió a la escuela de música Juilliard, convirtió en profesional a los 16. Comenzó el grupo El Conjunto Pin Pin en 1948 y jugó en una serie de conjuntos--incluyendo los de Tito Puente, Tito Rodríguez y Pupi Campo, antes de formar su propio grupo de Charanga Duboney en 1958. Como director de música de la Alegre All Stars durante la grabación para el sello Alegre en la década de 1960, Palmieri estimulado la competencia entre etiquetas latinas como Tico y Fania, que formaron sus propias bandas All-Star en respuesta. Como muchos artistas de jazz latinos de la época, Palmieri coquetea con el estilo de boogaloo Latino popular en la década de 1960 y algunos discos para importantes sellos como RCA Victor y el Atlántico. 
Sufrió un colapso mental cercano en 1969, sino aglomerado a trabajar otra vez para Puente en su programa de televisión de El Mambo de Tito Puente, y también encontró una segunda carrera como historiador y maestro de la música Latina y la historia en varias universidades de Nueva York en la década de 1970. Palmieri se trasladó brevemente a Puerto Rico desde 1980 hasta 1983, y después de sufrir un grave ataque cardíaco y accidente cerebrovascular a su regreso a Nueva York, él se recuperó para liderar a varios combos latinos, incluyendo el Combo Gigante. Una de sus últimas grabaciones fue un cameo galvanización en "Mayeya" de Mongo Santamaria en 1987 (ahora en Afro Blue de Mongo: la colección Picante para Concord Picante), y apareció en Inglaterra por primera vez en 1988 poco antes de su muerte. Casi todo el trabajo de Palmieri es difícil de encontrar a través de canales nacionales, pero A paso de Messidor de gigante está disponible en CD._Richard S. Ginell (allmusic)


A partir de 1959. He aquí algunos principios infecciosa Charlie Palmieri con el swing y el ambiente. Este cuarteto cuenta con Johnny Pacheco en las congas, Joe Rodríguez en la batería y un muy elegante Al "Guido" González en el bajo. Esto realmente mucho más que finales de los 50 'barra de humo de la música - el que es así. Realmente se puede oír inteligencia de Palmieri. Uno tiene la sensación de que el formato de cuarteto de jazz le permitía cierta libertad que una banda típica de baile latino no podía. Recuerde, esto es aproximadamente el mismo tiempo que su orquesta Charanga Duboney empezó a cuajar. Aquí es otra faceta de un gran artista. Oh, como un aparte: Escucha a este disco y que estará de acuerdo en que Pacheco es poco apreciado como percusionista.

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Charlie Palmieri Quartet - Easy Does It (1959) Re-Issued (2004)

Temas:
01.Cuban Love Song 
02.Take Me In Your Arms 
03.Jeepers Creepers 
04.Pavanne 
05.I'll Never Be The Same 
06.I'll Be Around 
07.Perfidia
08.Thou Swell 
09.You An The Night And The Music 
10.Ponce

Musicos:
Charlie Palmieri-Piano
Al "Guito" Gonzalez-Bass
Joe Rodriguez-Drums
Johnny Pacheco-Congas and bongos

Recorded in New York, April 1959


jueves, 17 de marzo de 2016

Manuel Valera - Currents


CD quinto de Manuel Valera como un líder es una mezcla de normas, sus composiciones de jazz y originales, con un trío como bajista James Genus y el baterista Ernesto Simpson. El pianista/tecladista cubano no es exclusivamente un estilista de jazz latino, según lo evidenciado por su tratamiento de post-bop conducción de "How Deep Is the Ocean", que tiene líneas largas de Chick Corea, y un explosivo tome del Monk de Thelonious del "We See". Un toque de la influencia de Bill Evans brilla a través en el ambiente lírico de Valera de "I Loves You, Porgy". 
El pianista tiene la música de los finales Kenny Kirkland especial, no sólo ofreciendo un arreglo Latino enérgico de infrecuentemente realizado "Dienda" de Kirkland pero también con su melancólico original "Ode to Kenny." El líder agrega teclados eléctricos en varias de sus composiciones, incluyendo el abridor tenso de fusion Latina "Numerico" y la introspectiva "Hindsight". Esta es otra excelente salida para el pianista prometedor._Ken Dryden (allmusic)

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Manuel Valera - Currents (2009)

Temas:
01. Numerico
02. How Deep Is The Ocean
03. Balada Para Isabel
04. We See
05. I Fall In Love Too Easily
06. Ode To Kenny (Dedicated to Kenny Kirkland)
07. Dienda
08. Hindsight
09. I Loves You Porgy
10. Currents

Musicos:
Manuel Valera-Keyboards & Piano
James Genus-Bass (Acoustic), Bass (Electric)
Ernesto Simpson-Drums

domingo, 13 de marzo de 2016

Barbarito Diez con la Orquesta Antonio Maria Romeu - Asi Bailaba Cuba Vol. 6


Barbarito Diez Junco. Cantante de amplias facultades vocales, con voz de tenor. Conocido como La Voz del Danzón.

Bolondrón, Matanzas, 4 de diciembre de 1909, exactamente en un central azucarero ya demolido que se llamó San Rafael de Jorrín, da a luz Salustiana del Junco y de la Mercedes a Bárbaro Diez Junco quien, con el decursar del tiempo se convirtiera en "El Príncipe del Danzón". A los 4 años junto a su familia, se traslada, al entonces central Manatí Sugar Company, actualmente en proceso de demolición en el Municipio Manatí, provincia de Las Tunas, donde su padre, Eugenio Diez trabajaba como obrero. Comenzó sus primeros estudios en la escuelita del Batey. Aquí es precisamente donde comienza a cantar en los actos culturales, su maestra es quien descubre su voz y talento musical y lo hacía guiar el coro de la escuela en los actos públicos.

De su coincidencia con el trovador Graciano Gómez, Isaac Oviedo tercero maravilloso que iba del son a la trova, nacieron "Los Gracianos" este trío se nutrió de lo más valeroso de nuestras tradiciones e incorporó genuinas raíces: La trova Tradicional y su gama de Habaneras, Boleros, Guarachas, Sones, y Criollas. Por lo general actuaban en la peña del Café "Vista Alegre" entonces ubicado en San Lázaro y Belascoaín, donde ya Barbarito mostraba la elegancia que lo caracterizó durante más de cinco decenios de vida artística. Sobre el referido lugar Eduardo Robreño, teatrista y periodista, ofrece una valoración en su libro "Cualquier Tiempo Pasado Fue"... "no sería aventurado decir que medio centenar de las más gustadas melodías de nuestro cancionero popular surgieron o se esbozaron allí y es que el Vista Alegre fue centro perenne de reunión de los mejores cultores de la trova. De velada en velada y de baile en baile por toda Cuba y Latinoamérica anduvo Barbarito. Deleitó a varias generaciones con obras de Ernesto Lecuona, Moisés Simons, Eliseo Grenet, Pedro Flores, Rafael Hernández y otros destacados compositores al abrigo de guitarras, pianos y tambores, Barbarito desplegó su virtuosismo y encanto singular, porte erguido, sereno de Palma Real. En su carrera de más de 58 años grabó gran número de discos de larga duración que contenían obras que enriquecen el repertorio musical cubano. 
Viajó a los países de América, Europa y E.U.A., realizó programas en Cabaret, Teatros, Bailes, la Radio y la TV. Por su dedicación al desarrollo del arte nacional, su fecunda labor en aras del enriquecimiento cultural de nuestro pueblo le fueron impuestas medallas, órdenes y distinciones. Jamás aprendió los fundamentos teóricos del arte musical, pero demostró ser uno de los más afinados y consecuentes del Danzón, un género que como ritmo permanece hasta en la misma Salsa a pesar de contar con más de 100 años de creado. Su voz única e irrepetible se escuchó en México, Venezuela, República Dominicana y Panamá entre otros escenarios del mundo logrando a lo largo de su fructífera carrera, el título de: "La Voz de Oro del Danzón", o "El Príncipe del Danzón".

Sin proponérselo tejía una leyenda inscrita en la buena música sin límites de fronteras. El pueblo comenzó a llamarlo La Voz del Danzón sobre todo por su apego al género (Barbarito era hombre de fidelidad) y constancia, siempre rehuyó el cambia cambia tan socorrido por los vocalistas y agrupaciones. Así fue de especial con el Danzón.

Contó con el maestro Antonio María Romeu, quién además de introducir el piano en su orquesta para interpretar danzones, tenía un modo peculiar de tocar ese instrumento. Impresionaba con su estilo, técnica y escalas inigualables. En tanto que la voz por excelencia de "Tres Lindas Cubanas" y de otras páginas antológicas aportó bríos mesurados y originales a la forma danzaria y cantable reconocida como nuestro baile nacional. Por eso resulta difícil mencionar a la Orquesta de Antonio María Romeu sin añadir, a su cantante Barbarito Diez. Buena parte de la amplia discografía que enriquece el acerbo musical cubano le pertenece. Pudo ampliarla en Venezuela donde descolló como uno de los intérpretes más populares de la década del 80 tras grabar con la agrupación de cuerdas La Rondalla Venezolana que dirige Luis Arismendi. En la prensa del país sudamericano varios musicólogos reconocieron en fechas recientes que Barbarito Diez fue en su momento irrepetible en la música caribeña. 
Su nombre quedará inscripto en el pentagrama mundial de la música popular. Esta distinción se repite en otros lugares, donde la voz melodiosa que recreó como ninguna otra, Idilio, Ojos Malvados, Junto al Palmar del Bajío y La Rosa Roja, ameniza la fiesta entre amigos. No asombra la encurrencia, y mucho menos que Alfredo Sadel y Simón Díaz, músicos Venezolanos amigos de Cuba, lo definieran como una de las grandes voces de América Latina. "Entregaba en cada interpretación por encima de todos sus logros formales(méritos y rítmicos) una atmósfera auténtica, sangre de su vida", comentó Díaz. Esta proyección trascendió a otros géneros. En el Cha Cha Chá reconoció Barbarito "una magnifica modalidad del Danzón que ha prendido en el corazón del cubano. lo acepto como algo nuestro al igual que al Danzón. Ambas ramificaciones saben a son cubano"...Seguir leyendo

Más información relacionada





Barbarito Diez con la Orquesta Antonio Maria Romeu - Asi Bailaba Cuba Vol. 6

Temas:
01.Ansiedad    
02.Reina Guajira    
03.Poupurrit De Danzones    
04.El Erial    
05.Mares Y Arenas    
06.Don Galaor    
07.Alli Donde Tu Sabes    
08.Ya Nunca Mas    
09.Santa Cecilia    
10.Canto A Mi Madre Adorada    
11.Cuba Y Sus Misterios    
12.Despues

sábado, 12 de marzo de 2016

Yma Sumac - Mambo!


Zoila Agusta Emperatriz Chávarry del Castillo (1922 – 2008) quizás suena a demasiado a la nada, a la vez si decimos Yma Sumac todo cambia, al menos para los entendidos de la música o la cultura en general. La mencionada al comienzo de la nota fue nada menos que una princesa inca nacida en Cajamarca, descendiente del Inca Atahualpa (esto se ha certificado por las autoridades del Perú), pero no es por esto que ha sido tan conocida sino porque fue una cantante de ópera cuyo rango vocal iba desde ser una soprano hasta una barítono de graves (es decir abarcaba 5 notas), y esto en la década de los ’50s era algo inusual, pero más inusual era que podía imitar el trino de las aves (esto se llama la triple coloratura, siendo la única en la historia). Entre otras particularidades realizo la doble voz en la canción “Chuncho“.

Luego de un tiempo corto haciendo una carrera en su país natal, conoció a su esposo Moisés Vivanco, músico indigenista que era director de la Compañía Peruana de Arte. Al finalizar La II Guerra Mundial se trasladaron a Estados Unidos: su carrera artística comenzó a crecer dado a su exotismo y belleza. Al comienzo se creía que era una neoyorkina llamada Amy Camus (Yma Sumac deletreado al revés), a la vez que empezaba a actuar en Hollywood.

Y es en 1954 que realiza dos hitos importantes: el primero la película El Secreto de Los Incas junto a Charlton Heston y Robert Young, donde interpretó algunos temas. El segundo es la grabación de Mambo!, un disco realizado para Capitol Records, sello con el que se aliaron desde 1950 y que tenía una mirada del estilo exótico muy particular.

Mambo!, que fue producido enteramente por su esposo Moisés Vivanco, fluye en dos vertientes musicales que llamaban la atención en la época: ese ritmo afrocubano que le da titulo al disco se logra mezclar con el folklore andino y con los sonidos guturales de la ñusta, volviéndose una exquisitez tanto para la época como ahora, convirtiéndose en un disco de culto.

“Bo Mambo”, la canción que abre el disco, quizás encierra en sí el alma de él: tiene un aire de soundtrack de pelicula de epoca y épica; las trompetas estan al nivel de su voz. La misma impresión causa “Jungla” que podría ser parte de una entrega de King Kong. Juega más con su voz en “Taki Rari” donde sus gorgeos perturban, y en “Five bottles of Mambo“, donde su voz gutural es casi animal. El folklore andino se remarca más en el huaynito orquestal “Chicken Talk“, el carnaval cajamarquino “Indian Carnival” y el altiplánico “Carnavalito Boliviano“. Un aire flamenco y de ballroom se cierne en “ChaChaCha Gitano“.

Resalta en la media hora del disco el sonido orquestal, esto gracias al arreglista Billy May (Arthur Murray) que le da el indicativo más estridente a Rico Mambo Orchestra, que junto al trompetista Conrad Gozzo (Benny Goodman and His Orchestra) compone lo que sería una de las piezas claves del disco: “Gopher (Mambo)“. Por su cuenta, el director de orquesta arma “Goomba Boomba“, otra pieza clave donde inquieta la risa de la peruana. Pero la máxima pieza de éste es “Malambo # 1“, un doble guiño a “Mambo # 5” y a la canción “La Quiero a Morir“. Un disco, una artista que vale la pena re-descubrir: por algo la Reina de Lo Exotico es Yma Sumac (que viene de una frase en quechua que significa “Qué Linda”). Una mujer que imperó en lo suyo tanto así que logró influenciar a variados artistas, desde Phoebe Killdeer a Vanessa Paradis, quien la menciona en “Joe le taxi” (otra canción de culto, compuesta por Serge Gainsbourg en el primer disco de la francesa de 1987). Los españoles de La Casa Azul también poseen una canción llamada “La Nueva Yma Sumac“: esto es tan sólo una de las tantas referencias de la marca que ha ido dejando su estilo musical._ Zezé Fasshmor (indiehoy)





Yma Sumac - Mambo! (1954)

Temas:
01.Bo Mambo
 
02.Taki Rari    
03.Gopher    
04.Chicken Talk    
05.Malambo No. 1    
06.Five Bottles Mambo    
07.Indian Carnival    
08.Jungla

domingo, 6 de marzo de 2016

Alex Alvear & Mango Blue - Immigrant Blues



Alex Alvear y Mango Blue combina una emocionante mezcla de estilos musicales para crear un nuevo sonido refrescante en afrolatina y el mundo de la música, a través de canciones de celebración y de conciencia social. Alex Alvear y Mango Blue es un todo original-ensamble de alta potencia, la música que tiene deleitado al público y promotores por igual, todo el continente americano con su sonido contagioso.

Conducido por el compositor ecuatoriano, el bajista y cantante Alex Alvear, este híbrido vigorizante integra en broma una amplia gama de influencias de Rhythm & Blues, Jazz y Funk a las raíces del Caribe, con una sólida base rítmica que se nutre de diversas tradiciones musicales afro-latinos. Esta fusión estilística permite un brebaje que se traduce en la música que trasciende las fronteras étnicas, proporcionando un nuevo color en la paleta de la música latina.

Los miembros de esta banda provienen de diferentes partes del mundo, incluyendo Venezuela, Costa Rica, Puerto Rico, Brasil, Colombia, México, los EE.UU. y Ecuador y se encuentran entre los mejores instrumentistas de la región.

Los créditos de Alvear incluyen grabaciones y / o actuaciones con artistas de renombre internacional como Celia Cruz, Orlando "Puntilla" Ríos, Paquito D'Rivera, Larry Harlow, Afrocubism, Isaac Delgado, Jimmy Haslip, Johnatha Brooke, Raul Midón e Israel "Cachao" López , para nombrar unos pocos. Dos producciones Alvear ha participado en haber sido nominado a los Grammys incluyendo Paquito D'Rivera de "Paquito D'Rivera Presents: Las Hermanas Márquez" y Gonzalo Grau de "Frutero Moderno."

Alex Alvear y Mango Blue ha ofrecido numerosos conciertos en salas de conciertos, festivales y clubes de nivel nacional e internacional. Algunos de estos incluyen Nuevo Festival de CAPA refugio Jazz, (compartiendo escenario con Dee Dee Bridgewater), Severance Hall (Cleveland), El Festival escenario Savannah, Blue Frog (Mumbai, India), Teatro Nacional Sucre y Plataforma del MAAC (Ecuador), Los sollozos de nueva York, MAKOR, Village Underground y The Nuyorican Poets Café, el Festival de Jazz de Beantown, Festival de Intercambio Cultural de Portland, de la serie World Music de Boston Symphony Hall, el Museo de Bellas Artes de Filadelfia y muchos más. _(getshowtix)





 Alex Alvear & Mango Blue - Immigrant Blues (2001)

Temas:
01. Eleggua
02. Immigrant Blues
03. A Moverse!
04. Tambo'
05. Cosa Linda
06. Nada
07. Para Ti
08. Cha-Cha Blue
09. Pasado Presente
10. Grave Situacion
11. Moraleja

Musicos:
Lead Vocals, Bass – Alex Alvear
Keyboards – Alain Mallet (tracks: 1, 2, 4, 7, 9, 10)
Lead Vocals – Chiara Civello (tracks: 4, 8, 9)
Piano, Keyboards – Alon Yavnai
Vocals, Cowbell [Bell], Guiro, Keyboards, Percussion [Chekere] – Gonzalo Grau
Written-By – Alex Alvear (tracks: 2 to 11), Chiara Civello (tracks: 3)
 

Información cedida por Hector Guillermo Copete

sábado, 5 de marzo de 2016

Jose Rizo's Mongorama-Jose' Rizzo's Mongorama



Mongorama. El nombre solo suena divertido — y esto es un récord, a pesar de ser creado por músicos que toman muy en serio la música afrocubana y el legado de Mongo Santamaría. Organizado por DJ jazz Jose Rizo's, la banda destaca una mezcla de clásicos de Santamaria, mezclado con nuevas composiciones en la misma tradición.

Cualquier disco que se asocia tan de cerca un gran conguero como Santamaría está ligada a función muchísima mano tambores y Mongorama no defrauda. Joey De León abarca la mayoría del álbum, con un solo huésped de Poncho Sánchez en "Asi Es La Vida". Frente y centro, las congas y magistralmente jugaron pero ritmo del disco sigue siendo medido, para arriba-tempo pero nunca abrumadora — sobre groove sólido en lugar de unidad de atronador frenético, empeñado.

Las características de la banda varios alumnos de Santamaría, con el flautista Hubert Laws, que sopla un terrible extendió solo sobre la conga infecciosa compás de "Bacoso", demostrando por qué él tan ricamente merece su título de maestro del Jazz de NEA. Violinista Dayren Santamaria — uno de la firma del álbum proporcionando sonidos instrumentales, inmediatamente sigue con una con una improvisación igualmente excepcional. Violín es una triple amenaza en la mayoría de pistas; Además solos, se utiliza una textura de fondo romántica detrás de voz fina Adonis Puentes, así como melódico para bocetos detrás de otros solistas.

Pianista Oscar Hernández y el tenor saxofonista Justo Almario proporcionan otros puntos. Ambos son claramente bien versados en la tradición de la música, mientras que también mezcla elementos de jazz moderno en sus solos. Hernández agrega un toque de discordia que suena completamente actualizado "Que Maravilloso", mientras que Almario aparece en "Bluchanga", que sopla su cuerno en la mejor tradición del post-bop.

Con diez miembros de la banda y cuatro solistas invitados, hay muchas cosas sobre la felpa-sonido Mongorama, donde ese poder de fuego mucho musical ofrece el lujo de capas texturas y armonías multipartes. Director musical Danilo Lozano aprovecha al máximo de sus recursos a una banda que suena verdaderamente magnífico. Con buena música y musicalidad impecable, Mongorama es una grabación excepcional... y simplemente diversión._Greg Simmons (allaboutjazz)





Jose Rizo's Mongorama-Jose' Rizzo's Mongorama (2011)

Temas:
01.Bacoso
02.Asi Es La Vida
03.Las Guajiras
04.Bluchanga
05.No Molestes Mas
06.Bubba Boogaloo
07.Palo Mayombe
08.Siempre En Ti
09.Que Maravilloso
10.Cruzan
11.Guajira at the Blackhawk
12.Tin Marin

Musicos:
Justo Almario: tenor sax
Danilo Lozano: flute and musical director
Oscar Hernandez: piano
Ramon Banda: timbale
Rene Camacho: bass
Joey De Leon: congas
Adonis Puentes: lead vocals
Alfredo Ortiz: guiro, vocals
Alberto Salas: piano
Hubert Laws: flute (1)
Poncho Sanchez: congas (2)
Freddie Crespo: vocals
Destani Wolf: vocals

martes, 1 de marzo de 2016

Bill O'Connell's Chicago Skyliners Big Band - That Toddlin' Town



Agregación de difícil conducción, optimista de Bill O'Connell's rinde homenaje a su ciudad natal de Chicago con que ciudad Toddlin', su sexto álbum y quinto para su propio sello azul Birdland. Jugando una mezcla de normas y originales reunidos por un grupo de destacados arreglistas y compositores (incluyendo los favoritos de O'Connell, Sammy Nestico), esta sesión presenta más de una hora de excitante música de big band. La mayor parte del material es optimista, y no mucho tiempo se gasta en baladas. Una excepción notable y bastante es "¿cómo hacer que mantenga la música jugando?" con vocalizar por Byron Woods y Sherrilynn Riley. 
Riley aparece otra vez en un entusiasta "Fly Me to the Moon", y bosques ofrece una admirable interpretación del himno de la ciudad, "Chicago." Pero las estrellas de este álbum son los instrumentales realizados por los miembros logrados de la banda. De trompeta de atmósfera superior de Terry Connell y saxo tenor fresco de Bob Frankich en Dizzy Gillespie "Tanga" para trombón de Mark Corey de Nestico "caminar en el parque", la sesión está repleto de excelentes solos. También merecen mención es Bill Horn en saxo alto y Jim Peterson con su trompeta de octava alta. El juego de conjunto es igualmente deslumbrante, como en el Blues "Play It Again, Sammy" y la romántica "Donde está el amor". 
Es evidente por la forma dinámica en la que presenta gráficos bien construidos que esta banda es bien ensayada. Líder o ' Connell es a cargo, asegurándose de que temas seguirán aguzando con tambor bien situados pausas y signos de puntuación. Su apertura en el latín "Cabeza de Carne, se quitará el aliento. Esta banda ha sido juntos por más de diez años. No pretende ser una propuesta súper, su misión ha sido mantener la música de big band de la llama ardiente brillante y largo. Con sus álbumes, este objetivo no sólo ha sido alcanzado sino superado. Para los amantes de la música creada por un conjunto de 16 hombres que sopla, es recomendable este album._Dave Nathan (allmusic)





Bill O'Connell's Chicago Skyliners Big Band - That Toddlin' Town (1998)

Temas:
01.The Apocalypse
02.Tanga
03.Tad Boppin'
04.Where Is Love
05.Vertigo
06.Cabeza De Carne (Meat Head)
07.Madelyn's Song
08.Chicago
09.How Do You Keep The Music Playing?
10.Fly Me To The Moon
11.Celebracion
12.Rachael
13.Dexterity
14.Play It Again, Sammy
15.Walk In The Park
16.Dimensions In Blue

Musicos:
 
Drums – Bill O'Connell (2), Dave Rush (tracks: 2, 6, 11)
Acoustic Bass – John Elmquist
Alto Saxophone – Ken Partyka
Alto Saxophone [Lead] – Bill Horn (2), Bob Frankich (tracks: 7, 10, 12 to 16)
Baritone Saxophone – Chip Gdalman, Rick Hirsch (2) (tracks: 14 to 16)
Conductor – Will Koch

Electric Bass – Steve Hashimoto
Guitar – Dave Ivaz
Percussion – Dave Rush
Piano – Bobby Schiff, Ron Mills (2)
Soprano Saxophone, Alto Saxophone – Bob Frankich
Tenor Saxophone – Bill Horn (2) (tracks: 13), Brian Sjoertinga (tracks: 14 to 16), Kent Lawson, Mike Bazan (tracks: 7, 10, 12, 13)
Trombone – Dave Gross (2), Edwin Williams (3)
Trombone [Bass] – Brad Payne
Trombone [Lead] – Dave Gross (2) (tracks: 10), Mark Corey (tracks: 14 to 16), Russ Phillips (3)
Trumpet – Jared Brame, Jim Peterson (3), Terry Connell, Tito Carrillo
Trumpet [Lead] – Kirk Garrison, Terry Connell (tracks: 3)
Vocals – Byron Woods, Sherrilynn Riley

Grabado en Solid Sound Studio, Hoffman Estates, IL mayo a septiembre de 1997


El jazz latino es una vertiente del jazz que combina melodías africanas y latinas.Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña y la and Afro-Cubana.El Latin Jazz Brasileño incluye el bossa nova y la samba. El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo, son, mambo, bolero, charanga y cha cha cha El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40 cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron a combinar el ritmo y la estructura de la música Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus Afro-Cubanos, con instrumentos de jazz.En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung. Latin Jazz raramente emplea un compás tocado en cuatro, pero usa una forma de clave. La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos de percusión que contribuyen al sonido Latino.La Samba se origina en la música Afro-Brasileña del siglo XIX tal como el Lundu. Emplea una forma modificada del clave. El Bossa Nova es una música híbrida, que utiliza algo del ritmo de la Samba pero influenciada por música Europea y Estadounidense desde Debussy a US jazz. El Bossa Nova se origina en los Años 60, principalmente por los esfuerzos de los brasileños Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, y el estadounidense Stan Getz. Su canción más famosa es Garota de Ipanema (La Chica de Ipanema), cantada por Gilberto y su esposa, Astrud Gilberto.
De donde viene el nombre de L'Ostia???

A inicios del siglo XVIII los vecinos de la Barceloneta se quejaban porque el cierre de los portales les hacía difícil asistir a las funciones de noche, puesto que cuando salían del teatro (Principal de la Rambla) no podían volver a casa porque encontraban cerrado el portal de Mar. Las autoridades militares accedieron a cerrar el portal de Mar media hora despues de que terminase la función del teatro, dos días a la semana que quedaron fijados.
Este horario extra fue calificado de "La Hora de L'Ostia", en alusión al nombre humorístico de L'ostia que se aplicaba a la Barceloneta.
Hay otra versión puritana relativa al origen del nombre "Ostia" dado a la Barceloneta, que recordaba que este mote quería decir Puerta en latín y puesto que el barrio fue hecho extramuros, era una especie de puerta marítima de Barcelona. Es posible que el origen de la denominación fuese un juego de palabras, pero lo que es indudable es que a nivel popular, cuando se decía que la Barceloneta era l'Ostia, se decía en un tono muy poco latín, mas bien referido a la composición eminentemente obrera i a la constante agitación política del barrio.
Fuente: Joan Amades. Historias y leyendas de Barcelona.

No confirmado. Un carguero italiano de la ciudad de Ostia que transportaba madera naufragó y los marineros y tripulantes estuvieron viviendo en barracas en la playa durante unos años hasta que fueron rescatados y devueltos a su ciudad.

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